A presente pesquisa contribui para a análise dos processos de construção da cena teatral contemporânea, verificando a criação do encenador Enrique Diaz, da Cia dos Atores, com enfoque na prática desenvolvida por ele no espetáculo Ensaio.Hamlet. Procura-se estabelecer, neste trabalho, uma reflexão sobre as novas metodologias teatrais que marcam uma ruptura com o modelo dramático tradicional, investigando como se estrutura a construção da cena, da dramaturgia, do trabalho dos atores e do tempo teatral. O que se pretende, aqui, é, além de confirmar as técnicas desenvolvidas por Enrique no espetáculo Ensaio.Hamlet, e que são características de uma nova teatralidade, deixar registrados os procedimentos de criação de um dos mais profícuos artistas contemporâneos, colaborando, assim, com o registro da história do teatro brasileiro. / The current study contributes to the analysis of the constructing process of the contemporaneous scene, by verifying the work by Enrique Diaz (director Cia. dos Atores), focusing on his work called Ensaio.Hamlet. This study also establishes considerations on new theatre/drama methods which do not agree with the conventional drama standard, by examining how construction of scenes, dramatic art, actors acting and of the theatre timing are structured. The purpose of this study is, besides to confirm the techniques developed by Enrique in his play Ensaio.Hamlet, which are characteristics of the new theatre, also to record the creation procedures by one of the most profitable contemporaneous artists, by contributing then with the history record of the Brazilian theatre.

Orientador: Wagner Francisco Araújo Cintra / Banca: Marianna Francisca Martins Monteiro / Banca: Mauro Roberto Rodrigues / Resumo: A proposta desse trabalho é promover uma reflexão acerca do encenador japonês Tadashi Suzuki (Japão, 1939-) no que diz respeito a sua contribuição para a arte do teatro e, mais especificamente, à questão da expressividade do ator. Suzuki parte da ideia da atuação como a expressão da consciência do ator numa investigação constante acerca da própria condição humana. Este trabalho pretende averiguar o papel do ator e a sua articulação com os demais elementos da poética cênica daquele que é considerado um dos maiores pensadores do teatro e da atuação na contemporaneidade / Abstract: The purpose of this work is to promote a reflection on the Japanese director Tadashi Suzuki (Japan, 1939-) as regards his contribution to the art of theatre and, more specifically, the issue of actor's expressiveness. Suzuki starts from the idea of performance as the expression of the actor's consciousness in a constant research about the human condition. This work intends to investigate the role of the actor and his relationship with other elements of poetic scenic of a man who is considered one of the greatest thinkers of theatre and performance in contemporary times / Mestre

Im Mittelpunkt dieser Arbeit stehen Christian Krachts Romane, die angesichts ihrer Vielfalt unter verschiedenen Perspektiven analysiert werden könnten, sei es wegen der Themen, die sie behandeln, sei es aufgrund ihrer stilistischen Eigenheiten. Die Entscheidung, Kracht unter dem Aspekt der Autoreninszenierung zu behandeln, wurde getroffen, weil die Faszination seines Werks, zumindest teilweise, durch die auβerliterarischen Äuβerungen Krachts in Interviews, auf Fotos oder durch sein Profil bei Facebook, als mehrdeutige Erweiterung seiner Texte fungieren und zur Projektion seines Images beitragen. Behandelt werden die Romane Faserland, 1979, Ich werde hier sein im Sonnenschein und im Schatten und Imperium; letzteres als Werk, das schon seit dem ersten Roman geplant war. Auβerdem analysieren wir die verschiedene Autorenfunktionen und ihre Veränderungen im Laufe der Jahrhunderte, sowie den Inszenierungsprozess in der Geschichte der Literatur seit dem Mittelalter. Sowohl der Begriff als auch die Debatte um die ,,Rückkehr des Autors” hängen mit der Idee der Autoreninszenierung zusammen. Obwohl mit diesem Begriff traditionell die öffentlichen Formen der Autorenpräsentation in den Medien verbunden werden, stellen wir fest, dass die jeweiligen Inszenierungen der Epoche angepasst sind und mit den Mitteln, die den Autoren historisch zur Verfügung stehen, realisiert werden. Nach der Beschäftigung mit einigen Autoren seit dem Mittelalter, widmen wir uns Karl May und den Legenden um seine fiktionale und reale Identität, Thomas Mann, dem Repräsentanten der Deutschen Nation, Rolf Dieter Brinkmann, der den Kritiker Reich-Ranicki zu töten drohte, und Christian Kracht. Bei Christian Kracht kann man feststellen, dass sowohl sein Werk als auch seine öffentlichen Erscheinungen ein gewisses Unbehagen verursachen, oft weniger aufgrund der Ressonanz seiner Werke, sondern überwiegend wegen der Äuβerungen des Autors. In dieser Studie versuchen wir zu verdeutlichen, dass die Inszenierungen Christian Krachts auf zwei Ebenen stattfinden: in der Selbstkonstituierung und in der Auflösung seiner Figur im Rahmen der Medien sowie im Spiel mit Referenzen in seinen Werken. / No centro deste trabalho, estão os romances de Christian Kracht, que poderiam ser analisados sob diversas perspectivas, considerando sua riqueza, tanto do ponto de vista dos assuntos de que tratam, quanto por suas características estilísticas. A decisão de abordar Kracht sob o ângulo da encenação autoral deve-se ao fato de a fascinação pela obra ser oriunda, pelo menos em parte, das manifestações extraliterárias de Kracht em entrevistas, em fotos ou em seu perfil no Facebook, que servem como extensão ambígua dos próprios textos e contribuem para projetar sua imagem. Estudamos as obras Faserland, 1979, Eu estarei aqui no sol e na sombra e Imperium; esta como obra que já havia sido concebida desde o primeiro romance. Analisamos, também, as diferentes funções do autor e suas transformações através dos séculos, bem como o processo da encenação do autor na história da literatura desde a Antiguidade. Tanto o conceito, como o debate envolvendo o “retorno do autor” estão atrelados à ideia das autoencenações. Apesar de, com frequência, relacionarmos formas públicas de autorrepresentação nas mídias ao conceito de “autoencenação”, observamos que as encenações se adaptam à sua época e aos recursos de que os autores dispõem para realizá-las. Depois de tratarmos de alguns autores desde a Idade Média, citamos Karl May e as lendas sobre a identidade ficcional e real criadas por ele; Thomas Mann, o representante da nação alemã; Rolf Dieter Brinkmann, que ameaçou o crítico Reich-Ranicki de morte, e Christian Kracht. No caso de Christian Kracht, observamos que, tanto a obra quanto as aparições em público causam certo desconforto, muitas vezes menos baseado na repercussão provocada pelas obras, do que pelos posicionamentos do autor. Nesta pesquisa, buscamos demonstrar que as autoencenações de Christian Kracht são desenvolvidas em dois níveis: na autoconstrução e na desconstrução de sua figura no ambiente midiático e no jogo de referências em suas manifestações literárias.

A tese \"Visões de Otelo na cena e na literatura dramática nacional do século XIX\" trata da chegada da personagem Otelo nos palcos do Rio de Janeiro no século XIX e de suas apropriações em obras de autores brasileiros do período. Propondo-se a elencar os textos encenados nos teatros cariocas, o trabalho trata de representações do original shakespeariano, em inglês ou em traduções italianas; de versões francesas de cunho classicista; de óperas italianas sobre o tema; e de traduções portuguesas trazidas por companhias estrangeiras. A recepção de tais encenações pela crítica nacional é contemplada, buscando uma visão mais ampla da repercussão das mesmas. Em um segundo momento, analisa-se como tais obras foram apropriadas em uma produção dramatúrgica nacional, sendo os principais exemplos peças de autores como Martins Pena, Joaquim Manuel de Macedo, Gonçalves Dias e Aluísio Azevedo. A partir do estudo das peças e de documentos do período, pretende-se que uma visão mais clara da trajetória da personagem no Brasil seja estabelecida, bem como a extensão de sua influência em dramaturgos importantes na formação do teatro brasileiro. / The thesis \"Visions of Otelo in the scene and the Brazilian dramatic literature of the nineteenth century\" deals with the arrival of the character Otelo on the stages of the city of Rio de Janeiro in the nineteenth century, and its appropriations in works by Brazilian authors of the period. Seeking to study the texts staged in Rio, the work tackles representations of the original Shakespearian text, in English or Italian translations; French versions of classicist spirit; Italian operas on the subject; and Portuguese translations brought by foreign companies. The reception of such stagings by the national press is contemplated, searching an ampler vision of their repercussion. Secondly, there is the analysis on how such texts have been appropriated into a national dramatic production, the main examples being plays by authors such as Martins Pena, Joaquim Manuel de Macedo, Gonçalves Dias and Aluísio Azevedo. From the study of the plays and documents from the period, it is the intention of this work to establish a clearer vision of the trajectory of the character in Brazil, as well as the extension of its influence in important writers in the formation of the Brazilian drama.

Este estudo aborda o processo criativo da encenação A Princesa Turandot, texto de Carlo Gozzi, realizada por Evguiêni Bagratiónovitch Vakhtângov, no Terceiro Estúdio do Teatro de Arte de Moscou, em 1922. A pesquisa centra-se no entendimento da improvisação teatral como metodologia utilizada para criar e estruturar o referido espetáculo. Inicialmente, são apresentadas as experimentações artísticas de Vakhtângov em suas encenações, e a influência que a redescoberta da Commedia dellArte exerceu em sua trajetória artístico-pedagógica. Para tanto, as principais características da Commedia DellArte são resgatadas como importantes recursos, usados por encenadores russos do início do século XX, aqueles que visavam uma transformação da arte teatral neste período. / This research presents an analysis of the creative process of Princess Turandot, by Carlo Gozzi, directed by Evguiêni Bagratiónovitch Vakhtângov at the Third Studio of Moscows Art Theatre. The main focus falls on the understanding of theatrical improvisation as a specific methodology applied in the creation and structuring of theatrical performances. Thus, Vakhtângovs artistic experiments are discussed, as well as the influence of the rediscovery of Commedia DellArte on his pedagogical trajectory. In that respect, Commedia Dell´Arte is seen as a source of elements which were of great value for Russian directors of the beginning of 20th Century, particularly those who were interested in the renovation of theatre.

Anton Pávlovitch Tchékhov (1860-1904) é hoje um dos dramaturgos mais encenados no Brasil e no mundo. A fim de compreender como se deu o processo de afirmação de sua dramaturgia, bem como as interpretações e atualizações feitas por críticos e grupos teatrais, realizaremos um estudo de recepção com foco específico na relação entre texto e cena. Inicialmente, faremos uma breve análise de suas primeiras encenações em solo russo (e a produção pelo Teatro de Arte de Moscou do que se convencionou chamar tchekhovismo), passando pelos palcos europeus e americanos para, finalmente, entender as principais interpretações produzidas em solo brasileiro - foco deste trabalho. Ao final, esperamos que fique evidente que nossa tentativa é menos a de estabelecer uma linha evolutiva de dissolução do mito do tchekhovismo e mais a de mostrar como ao longo da história da recepção do drama de Tchékhov sua atualização constante sofria (e sofre) pressões dos impasses de nossa formação teatral, nossas dificuldades econômicas, sociais e políticas. / Anton Pavlovich Chekhov is one of the most staged playwriters of our days both in Brazil and in most of the World. In order to understand how the importance of his dramaturgy came into being, as well as the different interpretations and updatings done by several theater groups, this study will investigate Chekhov\'s reception, with emphasis to the relation between the text and the stagings. Beginning with an analysis of his Russian reception (and the creation of what we came to call Chekhovism by the Moscow Art Theater), we will then proceed with analysis of his stagings in both Europe and the United States in order to finally approach his Brazilian reception and interpretation the main focus of this study. We hope, by the end of this inquiry, to have made clear that our intention is not only tracing an evolutionary line of the myth of Chekovism and of its dissolution, but also showing how Checkov\'s constant reinterpretations suffered (and continues to suffer) pressure from the genesis of our theater tradition and of our social, political and economic struggles.

Esta dissertação trata da Rítmica como Princípio Formativo, um dos desdobramentos das formulações de Émile Jaques-Dalcroze (1865-1950), no trabalho pedagógico e profissional com voz, música e encenação. Com seu axioma música é movimento, e movimento é música, Dalcroze ressalta a originalidade da Rítmica em promover uma qualidade imanente à humanidade a indissociabilidade do movimento musical e corporal como forma ancestral de expressão humana. Ponderando questões de ordem ontológica do fazer teatral, num primeiro momento, traço a trajetória da Rítmica, analisando as potencialidades de seu diálogo com outras áreas, considerando como ela transforma e é transformada nesta interação. Em seguida, analiso a operacionalização de conteúdos e técnicas baseadas na pesquisa do indivíduo sobre si pressuposto de importantes encenadores; e, finalmente, descrevo os resultados cênicos obtidos pelo emprego de conceitos e procedimentos com grupos envolvidos na formação, pesquisa e montagem teatral. / This research approaches Eurhythmics as Formative Principle, one of the developments of Émile Jacques Dalcrozeformulations on the pedagogical and professional work with voice, music and staging. Through his axiom music is movement, and movement is music, Dalcroze emphasizes the originality of Eurhythmics in promoting an immanent quality of mankind the indissociability of corporal and musical movement as an ancestral form of human expression. Taking into account ontological questions towards the theatrical making, I start with the reconstruction the Eurhythmicstrajectory, analyzing the potentialities of its dialogue with others areas, exposing how and when it transforms and is transformed by these interactions. Afterwards, I analyze the operativeness of its contents and strategies based on individual self-research presumption of great directors; and, finally, I descript the scenic results obtained by the use of concepts and proceedings with groups involved in theatrical formation, research and staging.

O objetivo desta dissertação é apresentar algumas traduções e encenações em língua inglesa do teatro de Nelson Rodrigues nos anos recentes. A tradução de texto teatral é um campo pouco pesquisado nos estudos de tradução. A relação entre texto e representação é algo inerente a esse tipo de texto, algo que deve ser levado em consideração ao se traduzir para o palco. O texto teatral não pode ser tratado como literatura devido à natureza múltipla de seus signos; que ultrapassam a dimensão linguística, incluindo também, ritmo, entonação, pausa, cenografia, figurino, gesto entre outros elementos. Por meio da análise de traduções e encenações realizadas nos Estados Unidos e na Inglaterra, veremos como ocorreu a transposição de peças rodriguianas para os palcos desses países, num estudo que aborda tanto questões lingüísticas quanto aspectos próprios ao teatro. / The purpose of this dissertation is to analyse some translations and performances of Nelson Rodrigues´s theater presented in English recently. Theater Translation is not a very explored area within Translation Studies. The relationship between text and performance must be taken into consideration when translating for the stage. Theater texts can not be treated as literature due to the multiple nature of their signs, that goes beyond the linguistic dimension, including also rhythm, intonation, pause, design, costume and gesture, among other aspects. Analysing translations and performances staged in the United States and in England, it will be possible to see how the transposition of the Portuguese text into English occurred. The analysis includes linguistic issues and aspects related to theater as well.

Submitted by Maria Eugênia Viveiros Milet (eugeniavmilet@gmail.com) on 2018-04-13T14:54:30Z No. of bitstreams: 1 Maria Eugenia Milet-Tese.pdf: 6505720 bytes, checksum: 4d19bbbc6e746746992d4d5ed4eeaac7 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-04-17T11:40:00Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Maria Eugenia Milet-Tese.pdf: 6505720 bytes, checksum: 4d19bbbc6e746746992d4d5ed4eeaac7 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-04-17T11:40:00Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maria Eugenia Milet-Tese.pdf: 6505720 bytes, checksum: 4d19bbbc6e746746992d4d5ed4eeaac7 (MD5) / PROEXT/UFBA / Trata-se de pesquisa cênica, de cunho prático-teórico, em metodologia inspirada na abordagem artístico-compreensiva proposta pela professora Sonia Rangel pela qual a Cena-Experimento em trajeto, objetivo e meta deste estudo, permitiu reconhecer, no percurso da sua prática cênica como pesquisa, os Princípios Dominantes do Encontro, do Brincar e das Narrativas Mitopoéticas, com suas Imagens Operantes. A encenação, objeto e resultado desta pesquisa, situa-se na confluência de estudos teatrais, literários e filosóficos, em diálogos concomitantes com o processo de sua criação, quando e onde se afirma a força transformadora do Devaneio. Destaca-se, nesta pedagogia poética emergente, seu trajeto improvisacional, multicultural e colaborativo de teatro, com base comunitária, realizado com artistas-educadores, jovens atores e atrizes, crianças de um bairro popular da Região Metropolitana de Salvador e com mestras populares da cultura, vindas do sertão da Bahia, com suas bagagens africanas e indígenas, revigoradas e rememoradas no processo da encenação. Através da articulação com outras experiências do teatro na contemporaneidade e no encontro de epistemologias contra-hegemônicas que zelam pela solidariedade e diversidade humanas e pelo encantamento do mundo, revelam-se as instâncias mitopoéticas presentes na Cena-Experimento. Seus autores de referência principais são: Gaston Bachelard, pela Fenomenologia da Imaginação; Lídia Hortélio, pela Cultura da Infância; Armindo Bião, pela Etnocenologia; Guimarães Rosa e Homero, em diálogo com o pensamento da professora Mangabeira Unger; destacando-se, entre outros artistas, o pensamento de encenadores, tais como Peter Brook, Viola Spolin e Sotigui Kouyaté, bem como as narrativas da cultura de tradição nagô e ameríndia, em estreita ligação com o pensamento filosófico e com a literatura, através das obras A Odisseia e o Grande Sertão: Veredas. Ao mesmo tempo, configuram-se trajeto e método de uma encenadora-brincante da Cena-Experimento As Primeiras Águas –Travessia pelo Sertão, revelando-se sua criação cênica pela via da dramaturgia contingente e também seu resultado como forma literária dramática integrada à tese. / The dissertation is about scenic research with theoretical-practical profile. Its methodology is inspired in the Artistic-Comprehensive approach proposed by Sonia Rangel, through which the Experimental Scene in route, aim and goal of this study, allowed to recognize, in the pathway of its scene´s practice as inquiry, the Dominant Principles of the Encounter, of Playing and of the Mythical-Poetic Narratives, with its Operative Images. The staging, object and result of this research, is located at the confluence of the studies on theater, literature, and philosophy, in concomitant dialogue with the process of its creation, when and where the transforming power of the Reverie affirms itself. Of this emergently poetic pedagogy, stands out its improvisational, multicultural and collaborative paths of the theater, based on community, made with educator-artists, young performers and children of a popular district of the metropolitan region of Salvador city, and with traditional culture´s mistresses from the backcountry of Bahia´s State, with theirs African and indigenous heritages, revitalized and reminisced at the performance. The mythical-poetic instances presented in the Experimental-Scene reveals through the articulation with others experiences of the contemporary theater, and at the meeting with the counter hegemonic epistemologies that looked out for human´s solidarity and diversity, and for the world´s enchantment. Their main reference´s authors are: Gaston Bachelard, by the Phenomenology of the Imagination; Lídia Hortélio, by the Childhood´s culture; Armindo Bião, by the Ethnoscenology; Guimarães Rosa and Homero in dialogue with the thought of Mangabeira Unger and, standing out among others artists, the ideas of directors such as Peter Brook, Viola Spolin and Sotigui Kouyaté, as well as narratives of the Nago and Amerindian traditional cultures, in a close relation with philosophical thoughts and with the literature, through The Odyssey and Grande Sertão: Veredas. At the same time, the work composes the course and the method of the player-director (encenadora-brincante) of the Experimental-Scene As Primeiras Águas –Travessia pelo Sertão (The first waters – crossing through the backcountry), revealing her scenic creation through the contingent playwriting´s manner and its result as a dramatic, literary form integrated also to the dissertation.

Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-06-27T21:21:07Z No. of bitstreams: 1 Roberto Gustavo Reiniger Neto.pdf: 6588693 bytes, checksum: 11c6d1a070b324a7c98e3bbb9107dd4b (MD5) / Rejected by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br), reason: incluir resumo, corrigir para Ciências Sociais Aplicadas on 2017-07-01T00:05:13Z (GMT) / Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-08-24T20:11:06Z No. of bitstreams: 1 Roberto Gustavo Reiniger Neto.pdf: 6588693 bytes, checksum: 11c6d1a070b324a7c98e3bbb9107dd4b (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-08-24T20:11:39Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Roberto Gustavo Reiniger Neto.pdf: 6588693 bytes, checksum: 11c6d1a070b324a7c98e3bbb9107dd4b (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2018-08-24T20:11:59Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Roberto Gustavo Reiniger Neto.pdf: 6588693 bytes, checksum: 11c6d1a070b324a7c98e3bbb9107dd4b (MD5) / Made available in DSpace on 2018-08-24T20:12:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Roberto Gustavo Reiniger Neto.pdf: 6588693 bytes, checksum: 11c6d1a070b324a7c98e3bbb9107dd4b (MD5) Previous issue date: 2016-09-16 / a / Este estudo analisa a presença constante de números musicais nos filmes de Pedro Almodóvar. Até o momento, em sua filmografia ele assina a direção de vinte longas-metragens, dos quais catorze possuem este tipo de cena. Tratam-se de encenações que podem atuar nas construções de suas personagens, e interferir no desenvolvimento narrativo. Para se analisar tais pressupostos foram escolhidos quatro de seus filmes: "Que eu fiz para merecer isto?" (¿Qué he hecho yo para merecer esto!!, 1984), "A Lei do desejo" (La Ley del deseo, 1987), "Má educação" (La Mala educación, 2004), e "A Pele que habito" (La Piel que habito, 2011). Estes, melhor concentram as questões teóricas aqui levantadas em suas análises desenvolvidas, e permitem visualizar, em momentos distintos, a trajetória da encenação dos números usicais nas obras almodovarianas. Diálogos com teóricos e críticos de cinema, como David Bordwell e Frederic Strauss, norteiam esta análise fílmica. E no que tange a relação entre o indivíduo e a construção de sua identidade, aplicou-se os conceitos de Jean Baudrillard como ferramenta de análise das personagens nos números musicais aqui abordados.