Cette thèse examine les notions de temps réel et de temps différé telles qu'on les rencontre en informatique musicale et dans la musique contemporaine. La première partie commence par une approche historique, montrant la concomitance de leur apparition avec l'essor de l'informatique au début des années 60. Puis elle développe une critique du cloisonnement du temps réel et du temps différé en tant que catégories dichotomiques, à partir de définitions du seuil de latence qui sont incompatibles entre elles. Elle formalise enfin une représentation alternative : un axe " latentiel ", qui intègre temps réel et temps différé. Cette représentation est illustrée par trois analyses axiales, utilisant un logiciel d'aide au classement relatif et subjectif. À la suite de cette réflexion théorique, la seconde partie présente cinq collaborations musicales dans lesquelles j'ai réalisé la partie informatique avec Max/MSP : CBox avec le compositeur Mario Lorenzo, sur un projet d'exploration des possibilités de la circularité ; Mimi et Rose amère avec l'altiste Stéphanie Réthoré, sur un projet d'alto augmenté pour l'improvisation ; FeedItBack et Iviv avec le compositeur Santiago Quintáns, principalement sur la pièce In Vivo / In Vitro, pour caisse claire augmentée ; a2m, Loterie, Emzed et Nappe avec le compositeur Mauricio Meza, sur la pièce Woes-war-sollichwer-den, pour clarinette, public, et ordinateur ; Plugiscope, Ifso, et Ultraviolette avec le clarinettiste et compositeur Iván Solano, sur un premier projet pour voix, un deuxième pour clarinette basse, et un troisième pour percussion. La thèse s'achève avec une brève réflexion sur le réalisateur en informatique musicale.

En quoi et comment l'étude des rythmes de marche rejoint-elle une approche de la ville par le corps ? Cette question qui traverse ce travail, est aussi celle que nous formulons en direction de la conception architecturale et urbaine des espaces publics contemporains. En choisissant de contribuer aux recherches sur la marche en ville et en nous consacrant à l'étude des rythmes de marche, nous avons choisi de nous intéresser particulièrement à la définition de l'espace du mouvement, c'est-à-dire à l'importance, au niveau de la perception, de l'établissement d'une relation à l'environnement qui n'en appelle pas à une expérience finalisée de la réalisation d'un parcours d'un point de départ à un point d'arrivée, mais à celle de l'avènement d'une présence. De quelle manière s'établit cette relation à l'environnement qui nous ouvre à cette expérience de parcourir la ville sur le mode des variations présentielles ? Comment peut-on envisager concevoir l'espace public urbain selon ce mode du mouvement des corps et de l'espace ? En explorant cette problématique, nous inscrivons notre travail dans le champ des ambiances architecturales et urbaines, en revendiquant pour la marche à la fois sa dimension d'expérience sensible de la ville par le corps mais aussi, par l'engagement du corps qu'elle permet, la disposition à une posture pouvant enclencher le processus de conception. Notre étude a porté sur deux terrains : l'esplanade de la BnF et la passerelle Simone de Beauvoir à Paris. Entre immersion, recueil de paroles en marche et travail vidéographique, au détour de la post modern dance et de la danse contemporaine, notre recherche croise les dimensions sensibles, spatiales du mouvement et des émotions de la marche. Les analyses menées s'attachent à découvrir et restituer les mouvements de l'expérience présentielle de ces terrains d'étude. Ces observations pourront intéresser le milieu de la conception en l'amenant à une réflexion sur la composition des espaces publics en termes de conditions d'appuis des corps en marche permettant d'établir une relation à l'environnement dans le mouvement. Cette recherche ouvre aussi à un questionnement sur la façon dont une approche par l'esthétique de l'ambiance peut s'instaurer en critique de la conception architecturale et urbaine par le mouvement.

Dans la rencontre entre l'architecture contemporaine et le patrimoine bâti, la thèse propose de s'affranchir de la polarité conservation-création en analysant l'actualisation patrimoniale en tant que phénomène culturel à l'œuvre. La cohabitation entre le nouveau et l'ancien en architecture, si elle se pratique depuis plus de deux mille ans, est devenue un enjeu au XXe siècle.L'explosion des formes en architecture contemporaine, parallèlement à la montée d'une prédominance de la signature de l'architecte, semble a priori difficilement réconciliable avec l'extension de la notion de patrimoine, extension autant sémantique que géographique et spatiale. Or, que ce soit pour des raisons économiques et environnementales, fonctionnelles ou patrimoniales, les insertions d'éléments d'architecture contemporaine sur des bâtiments patrimoniaux transforment désormais le patrimoine d'objet-relique en un projet dynamique, constituant un genre architectural particulier et indépendant.L'actualisation est une façon de réinterpréter le patrimoine en lui donnant un sens actuel grâce à une action (en l'occurrence, un ajout architectural dans un style contemporain), ce qui modifie les représentations du lieu tout en lui ajoutant une couche de significations. Ce processus communicationnel se pose ainsi comme une réponse à l'obsolescence patrimoniale ; en transformant les représentations d'un lieu par un langage contemporain et en s'immisçant dans son processus de patrimonialisation.À travers trois cas espagnols récents, l'actualisation est observée dans trois types de manifestations : la " ponctuation " à l'œuvre dans l'accès au centre CaixaForum de Barcelone (Arata Isozaki), la " prolongation " du musée national Centre d'art Reina Sofía à Madrid (Jean Nouvel) et, finalement, la " révélation " du musée du Théâtre romain de Carthagène (Rafael Moneo)

Les deux premiers romans de Michel Folco, Dieu et nous seuls pouvons (1991) et Un loup est un loup (1995), ont reçu un très bon accueil du public et de la presse, mais ont été pratiquement ignorés par la critique universitaire. Ces romans historiques méritent pourtant qu’on les étudie. Cet admirateur de Dumas propose des romans d’aventures d’inspiration historique, qui en apparence sont construits dans la plus pure tradition du genre. Or, les textes sont plus complexes qu’il n’y paraît : ils ont absorbé un intertexte fort et multiple, incorporé des fantasmatiques sociales inquiétantes, offrent une représentation originale du rapport entre l’être humain et la nature. Centrés autour des figures du bourreau et du loup, ils présentent un traitement singulier de ces symboles du mal et remettent en question la haine ancestrale dont ils sont l’objet. Dans un univers romanesque hanté par le motif de la vengeance, c’est l’ensemble de la société qui est représentée comme violente, intolérante et cruelle. La notion de mal est questionnée, redéfinie, déplacée. C’est ce déplacement qui est l’objet de ce mémoire, lequel se donne pour but de montrer comment les textes travaillent des récits historiques ainsi que des représentations mythiques et religieuses. / The first two novels of Michel Folco, Dieu et nous seuls pouvons (1991) and Un loup est un loup (1995), were well received by the general public and the press, but were largely ignored by the academic community. These historical novels do however deserve our attention. This Dumas admirer proposes adventure novels of historical inspiration which seem to be constructed in the purest form of the genre. Yet the texts are more complex than it appears: they have absorbed a strong and multiple intertext, incorporated disturbing social fantasies and they offer an original narrative of the relationship between Man and Nature. Centered around the characters of the executioner and the wolf, the novels present a unique approach to these symbols of evil and question the ancestral hatred to which they are subjected. In this fictional universe, haunted by vengeance, it is society as a whole that is depicted as violent, intolerant and cruel. The notion of evil is redefined, questioned and distorted. It is this very distortion that is the topic of this thesis, whose purpose is to show how these texts transform historical accounts as well as mythical and religious representations.

L'un des constats fondamentaux qui se dégage de l'œuvre de Michel Foucault est celui d'une inscription moderne du biologique dans le politique. Ce constat marque ainsi l'ouverture d'une perspective biopolitique, qui propose une analyse transversale reliant les rapports de pouvoir, les modes d'objectivation du savoir, ainsi que les modes de production du sujet moderne. Dans le cadre de ce mémoire, nous tenterons de cerner la pertinence actuelle de l'approche biopolitique comme outil pour une analyse sociologique critique des sociétés libérales contemporaines. Pour ce faire, nous proposerons une analyse synthétique et comparative des travaux de trois auteurs, qui incarnent chacun un moment-clé dans la problématisation de la biopolitique : Michel Foucault pour son articulation initiale à travers une analyse positive et relationnelle des techniques de pouvoir sur l'individu et la population, Nikolas Rose pour son actualisation sociologique des thèses de Foucault dans le champ contemporain de la santé, ainsi que Giorgio Agamben pour sa réarticulation théorique de la perspective biopolitique avec celle du pouvoir souverain. Nous proposerons donc une synthèse critique des différentes notions et conceptions qui se dégagent du corpus de chaque auteur, en les confrontant entre elles ainsi qu'à des objets sociologiques contemporains qui ont trait à l'encadrement de la vie humaine, prise à la fois comme sociale et biologique. Nous dégagerons ainsi le mode particulier de problématisation de la vie qui se dégage des textes de chacun de nos auteurs, dans le but d'interpréter leur signification en regard des mutations politiques de la modernité. Finalement, nous soulignerons la portée et les limites de leurs analyses respectives afin de faire émerger les caractéristiques d'un « gouvernement de la vie » dans les sociétés libérales contemporaines. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : assujettissement, biopolitique, biopouvoir, Giorgio Agamben, gouvernementalité, Michel Foucault, médecine, modernité, Nikolas Rose, norme, politique, population, pouvoir, santé, savoir, société libérale, souveraineté, subjectivation, sujet.

L’imbrication de l’écriture et de la photographie sera examinée dans Les années, d’Annie Ernaux, de façon à montrer la tension au cœur du double désir de l’auteure de documenter des moments révolus et de les transmettre à autrui. Seront étudiées, d’un point de vue poétique et esthétique, la mise en œuvre des documents et les modalités d’inscription des souvenirs, lesquels sont généralement présentés sous forme d’images mémorielles. Nous verrons que ces images sont liées à un effet photographique, destiné au lecteur dans le but de partager une mémoire matérielle, intime et collective, s’étalant sur des années. Cet angle d’approche devrait permettre de relire Les années suivant une perspective critique nouvelle, et de contribuer aux recherches portant sur la narration, la trace et la mémoire dans la littérature contemporain. / The interweaving of writing and photography will be examined in Annie Ernaux’s Les années, showing the central tension of the author’s double desire to document past events and pass them on to others. The implement of documents and the engraving modes of memories are generally presented as mental images that will be studied here from a poetic and aesthetic point of view. We will see that those images are linked to a photographic effect, in order to share with the reader an intimate and collective material memory that spreads over many years. This approach would allow a rereading of Les années from a new critical perspective and a contribution to research about narrative, trace and memory in contemporary writing.

Ce mémoire porte sur la poétique du fragmentaire dans trois ouvrages de Pierre Michon, soit "Trois auteurs", "Maîtres et serviteurs" et "Corps du roi". Plus qu’une préoccupation d’ordre formel, le fragmentaire y apparaît avant tout comme un champ de tensions, qui se manifeste à la fois sur le plan narratif, discursif et énonciatif. Une approche essentiellement poétique, à la jonction de la linguistique, de la rhétorique et de la narratologie, permet de réfléchir au fragmentaire dans ses effets, mais aussi dans ses affects. La recherche s’articule autour de trois grands axes : la généricité, la discontinuité et la représentation. Dans un premier temps, le fragmentaire est abordé par le prisme de la généricité, qui se traduit, dans l’œuvre de Michon, par une oscillation constante entre le biographique et le romanesque. La tension entre continuité et discontinuité est ensuite étudiée : marquée par les répétitions et variations, elle se manifeste à la fois sur le plan formel (le recueil) et stylistique (la syntaxe, les figures de style). Cette tension est également à comprendre sur le plan temporel, par une prédilection pour l’instant plutôt que pour la durée. Finalement, ce mémoire interroge la répercussion du fragmentaire sur la notion de représentation, qui subit alors un infléchissement : le récit n’est plus envisagé comme représentation, mais comme figuration, cette notion étant à comprendre à la fois comme posture énonciative et dans son rapport à l’image. La figuration est étudiée à partir des scènes romanesques essaimées dans les récits du corpus. / This thesis focuses on the poetics of the fragmentary in the work of Pierre Michon ("Trois auteurs", "Maîtres et serviteurs" and "Corps du roi"). More than a concern of a formal nature, the fragmentariness is first and foremost an area of tensions, revealed through narrative, discursive and enunciative schemes. A poetic approach, at the junction of linguistic, rhetoric and narratology, enables to reflect on the fragmentariness in its effects, but also in its affects. The research is structured around three axes : genericity, discontinuity and representation. The fragmentariness is first discussed through the lens of the genericity which, in the work of Michon, constantly oscillate between the biographical and the novelistic. The tension between continuity and discontinuity is then studied. Marked by repetitions and variations, this tension presents itself in the formal and stylistic forms. It is also to be understood on a temporal level, with a preference for instantaneity rather than for continuity. Finally, this thesis questions the impact of the fragmentariness on the notion of representation, which undergoes a reorientation : the story is no longer considered as a representation, but as a figuration, which is to be understood both as an enunciative position and in its relation to image. The figuration will be studied from the scenes punctuating Michon’s work.

En 1999, un roman intitulé L’œil de Carafa et signé Luther Blissett connaît un vif succès. L'ouvrage présente la particularité de comporter une mention dite de “copyleft”, autorisant sa reproduction libre et gratuite. Derrière le pseudonyme se dissimule un collectif ouvert et international, porté par de nombreux artistes et activistes médiatiques, qui s'illustre également par diverses actions et happenings. Un an plus tard, les auteurs du roman créent un nouveau projet littéraire, sous le pseudonyme Wu Ming (“anonyme” en chinois). Le collectif prône la libre diffusion de l'écrit et à travers ses publications de théorie littéraire, il suscite la polémique dans le monde des lettres italiennes. En rupture avec la figure de l'écrivain qui s'est imposée depuis une trentaine d'années, Wu Ming prend appui sur le développement des nouvelles technologies, et plus particulièrement sur l'essor d’Internet, pour imposer une nouvelle conception de la création littéraire et de la diffusion des œuvres.L'analyse ici proposée interroge le caractère novateur du positionnement éthique et littéraire de Luther Blissett et de Wu Ming, en examinant leurs productions à l'aune de trois modèles de référence : l'avant-gardisme, le postmodernisme et la littérature engagée. En confrontant les engagements des deux collectifs à leur fonctionnement concret et, in fine, à leurs œuvres, elle vise à déterminer si les projets Luther Blissett et Wu Ming sont annonciateurs d'un changement de paradigme en littérature, rendu possible notamment par les nouveaux moyens de communication, ou si au contraire ces auteurs, en dépit de leurs singularités, s'inscrivent dans des schémas littéraires déjà existants. / In 1999, the novel Q, authored by Luther Blisset, enjoyed considerable success. One of its special characteristics is that it bears a copyleft notice allowing free reproduction of the work. Indeed, an open, international group artists and media activists hides behind this peculiar nom de plume and has distinguished itself at various public actions and happenings. About a year later, the authors of the novel set out a new project under the pseudonym Wu Ming (a Chinese translation of “anonymous”) and advocated free circulation of written works. Their publications in literary theory have given rise to controversy in the Italian literary circles. Breaking with the figure of the author that has reigned supreme over the past three decades, Wu Ming is building on new technologies and more specifically on the Internet in order to enforce a new conception of both literary creation and the circulation of works.This dissertation investigates the novelty of the ethical and literary position of Luther Blissett and Wu Ming and looks into their productions in relation to avant-gardism, postmodernism and littérature engagée. In cross-examining the stakes and functioning of both projects with their actual creations, we aim to determine whether Luther Blissett and Wu Ming are heralding a change in literary paradigm or if, in spite of their singularities, these authors do not actually fit into existing patterns

Cette étude a analysé la présence des sculpteurs italiens à Paris du début du XX siècle à la fin des années Trente, afin de reconstituer un chapitre important de l'histoire des échanges artistiques en France. Nous nous sommes servis d'une méthode historique et philologique, qui a bien été appliquée aux écrits critiques et à la presse de l'époque. Pour ce qui concerne le début du siècle, nous avons remarqué une participation considérable de la part des italiens aux principaux événements expositifs de la capitale comme les Salons officiels; le succès de public et commercial leur avait permis d'obtenir une place parmi les artistes à la mode les plus connus. Pendant les années Vingt, nous avons constaté un nombre moins significatif de sculpteurs; nous avons lu ce fait en nous rapportant à la situation historique italienne, qui en ce temps subissait des importants changements dus à l'ascension du régime fasciste. Les italiens qui étaient encore présents en France après la Guerre ne s'inséraient guère dans le cadre des nouvelles recherches artistiques italiennes, ils poursuivaient, au contraire, des orientations esthétiques plutôt dépassées. La dernière partie de notre étude s'est intéressée à l'essor du nouveau langage artistique de la péninsule italienne qui pendant les années Trente se répandit enfin même à l'étranger. Les sculpteurs italiens pouvaient donc participer activement à la vie expositive parisienne, tout en montrant le visage d'une plastique qui avait enfin pris conscience de ses potentialités. La France de sa part accueillait volontiers ces expérimentations, dans le but d'instituer une relation d'amitié durable avec le pays voisin. / This study has analyzed the presence of Italian sculptors in Paris from the beginning of the 20th Century to the end of the third decade, with the aim of reconstructing an important chapter of the history of artistic exchanges between Italy and France. We have favored an historical-philological method, based on critical publications and old French and Italian press.Concerning the beginning of the century, we have remarked a considerable participation of Italians in the main expositions in the French capital, such as official Salons; critical and market success allowed them to get a main role in the crew of the most popular artists.During the twenties, we have noted a less considerable participation of Italian sculptors; we have interpreted it in relation to historical context of fascist Italy, where the government was trying to develop a national cultural program. The Italian artists in France, after the First World War, didn't share the new Italian artistic orientation; they went on with outdated aesthetic choices.The last part of our research was interested in the development of the new Italian artistic language, finally known out of Italy. The Italian sculptors consequently could take part in arts activity in Paris, showing the face of a new sculpture, finally aware of its potentialities. France gave these experimentations a good welcome in the aim of constituting a longtime friendship with the Italian country.

Au début des années 2000 un phénomène de transgression des représentations corporelles conventionnelles envahit les scènes chorégraphiques. Autonomie, indiscipline, réflexivité, expérimentation, tendance protéiforme, performativité, intégration sociale et attitude participative, ne sont que quelques dimensions que le corps dansant favorise. D’où provient-il ce phénomène ?Cette thèse, en mettant la question en perspective historique, examine comment les revendications chorégraphiques à orientation politico-artistique du milieu des années 1990, qui visaient à défier les limites propres de la danse, les limites entre les autres arts, mais aussi entre l’artiste, l’œuvre et le spectateur, la danse et les schémas institutionnels du pays, ont trouvé toute leur légitimité et porté leurs fruits dans les années 2000.Dans la lignée de l’analyse critique qui a récemment élargi son champ d’intérêt, interrogeant les frontières traditionnelles de la danse, cette thèse propose d’explorer les transformations du corps, de la pensée, de l’image et du regard, opérées dans le champ chorégraphique, en examinant : la (ré)formation du corps dansant, le processus d’historicisation du domaine, la mutation du visuel due aux démarches transdisciplinaires et transversales, ainsi que le projet de démocratisation de la discipline qui engendre des (ré)formations du corps-public. Trois questions principales traversent l’étude : Quel corps ? Quelle danse ? Qui danse ? A la fois panoramique et monographique, cette thèse développe une méthodologie qui se prête à offrir une sensibilisation à l’analyse pluridimensionnelle du domaine ainsi que des outils adéquats pour une historiographie des œuvres. / In the early 2000s, a phenomenon of transgression in the conventional representations of bodies invades the choreographic scenes. Autonomy, indiscipline, reflexivity, experimentation, protean tendency, performativity, social integration and participative attitude are some of the dimensions favored by the dancing body. Where does this phenomenon come from? Within a historical perspective, this PhD thesis examines how these choreographic claims with a politico-artistic orientation of the middle 1990s, aiming to challenge the proper limits of the dance, the boundaries among the other arts, the frontiers between the artist, his work and the audience, as well as the dance and the French institutional frame, found their legitimacy and started showing results in the years 2000. In line with the critical analysis which recently expanded its field of interest by questioning the traditional borders of the dance, this PhD thesis proposes to explore the transformations of the body, the thinking, the image and the view by examining: the (re)formation of the dancing body, the process of historicisation of the domain, the mutation of visuals stemming from transdisciplinary and transversal approaches, as well as the discipline’s democratisation which generates the (re)formation of the audience. This study deals with three main questions: Which body? Which dance? Who is dancing?Panoramic as well as monographic, this research develops a methodology which intends to raise awareness in favour of the multidimensional analysis of dance, as well as for the most adequate tools for the historiography of related works.