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L’anatomie de l’action dans le théâtre de Marivaux / Anatomy of the Action in Marivaux’s theatreKerber, Stéphane 09 May 2012 (has links)
Cette recherche vise d’abord à éclairer l’esthétique du théâtre de Marivaux de façon inédite en se centrant surle concept d’action. Elle cherche également de façon concrète, à travers les pièces de ce dramaturge, à réfléchirsur ce concept polysémique, polyvalent et complexe. On constitue ainsi une ‘Anatomie de l’action’. Elles’inscrit dans le fil de la réflexion globale sur l’action qui remonte à Aristote et dans laquelle théoricienscomme créateurs/penseurs ont croisé leur regard s’affrontant sur la définition du terme, son essence éventuelleet les inflexions esthétiques nouvelles qu’on pouvait lui donner.L’analyse se concentre sur trois pièces, ‘expériences’ et modèles qui révèlent de manière emblématique lavariété de ce théâtre et qui ouvrent sur ses autres créations dramatiques. Un modèle Italien merveilleux,Arlequin poli par l’amour (1720) conduit à explorer les fondamentaux marivaudiens : l’inconstance commeaction, l’action redevable à une hybridité générique élevée et la crise du protagoniste à l’origine d’uneinstabilité du centre de l’action. Un anti-modèle tragique fructueux, Annibal (1719) permet de trouver unestructure profonde pour trois chefs-d’oeuvre, comédies « à éclats tragiques » (La Fausse Suivante, Le PrinceTravesti, Le Triomphe de l’Amour) en utilisant les outils classiques de la tragédie (‘noeuds de gloire’, sublime,reconnaissance, choix du protagoniste). Et un modèle utopique, L’Île des Esclaves (1725) oeuvre de pensée,permet de remonter par ce biais à l’action et de comprendre comment Marivaux parvient à construire celle-cien usant de systèmes de compensation avec les aspects ludiques et romanesques. / This research targets to bring new lights on the aesthetic of the theatre of Marivaux by focusing on the conceptof action. Also, through the plays of Marivaux, it looks concretely for a new thinking about this polyvalent andcomplex notion. It constitutes an ‘Anatomy of action’. It takes place in the global reflection on this term, whichgoes back to Aristotle and in which philosophers and creators/theoreticians confronted their conceptions on thedefinition, its essence and the new aesthetic inflexions which could be reached then.The analysis is mostly based on three plays, both ‘experiments’ and patterns which reveal in an emblematicway the diversity of this theatre and open on the other dramatic creations of Marivaux. A fairy Italian pattern,Arlequin polished by love (1720) leads to the exploration of the basics : the inconstancy as action, the actionresulting from a highly hybrid mixed genres theatre and the crisis of the protagonist and its consequences onthe centre of action. A tragic fruitful anti-pattern, Annibal (1719) gives a deep structure for three masterpieces,comedies with “tragic basement” (The False Servant, The Travestied Prince, The Triumph of Love) by usingthe traditional tools of the tragedy (knot of glory, sublime, recognition, choice of the protagonist). And autopian pattern, The Island of slaves (1725) creation of thought leads to the concept of action and gives key forunderstanding how Marivaux builds up this action by mixing and balancing it with cheerful and eventfulaspects.
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Une décentralisation théâtrale, 1962-2002. La Comédie de Reims, Centre dramatique national / An example of theatrical decentralization, 1962-2002. La Comédie de Reims, National Drama CentreGardet, Annette 16 March 2019 (has links)
Cette thèse traite du cheminement d’une décentralisation théâtrale en Champagne-Ardenne et de ses répercussions hors région, par l’enquête micro-historique d’un modèle, celui de Reims : de la genèse par l’arrivée d’une troupe permanente nationale (1962), de la création de son Centre dramatique national (1979) et de son évolution jusqu’en 2002. Ce travail historique et esthétique balise un terrain peu exploré. Deux axes sont simultanément abordés : la chronologie de l’essor du centre dramatique et l’analyse de pièces significatives éclairant les approches esthétiques des metteurs en scène ayant joué un rôle essentiel sur la scène champardennaise. La première partie privilégie la troupe permanente, celle de la compagnie André Mairal qui fonde le Théâtre de Champagne-Comédie de Reims (1962-1970). Dans la deuxième partie, la réflexion se poursuit par l’étude de continuités et de ruptures depuis 1971, avec la nomination de Robert Hossein qui crée le Théâtre Populaire de Reims dans une des pionnières Maison de la culture (en 1969), puis de celle de Jean-Pierre Miquel qui institue le Centre dramatique national de Reims-Théâtre de la Comédie en 1979, dans une ancienne salle du collège des Jésuites. En troisième partie, nous explorons le développement du CDN et la transmission théâtrale, par les directions successives du CDN, d’abord par Jean-Claude Drouot (1984-1986), puis par Denis Guénoun (1986-1990) qui le renomme Le Grand Nuage de Magellan, enfin par Christian Schiaretti (1991-2002) qui inaugure la Comédie de Reims (1991) affirmant ainsi son ancrage dans l’objectif de la décentralisation. / This PhD deals with the process of theatrical decentralization in Champagne-Ardenne (now part of the Grand-Est region) and its national repercussions. Theatrical decentralization was a national program of the French ministère de la Culture aiming to provide various metropolitan cities – and their surroundings – with theatrical equipments, outstanding directors and actors of national, and international renown. The period covers the prefiguration of the Reims National Drama Centre (1960-1962) until 2002 and beyond. Hence, from the compagnie André Mairal leaving Paris for Reims and founding the Théâtre de Champagne-Comédie de Reims, and the subsequent evolutions under the leadership of the various following directors, Robert Hossein, renaming the institution Théâtre Populaire de Reims in 1971, located in one of the first maisons de la Culture (1969), then Jean-Pierre Miquel with the Théâtre de la Comédie (1979), and Jean-Claude Drouot (1984-1986), then Denis Guénoun (1986-1990), who named it Le Grand Nuage de Magellan and finally Christian Schiaretti (1991-2002) who gave its new and remaining name : La Comédie de Reims (1991). Although in many aspects specific, the Champagne-Ardenne experiment is still significative of the global endeavour of cultural decentralization which implied the implication of regional and local authorities in the process.
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Le mime grec antiqueWatrinet, Chrysi 14 December 2010 (has links) (PDF)
Le théâtre dans la Grèce Antique a développé quatre genres dramatiques : la tragédie, la comédie, le drame satyrique et le mime. Le Mime est le genre comique qui naît en Grèce dorienne, se développe en Sicile et dont l'évolution se poursuit jusqu'à l'époque hellénistique. Bien qu'il constitue une part importante de l'art dramatique grec antique, il n'y a pas eu jusqu'à nos jours de recherche systématique sur ce type de théâtre. Cette étude a pour but d'explorer ce genre dramatique inconnu. Rechercher son origine, son évolution historique et ses rapports (similitudes et différences) avec les autres genres d'art dramatique, ainsi que ses principaux créateurs constituent les principaux objectifs de cette recherche
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Pour une dramaturgie de la comédie mêlée d’ariettes (1750-1810) / Towards a dramaturgy of comédie mêlée d’ariettes (1750-1810)Schang-Norbelly, Marie-Cécile 04 December 2017 (has links)
La comédie mêlée d’ariettes, genre d’opéra-comique apparu au milieu du XVIIIe siècle, fait l’objet d’un regain d’intérêt depuis les années 1990 de la part des artistes et des chercheurs. Elle naît dans des circonstances marquées par le renouvellement de la comédie, et par l’apparition de l’esthétique en tant que discipline philosophique. De ce fait, elle témoigne d’une prise de distance vis-à-vis de la poétique classique, et d’un déplacement des critères d’évaluation de l’oeuvre d’art : la critique se détourne en partie de l’objet pour considérer le sujet : l’oeuvre est désormais jugée du point de vue de l’effet qu’elle produit. Dans ce contexte de libération vis-à-vis des normes académiques, la très grande diversité des pièces qui composent le répertoire de la comédie mêlée d’ariettes est telle que leur parenté ne va pas forcément de soi. Leur point commun le plus évident est l’alternance de dialogues parlés et d’airs, qui crée une discontinuité formelle à laquelle il faut ajouter une discontinuité stylistique et générique. Pour toutes ces raisons, on lui refuse parfois la qualité de « genre ». Il s’avère en tout cas qu’elle se dérobe à toute tentative de poétique. Toutefois, l’analyse des effets produits sur le public par la comédie mêlée d’ariettes met en évidence l’unité du répertoire et la cohérence interne à chaque pièce. Il semble donc pertinent d’adopter une approche esthétique plus que poétique, c’est-à-dire d’élaborer une dramaturgie du genre, en privilégiant une logique impressive qui conduit à opérer des rapprochements avec la peinture et le roman. La progression dramatique non linéaire du genre apparaît alors comme la conséquence d’une esthétique polarisée autour de « tableaux », autrement appelés « situations ». Ceux-ci favorisent l’irruption de la sensibilité au sein du réel prosaïque, et l’émergence d’une voix poétique, au service de l’expression d’une nostalgie dont la poésie lyrique traditionnelle n’est plus à même de se faire l’écho. / The comédie mêlée d’ariettes is a type of opéra-comique which emerged in the middle of the 18th century in France. Since the 1990s, artists and academics have shown renewed interest for this genre which came into being in a context characterized by the renewal of comedy and the emergence of aesthetics as a philosophical discipline. As a consequence, the comédie mêlée d’ariettes illustrates a shift of focus away from classical poetics and a significant change in the criteria used to judge the value of a work of art: critics partly turned away from the object in order focus on the subject – from then on, what mattered in the assessment of a work of art was the effect it produced. As playwrights let go of academics standards, the comédie mêlée d’ariettes repertoire is very diverse and therefore the kinship between the various plays is not self-evident. Their most obvious common point is the alternation of spoken dialogues and aria – or tunes, which creates a formal discontinuity that is to be added to the stylistic and generic discontinuity. For all these reasons, the comédie mêlée d’ariettes has often been denied the name of a “genre”. In any case, it proves difficult to formalize it into a poetics. However, analyzing the impact the comédie mêlée d’ariettes made on the public highlights both the unity of the repertoire and the internal coherence of each play. Consequently, it seems relevant to adopt an aesthetical rather than a poetical approach, that is to say to elaborate a dramatic theory of the genre favouring an impressionist logic which leads to comparisons with painting and the novel. The non-linear dramatic progression of the genre therefore appears to be the consequence of an aesthetics polarized around “stage pictures” (tableaux) also called “situations” The latter encourage both the sudden emergence of sensitivity amid the trivial reality and the apparition of a poetical voice which expressed a nostalgia that traditional lyrical poetry could no more voice.
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Érato et Melpomène ou les sœurs ennemies : langage poétique et poétique dramatique dans le théâtre français de Jodelle à Scarron (1553-1653) / Erato and Melpomene or the enemy sisters : poetic language and dramatic poetics in french theater from Jodelle to Scarron (1553-1653)Garnier, Sylvain 04 December 2017 (has links)
L'expression poétique semble inhérente au théâtre classique. Pourtant, les pièces de la seconde moitié du XVIIe siècle, en particulier les tragédies, sont le fruit de principes « réguliers » qui ont cherché à dépoétiser le théâtre et ont largement réussi dans cette entreprise. Pour rendre compte de ce processus, il est nécessaire de retracer l'histoire de la poésie au théâtre depuis la naissance de la tragédie humaniste, au milieu du XVIe siècle, jusqu'à l'instauration de ce que la postérité appellera le classicisme. Il apparaît ainsi que l'élocution lyrique s'est progressivement déplacée au fil du temps du genre tragique vers le genre comique en suivant l'évolution de la poésie lyrique depuis le style sublime de la Pléiade jusqu'à l'expression burlesque de Scarron en passant par la simplicité malherbienne, l'ingéniosité mariniste ou l'enjouement galant. L'expression lyrique glisse ainsi progressivement des chœurs et des discours pathétiques de la tragédie humaniste vers les soupirs, les chansons et les pointes des amants de la tragi-comédie et de la pastorale avant d'être parodiée dans la parlure ridicule des personnages de la comédie burlesque. Parallèlement à ce mouvement, les penseurs réguliers théorisent l'opposition fondamentale du langage poétique et du langage dramatique, rendant ainsi presque impossible le développement d'une tragédie régulière poétique. / Poetical expression seems to be an inherent aspect of classical theatre. However, plays written in the second half of the seventeenth century, particularly the tragedies, were conceived to adhere to regular standards of form which tended towards the removal of poetic expression from theatre and which largely succeeded in doing so. To summarise this process, it is necessary to recount the history of poetic expression in plays from the advent of humanist tragedy in the mid-sixteenth century to the establishment of what would be later called « classicism ». It can then be demonstrated that lyrical elocution shifted over time from tragedy to comedy, following the same evolution as lyrical poetry which evolved from the noble style of the Pleiade all the way to Scarron’s burlesque expression, through the simplicity of Malherbe’s expression, the ingenuity of marinism, or the preciosity of the gallant style. Poetical expression thus progressively shifted from the choirs and pathetic discourses of the humanist tragedy, towards the sighs, songs, and conceits of the lovers of tragi-comedy and pastorales, before being parodied in the ridiculous manner of speech of the characters in burlesque comedy. Simultaneously, theorists of regularity theorised the fundamental opposition between poetic and dramatic language, thus making the development of a regular poetical tragedy nearly impossible.
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La lecture du comique chez le Champenois Pierre de Larivey et les auteurs français de la fin du XVIe siècle : le renouveau de la comédie et ses modèles italiens / The reading of the comic in the Champenois Pierre de Larivey and in the French writers of the late sixteenth century : the revival of the comedy and its Italian modelsLombi, Céline 15 December 2017 (has links)
Lorsque Pierre de Larivey publie ses six premières comédies en 1579, la comédie n'a pas encore répondu totalement aux aspirations des auteurs de la première génération de la Pléiade qui prétendaient enrichir la langue française, combattre le latin et la farce, et exalter la grandeur nationale de la France par l'imitation des texte antiques et italiens qu'ils traduisaient. Malgré les nouveautés proposées, il faudra attendre la seconde génération d'auteurs comiques, parmi lesquels Larivey est le meilleur représentant, pour que la comédie puisse s'imposer et prétendre rivaliser avec le modèle italien, dont elle tire profit, et le genre noble de la tragédie. Le type de réponse apporté, et plus particulièrement le travail effectué par Larivey pour repenser ce genre en devenir, suscite dès lors des interrogations. Par ailleurs, si l'ensemble des neuf pièces de Larivey semble désigner ce traducteur/adaptateur de pièces italiennes comme le principal actant du renouvellement et de l'émancipation de la comédie française à partir de l'apport italien, d'autres italianisants de la même génération, tels Louis Le Jars, François d'Amboise et Odet de Turnèbe, ont également pris part à ce grand projet qui, tout en rénovant le genre comique lui-même, participe de l'évolution et de l'affirmation de la langue française. Notre étude se propose donc, à partir de la lecture du comique d'œuvres publiées fin XVIe-début XVIIe siècle, de déterminer la nature des liens qui unissent ces dramaturges et de mieux comprendre comment la comédie française a pu être renouvelée et mise au service de leurs aspirations les plus nobles et les plus ambitieuses. / Pierre de Larivey published his first six comedies in 1579, before the theatrical comedy had managed to fulfill the aspirations of the first generation of la Pleiade authors – namely, to enrich the French language, to fight Latin and farce, and to exalt the greatness of the French nation by imitating the very Ancient and Italian texts they translated. In spite of the innovations this first generation of authors introduced, it was not until the second generation, among whom Larivey is the best representative, that the comedy was able to come into its own, and to challenge the Italian model, of which it takes advantage, and to rival as well the noble genre of the tragedy. The precise nature of the innovations they introduced, and more specifically the actual work done by Larivey to rethink this evolving genre, both raise profound questions from this point forward. Larivey’s nine plays seem to designate this translator/adaptor of Italian plays as the main agent of the revival and emancipator of the French comedy from its Italian roots. But other Italianates of the same generation, such as Louis le Jars, Francois d’Ambroise, and Odet de Turnèbe, also took part in this ambitious project, which not only revitalized the comic genre, but also contributed to the evolution and affirmation of the French language itself. From the close reading of comic works published from the late sixteenth to the early seventeenth centuries, this study aims to determine the nature of the links between these playwrights, and to understand better how they helped to revitalize the French comedy and to place it at the service of their noblest and most ambitious aspirations.
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The role of the child and the adolescent in Balzac's Comedie humaineSahli, Janet 09 September 2015 (has links)
A Thesis Submitted to the Faculty of A rts,
University of the Witwatersrand, Johannesburg,
for the Degree of Doctor of Philosophy.
Johannesburg,
January 1973 / The purpose of th is thesis is to correct the widespread misconception
th a t children and adolescents are of small Importance in the world of
Balzac's Comedie humaine.
My method of procedure was not the traditional one. Instead of
making'individual characters the focal point of my study, I culled
relevant information from the Com&die humaine and then proceeded to group
related concepts. Afterwards I consulted Balzac's private correspondence,
the Oeuvres de Jeunesse, the Oeuvres diverses and various editions
of his works,as well as lite ra ry and social criticism .
The present thesis consists o f an Introduction, eight Chapters and
a Conclusion. I t is divided into two parts. Part I is concerned with
the child and the adolescent per s e . Part II outlines Balzac's view of
th e ir growth and development.
Chapter I aims to show that Balzac was not only a pioneer in the
history of the French novel, but also a pioneer of the treatment of the
child therein.
Chapter II studies those characteristics which he considered typical
of the child personality. They tend to be clinical rath er than lite ra ry ,
although there is inevitably some overlap and even co n flic t.
Chapter III examines types of children mentioned in the Comddie humaine.
Personal considerations motivated Balzac to place most emphasis on the
only child, the s p o ilt child and, obliquely, the adopted child who then
had minimal Importance in French Law. Nevertheless an appearance is
made by all types known a t the time to lite ra tu re , society and the law,
although not a ll are dissected.
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Commento testuale ai frammenti di Epicarmo / Commentaire textuel des fragments d'EpicharmeTosetti, Sara 23 March 2018 (has links)
Ce travail de thèse est une contribution à l’étude de la comédie dorienne du Vème siècle av. J.-C. à travers l’analyse des textes de son représentant majeur, Epicharme de Syracuse. Les fragments authentiques qu’on peut attribuer à un drame spécifique sont examinés et chaque texte est suivi d’un commentaire détaillé de ses particularités linguistiques, dramaturgiques et de contenu. Le but de la recherche a été savoir comme Epicharme s’inscrivait dans le panorama culturel sicilien où il vécut, d’étudier son utilisation de la variation linguistique et de rechercher les spécificités de ses drames.Pour répondre à ces questions, il a fallu adopter une approche interdisciplinaire car il n’est pas possible d’aborder l’ensemble de ces thématiques dans la seule littérature grecque du Vème siècle. Une contribution essentielle à ce travail vient des études d’histoire de la langue grecque et de la dialectologie, qui ont permis de définir les particularités linguistiques du dialecte dorien de Syracuse et de souligner d’éventuelles différences présentes dans les textes du comédien. Dans le commentaire, en effet, la confrontation est continue entre la forme linguistique adoptée par Epicharme et la forme correspondante en dialecte ionien-attique. S’avère également importante la contribution de la sociolinguistique, une théorie qui donne son importance à l’influence exercée sur la langue par ceux qui la parlent. L’étude des textes d’Epicharme examine, en même temps, s’il existe des éléments linguistiques permettant de caractériser un personnage selon son statut social, sa provenance et son genre sexuel. Les résultats obtenus de l’étude linguistique et textuelle sont considérables.Epicharme met en scène des sujets mythologiques, historiques et des situations de la vie quotidienne, en mélangeant de la parodie et du travestissement. Surtout deux personnages, Héraclès et Ulysse, apparaissent souvent dans les drames d’Epicharme, où ils deviennent les protagonistes d’un certain nombre d’événements. Par ailleurs, la quantité et la longueur des listes et des catalogues dans les fragments d’Epicharme est également importante car ils répondent à des objectifs comiques. Il est probable, en outre que, au moins dans certains drames, un choeur comique était prévu, même s’il est difficile de déterminer combien de personnes le composaient et quelle était sa fonction. Du point de vue linguistique, les textes du comédien sont composés en dialecte dorien de Syracuse, bien que certaines expressions spécifiques d’autres dialectes apparaissent quelquefois. En outre, les fragments semblent parfois témoigner d’une variation synchronique en acte dans la langue parlée. En conclusion, la production comique d’Epicharme montre un notable caractère régional, qui découle que ce soit de son choix d’écrire en dialecte dorien comme des nombreuses références aux produits traditionnels et aux histoires locales. Toutefois, la langue et les arguments du poète sont largement influencés par l’environnement culturel et politique de la Sicile du V siècle av.-J.Ch. et montrent les relations entre le comédien de Syracuse et les auteurs contemporains, dont le plus important est Eschyle. / This thesis is a contribution to the study of the Dorian comedy of the 5th century BC. J. - C. through the analysis of the texts of its major representative, Epicharme of Syracuse. The authentic fragments that can be attributed to a specific drama are examined and each text is followed by a detailed commentary on its linguistic, dramaturgical and content features. The aim of the research was to know how Epicharme was part of the Sicilian cultural panorama where he lived, to study his use of linguistic variation and to search for the specificities of his dramas.To answer these questions, it was necessary to adopt an interdisciplinary approach because it is not possible to tackle all these themes in the only Greek literature of the fifth century. An essential contribution to this work comes from studies of the history of the Greek language and dialectology, which made it possible to define the linguistic peculiarities of the Dorian dialect of Syracuse and to highlight any differences present in the actor's texts. In the commentary, in fact, the confrontation is present between the linguistic form adopted by Epicharme and the corresponding form in the Ionian-Attic dialect. Equally important is the contribution of sociolinguistics, a theory that gives importance to the influence exerted on the language by those who speak it. The study of Epicharme's texts examines, at the same time, whether there are linguistic elements making it possible to characterize a character according to his social status, his origin and his sexual gender. The results obtained from the linguistic and textual study are considerable. Epicharme portrays mythological, historical and everyday situations, mixing parody and travesty. Especially two characters, Heracles and Ulysses, often appear in the dramas of Epicharme, where they become the protagonists of a number of events. Moreover, the quantity and length of lists and catalogs in Epicharme's fragments is also important because they serve comic purposes. It is likely that, at least in some dramas, a comic choir was planned, although it is difficult to determine how many people composed it and what its function was. From the linguistic point of view, the comedian's texts are composed in Syracuse's Dorian dialect, although some specific expressions of other dialects sometimes appear. In addition, the fragments sometimes seem to testify to a synchronic variation in action in the spoken language. In conclusion, the comic production of Epicharme shows a notable regional character, which follows that it is his choice to write in Dorian dialect as many references to traditional products and local stories. However, the language and arguments of the poet are largely influenced by the cultural and political environment of Sicily in the fifth century BC. and show the relations between the comedian of Syracuse and the contemporary authors, the most important of which is Aeschylus.
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Rencontres à part : Films, personnages et spectateurs de Woody Allen.Schmitt-Pitiot, Isabelle 14 June 2007 (has links) (PDF)
Se donnant pour objet l'analyse des relations s'établissant entre les films de Woody Allen (de "Prends l'oseille et tire-toi", 1969, à "la vie et tout le reste", 2003) et leurs spectateurs, l'étude part d'une définition de l'image publique du cinéaste pour se concentrer ensuite sur le personnage filmique "Woody Allen" puis sur la manière dont les films eux-mêmes représentent la figure de l'auteur et mettent en scène la relation avec leur(s) spectateurs(s) comme une rencontre paradoxale.
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La comédie musicale Rent, entre l'art et l'expérience : création d'un espace alternatif où traiter du sidaCadieux, Andréa 01 1900 (has links) (PDF)
La comédie musicale Rent de Jonathan Larson bouleverse l'univers de Broadway dès son arrivée en 1996. La pièce emprunte certes bon nombre d'éléments propres au genre, mais s'en sert pour mettre de l'avant une réalité crue et marginale, dépeinte sur un fond musical résolument plus rock. Elle offre un regard intime sur les conséquences du sida, inspiré du contact de Larson avec le syndrome par l'intermédiaire de ses amis atteints. Pourtant, alors qu'elle profite d'un succès populaire indéniable, Rent demeure à ce jour boudée de façon générale par les groupes militants à titre d'instrument légitime de sensibilisation dans la lutte contre le sida. Ce mémoire a pour but d'explorer la force subversive réelle de l'œuvre de Larson, c'est-à-dire si Rent manque effectivement la profondeur et la pertinence nécessaires pour revendiquer sa place dans les rangs militants, ou si son potentiel d'outil de transformation sociale ne s'avère pas simplement éclipsé par l'ampleur du phénomène commercial qui l'entoure. Pour ce faire, la façon dont Larson utilise le genre de la comédie musicale pour traiter du sida est considérée sous tous les aspects suivants. D'abord, l'auteur parvient, par la déconstruction des stéréotypes liés aux personnes séropositives et du discours entourant le syndrome, à solliciter une écoute active des spectateurs, en les sensibilisant aux dangers des préjugés et de la marginalisation et en leur montrant les émotions et les conflits intérieurs vécus par les victimes. Ensuite, Larson exploite les possibilités offertes à la fois par le caractère intrinsèquement interartial de la comédie musicale et par son hybridité. Ainsi, le mélange des arts de la scène participe au dynamisme du propos, tandis que l'intégration d'autres genres éprouvés renforce la capacité de diffusion de l'œuvre. Enfin, la pièce de Larson est remise dans le contexte des conséquences et des attentes liées à la désignation d'œuvre sur le sida. Cette réflexion met en lumière la pertinence de la construction de Rent sous forme de témoignage, forme tout à fait adéquate de sensibilisation, capable de véhiculer efficacement les problématiques traitées dans la lutte contre le sida. En ce sens, il semble que la réussite commerciale de Rent ne tienne pas seulement à l'application d'une recette éprouvée, réinventée avec succès, mais bien à une indéniable capacité à opérer une conscientisation de son public à l'égard d'un syndrome qui, depuis son apparition, a transformé les relations humaines.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Rent, Jonathan Larson, comédie musicale, stéréotype, sida, marginalisation, intermédialité, interartialité, distanciation, témoignage.
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