Dans le présent mémoire, l'auteure propose une réflexion sur le désir charnel censuré durant la Deuxième Guerre mondiale au Québec à travers la mise en parallèle de deux romans dont le thème central est la volonté d'outrepasser les tabous malgré l'oppression des membres du clergé. Il s'agit de Désespoir de vieille fille de Thérèse Tardif (1943) et d'Orage sur mon corps d'André Béland (1944). Puisque ces romans favorisent les désirs individuels par rapport à ceux de la collectivité, ils soulèvent des questionnements similaires: en quoi le paysage socio-historique et littéraire des années 1930 et 1940 a-t-il pu favoriser l'éclosion d'œuvres singulières? Quelle fut la réaction des critiques littéraires face à cette littérature émergente? Comment l'autocensure se manifeste-t-elle dans les romans? De quelle façon le langage figuré contourne-t-il les tabous afin de faire entendre des désirs qui ne peuvent s'exprimer autrement? Afin de répondre à ces questions, madame Ostiguy fait appel à plusieurs historiens et littéraires qui nous éclairent sur les tabous de l'époque et sur les modes de censure. Il permet ainsi d'approfondir une réflexion sur les normes sociales du genre et de mieux comprendre le déchirement intérieur que vit le sujet marginal. Les théories du langage figuré seront mises à contribution afin de saisir les procédés rhétoriques utilisés par les auteurs afin de s'exprimer malgré les tabous. L'analyse des stratégies narratives dévoile un discours subversif codé, opposé aux valeurs traditionnelles prônées par l'Église, qui cherche à faire taire les œuvres révolutionnaires puisqu'elles tendent à construire une nouvelle vision du monde qui laisse place à l'individualité. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : censure, autocensure, tabous, écriture des femmes, homosexualité, désirs, langage figuré, littérature québécoise, Désespoir de vieille fille, Thérèse Tardif, Orage sur mon corps, André Béland.

Le point de départ de ce travail est la volonté de réévaluer la signification et l'éventuelle portée politique du premier roman d'Hubert Aquin, Prochain épisode (1965), à partir de deux éléments : la définition singulière de « politique » élaborée par Jacques Rancière et un ensemble d'articles rédigés par Aquin durant la première moitié des années soixante. Ce travail se propose plus précisément d'identifier le projet romanesque aquinien (« l'enracinement ») tel qu'il se manifeste dans ces articles, à l'aide des travaux de Rancière. Ce n'est qu'à la fin, en guise de conclusion, que nous aborderons Prochain épisode avec l'intention de l'étudier en tant que réalisation de cet« enracinement ». Les notions développées par Jacques Rancière, notamment celle de « partage du sensible », permettront de comprendre l'objectif politique de l'œuvre littéraire projetée par l'enracinement, en évitant certaines positions théoriques courantes dans les études aquiniennes : une opposition marquée entre le texte et le réel et l'éventualité de la Révolution québécoise (ou l'annonce de son échec) comme élément principal d'explication du texte aquinien. Plutôt que de mettre le texte en relation avec un avenir possible, il s'agira ici de déterminer comment l'œuvre (ou l'œuvre projetée par l'enracinement), par le biais de la configuration de la communauté qu'elle suppose (un partage du sensible), entre en conflit avec le contexte qui la voit apparaître (celui-ci reposant sur un partage du sensible différent). Les notions ranciériennes seront d'abord appliquées à la lecture de « La fatigue culturelle du Canada français » (1962), un article dans lequel Aquin explique comment il comprend le contexte historico-politique de la Révolution tranquille (1960-1966). Il sera question notamment du rapport entre le Canada français et le Canada anglais et du déterminisme historique. Nous présenterons ensuite le portrait du Canadien français décrit dans ce texte : un « personnage » caractérisé par la « fatigue culturelle » et une « propension à l'exil ». Il s'agira de comprendre, en outre, comment l'article, étant donné le partage du sensible qu'il met en application, entre en conflit (« dissensus ») avec son contexte. Nous verrons que ce conflit est aussi l'objectif de l'enracinement aquinien. Pour déterminer plus précisément ce programme littéraire, nous étudierons « Profession : écrivain » (1963), un autre article d'Aquin, à la lumière de « La fatigue culturelle » et des notions ranciériennes. Une des hypothèses de ce travail est que le portrait du Canadien français dépeint dans « La fatigue culturelle » se retrouve au cœur du projet romanesque aquinien, tel qu'il se manifeste dans « Profession : écrivain ». Pour terminer, nous tenterons de montrer que l'enracinement prescrit, dans une visée politique, l'organisation de la forme et du contenu du texte littéraire, sur la base de ce personnage du Canadien français. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Aquin Hubert, «La fatigue culturelle du Canada français», «Profession : écrivain», Littérature québécoise, Politique, Révolution tranquille, Rancière Jacques.

La fin du XIXe siècle marque, dans l'histoire littéraire québécoise, l'avènement d'une prise de parole publique de la femme écrivaine. Alors que la structure sociale bourgeoise et patriarcale confinait !es femmes dans l'espace restreint de la famille, les écrits féminins avaient jusqu'alors reflété ce cloisonnement en se limitant aux échanges épistolaires et au journal intime. La fin de siècle correspond à un tournant majeur : la publication, par des écrivaines issues de la bourgeoisie, de textes divers allant de la chronique journalistique au conte, en passant par la nouvelle littéraire. La nouvelle semble avoir été, pour les écrivaines du tournant du siècle, une porte d'entrée dans le monde de l'écriture de fiction. Dans le cadre de ce travail, nous voyons de quelle façon le changement s'insère dans le champ des représentations, lorsque les femmes prennent la plume et dévoilent une perspective qui leur est propre, en étudiant un corpus de nouvelles parues entre 1878 et 1913, dans une perspective formelle et thématique. Nous nous proposons d'abord d'étudier le contexte historico-littéraire qui a permis l'avènement de ces femmes écrivaines, puis nous nous intéresserons à leur identité ainsi qu'aux conditions générales qui président à la publication des textes littéraires dans les périodiques et en recueils, notamment l'usage du pseudonyme. Nous nous penchons ensuite sur la nouvelle littéraire en tant que genre spécifique en littérature, la différenciant du conte et du roman et définissant les caractéristiques qui lui sont propres. L'ensemble de ces analyses nous permet de vérifier notre hypothèse : la nouvelle littéraire fournit-elle une voie à la fois convenable et accessible par laquelle les femmes peuvent faire leur entrée en écriture sans risquer de trop se compromettre? Il apparaît que, par leurs nouvelles, les femmes contribuent à la consolidation des caractéristiques de la nation canadienne-française (catholicisme, langue française et la famille comme fondement social structurant), tout en laissant les traces de leur identité propre. Laure Conan (Félicité Angers), Josette (Joséphine Marchand-Dandurand), Françoise (Robertine Barry), Colombine (Éva Circé-Côté), Adèle Bibaud et Madeleine (Anne-Marie Gleason) forment un groupe de pionnières dont l'audace peut encore surprendre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Québec, femmes, nouvelle, genre littéraire, 19e, 20e, Laure Conan, Félicité Angers, Josette, Joséphine Marchand-Dandurand, Françoise, Robertine Barry, Colombine, Éva Circé-Côté, Adèle Bibaud, Madeleine, Anne-Marie Gleason.

Ayant recours aux théories de l’intertextualité et de la citation telles que développées par Genette, Compagnon et Morawski, ce mémoire met en relation deux corpus distincts mais complémentaires : les principaux essais d’Hubert Aquin, de Gaston Miron et des collaborateurs de la revue Parti pris sont analysés comme réécriture des textes (ou réélaboration des idées) d’Aimé Césaire, de Frantz Fanon et d’Albert Memmi, figures dominantes du discours de la décolonisation francophone. L’approche adoptée vise à mettre en lumière les bases sur lesquelles les intellectuels québécois tâchèrent de justifier leur réutilisation du discours de la décolonisation. Elle permet aussi d’observer dans quelle mesure ce discours orienta la réflexion entourant la redéfinition du nationalisme au Québec, en plus de faciliter sa diffusion. Articulé autour de trois grands axes – l’identité culturelle, les conflits linguistiques ainsi que le rôle de la littérature et de l’écrivain dans le combat pour l’émancipation nationale –, ce mémoire démontre que l'établissement d'un tel partenariat symbolique a été d'un grand apport quant à l'appartenance du Québec à la francophonie. / Refering to the theories of Genette, Compagnon and Morawski's on quotation and intertextuality, this thesis compares two distinct, yet complementary, body of works: the major essays written by Hubert Aquin, Gaston Miron and the young intellectuals who collaborated to Parti Pris are analyzed as rewriting (or rethinking) of the works of Aimé Césaire, Frantz Fanon and Albert Memmi, figureheads of the francophone decolonization movement. The main objective of this study is to investigate the bases on which Québécois intellectuals attempted to justify their recuperation of the discourse of decolonization, and how this discourse shaped their reflection towards redefining Québec nationalism, as well as promoting its diffusion. Articulated around three principal axes – cultural identity, language conflicts and the role of literature and the writer in the struggle for national emancipation –, this thesis shows that the creation of such a symbolic partnership has enabled Québec to join the community of francophone nations.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Cette thèse se penche sur un pan marginal de l'œuvre de Réjean Ducharme, ses textes de théâtre, en s'appuyant sur les archives que l'écrivain a déposées à Bibliothèque et Archives Canada, à Ottawa, en 1986. Le corpus étudié comprend quatre pièces, deux publiées (Ines Pérée et Inat Tendu, publiée en 1976, et HA ha !..., publiée en 1982) et deux inédites - mais jouées - (Le Cid maghané, écrit en 1967, et Le marquis qui perdit, écrit en 1969) et leurs diverses versions.Le théâtre de Réjean Ducharme peut être divisé en deux " phases " scripturaires qui correspondent à des inflexions d'ordre thématique, pragmatique, poétique, générique et génétique, qui permettent de distinguer deux moments. Le premier, celui de la parodie et de la satire, marque l'entrée au théâtre de l'écrivain, d'ailleurs déjà célébré pour ses romans. La manière par laquelle le dramaturge aborde le théâtre québécois dans ses deux premiers textes, dont le sujet reste emprunté à d'autres (la littérature française pour le Cid maghané et l'histoire du Canada pour Le marquis qui perdit), ne fait pas l'unanimité puisque l'on reproche à l'écrivain d'être trop littéraire et trop prévisiblement parodique par ses références à des modèles du genre. Les deux derniers textes témoignent en revanche d'une interrogation et d'une mise à l'épreuve de la théâtralité, relevées par la critique, qui iront jusqu'au rejet du théâtre comme genre.Cette étude du théâtre de Réjean Ducharme éclaire l'usage que celui-ci fait du genre dramatique à la fois en s'astreignant à respecter certains codes et en se jouant de diverses contraintes; en témoigne, par exemple, l'investissement très singulier du paratexte didascalique de ses pièces. En somme, cette thèse de doctorat vise à faire connaître un corpus moins fréquenté de l'œuvre d'un écrivain reconnu par ailleurs et considéré comme un classique de la littérature québécoise contemporaine, alors même qu'il s'emploie, dans chacune de ses créations, à refuser toute norme, règle ou compromis.

Dans ce mémoire, nous analyserons le roman Passages de l'écrivain québécois d'origine haïtienne Émile Ollivier selon les poétiques hybrides et impures associées, d'une part, au paysage littéraire québécois des années 1980 et 1990 - période durant laquelle les « écritures migrantes » constituent le courant dominant -, ainsi qu'au postmodernisme et à l'époque postcoloniale d'autre part. En nous basant sur les travaux de plusieurs critiques littéraires québécois contemporains, mais également en considérant les grandes lignes des théories sur la littérature haïtienne et antillaise, nous développerons le thème de la « contamination réciproque », expression empruntée à Pierre Nepveu, comme une poétique des « écritures migrantes ». Divisée en trois chapitres, notre étude s'attardera d'abord à la double trame narrative du roman d'Ollivier qui alterne sa focalisation entre Haïti et Montréal. Nous observerons l'échange réciproque des paradigmes du Sud et du Nord qui s'opère dans les deux premières parties du roman alors que, dans la troisième partie, la narration se concentre à Miami. Dans le deuxième chapitre, nous nous nourrirons des théories de la « transculture » afin d'en dégager les poétiques principales. À travers trois thèmes présents dans Passages et liés à cette pensée née dans les pages de la revue Vice Versa, à savoir le mouvement, l'espace et la mémoire, nous verrons que la « contamination réciproque » s'inscrit au sein des théories de la « transculture » qui redéfinissaient à la fois la société et le paysage littéraire québécois à l'époque où les écrivains migrants investissaient massivement le corpus québécois. Enfin, dans le troisième chapitre, nous aborderons la place du corps dans Passages. La construction identitaire des différents personnages se fait à même le corps, celui qui s'énonce dans l'espace, mais également celui qui met en jeu son identité par rapport à l'altérité, en une forme d'interfécondation. Nous verrons enfin que le roman Passages prend forme en différé à travers la mort qui situe évidemment le corps à l'avant-plan. Nous nous nourrirons d'autres ouvrages d'Émile Ollivier ainsi que de plusieurs textes d'écrivains migrants afin d'accentuer l'importance et la pertinence de la « contamination réciproque » comme poétique des « écritures migrantes ». ______________________________________________________________________________

Notre thèse tente de dégager une structure globale, un espace de la mort en lien avec l’écriture du deuil qui serait propre à la poésie québécoise telle qu’elle est représentée par Anne Hébert (1916-2000), Fernand Ouellette (1930 –), Jacques Brault (1933 –) et Denise Desautels (1945 –). La notion d’hétérotopie de Michel Foucault constitue le cœur de notre approche théorique parce qu’elle fait le pont entre un lieu localisable et un lieu non localisable dans le réel. Nous l’utilisons pour montrer l’« espace imaginaire de la mort » (Michel Ragon) de chaque poète. Deux notions bachelardiennes – le retentissement et la résonance – guident notre compréhension des images poétiques dans l’écriture de la perte. La mort n’étant pas un sujet ni un thème comme les autres, en faire un concept nous permet de tenir compte de sa particularité philosophique puisqu’il « vise à dégager l’essence d’une notion d’abord perçue comme noyée dans une gangue de contingences multiples » (Claude Bremond). D’un poète à l’autre, l’hétérotopie révèle le passage d’un imaginaire utopique de la mort à une thématisation plus axée sur la problématique de la dépouille. C’est ainsi que la traversée des ténèbres entreprise par Anne Hébert pour naître à la parole vivante ouvre la porte à l’angoisse d’une fin définitive que Fernand Ouellette apaise par sa foi en un au-delà. Son espace de la mort rejoint la notion d’horizon de Michel Collot. De son côté, Jacques Brault thématise la mort comme la fin d’un chemin marqué de nombreux deuils que seule la mémoire peut surmonter. Quant à Denise Desautels, ses poèmes-cimetières sont de petits théâtres construits d’objets et de voix qui rompent la solitude de cet être de langage qu’est la mort.

Cette thèse étudie le passage de la poésie au théâtre, à partir de trois parcours créateurs majeurs appartenant aux littératures française et québécoise des trois premiers quarts du XXe siècle – soit ceux d’Antonin Artaud, de Paul Claudel et de Claude Gauvreau. Ces auteurs – d’abord reconnus pour leur écriture poétique – ont su, soit en pratiquant, soit en inspirant une écriture théâtrale radicalement novatrice, jouer un rôle déterminant dans la mutation des formes tant dramatiques que dramaturgiques, et cela, par le biais de trois stratégies. Après une introduction rappelant l’évolution des liens (dés)unissant la poésie et le théâtre à travers les siècles, le premier chapitre s’attache à mettre au jour les approches mises en œuvre par les trois écrivains pour rejeter l’illusion réaliste. Celles-là ressortissent à leur prise de position antinaturaliste, à leur volonté de fonder un art total et à leur souhait de revenir aux sources d’une mimesis archaïque. Le second chapitre explore, quant à lui, les procédés de poétisation du dramatique : les mécanismes et les caractéristiques de la langue lyrique des poètes en général, et la génération d’idiomes inédits en particulier. Les techniques de théâtralisation et de dramatisation du poétique, de leur côté, sont examinées dans le dernier chapitre. Plusieurs événements et rencontres ont donné l’occasion aux poètes-dramaturges de saisir quelles sont les modalités inhérentes à la scène. Cette prise de conscience a directement influé sur leur écriture dramaturgique, notamment en les faisant user de deux stratégies propices au surgissement de la théâtralité : l’oralisation lyrique de la partition dramatique et la plastification des corps. La conclusion, pour sa part, propose une synthèse des résultats de recherche, et montre que ces trois auteurs sont réunis par la même quête cosmique d’un théâtre vital et existentiel.

Ce mémoire porte sur la pratique du nom propre dans quatre romans de l'auteure québécoise Suzanne Jacob : Laura Laur (1983), La Passion selon Galatée (1987), Rouge, mère et fils (2001) et Fugueuses (2005). À partir du postulat de Suzanne Jacob qui affirme que la réalité se compose de conventions, cette étude s'efforce de mettre à l'épreuve l'hypothèse selon laquelle le nom propre est une fiction. À l'aide de balises méthodologiques privilégiant la narratologie et la pragmatique, l'analyse, constituée de lectures microtextuelles, s'intéresse aux commentaires des personnages et de la narration sur le nom, en plus de relever les procédés qui encadrent et mettent en lumière le fonctionnement du nom, autant d'un point de vue sémantique que syntaxique. C'est donc dire que le nom est abordé dans le réseau des différents signes du texte et non pas comme un signifiant isolé. L'étude se divise en trois chapitres consacrés à des problématiques structurantes du nom propre chez Jacob : « L'omniprésence du nom », « L'instabilité du nom » et « Le nom performé ? » À partir de ces trois axes, la réflexion ouvre sur des enjeux plus vastes qui concernent autant l'identité que les relations sociales et familiales. / This thesis focuses on the use of names in four novels written by Quebec's author Suzanne Jacob : Laura Laur (1983), La Passion selon Galatée (1987), Rouge, mère et fils (2001) and Fugueuses (2005). Suzanne Jacob thinks that reality is made from conventions. Based on this idea, this thesis confronts the hypothesis that names are fictitious. Using narratological and pragmatical methodologies, this analysis, made of microtext readings, focuses on the characters' and narrators' comments on names, in addition to identifying processes that highlight names functionality on a semantic and syntactic point of view. This means that names will be addressed based on the network of the text’s different signs, and will not be considered as an isolated signifier. The study is divided in three chapters dedicated to structural problems about names in Jacob's novels : « The ubiquity of the name », « The instability of the name » and « The name performed ? » From these three axes, the reflection opens to broader issues concerning identity as well as social and familial relationships.