Dans le cadre de cette thèse de maîtrise, nous nous intéressons à l’évolution de la thématique identitaire dans l’œuvre de Maryse Condé en ciblant trois romans principaux : Heremakhonon, Desirada et Le fabuleux et triste destin d’Ivan et d’Ivana, tout en faisant appel à d’autres romans de l’auteure qui peuvent approfondir notre raisonnement. Nous analysons la perspective de Maryse Condé sur l'identité antillaise qui évolue avec le temps à mesure qu'elle se détache de ses prédécesseurs, notamment Aimé Césaire à qui elle laisse une place prépondérante dans son œuvre. Plus précisément, nous examinons les différentes facettes de l’identité dans ces romans, au moyen de l’approche sociocritique, en tenant compte des contextes sociaux, en vogue lors de leur publication, qui mettent en lumière les problématiques identitaires abordées à travers ces textes littéraires. Pour tracer l’évolution de l’identité, nous avons repéré les répétitions et les différences évidentes qui traversent la diégèse de ces romans à travers quatre thèmes récurrents : la quête identitaire des personnages principaux, les espaces géographiques, l’errance et les nouveaux enjeux de la mondialisation.

Cette recherche propose une interprétation d’un corpus centré sur le roman Œdipe sur la route d’Henry Bauchau, mais en faisant référence aussi aux autres œuvres du cycle œdipien et aux journaux de l’écrivain. C’est un travail qui opère à un double niveau, celui d’un projet ontologique des personnages errants en quête d’identité, et celui des stratégies d’écriture. La première partie de cette étude, munie méthodologiquement des travaux théoriques sur le mythe, propose une définition des concepts, des relations du mythe avec la littérature, de l’évolution du mythe œdipien. Au centre de l’ouvrage, à l’aide d’une analyse comparative, argumentative, herméneutique et stylistique, nous nous concentrons sur le roman de Bauchau, Œdipe sur la route. Nous analysons les rêves d’Œdipe et de l’écrivain, la route de Thèbes à Colone, la transformation d’un roi déchu, incestueux et aveugle à un aède, un artiste, un héros tutélaire d’Athènes, les symboles, les personnages principaux œdipiens et la vision des Roumains sur le mythe d’Œdipe. La dernière partie analyse l’écriture de Bauchau : la polyphonie, l’anachronie, la mise en abîme, l’intergénéricité, le statut des personnages, la dimension onirique, tout cela dans la lumière de l’intertexte et du palimpseste en tant que modèle herméneutique. Donc, l’originalité de l’écriture bauchautienne est qu’au centre des récits surajoutés, se poursuit le récit mythique avec des parties composantes passées, réelles ou recomposées, au profit d’expériences nouvelles, d’un regard nouveau porté sur l’homme.Mots clés : Henry Bauchau, Œdipe, mythe, symbole, identité, errance, route, catharsis, intertextualité, écriture, rêve. / This research paper proposes a study of a corpus focused on the novel Œdipe sur la route by Henry Bauchau, but also referring to other works of the œdipal cycle and to the writer’s diaries. It is a study which operates on a double level that of an ontological project of the wandering characters in search for identity, for purification and that of writing strategies. The first part of this study, based methodologically on the theoretical works on myth, suggests a definition of concepts, of the relations of myth with literature, of the evolution of œdipal myth. In the centre of our work, with a comparative, argumentative, hermeneutical and stylistic analysis, we focus on Bauchau’s novel, Œdipe sur la route. We analyze Œdipus and the writer’s dreams, the road between Thebes and Colonos, the transformation from an incestuous, murderer and blind king to a bard, an artist, a tutelary hero of Athens, the main symbols and characters in the œdipal cycle and we present the Romanians’ point of view on Œdipus’ myth. The final part analyzes Bauchau’s writing: the polyphony, the anachrony, the mise en abîme technique, the intergenericity, the status of characters, the dream dimension. Everything converges to a poetics of oscillation, of doubt, of wandering. These are emphasized by an analysis in the light of inter-text and palimpsest as a hermeneutical model. Thus, the originality of Bauchau’s writing is that in the centre of added stories, Sophocles’s mythic story continues with past, real or recomposed parts, for the benefit of new experiences, of a new vision on man.Keywords: Henry Bauchau, Œdipus, myth, symbol, identity, wandering, road, catharsis, intertextuality, writing, dream.

Cette thèse intitulée « Géographies de l’'enfance dans Alice's Adventures in Wonderland [1865] de Lewis Carroll, Le Avventure di Pinocchio [1883] de Carlo Collodi, Peter Pan [1911] de James Matthew Barrie et Le Petit Prince [1943] d'Antoine de Saint-Exupéry » s'intéresse, à partir d'une étude sur le traitement spatial, aux notions d'espace, de lieu et de monde de l’'enfance. Il s’'agit en effet d'aborder ces quatre ouvrages de littérature enfantine, non pas sous l'angle du personnage, mais sur la relation entre la géographie mise en place dans la narration et leur succès visible encore aujourd’hui. Si la rêverie de l’'enfance semble être au centre de la formation de mondes, c’'est sa matérialisation spatiale impromptue et éphémère qu'il faut retenir comme créatrice de lieux mythiques. En confrontant l'illusion enfantine, la relation entre espaces fantastique et espace merveilleux, la spatialisation des désirs enfantins et la dématérialisation de territoires par le souvenir et le conte, les hypothèses formulées dans cette thèse s’inscrivent dans les études sur les littératures de l'imaginaire et placent la spatialisation d’'une rêverie vers l'enfance au centre du propos. / Entitled « Childhood's Geographies in Alice'sAdventures in Wonderland [1865] by Lewis Carroll, Le Avventure di Pinocchio [1883] by Carlo Collodi, Peter Pan [1911] by James Matthew Barrie and Le Petit Prince [1943] by Antoine de Saint-Exupéry », this thesis investigates the concepts of space, place, and the world of childhood, by focusing on the treatment of space. We approach these four works in children's literature, not from the perspective of the character, but rather from that of the relationship between the geography developed through the narration, and the enduring popularity of the works. Although childhood fancy seems to be at the principle of the creation of worlds, the ephemeral materialization in space can be named the force behind the elaboration of mythical places. By putting in relation such notions as the children's illusion, the space of the fantastic, the space of the marvelous, the spatialization of children's desire and the de-materialization of territory by memory and tale, the hypotheses formulated in this thesis find their place among the studies on fantasy literature, and put the spatialization of fancy at the core of the discussion.

L’œuvre poétique d’António Feijó (1859-1917) s’inscrit dans un moment historique marqué de différents courants littéraires: Réalisme, Naturalisme, Parnasse, Décadentisme et Symbolisme. La nouvelle ère du progrès en Europe provoque un renouvellement littéraire. Avide des nouvelles émotions qui arrivaient de Paris dominée par le Réalisme, Feijó remet en question le Romantisme. Depuis sa première publication poétique, Transfigurações (1882), datant de ses années de jeunesse, jusqu’à Novas Bailatas (1926), sa poésie présente une vaste perspective thématique lyrique. Les poèmes réunis dans Transfigurações résument les différentes phases de l’évolution de l’esprit de Feijó, sous l’influence du pessimisme de Schopenhauer et de Leopardi aux doctrines d’Auguste Comte et d’Herbert Spencer. Le pessimisme et la mort s’imposent presque tout au long de sa poésie. Ces doctrines chez Feijó dévoilent une métaphysique et un goût pour la spiritualité. Le poète hésite à trouver sa voie, mais il est influencé par la crise de transition du XIXème au XXème siècle, dominée par l’esthétique décadente qui précède l’esthétique symboliste. Avec son départ vers le Brésil puis vers la Suède, le spleen s’empare plus après la mort de son épouse. Feijó justifie alors sa qualité de poète de l’Amour et de la Mort, thèmes constants dans son œuvre où domine la figure de la Femme. Ce travail examine l’ensemble du corpus de l’œuvre poétique d’António Feijó, contemporain d’Eça de Queirós et mal connue en Europe et au Portugal. Elle apparait comme le résultat d’une époque que le poète synthétise et qui ouvre un chemin original dans une phase de transition tardive du post-romantisme portugais. / The poetic work of António Feijó (1859-1917) is part of a historical moment of different literary currents: Realism, Naturalism, Parnassianism, Decadentism and Symbolism. The new era of progress in Europe originates a literary renewal. Avid of the new emotions that arrived from Paris dominated by Realism, Feijó questions Romanticism. Since its first publication, Transfigurações (1882), written in his youth years until Novas Bailatas (1926), his poetry presents a broad perspective thematic. The poems gathered in Transfigurações summarize the different stages of the intellectual evolution of Feijó, under the influence of the pessimism of Schopenhauer and Leopardi to the doctrines of Auguste Comte and Herbert Spencer. Pessimism and death are presents almost in all his poetry. These doctrines in the work of Feijó unveil his metaphysics and his taste for spirituality. Feijó seems reluctant to find its way, but he is influenced by the crisis of transition from the 19th to the 20th century, dominated by the Decadent aesthetics that precedes the Symbolist aesthetic. With his departure to Brazil and then to Sweden, the spleen takes possession more clearly of Feijó, after the death of his wife. Feijó then justifies his quality of the poet dealing with love and death, constant themes in his work, dominated by the figure of the Woman. This work explores the whole corpus of the poetic work of António Feijó, a contemporary of Eça de Queirós and a poet poorly known in Europe as well as in Portugal. He appears as the result of an era that he synthesizes, but which opens an original road in a late transition of the Portuguese post-romanticism.

Il est rare dans la littérature de trouver déclinaison de l'errance psychique en tant que concept ou autrement que sur le versant de la psychopathologie. Il s'agira dans cette présente recherche de construire un modèle conceptuel métapsychologique de l'errance psychique, par la croisée des conceptualisations psychanalytiques et phénoménologiques. Nous démontrerons que l'errance psychique est une dynamique qui permet au sujet de s'adapter à ses environnements interne et externe. L'errance psychique nait de l'imprévisible du Réel par lequel le sujet ne peut savoir ce qui l'attend. Par sa confrontation au Réel, dont l'issue est aussi imprévisible, le sujet devra revisiter, déconstruire et restructurer son système représentationnel en remaniant les repères intrapsychiques et ancrages identitaires qui le régissaient jusqu'alors. Les troubles que certains auteurs imputent à l'errance psychique seront en fait dus à l'aspect traumatogène que revêt la confrontation au Réel, potentialisé par la difficulté voire l'incapacité du sujet, dans certaines situations, à trouver manière d'habiter son errance. Les manifestations erratiques discursives et autres que nous révèlerons, témoigneront de la position passive ou active du sujet face et dans son errance, mais selon aussi s'il s'en laisse porter ou au contraire qu'il lutte contre cette force. Comme principal symptôme de l'errance dans son entrave, nous interrogerons la dépression en tant qu'affect corollaire de toute crise existentielle qui atteint le sujet ne sachant plus faire avec son errance, c'est-à-dire ne sachant plus faire résonner ses environnements interne et externe et ainsi éprouver cohérence et mêmeté à son être.

Joseph Conrad, Albert Camus et John-Maxwell Coetzee s’intéressent au travers de leurs romans au thème de l’errance. C’est plus particulièrement la figure de l’errant confronté aux paradoxes de l’altérité et de la culpabilité que nous nous proposons ici de mettre en évidence. Avant eux, Dostoievski instaure, avec la figure de Raskolnikov, le schisme puissant de la conscience tourmentée qui se met en errance. Il s’agit, en prenant comme point de départ Crime et châtiment, d’interpeller, d’interroger et de heurter les uns contre les autres des textes où les figures de l’errance entreprennent la paradoxale et laborieuse quête de l’identité. Lord Jim, La Chute et Le Maître de Pétersbourg permettent d’identifier la nature des interactions qui unissent, au travers du prisme raskolnikovien, culpabilité et souffrance, autarcie et rôle social. Au-delà, il s’agit de ramener le questionnement identitaire à ce socle commun qu’est celui du chemin de l’errance au sein de romans du XXe siècle. A travers l’analyse de ces romans, cette thèse se propose donc de montrer comment l’évolution de la figure de l’errant renverse les paradigmes traditionnels liés au mécanisme salut-souffrance et comment elle permet à un nouveau nihilisme de voir le jour. / Joseph Conrad, Albert Camus and John-Maxwell Coetzee take an interest in the theme of wandering through their novels. Especially, confronting the figure of the wanderer with the paradoxes of alterity and guilt is what we offer to highlight. Before them, Fyodor Dostoevsky establishes with the figure of Raskolnikov the powerful tormented conscience’s schism about to wander. Taking as a starting point Crime and punishment, it is about calling out, questioning and bringing the texts face to face where the wandering figures undertake the paradoxical and laborious identity quest. Lord Jim, The Fall and The Master of Petersburg allow to identify the nature of interactions that bond guilt and suffering, autarky and social role through the raskolnikovian prism. Beyond that, it is about bringing back the identitary questioning to the common base of the wandering way in the 20th century novels. Through the analysis of these novels, this PhD offers to show how the evolution of the wanderer’s figure inverts the traditional paradigms linked to the salvation-suffering mechanism, and how it allows a new nihilism to see the light of the day.

L’oeuvre de Sergio Chejfec (Buenos Aires, 1956), composée de romans et de nouvelles,de nombreux essais et de deux recueils poétiques, figure parmi les propositions les plus singulières de la littérature argentine contemporaine. Entamée à la fin des années 1980, dans le contexte d’intense questionnement sur les moyens et les fins de la littérature nationale qui caractérise la période post-dictatoriale, cette oeuvre se poursuit encore aujourd’hui, désormais depuis New York. L’analyse transversale de l’oeuvre que nous proposons par la présente thèse s’appuie sur un corpus primaire de sept romans et s’organise autour des notions d’étrangeté et d’étrangèreté.La première partie s’attache à montrer que les altérations qui viennent semer le trouble dans la relation du sujet au réel ont partie liée avec la disparition de l’alter ego, qu’elles peuvent se concevoir à la lumière de la notion freudienne d’Unheimliche (« l’étrange familier »), et que s’y articule notamment la figure spectrale, en lien avec un passé – intime ou national – qui ne passe pas. L’étrangèreté géographique, sujet de la deuxième et la troisième partie, est définie comme une impossible territorialisation et se manifeste par les motifs récurrents de la marge et de l’errance. Au leitmotiv marginal – lieux périphériques, personnages paratopiques –s’associe également une figure d’auteur instable dans le champ littéraire argentin. Le motif de l’errance, quant à lui, réactive à la fois le mythe du peuple juif errant, par lequel l’auteurs se réapproprie ses origines, et le topos littéraire argentin du « désert ». L’errance, enfin, est aussi celle du lecteur, que Chejfec ne cesse de désorienter par un ensemble de procédés d’« étrangisation » (ostranenie) de la forme de ses textes.C’est enfin l’étrangèreté à soi et le brouillage des identités qui nous occupera dans un quatrième temps : il s’agira d’analyser la déconstruction du personnage romanesque, mais aussi les phénomènes de dédoublements, d’aliénations ou d’hybridités des sujets qui sont à l’oeuvre chez Chejfec. Les figures troublées de l’auteur, la question de la filiation et des origines ainsi que le rapport d’étrangèreté à la langue seront par la suite les axes principaux de cette dernière partie. / Sergio Chejfec was born in Buenos Aires, in 1956, and wrote novels, short stories, numerous essays and two collections of poems. His work is listed among the most unusual propositions in contemporary Argentine literature. Sergio Chejfec started writing at the end of the 1980s, in a context of intense questioning of the means and ends of the national literature which characterizes the post-dictatorship period, and now goes on with his work from New York City. This thesis intends to offer a cross-disciplinary analysis, relies on a corpus of seven novels, and is organized around the notions of strangeness and strangerness.The first part endeavors to show that the distortions that trigger a trouble some relationship between the subject and the world are hand in glove with the disappearance ofthe alter ego; that they can be conceived of in the light of the Freudian notion of the uncanny (das Unheimliche); and that they articulate a spectral figure that is linked with either an intimate or national past, and yet does not pass. Geographical strangerness is the main focus of the second part and is defined as impossible territorializing. It expresses itself in the recurrent motifs of margin andwandering. The marginal leitmotiv – peripheral places, paratopical characters – is also articulated with the figure of an author who remains on the fringe of the Argentine literary circle. As for the motif of wandering, it reactivates both the myth of the Wandering Jew,through whom the author takes back his origins, and the Argentine literary topos of the“desert.” At last, wandering is that of the reader, whom Chejfec tries to disorientate through a series of processes that “enstrange” (ostranenie) the form of the texts.The fourth part concentrates on strangerness and the blurring of identities. It analyses the deconstruction of the novelistic character, and the phenomena of splitting, alienating and hybridizing the subjects in Chejfec’s work. The troubled figures of the author, the question of filiation and of origins and strangerness to language are the main threads of this last part.

L'objet de ce travail de thèse est l'analyse des monstruosités biologiques en tant qu'elles posent question quant à la nature même de la vie et quant à la puissance de la raison à pouvoir l'appréhender. En mettant l'accent sur le travail d'Étienne et d'Isidore Geoffroy Saint-Hilaire, nous nous sommes attachés à montrer en quoi la tératologie parvenait à intégrer les monstres dans des procédures rationnelles - ici celles des sciences biologiques. Mais cette intégration se fait au prix d'un oubli : la dimension nécessairement normative du concept de monstre. Nous nous sommes alors efforcés d'intégrer cette dimension normative et nous avons alors mis au jour la question de savoir ce qu'est la vie en elle-même pour qu'elle soit capable de produire des êtres vivants monstrueux. Cette question nous a amené à élaborer une métaphysique de la vie selon laquelle elle est, en son être même, errance vitale. Penser les monstres revient à devoir penser la vie comme puissance d'écart.

Thèse réalisée en cotutelle, sous la direction de M. Philippe Despoix (Université de Montréal) et de M. Michel Marie (Université Sorbonne Nouvelle-Paris 3) / Apparu au lendemain de la Seconde Guerre mondiale avec la publication en 1957 d’On the Road de Jack Kerouac et la sortie, 12 ans plus tard, d’Easy Rider de Dennis Hopper, le road novel et le road movie constituent à nos yeux les deux versants de ce que nous avons choisi de nommer le récit de la route. Devant l’absence de réelle étude conjointe entre les deux formes et la persistance d’amalgames, nous souhaitons mettre en évidence ce qui permettrait de distinguer le road novel et le road movie d’autres récits d’errance. Un tel travail nécessite la mise au jour d’un outil d’analyse intermédial permettant d’embrasser de concert des œuvres relevant d’expressions médiatiques différentes. Nous proposons donc de recourir au concept de chronotope développé par Bakhtine en littérature, et dont il a été démontré il y a peu qu’il est aussi susceptible de s’appliquer à un objet cinématographique. Nous posons que road novel et road movie reposent sur la combinaison d’un ensemble de chronotopes fondamentaux : celui de la route, dans le contexte de la motorisation et des non-lieux de la postmodernité, et celui du seuil, compris comme l’expression du tournant d’une vie. La présence d’une dimension parodique nous amène en outre à mobiliser un autre concept bakhtinien : celui de carnavalesque, qui s’articulerait justement autour des chronotopes de la route et du seuil définis précédemment. Afin de procéder à cette analyse chronotopique, nous nous appuyons sur un corpus d’œuvres empruntées au répertoire américain, québécois et allemand, en raison notamment des multiples passerelles susceptibles d’être érigées entre ces différentes cultures. / Appearing in the wake of World War II, with the publication in 1957 of On the Road by Jack Kerouac, followed 12 years later with the screening of Denis Hopper’s Easy Rider, the road novel and road movie constitute, we argue, two sides of what we call the road narrative. Faced with a lack of comprehensive studies embracing both sides concurrently, and with recurrent amalgams, we reflect on the components differentiating the road novel and road movie from other types of wandering stories. Such a project calls for the construction of an intermedial apparatus, enabling us to jointly encompass artworks belonging to different media formats. Consequently, we build on the concept of the chronotope, as developed by Bakhtin as a tool for literary criticism, and recently extended by scholars to cinematographic objects. We show how road novels and road movies emerge from the combination of two fundamental chronotopes: that of the road, exemplified by a postmodern universe dominated by motor vehicles and non-places, and that of the threshold, understood as the expression of a critical turn in one’s life. The noted presence of a parodic dimension in road narratives calls for the introduction of an additional bakhtinian concept: the carnivalesque, which, as we show, can be articulated in relation to the previously defined road and threshold chronotopes. For this chronotopical analysis, we selected artworks from the American, Quebecois and German repertoires, a choice justified by the numerous potential connections to be established between those three different cultures.

Ce mémoire propose de s’attarder sur la symbolique de la flânerie pour associer le déplacement physique de la marche à l’opération mentale qui l’accompagne, mais aussi pour y tracer un rapprochement avec l’évolution des pratiques de lecture au cours des deux derniers siècles. Si l’on exigeait auparavant du lecteur qu’il se fasse en quelque sorte pèlerin traversant religieusement une œuvre selon la volonté de l’auteur, c’est un tout nouveau lecteur qui revendique le droit d’errer textuellement du Nouveau Roman jusqu’à l’hypertexte. Le concept de parcours narratif se dessine alors ici comme une alternative aux études narratologiques traditionnelles, un nouvel axe herméneutique où le lecteur dynamise ses pratiques de lectures en traçant dans une œuvre ses propres sentiers narratifs. Prenant en exemple l’éclosion hypertextuelle aussi bien que les tortueuses littératures de Kafka et de Camus, il s’agira de voir comment cette lecture-errance a renégocié, dans l’imprimé comme dans le numérique, la relation entre auteur et lecteur pour offrir une littérarité qui soit mise en marche, enfin libre d’être agie, parcourue. / This mémoire proposes to dwell on the symbolism of the flânerie by associating the physical act of walking to the mental operation that accompanies it, while also seeking to draw a comparison with the evolution of reading practices over the last two centuries. If in the past the reader was expected to follow the path set by the author religiously, what followed, from the Nouveau Roman to the hypertext, was a whole new reader claiming the right to wander textually. The concept of narrative path emerges here as an alternative to traditional narratological studies; it constitutes a new hermeneutic approach where the reader makes his reading practices more dynamic by charting his own narrative paths inside the work itself. Using as examples the irruption of hypertext as well as the tortuous literatures of Kafka and Camus, this mémoire will examine how the wander-reading concept helps to renegotiate, both in print and digital forms, the relationship between the author and the reader in order to offer a literature that’s in movement, finally free to be acted upon, to be crisscrossed.