O presente estudo procura descrever os usos da voz nas encenações teatrais, colocando em relevo suas especificidades enquanto objeto sonoro, bem como as marcas deixadas na esfera acústica pela instância do sujeito da enunciação. Como metodologia de análise, contemplamos o arcabouço teórico da semiótica de filiação estrutural e francesa, de modo que buscamos uma primeira aproximação entre os processos de significação mobilizados pela voz do ator teatral e o modelo tensivo desenvolvido atualmente. Para chegar à parte empírica de nosso estudo, refletimos sobre as bases fundamentais da teoria, revisitando o debate sobre as definições de teatralidade contemporânea e, assim, sobre as possibilidades de análise da gestualidade vocal produzida no momento de atuação. Para a descrição de um corpus, selecionamos determinadas cenas a partir de duas elaborações cênicas diferentes, ambas concebidas por Antunes Filho, sobre uma mesma obra trágica, Medeia de Eurípides. Comparamos os usos da voz em relação às construções das personagens e aos seus posicionamentos nas situações dramáticas, observando desse modo as qualificações modais e passionais sugeridas pelas encenações. / This study tries to describe the uses of voice in theatrical performances, emphasizing their specificities as a sound-based object, as well as the imprints left in the acoustic field because of the urgency of the subject of enunciation. As an analysis methodology, we considered the theoretical framework of structural and French-based semiotics, in order to seek a closer relationship between the processes of meaning mobilized by the theatrical actors voice and the currently-developed tensive model. To reach the empirical part of our study, we considered the foundations of the theory, revisiting the debate on the definitions of contemporary theatricality, and therefore, on the possibilities of analysis of the vocal gestures produced at the time of the performance. For the description of a corpus, we selected certain scenes from two different scenic constructions, both devised by Antunes Filho, on the same tragic work, Medea by Euripides. We compared the uses of voice concerning the construction of the characters and their positioning in dramatic situations, thereby observing the modal and passionate qualifications suggested by the acting.

Uma manifestação da cultura popular Brasileira é a razão de interesse em nossa pesquisa: o Bumba Meu Boi da cidade de São Paulo. Tal folguedo existe no Brasil desde aproximadamente o século XVII, surgindo primeiramente nas regiões do nordeste brasileiro. Hoje é uma das manifestações culturais mais populares entre as existentes em nosso país. Dentre todas as regiões onde o Boi é tematizado, o foco de nosso estudo é o Boi do Grupo Cupuaçu, Boi do Morro do Querosene, localizado na cidade de São Paulo, bairro do Butantã. Região esta que apresenta e comemora o folguedo inspirado no Bumba Meu Boi do Maranhão. Os festejos acerca do Boi que acontecem no Morro do Querosene envolvem não só os brincantes que são integrantes do Boi, como toda a comunidade ali presente: moradores, comerciantes e também o público que participa prestigiando os eventos. Nossa pesquisa teve como objetivo geral compreender a encenação do folguedo do Bumba Meu Boi realizado pelo Grupo Cupuaçu na cidade de São Paulo, como forma de identidade dos brincantes com sua terra natal de onde tal manifestação é oriunda; e como objetivos específicos procuramos a- delimitar a compreensão sobre identidade cultural na ótica dos Estudos Culturais, entendendo que ela não é permanente, e é reconstruída a partir das vivências dos sujeitos em determinado contexto sócio-histórico; b- identificar o processo constituinte do Bumba Meu Boi enquanto manifestação presente no período festivo do ciclo junino no Brasil, atrelado à um conjunto de influencias da miscigenação do povo brasileiro (indígena, africana e portuguesa), e do catolicismo jesuítico. Enquanto metodologia, trata-se de uma pesquisa do tipo qualitativa, num caráter exploratório. Serão utilizados os enfoques bibliográfico e de campo. Para a pesquisa de campo optou-se pela aplicação do estudo de caso, utilizando como instrumento de pesquisa a observação em equipe. Conclui-se que os folguedos do Bumba Meu Boi encenados pelo Grupo Cupuaçu sofrem mudanças em sua concepção, devido ao contexto urbano da cidade de São Paulo, exercendo influência direta em sua produção / One manifestation of Brazilian popular culture is the reason for interest in our research: Bumba Meu Boi in São Paulo. Such merriment exists in Brazil since about the seventeenth century, first appearing in the regions of northeast Brazil. Today is one of the most popular cultural events between existing in our country. Among all regions where the Ox is thematized, the focus of our study is the Ox Cupuacu Group, Ox of Morro do Querosene, located in São Paulo, district of Butantã. This region that displays and celebrates the merriment inspired by the Bumba Meu Boi about Maranhão. The festival happening in the Morro do Querosene involving not only the revelers who are members of the Ox, as the entire community present there: residents, traders and also the public participating prestige events. Our research goal is to understand the general merriment of the staging of Bumba Meu Boi conducted by Cupuacu Group in São Paulo, as a form of identity of revelers with their homeland where such expression is derived; and specific: a- to delimit the understanding of cultural identity in the perspective of Cultural Studies, understanding that it is not permanent, and is reconstructed from the experiences of the subjects in a particular socio-historical context goals; b- to identify the constituent process of the Bumba Meu Boi while in this festive period junino cycle in Brazil manifestation linked to a set of influences from the miscegenation of the Brazilian people (indigenous, African and Portuguese), and Jesuit Catholicism. As a methodology, it is a qualitative study, an exploratory character. The bibliographic and field approaches will be used. For the field research was chosen application case study, using as a research tool in the observation. We conclude that the mirth of the Bumba Meu Boi staged by Cupuacu Group undergo changes in its design due to the urban context of the city of São Paulo, direct influence on their production

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Desportos. Programa de Pós-graduação em Educação Física / Made available in DSpace on 2012-10-24T18:38:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 264412.pdf: 1057841 bytes, checksum: 327263c02d7b09fb724e1663b3cb1ee4 (MD5) / Esta dissertação configura-se como uma busca interpretativa da constituição do "ser" on-line. Pretende-se revelar de que forma corpo e movimento, consolidados objetos de intervenção pedagógica da Educação Física, são problematizados no ciberespaço, em especial no jogo de computador Second Life. Trata-se de um percurso que busca colaborar para uma "Antropologia no ciberespaço", compreendendo, com ênfase no aspecto vivencial dos sujeitos, o ciberespaço como um campo antropológico onde se fazem etnografias. Assume-se o corpo como uma construção simbólica e o ciberespaço como uma das dimensões constituintes das sociedades complexas. Da reunião de ações e diálogos que se desenrolaram em um espaço social compartilhado a partir de avatares, pode-se destacar as inúmeras estratégias, recursos, dimensões, regras, interações que contribuem para a construção da noção de pessoa on-line. A partir das observações, percebeu-se que os conceitos de imaginação e imaginário são essenciais para compreender como os participantes tecem caminhos em suas brincadeiras narrativas para construir no ciberespaço uma corporalidade que é central em suas interações. O sentido do avatar e dos demais objetos do Second Life só pode ser dado a partir das ações dos participantes no jogo. Estes, sujeitos dotados de intencionalidade, fazem parte de uma rede de relações ao mesmo tempo em que suas ações são condição para a que a relação exista. É no momento em que as brincadeiras narrativas acontecem no Second Life que cada participante tenta traçar para a sua identidade on-line uma estabilidade que o faça tanto reconhecido quanto aceito nas situações interativas do grupo. A brincadeira de construir-se corporalmente no ciberespaço pode ser um momento privilegiado para refletir e questionar a visão dualística cartesiana que entende o corpo como entidade que contém somente aquilo que é abrangido pelo invólucro externo, a pele humana. Para justificar o objeto e o campo de estudo, o trabalho também discorre sobre as possíveis aproximações das tecnologias digitais - em especial dos jogos eletrônicos - com a Educação Física e traz reflexões sobre o conceito do que é virtual em busca do rompimento da oposição dualística com o real.

O presente trabalho, "Fluxo de Consciência: percurso e articulações no teatro contemporâneo", se propõe ao estudo do fluxo de consciência como proposta estética pertinente ao teatro. Parte-se de sua definição na psicologia, a partir de William James, e de sua concepção pela teoria literária, no estudo produzido por Robert Humphrey, para, posteriormente, identificar seu uso no teatro. Por meio da articulação de seu percurso na dramaturgia, em relação às formas produzidas na literatura, examina-se o tratamento específico dado ao fluxo de pensamento no teatro, com base nas teorias de Peter Szondi, Anatol Rosenfeld e Anne Ubersfeld. A abordagem de sua manifestação efetivamente teatral se completa com o exame da situação singular que a encenação produz junto ao público, fundamentado nos trabalhos de Jean-François Lyotard, Linda Hutcheon, Hans-Thies Lehmann e Maurice Merleau-Ponty, e com a análise do espetáculo "Ânsia", da 3 de Sangue Companhia de Teatro, com direção de Rubens Rusche, fundamentada pela teoria dos vetores de Patrice Pavis. O trabalho defende uma modificação na constituição do fluxo de pensamento ao longo dos anos. Primeiramente centrado na psicologia de personagens, ao tornar-se parte da produção cultural contemporânea, ele se contamina com os pressupostos pósmodernos e sua existência se manifesta cada vez mais descentralizada. Com a consideração de um sujeito vulnerável, diante das múltiplas influências na "era pósindustrial", constituído no processo de interação com o mundo, o "eu" é visto sob a perspectiva da relatividade de sua determinação definitiva. Assim, a personagem também se torna ser instável, questionada em sua validade enquanto ser uno, passando a ser trabalhada através de fragmentos abertos à múltipla significação. Atualmente, verifica-se sua apresentação em elementos dispersos, que solicitam à recepção a conexão em meio à dispersão. A personagem é uma encruzilhada de discursos e o fluxo perde seu lugar central. O fluxo de consciência, como proposta teatral, se estabelece para além de características formais e alcança sua constituição como processo na totalidade da experiência estética. Retoma um tipo de existência que se aproxima de seu objeto original - os processos mentais e cerebrais - e se define em variabilidade avessa a qualquer tentativa de determinação definitiva. Encontram-se diversos tratamentos relacionados ao fluxo, que não se excluem nem se subordinam. Diante dessas diversas manifestações, verifica-se sua adaptabilidade a toda nova exigência, quando se estabelece sob novos moldes. / The current work, named "Stream of Consciousness: history and changes in Contemporary Theater", aims at studying the stream of consciousness as an aesthetic proposal relevant to Theater. Initially, we present the definition tailored by William James, in psychology, and by Robert Humphrey, in literary theory, to later identify its use in Theater. Based on the theories of Peter Szondi, Anatol Rosenfeld e Anne Ubersfeld, we analyze the specific treatment given to the stream of consciousness in Theater, throughout its changes in the history of Drama, compared to its characteristics in Literature. Its theatrical manifestation is demonstrated in a particular reaction the performance causes in the audience, based on the works of Jean-François Lyotard, Linda Hutcheon, Hans-Thies Lehmann e Maurice Merleau-Ponty. Besides, we analyze the show "Ânsia", by 3 de Sangue theater group, directed by Rubens Rusche and based on the vector theory by Patrice Pavis. The present work defends a change in the constitution of the stream of consciousness along the years. First centered in the psychology of the character, when it becomes part of the contemporary cultural production, it blends with the post-modern assumptions, and its existence becomes more and more decentralized. Regarding a vulnerable subject, who is conceived in the process of interaction with the world, before the multiple influences in the "post-industrial" age, the "self" is seen under the perspective of the relativity of its definitive determination. Thus, the character also becomes an unstable being, questioned in its validity as an entire and complete being, and works by fragments that allow many different meanings. Nowadays, we verify the presentation of the character in scattered elements, that ask the audience the connection among dispersal. The character is a crossroad of speeches, and the stream no longer has its critical role. The stream of consciousness, as a theatrical proposal, is beyond formal characteristics, and reaches its constitution as a process in the aesthetic experience. It recalls a kind of experience that approaches its original object - brain and mind processes - and is defined in variability against any kind of definitive determination. There are many treatments related to the stream; they do not exclude and are not subordinated to one another. Before all those manifestations, we verify that it can adapt to any new demand when is established under new patterns.

Submitted by Simone Requião (requiaosimone@gmail.com) on 2018-09-07T20:13:11Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO SIMONE - Defesa Final 25.08.2018.pdf: 3556835 bytes, checksum: 44da17c83eb67cc71300f2dfec978758 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães (ednaide@ufba.br) on 2018-09-11T13:21:07Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO SIMONE - Defesa Final 25.08.2018.pdf: 3556835 bytes, checksum: 44da17c83eb67cc71300f2dfec978758 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-11T13:21:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO SIMONE - Defesa Final 25.08.2018.pdf: 3556835 bytes, checksum: 44da17c83eb67cc71300f2dfec978758 (MD5) / CAPS - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / RESUMO Por meio da presente dissertação, apresento os encadeamentos do processo de encenação que aconteceram no Conjunto Penal Feminino de Salvador (CPF), cartografados na travessia entre o teatro e o presídio, com o intuito de investigar as interações entre o espaço físico do sistema prisional, suas disciplinas e circunstâncias normativas, com vistas à ideação da existência de um lugar onde as fronteiras são permeáveis, constituindo uma zona de transgressão, não restrita ao espaço físico, mas resultante da articulação do espaço das diversidades, um espaço dinâmico, espaço “de e para” criação, onde somos confrontados com os nossos próprios limites. Assim, discorro sobre quem penso que sou, porque escrevi esta dissertação e como materializei essa produção, em parte dialética e em parte subjetiva, na qual me coloco na posição de sujeito errante de uma trajetória rizomática. O propósito foi discutir “no e sobre” o presídio, um lugar de encontros e desencontros, lugar de relações com um outro que poderia ser nós mesmos. A partir das formulações de Lemgruber, Goffman, Foucault, Carvalho Filho, Maia e colaboradores, acerca do poder, controle e vigilância das instituições totais, das consequências e privações do encarceramento, destaco aspectos percebidos que poderiam despir noções e preconceitos a respeito de quem está presa ou preso e com isso alterar configurações do pensamento de quem está fora dos muros dos cárceres. Nesse trajeto, os princípios e técnicas do TO forneceram considerável suporte para o desenvolvimento das oficinas e, junto com os indutores do jogo proposto por Ryngaert, propiciaram a elaboração de proposições que me levaram a compreender o descobrir/saber/fazer teatro em situações adversas. A dissertação divide-se em três pistas que contêm chaves nas quais discuto questões específicas do presídio, do método e da oficina de teatro realizada no CPF. Assim, reflito sobre o presídio como instituição total e molar detentora do tempo de pessoas e sobre as consequências do encarceramento; sobre o processo como método da pesquisa, mapeando tudo que pensava em conjunção com as leituras, experimentos, músicas e as vozes que ecoavam, pois precisava visualizar os territórios por onde me deslocava e, sendo assim, elaborei mapas visuais para entender as possíveis conexões de força entre eles e os dispositivos de pergunta/resposta/pergunta a partir dos quais fagulhas do pensamento de Deleuze e Guattari sustentaram o trajeto e as possibilidades de cruzamento que dele surgia. Descrevo as singularidades da criação no Conjunto Penal Feminino – Salvador, que foram divididos no período do Projeto Dialogando com a Liberdade em 2014 e durante o reencontro com às mulheres presas, que aconteceu em 2017/2018, período desta investigação. Assim, aproximei e ao mesmo tempo delimitei as fronteiras entre o teatro e o presídio (liberdade e encarceramento), para encadeá-las na escrita desta dissertação. Deste modo, nas considerações nada finais concebo o teatro como ato de resistência que projetou a voz das mulheres presas. / RÉSUMÉ Grâce à cette thèse, je présente les fils du processus de mise en scène qui a eu lieu dans le création la Institution pénale feminine de Salvador (CPF), mis en correspondance à la frontière entre le théâtre et la prison, afin d'étudier les interactions entre l'espace physique du système pénitentiaire, leurs disciplines et les circonstances réglementaires, en vue de l'idéation de l'existence d'un lieu où les limites sont perméables, constituant une zone de transgression, ne se limite pas à l'espace physique, mais en raison de l'espace commun de la diversité, un espace dynamique, l'espace pour la création, où nous sommes confrontés à nos propres limites. Donc, je parle au sujet de qui je pense que je suis, le pour quoi j'ai écrit cette thèse et comment cette production a etait matérialisée, dans la dialectique de la pièce et une partie subjective, où je me place dans la position du sujet errant d'une trajectoire de rhizome. Le but était de discuter “à l'intérieur et a propos” de la prison, un lieu d'accords et désaccords, un lieu de rencontre avec ceux qui pourraient être nous-mêmes. A partir de conception Lemgruber, Goffman, Foucault, Carvalho Filho, Maia et collaborateus, sur le pouvoir, le contrôle et la surveillance des institutions totales, les conséquences et l'emprisonnement de privation, et mettre en évidence les aspects qui pourraient dépouiller les notions et les préjugés au sujet de qui est arrêtés ou emprisonnés et altérant ainsi la pensée de ceux qui sont en dehors des murs de la prison. Dans cette voie, les principes et les techniques du théâtre de l'opprimé on fourni un soutien considérable pour le développement des ateliers et en collaboration avec les inducteurs du jeu proposé par Ryngaert, a conduit à l'élaboration de propositions qui m'a amené à comprendre la découverte / savoir / faire du théâtre dans des situations difficiles. La thèse est divisée en trois pistes qui contiennent des clés sur des questions spécifiques qui traitent de la prison, la méthode et l'atelier de théâtre a eu lieu à CPF. Ainsi, je réfléchis à la prison en tant qu’institution totale et molaire détenant le temps des personnes et aux conséquences de l’incarcération; au sujet du processus en tant que méthode de recherche, la cartographie toute pensée en conjonction avec les lectures, les expériences, la musique et les voix qui résonnaient, pour visualiser les territoires où me déplacés, par conséquent jai’s élaboré des cartes visuelles pour comprendre les possibles connexions de force entre eux et les techniques de question / réponse / question qui suscite la pensée de Deleuze et Guattari ont soutenu le chemin et les possibilités de le traverser. Je décris les singularités de la création dans le cadre pénal féminin - Salvador, qui ont été divisées pendant la période du projet Dialogando com a Liberdade en 2014 et lors de la rencontre avec les femmes détenues en 2017/2018, période de l'enquête. Ainsi, je me suis approché et en même temps délimité les frontières entre le théâtre et la prison (liberté et emprisonnement), pour les relier à la rédaction de cette thèse. Ainsi, dans les dernières considérations, je conçois le théâtre comme un acte de résistance qui projette la voix des femmes détenues.

O presente trabalho, "Fluxo de Consciência: percurso e articulações no teatro contemporâneo", se propõe ao estudo do fluxo de consciência como proposta estética pertinente ao teatro. Parte-se de sua definição na psicologia, a partir de William James, e de sua concepção pela teoria literária, no estudo produzido por Robert Humphrey, para, posteriormente, identificar seu uso no teatro. Por meio da articulação de seu percurso na dramaturgia, em relação às formas produzidas na literatura, examina-se o tratamento específico dado ao fluxo de pensamento no teatro, com base nas teorias de Peter Szondi, Anatol Rosenfeld e Anne Ubersfeld. A abordagem de sua manifestação efetivamente teatral se completa com o exame da situação singular que a encenação produz junto ao público, fundamentado nos trabalhos de Jean-François Lyotard, Linda Hutcheon, Hans-Thies Lehmann e Maurice Merleau-Ponty, e com a análise do espetáculo "Ânsia", da 3 de Sangue Companhia de Teatro, com direção de Rubens Rusche, fundamentada pela teoria dos vetores de Patrice Pavis. O trabalho defende uma modificação na constituição do fluxo de pensamento ao longo dos anos. Primeiramente centrado na psicologia de personagens, ao tornar-se parte da produção cultural contemporânea, ele se contamina com os pressupostos pósmodernos e sua existência se manifesta cada vez mais descentralizada. Com a consideração de um sujeito vulnerável, diante das múltiplas influências na "era pósindustrial", constituído no processo de interação com o mundo, o "eu" é visto sob a perspectiva da relatividade de sua determinação definitiva. Assim, a personagem também se torna ser instável, questionada em sua validade enquanto ser uno, passando a ser trabalhada através de fragmentos abertos à múltipla significação. Atualmente, verifica-se sua apresentação em elementos dispersos, que solicitam à recepção a conexão em meio à dispersão. A personagem é uma encruzilhada de discursos e o fluxo perde seu lugar central. O fluxo de consciência, como proposta teatral, se estabelece para além de características formais e alcança sua constituição como processo na totalidade da experiência estética. Retoma um tipo de existência que se aproxima de seu objeto original - os processos mentais e cerebrais - e se define em variabilidade avessa a qualquer tentativa de determinação definitiva. Encontram-se diversos tratamentos relacionados ao fluxo, que não se excluem nem se subordinam. Diante dessas diversas manifestações, verifica-se sua adaptabilidade a toda nova exigência, quando se estabelece sob novos moldes. / The current work, named "Stream of Consciousness: history and changes in Contemporary Theater", aims at studying the stream of consciousness as an aesthetic proposal relevant to Theater. Initially, we present the definition tailored by William James, in psychology, and by Robert Humphrey, in literary theory, to later identify its use in Theater. Based on the theories of Peter Szondi, Anatol Rosenfeld e Anne Ubersfeld, we analyze the specific treatment given to the stream of consciousness in Theater, throughout its changes in the history of Drama, compared to its characteristics in Literature. Its theatrical manifestation is demonstrated in a particular reaction the performance causes in the audience, based on the works of Jean-François Lyotard, Linda Hutcheon, Hans-Thies Lehmann e Maurice Merleau-Ponty. Besides, we analyze the show "Ânsia", by 3 de Sangue theater group, directed by Rubens Rusche and based on the vector theory by Patrice Pavis. The present work defends a change in the constitution of the stream of consciousness along the years. First centered in the psychology of the character, when it becomes part of the contemporary cultural production, it blends with the post-modern assumptions, and its existence becomes more and more decentralized. Regarding a vulnerable subject, who is conceived in the process of interaction with the world, before the multiple influences in the "post-industrial" age, the "self" is seen under the perspective of the relativity of its definitive determination. Thus, the character also becomes an unstable being, questioned in its validity as an entire and complete being, and works by fragments that allow many different meanings. Nowadays, we verify the presentation of the character in scattered elements, that ask the audience the connection among dispersal. The character is a crossroad of speeches, and the stream no longer has its critical role. The stream of consciousness, as a theatrical proposal, is beyond formal characteristics, and reaches its constitution as a process in the aesthetic experience. It recalls a kind of experience that approaches its original object - brain and mind processes - and is defined in variability against any kind of definitive determination. There are many treatments related to the stream; they do not exclude and are not subordinated to one another. Before all those manifestations, we verify that it can adapt to any new demand when is established under new patterns.

Jogos do Olhar é uma pesquisa que coleciona procedimentos do cinema como recursos para resolver certos impasses da cena teatral contemporânea, tais como: a cena fora do espaço tradicional, o corpo como figura e não como personagem e o texto como materialidade. No teatro referido há a preponderância da imagem sobre o texto. Os procedimentos cinematográficos foram observados em alguns exemplares do Cinema Brasileiro Moderno. Essa investigação resultou em uma Coleção de Jogos organizada com o intuito de prover professores, encenadores e interessados em geral de recursos para a composição de cenas condizentes com as inquietações presentes no teatro contemporâneo. Todos os jogos selecionados serviram de mote para as cenas de ISAURA S/A + 1 Experimento Hidráulico, investigação prática na qual se buscou entrelaçar processos de criação e educação. Essa encenação foi elaborada com a colaboração do Coletivo Jogos do Olhar, agrupamento de artistas dedicados ao estudo das relações existentes entre o teatro e o cinema. A apropriação da linguagem cinematográfica pode contribuir para as operações presentes na teatralidade pós-cinema. / Looking Games is a research that gathers movie procedures as resources to resolve certain impasses in the theatrical contemporary scene, such as: a scene outside the traditional space, the body as figure and not as character and the text as materiality. In such theater, there is predominance of image over text. Cinematographic procedures were observed in some examples of the Modern Brazilian Cinema. This investigation resulted in a Collection of Games organized with the goal of providing teachers, directors and interested parties in general, with resources for the composition of scenes congruous with the concerns present in contemporary theater. All games selected served as slogan for the scenes in ISAURA S/A + 1 Hydraulic Experiment, a research practice which sought intercross creative and educational processes. This stage management was drawn up in collaboration with Collective Looking Games, a group of artists dedicated to the study of existing relationships between the theater and the cinema. The appropriation of film language can contribute to the operations present in theatricality post-cinema.

O presente trabalho, "Fluxo de Consciência: percurso e articulações no teatro contemporâneo", se propõe ao estudo do fluxo de consciência como proposta estética pertinente ao teatro. Parte-se de sua definição na psicologia, a partir de William James, e de sua concepção pela teoria literária, no estudo produzido por Robert Humphrey, para, posteriormente, identificar seu uso no teatro. Por meio da articulação de seu percurso na dramaturgia, em relação às formas produzidas na literatura, examina-se o tratamento específico dado ao fluxo de pensamento no teatro, com base nas teorias de Peter Szondi, Anatol Rosenfeld e Anne Ubersfeld. A abordagem de sua manifestação efetivamente teatral se completa com o exame da situação singular que a encenação produz junto ao público, fundamentado nos trabalhos de Jean-François Lyotard, Linda Hutcheon, Hans-Thies Lehmann e Maurice Merleau-Ponty, e com a análise do espetáculo "Ânsia", da 3 de Sangue Companhia de Teatro, com direção de Rubens Rusche, fundamentada pela teoria dos vetores de Patrice Pavis. O trabalho defende uma modificação na constituição do fluxo de pensamento ao longo dos anos. Primeiramente centrado na psicologia de personagens, ao tornar-se parte da produção cultural contemporânea, ele se contamina com os pressupostos pósmodernos e sua existência se manifesta cada vez mais descentralizada. Com a consideração de um sujeito vulnerável, diante das múltiplas influências na "era pósindustrial", constituído no processo de interação com o mundo, o "eu" é visto sob a perspectiva da relatividade de sua determinação definitiva. Assim, a personagem também se torna ser instável, questionada em sua validade enquanto ser uno, passando a ser trabalhada através de fragmentos abertos à múltipla significação. Atualmente, verifica-se sua apresentação em elementos dispersos, que solicitam à recepção a conexão em meio à dispersão. A personagem é uma encruzilhada de discursos e o fluxo perde seu lugar central. O fluxo de consciência, como proposta teatral, se estabelece para além de características formais e alcança sua constituição como processo na totalidade da experiência estética. Retoma um tipo de existência que se aproxima de seu objeto original - os processos mentais e cerebrais - e se define em variabilidade avessa a qualquer tentativa de determinação definitiva. Encontram-se diversos tratamentos relacionados ao fluxo, que não se excluem nem se subordinam. Diante dessas diversas manifestações, verifica-se sua adaptabilidade a toda nova exigência, quando se estabelece sob novos moldes. / The current work, named "Stream of Consciousness: history and changes in Contemporary Theater", aims at studying the stream of consciousness as an aesthetic proposal relevant to Theater. Initially, we present the definition tailored by William James, in psychology, and by Robert Humphrey, in literary theory, to later identify its use in Theater. Based on the theories of Peter Szondi, Anatol Rosenfeld e Anne Ubersfeld, we analyze the specific treatment given to the stream of consciousness in Theater, throughout its changes in the history of Drama, compared to its characteristics in Literature. Its theatrical manifestation is demonstrated in a particular reaction the performance causes in the audience, based on the works of Jean-François Lyotard, Linda Hutcheon, Hans-Thies Lehmann e Maurice Merleau-Ponty. Besides, we analyze the show "Ânsia", by 3 de Sangue theater group, directed by Rubens Rusche and based on the vector theory by Patrice Pavis. The present work defends a change in the constitution of the stream of consciousness along the years. First centered in the psychology of the character, when it becomes part of the contemporary cultural production, it blends with the post-modern assumptions, and its existence becomes more and more decentralized. Regarding a vulnerable subject, who is conceived in the process of interaction with the world, before the multiple influences in the "post-industrial" age, the "self" is seen under the perspective of the relativity of its definitive determination. Thus, the character also becomes an unstable being, questioned in its validity as an entire and complete being, and works by fragments that allow many different meanings. Nowadays, we verify the presentation of the character in scattered elements, that ask the audience the connection among dispersal. The character is a crossroad of speeches, and the stream no longer has its critical role. The stream of consciousness, as a theatrical proposal, is beyond formal characteristics, and reaches its constitution as a process in the aesthetic experience. It recalls a kind of experience that approaches its original object - brain and mind processes - and is defined in variability against any kind of definitive determination. There are many treatments related to the stream; they do not exclude and are not subordinated to one another. Before all those manifestations, we verify that it can adapt to any new demand when is established under new patterns.

O presente trabalho é uma proposição sobre as possibilidades cênicas das quatro peças que compõe o último ciclo da obra de Henrik Ibsen (Solness, o Cons-trutor, John Gabriel Borkman, O Pequeno Eyolf e Quando nós, os mortos, desper-tarmos) para além dos limites normalmente estabelecidos pelo Realismo. A questão da fidelidade ao texto é relativizada pela noção de ponto de vista que estabelece o diálogo com referências de outros criadores, circunscritos por um campo de coerência. / The present work is a proposition on the scenic possibilities of the four plays that make up the last cycle of the work of Henrik Ibsen (Solness the Builder, John Gabriel Borkman, Little Eyolf and When we dead awaken) beyond the limits normally set by Realism. The issue of fidelity to the text is relativized by the notion of a point of view es-tablishing dialogue with references from other breeders, circumscribed by a field of coherence.

Orientador: Marcio Aurelio Pires de Almeida / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T12:00:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 D'Abronzo_ThaisHelena_M.pdf: 13822273 bytes, checksum: 77a8dc9e522386cd8546fc5ed047a27a (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Este trabalho realiza uma reflexão sobre o processo de criação do espetáculo teatral intitulado Foi Tarde. Investiga alguns modos pelos quais a construção da imagem comparece em procedimentos de criação da cena teatral. Na construção do espetáculo, buscaram-se possíveis relações entre o Teatro da Morte (1975-1990) de Tadeusz Kantor e o texto dramatúrgico A Morta (1937) de Oswald de Andrade, principalmente quanto à "presença da morte" como condução poética. Um terceiro material a somar-se nesta relação viria a ser "o aspecto de exposição à morte em um ambiente hospitalar". À estruturação da cena pelas vias da imagem e à colisão dos materiais do processo criativo chamou-se, neste estudo, de artifícios da morte. No desenvolvimento, ocorre a descrição do processo criativo, e são apresentados o memorial e a escritura do espetáculo. O trabalho com as poéticas de Tadeusz Kantor e Oswald de Andrade solicitou uma abordagem sobre a relação entre o texto dramático e a escritura cênica, a partir do embate iniciado no final do séc. XIX e início do séc. XX. Para tanto, fez-se necessário o resgate de informações sobre o movimento simbolista e sobre as vanguardas históricas, como precursores de novos comportamentos artísticos e de paradigmas de construção teatral e dramática para o século XX e para a atualidade. Por fim, entende-se, que Tadeusz Kantor e Oswald de Andrade revelam, em seus trabalhos, influências e divergências com o simbolismo e com as vanguardas históricas, em nome de uma poética caracterizada pela presença da morte e pela autonomia da cena teatral pelas vias da imagem. Esta reflexão embasa, portanto, a poética de construção do espetáculo Foi Tarde, apresentado publicamente em montagem consonante aos princípios estéticos pretendidos / Abstract: This project accomplishes a reflection about the process of creation of the Foi Tarde (Gone Late) play. It investigates some ways trough which is present in procedures of the theatrical scene creation. In the construction of the spectacle, possible relation between the Teatro da Morte (Death Theatre) (1975-2000) of Tadeusz Kantor and the dramaturgic text A Morta (The Dead Woman)(1937) from Oswald de Andrade were searched, mainly about the "presence of the death" as a poetic conduction. A third material to be added to this relation happened to be "the aspect of the exposition to death in a hospital environment". The structuring of the scenes through the image pathways, and the collision of the materials of the creative process were called, in this project, death artifices. In the development, happens the description of the creative process, and are presented the memorial and the script of the spectacle. The work with Tadeusz Kantor and Oswald de Andrade poetics demanded an approach about the relation between the dramatic text and the performing arts scripts, from the clash started in the end of the XIX Century and early XX Century. For it, the rescue of the information about the symbolist movement and about the historical vanguard were made necessary, as precursors of new artistic behaviors and of paradigms of theatric and dramatic constructions for the XX Century and for the present time. At last, it is understood, that Tadeusz Kantor and Oswald de Andrade reveal, in their works, influences and divergences with the symbolism and with the historical vanguards, in the name of a poetics characterized by the presence of death and by the autonomy of the theatric scene through the image pathways. This reflection sustains, hence, the poetic of construction of the spectacle Foi Tarde(Gone Late), presented publicly in an assembling corresponding to the intended aesthetics principles / Mestrado / Mestre em Artes