Submitted by Eduardo Felipe Cangemi Da Cruz null (eduardofccruz@yahoo.com.br) on 2016-11-15T16:18:08Z No. of bitstreams: 1 _DISSERTACAO_PRONTA_REVISADA.pdf: 1471676 bytes, checksum: 8753bf20cb0977e596c292a7eafd5460 (MD5) / Approved for entry into archive by Juliano Benedito Ferreira (julianoferreira@reitoria.unesp.br) on 2016-11-21T14:30:12Z (GMT) No. of bitstreams: 1 cruz_efc_me_fran.pdf: 1471676 bytes, checksum: 8753bf20cb0977e596c292a7eafd5460 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-11-21T14:30:12Z (GMT). No. of bitstreams: 1 cruz_efc_me_fran.pdf: 1471676 bytes, checksum: 8753bf20cb0977e596c292a7eafd5460 (MD5) Previous issue date: 2016-10-11 / Não recebi financiamento / A presente pesquisa tem como foco central de análise a produção fonográfica da gravadora independente Discos Marcus Pereira, entre os anos de 1974 e 1978. Este período foi marcado pelo processo de consolidação do mercado de discos no Brasil e pelas discussões em torno de elementos que viriam redimensionar o campo da música popular brasileira, a partir de valores e comportamentos vinculados a certas categorias de apreciação e consumo. A empresa Discos Marcus Pereira lançaria no mercado fonográfico 142 elepês, todos voltados exclusivamente para o registro e divulgação da “autêntica música popular brasileira”. Deste universo discográfico estão sendo considerados como fontes desta investigação, àqueles dedicados à música popular instrumental, mais especificamente o choro. A década de 1970 demarcaria um importante momento de rearticulação e de revitalização deste gênero musical. Se de um lado ocorre a “redescoberta” do gênero e de seus artífices, por outro, concorre uma nova safra de compositores e instrumentistas que passam a pensar o choro para além dos modelos “tradicionais” de composição e execução. Essa tensão entre “preservação” e “revitalização” dos repertórios do choro é amealhada ao longo do trabalho, compondo parte do cenário em que circulariam os discos da gravadora. Essas discussões tangenciariam toda a década de 1970, marcada pela necessidade da afirmação da identidade nacional brasileira, para a qual colaborou de forma significativa a esfera da música popular. A escolha dos repertórios e artistas realizados pela gravadora iriam dialogar com a construção de uma tradição musical nacional, negociada e elaborada por memorialistas, musicólogos e folcloristas ao longo do século XX, através de práticas sociais que se constituíram, produzindo representações específicas acerca de uma determinada tradição musical a ser salva e preservada das influências deletérias dos gêneros musicais estrangeiros. Essa concepção em torno da cultura popular compõe e identifica a atuação da Discos Marcus Pereira nos anos de 1970. Tais posicionamentos em diálogo com um ideário estético e político onde, povo e nação, seriam tomados como elementos centrais de nossa identidade, são discutidos aqui, a partir da produção fonográfica da gravadora. / This research has the central focus of analysis the record production of the independent record label Discos Marcus Pereira, between the years 1974 and 1978. This period was marked by record market consolidation process in Brazil and the discussions on elements that would resize the field of Brazilian popular music, from values and behaviors related to certain categories of appreciation and consumption. The company Discos Marcus Pereira launch in phonographic 142 LPs market, all geared exclusively for the recording and disclosure of "authentic Brazilian popular music." This discographic universe are being considered as sources of this investigation, those dedicated to the instrumental popular music, specifically crying. The 1970s demarcate an important moment of re-articulation and revitalization of this musical genre. On the one hand there is the "rediscovery" of the genre and its creators, on the other, contributes a new crop of composers and instrumentalists who spend thinking crying beyond the "traditional" models of composition and performance. This tension between "preservation" and "revitalization" of the choro repertoire is accumulated throughout the work, forming part of the scenario in which circulate the recording disks. These discussions They crossed throughout the 1970s, marked by the need for affirmation of Brazilian national identity, which contributed significantly the sphere of popular music. The choice of repertoire and artists performed by the label would dialogue with the construction of a national musical tradition, negotiated and drafted by witnesses, musicologists and folklorists throughout the twentieth century, through social practices that constitute, producing specific representations about a particular musical tradition to be saved and preserved from harmful influences of foreign musical genres. This conception around the popular culture composes and identifies the role of Marcus Pereira discs in the 1970s Such positions in dialogue with an aesthetic and political ideas where people and nation, would be taken as central elements of our identity are discussed here, from the record production label.

Submitted by Thiago de Oliveira Vieira null (thiago-vieira_@hotmail.com) on 2017-01-31T14:22:35Z No. of bitstreams: 1 Dissertação - Vieira, Thiago de Oliveira.pdf: 1384543 bytes, checksum: 6edc1f62b8a661f2256d367fa649c172 (MD5) / Approved for entry into archive by Juliano Benedito Ferreira (julianoferreira@reitoria.unesp.br) on 2017-02-03T12:47:08Z (GMT) No. of bitstreams: 1 vieira_to_me_franca.pdf: 1384543 bytes, checksum: 6edc1f62b8a661f2256d367fa649c172 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-03T12:47:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 vieira_to_me_franca.pdf: 1384543 bytes, checksum: 6edc1f62b8a661f2256d367fa649c172 (MD5) Previous issue date: 2016-11-01 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Vinícius de Moraes consagrou-se ainda na primeira metade do século XX como um importante nome da literatura nacional ao lado de uma segunda leva de escritores modernistas como Carlos Drummond de Andrade, Jorge Amado, Guimarães Rosa, Clarice Lispector entre outros. Embora seja valorosamente reconhecido por suas poesias, sua trajetória nunca se estancou apenas como escritor, Vinícius fez carreira na diplomacia brasileira e também como teatrólogo. Surge dessa última atividade seu interesse pela canção popular, após estreitar sua aproximação com o compositor Antonio Carlos Jobim durante os preparativos de sua peça “Orfeu da Conceição” o poeta garimpa seu espaço como compositor e ao lado de jovens músicos compõe importantes canções que conferem novidades a cultura brasileira por meio da Bossa Nova. Ainda timidamente, Vinícius, passa a atuar também como cantor e no decorrer da década de 1960 torna-se uma importante referência em frentes musicais que postulavam transformações no cancioneiro popular que, paulatinamente, balizaram o que conhecemos por MPB. Dentre as características notadas na obra musical de Vinícius nos chama atenção suas constantes incursões ao universo afro-religioso, desse modo, essa dissertação objetiva-se tratar de tais elementos em sua obra e como o artista se relaciona com a indústria fonográfica a partir dos anos 1960, a partir de sua mirada a respeito da cultura afro-brasileira pela chave da bahianidade. / Vinicius de Moraes was consecrated in the first half of the twentieth century as an important name of national literature alongside a second wave of modernist writers such as Carlos Drummond de Andrade, Jorge Amado, Guimarães Rosa, Clarice Lispector and others. Although valiantly recognized for his poetry, his career never halted only as a writer, Vinicius made a career in Brazilian diplomacy and also as a playwright. Emerges from this last activity his interest in popular song, after narrowing its approach with the composer Antonio Carlos Jobim during the preparations of his play "Orfeu da Conceição" the poet pans your space as a composer and alongside young musicians compose important songs that give news Brazilian culture through the Bossa Nova. timidly still, Vinicius, now operates also as a singer and during the 1960s became an important reference in musical fronts that postulated transformations in popular music that gradually guided the we know by MPB. Among the characteristics noted in Vinicius musicals strikes us their constant incursions to african-religious universe, thus, this thesis aims to deal with such elements in his work and how the artist relates to the recording industry from the years 1960 from his gaze about the african-Brazilian culture by key bahianidade.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 122564.pdf: 8857910 bytes, checksum: 376b761992f61fa66db33e2b59df2bcb (MD5) Previous issue date: 2015-03-26 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta pesquisa tem como tema principal a relação da Bossa Nova com Recife, capital pernambucana, nos anos 1959 a 1969 (período em que a Bossa Nova surgiu e se disseminou de forma mais intensa), sendo Recife o terceiro centro urbano mais populoso do país à época. Tem como objetivos compreender como se deu essa relação, numa cidade tão distante do eixo Rio/São Paulo (onde a Bossa Nova foi propagada como uma revolução jovem e intrinsicamente ligada ao Rio de Janeiro e àquela sociedade da zona sul carioca). Como Recife, tão ligada às tradições do Frevo e do Maracatu absorveu a onda bossanovista e de que forma essa relação se manifestou, inclusive no processo de surgimento do que viria se chamar de música Bossa Nova. Foram consultados os dois principais jornais da cidade (e do estado de Pernambuco) no período acima citado, além de capas e contra capas de discos produzidos na época, principalmente os da extinta gravadora pernambucana de discos: a Rozenblit, que possuía alcance nacional à época. Também são apresentados trechos de entrevistas e depoimentos de músicos, artistas e atores envolvidos no cenário artístico intelectual da cidade à época, com ênfase no fato de que em 1960 eram inauguradas duas emissoras de televisão na cidade, com aparelhagens consideradas ―supermodernas‖ e um alcance interestadual (e até internacional), que transmitiam programação musical com a presença de auditório e de calouros, como por exemplo, um, denominado Clube da Bossa, composto exclusivamente de jovens amadores da Bossa Nova que cantavam exclusivamente ao som de violões. A pesquisa demonstra que houve uma relação: Recife Bossa Nova agentes locais e que essa relação afetou a produção musical local no recorte temporal aqui proposto e trouxe reflexos que podem ser percebidos nos anos subsequentes e ainda nos dias de hoje.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 122572.pdf: 2024977 bytes, checksum: 267e2777a9a8b05edb914df323b9131e (MD5) Previous issue date: 2015-03-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O presente trabalho é um estudo etnográfico sobre a cena musical blues na cidade de Porto Alegre. A partir da experiência em campo com grupos de blues atuantes na referida cidade, proponho um estudo dessa cena musical com o objetivo de estabelecer um diálogo entre suas definições sobre o blues, bem como sua rede de significados, sob a perspectiva daqueles grupos que tocam, produzem, gravam, escutam e se envolvem com os blues representados pelos agentes envolvidos neste trabalho. Minha interpretação é que o conteúdo expressivo presente no fazer musical dessa cena local, resultado das definições locais sobre o blues e sobre o blues em Porto Alegre, organiza-se em torno de cinco chaves interpretativas: (1) blues como estado de espírito; (2) blues como um veículo de expressão do sujeito; (3) blues e as representações de características sociais expressas no discurso do sujeito; (4) blues de POA como prática musical e interação pessoal; (5) blues de POA como musicalidade local inserida na indústria fonográfica global.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 122576.pdf: 7183646 bytes, checksum: 8d73683be3d6a8ba484d21da6abccba0 (MD5) Previous issue date: 2015-03-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The purpose of this study is to analyze the musical structure of the symphonic poem Uirapuru (1917), by Heitor Villa-Lobos, and to understand how meanings are put into action by the piece through topics and narrativity. The initial hypothesis is that in Uirapuru topics are key elements of the narrative aspects of the work. The methodology is supported by the structural analysis of the musical piece, which involves harmonic, melodic, rhythmic, textural and orchestration aspects, with further interpretations of meaning based on topics and narrativity theories, and sustained by a bibliographic research of historical context. The interaction between topics in different structural levels and ad hoc elements, reveals that Villa-Lobos used an organization strategy of musical meanings, here understood as narrative, which relates to the plot of the piece´s programme and can be characterized under the concept of "external narrative program". In this work, the Brazilian Indian is represented by characteristic elements of the exotic, present in the language of modern concert music of the period and mainly in the repertoire with Debussyst heritage, with which Villa-Lobos had an open dialogue in his first compositional phase. / O objetivo deste trabalho é analisar a estrutura musical do poema sinfônico Uirapuru (1917), de Heitor Villa-Lobos, e compreender como os significados são colocados em ação pela peça através de tópicas e da narratividade. A hipótese inicial é que em Uirapuru, as tópicas são elementos determinantes dos aspectos narrativos da obra. A metodologia utilizada está apoiada na análise musical estrutural da peça, que envolve aspectos harmônicos, melódicos, rítmicos, texturais e de orquestração, com posteriores interpretações de significado fundamentadas pelas teorias das tópicas e da narratividade, e sustentadas por uma pesquisa bibliográfica de contexto histórico. A interação entre tópicas em diferentes níveis estruturais e elementos ad hoc, revela que Villa-Lobos utilizou uma estratégia de organização dos significados musicais, aqui compreendida como a narratividade, a qual se relaciona com o roteiro do argumento da peça e pode ser caracterizada sob o conceito de programa narrativo exterior . O índio brasileiro nesta obra é representado por elementos característicos do exótico presentes na linguagem da música de concerto moderna do período e, principalmente, no repertório com herança debussysta com o qual Villa-Lobos travava franco diálogo na sua primeira fase composicional.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:39:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 755069 bytes, checksum: b38a2f88836aa8d2487b16b3f2660809 (MD5) Previous issue date: 2009-02-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The Tropicalismo figured in 1967 and 1968 as an artistic activity that has opened new ways for the Brazilian art. The acknowledgment of the tropicalist intervention as a vanguardist art has already been analyzed by excellent researches. This work has another goal: we begun with Tropicalismo (only its musical works) and we stopped with the first recorded work from the composer Sérgio Sampaio, Eu quero é botar meu bloco na rua, in 1973. When that work was released, the reviewers told it excessively inclined to the tropicalist influence and they were not capable of seeing the inherent procedures on Sampaio s songs. Here in this work, we establish a parodic relationship (under the perspectives proposed by Mikhail Bakhtin, Haroldo de Campos and Severo Sarduy) between Sergio Sampaio s songs and the tropicalist aesthetics. Considering that the object of our research is the song, we rely on the reflexions of Luiz Tatit about diction on the popular Brazilian music in XX century. / O Tropicalismo configurou, nos anos de 1967 e 1968, um movimento artístico que abriu novos caminhos para a arte brasileira. O reconhecimento da intervenção tropicalista como arte de vanguarda já mereceu análise de valiosos trabalhos. Nossa pesquisa pretende atingir outro ponto: partimos do Tropicalismo (exclusivamente da sua produção musical) em direção ao primeiro disco do cantor e compositor Sérgio Sampaio, Eu quero é botar meu bloco na rua, de 1973. Quando este disco foi lançado, a crítica musical o considerou excessivamente curvado à influência tropicalista e não percebeu os procedimentos intrínsecos à canção de Sampaio. No presente trabalho, estabelecemos uma relação paródica (sob as perspectivas propostas por Mikhail Bakhtin, Haroldo de Campos e Severo Sarduy) entre as canções de Sérgio Sampaio e a estética tropicalista. Considerando que o objeto de nossa pesquisa é a canção, valemo-nos das reflexões de Luiz Tatit sobre a dicção da música popular brasileira no século XX.

Orientador: Sonia Regina Albano de Lima / Banca: Antônio Teixeira de Macedo Neto / Banca: Stela Maris Fazio Battaglia / Resumo: Esta dissertação de mestrado tem a Ciranda como objeto de estudo, uma manifestação cultural brasileira encontrada em diferentes regiões do país, com expressões peculiares em cada uma delas. Durante nossa atuação profissional, observamos um precário enraizamento dos educadores de música na cultura do país; a música popular brasileira de raiz era pouco apreciada e divulgada no contexto escolar. Diante desta realidade, a pesquisa pretendeu verificar qual o tipo de repertório musical que melhor contemplasse as raízes culturais brasileiras e, em que bases, esse repertório poderia ser repassado para os professores de música. A diversidade de manifestações musicais encontradas em nossa cultura tornou necessária a escolha de uma delas, no caso, a Ciranda, no intuito de ressaltar o valor de sua presença nos espaços educacionais. Para tanto, era fundamental compreender a sua natureza, a sua trajetória histórica e como ela esta presente na atualidade. A escassez de material bibliográfico motivou-nos a buscar outras fontes originárias, daí o caráter documental da pesquisa. Os objetivos da investigação concentraram-se em conceituar a Ciranda sob uma perspectiva etimológica e cultural; apontar a sua diversidade nas regiões brasileiras; caracterizar seus elementos definidores; apontá-la como uma manifestação cultural modificada pelo fenômeno da circularidade cultural. Concluímos a dissertação com a análise fenomenológica de quatro Cirandas, na busca de seus elementos identitários, sendo duas da tradição oral, sem autoria definida, uma da música popular, de Moacir Santos e Gilberto Gil e uma da música erudita, do compositor Almeida Prado. A fundamentação teórica da pesquisa pautou-se nos estudos de Mikhail Bakhtin, Padre Jaime Diniz, Evandro Rabello, H. J. Koellreutter, entre outros. A pesquisa indicou... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This master degree thesis has the Ciranda as its object of study, a Brazilian cultural manifestation found in different regions of the country with peculiar expressions in each one. We observed, during our professional work, a poor rooting of music educators in the country's culture. The deep-rooted Brazilian popular music was little appreciated and spread in the school context. Given this reality, the research intended to investigate the kind of musical repertoire that best addressed the Brazilian cultural roots and on what basis this repertoire could be passed on to the music teachers. The diversity of musical expressions found in our culture made it necessary to choose one of them, in this case, the Ciranda, in order to emphasize the value of its presence in educational environments. Having this purpose in mind, it was essential to understand its nature, its historical trajectory and its presence today. The scarcity of publications led us to search other original sources, hence the documentary character of the research. The objectives of the investigation focused on conceptualizing Ciranda in an etymological and cultural perspective; show its diversity in the Brazilian regions; characterize its defining elements; show it as a cultural expression modified by the cultural phenomenon of circularity. We conclude the thesis with the phenomenological analysis of four Cirandas in search of its identity elements being two from the oral tradition, without definite authorship, one from the popular music of Moacir Santos and Gilberto Gil and one from the classical music the composer being Almeida Prado. The theoretical research was based on studies of Mikhail Bakhtin, Father Jaime Diniz, Evandro Rabello, H.J.Koellreutter, among others. The research showed that Ciranda is a token of the Brazilian culture transformed by the phenomenon... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Esta tese desenvolve uma análise estilística de algumas letras de Chico Buarque, com os objetivos de: mostrar uma herança estilística medieval presente em algumas letras, no que tange ao aspecto lírico; produzir um quadro estilístico-semântico com marcações semióticas que orientam a interpretação das escolhas lexicais que caracterizam um resquício medieval do autor na obra estudada; e mostrar a importância da inter-relação entre som e expressividade, aliados ao valor semântico das palavras, selecionadas conforme o eixo paradigmático, e combinadas, segundo o eixo sintagmático, para dar nova significação às palavras, as quais se concretizam em ambigüidade, a seu turno, fonte de plurissignificação. Os pressupostos das diferentes teorias estilísticas com um apoio subliminar da Semiótica de Peirce servem de moldura para a leitura dos textos musicais, demonstrando-lhes o potencial indicial, simbólico e semântico captáveis nas letras de música de Chico Buarque, além de identificar-lhe o estilo pessoal e documentarem a malemolência expressivo-comunicativa da língua portuguesa que vem desde as cantigas medievais. / This work presents a stylistics analysis Chico Buarques lyrics songs., objectifing show a stylistics-semantic medieval heritage present in some lyric songs. This study aims to produce a stylistics-semantic sight linguistic with semiotic inclination which steer the interpretation of the lexical choices that characterize a medieval grain in this author and his particular style. It shows clearly the importance of the inter relationship between sound and expressiveness, backed by the semantic value of the words, which are selected according to the paradigmatic axis, and which are matched according to the sintagmatic axis with the aim of creating difficulties to the reader. Thus these words end up in ambiguity which is in itself the source to multi signification. The supports of the different stylistics theories with a hidden aid of Peirces Semiotics are used as a guide to reed musical texts, demonstrating the iconic, index and symbolical and semantic potentials in the reading of these song lyrics. Then to show the linguistic performance of Chico Buarque and the expressive and communicative potential of Portuguese language which has come from the medieval ditties.

Made available in DSpace on 2013-08-07T18:46:34Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000437924-Texto+Completo-0.pdf: 850152 bytes, checksum: 5d06cd133699735dfc473afb3a7c3a8a (MD5) Previous issue date: 2012 / It is a study that deals with part of the artistic production of Roberto Carlos. The singer is the biggest phenomenon of Brazilian popular music, totaling over 120 million albums sold (SANCHES, 2009). Moreover, his personal history followed the formation and organization of national cultural industry. Consequently, to understand this properly, we must inevitably follow the trajectory of this artist. To qualify the characteristics involved in the process, we analyzed the discography of Roberto Carlos launched in the range of 1961 to the year of 1982 – a total of 22 albums. This period includes the first recordings of the singer, to the apex of his carrer. The parameters contained in the selected material have information relevant to the study of the musician’s work with regard to its insertion in the panorama of production within capitalist logic. The research is guided by three core elements represented sonically, through the musical material; by semantics, reflected in the content of the lyrics; and visually, using the covers of his albums. In this sense, we proceed according to the thesis of Theodor Adorno, in which the musical parameters in themselves are indicators of how the logic of the commodity affects artistic production. Standardization is its most striking reflection. We conclude that the work of Roberto Carlos is composed of a series of standards of production. To that extent, all the material conforms, to some degree, the purpose of developing a business asset. It is a fact that permeates the entire studied material. However, there are differences given by the transition from an initial period of instability that was later replaced by a more sophisticated formulations of production. / Trata-se de um estudo de parte da produção artística de Roberto Carlos. O cantor é o maior fenômeno da música popular brasileira, totalizando mais de 120 milhões de discos vendidos (SANCHES, 2009). Além disto, sua história acompanhou a formação e sistematização da indústria cultural nacional. Consequentemente, para compreendermos de forma adequada esta, devemos, inevitavelmente, seguir a trajetória deste artista. Para qualificarmos as características envolvidas no processo, analisamos a discografia de Roberto Carlos lançada no intervalo do ano de 1961 até o ano de 1982 – totalizando 22 álbuns. Este período compreende as primeiras gravações do cantor, até o ápice de sua carreira. Os parâmetros contidos no material selecionado possuem indicações relevantes para se realizar um estudo da obra do músico no que diz respeito a sua inserção no panorama da produção dentro da lógica capitalista. A pesquisa é norteada por três elementos centrais, representados sonoramente, através do material musical; na semântica, pelo conteúdo de suas letras; e visualmente, pelas capas de seus discos. Parte-se da tese de Theodor Adorno, segundo a qual, os parâmetros musicais, em si, são indicadores da maneira como a lógica da mercadoria afeta a produção artística. A estandardização é o seu reflexo mais marcante. Concluímos que a obra de Roberto Carlos é composta por uma série de padrões de produção. Nesta medida, todo o material se conforma, em algum nível, à finalidade da elaboração de um bem comercial. É um fato que permeia toda a discografia analisada do cantor. Contudo, existem diferenças particulares, atribuídas pela transição de um período inicial de precariedade que, posteriormente, foi substituído por fórmulas mais sofisticadas de produção.

Made available in DSpace on 2013-08-07T18:46:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 000429414-Texto+Completo-0.pdf: 6769576 bytes, checksum: 5ae245a454744adfb179fc4516ce5477 (MD5) Previous issue date: 2011 / In the late seventeenth century, appeared the first journals that published reviews and details of events involving music and its audience. In this context, the profession of critics emerged, being known then as “arts referee”. Since then, the music criticism is present in print world as a journalistic genre that mediates artist and audience. In short, this is the essence of music criticism. The purpose of this thesis is to analyze the music criticism about Brazilian groups that represented Brazilian rock from the 1970s until the early 2000s. The documents chosen for this study were representative magazines about this genre. They are: Rolling Stone (Brazilian edition, from 1972 to 1973); Pop (from 1972 to 1979); Música (from 1976 to 1983); Somtrês (from 1979 to 1989); Pipoca Moderna (from 1982 to 1983) and Bizz (from 1985 to 2001). In this analysis, it is realized that music criticism was very weak and limited, especially in early publications, like Rolling Stone and Pop. From the late 1970s on, with the advent of the magazines Música e Somtrês, music criticism began to develop and professionalize. But Brazilian rock was then looked with suspicion by critics. In the following decade, that genre has come to be valued through the market power and prestige as well. But that recovery was not sustained for long, in market, prestige and music criticism: there wasn’t unanimity among critics about Brazilian rock. Moreover, groups that postulated as underground gained the sympathy of the music press. After succumbing to a loss of space in the media, between the late 1980s and the early 1990s, there was a slowdown in critics’ tone specialized in this genre. In short, this was the music critic figure acting as mediator between the musicians and a consuming public that the very critic thought ideal. / No final do século XVII, surgiram os primeiros periódicos que veiculavam críticas e detalhes dos acontecimentos que envolviam a música e o seu público. Nesse contexto, apareceu a profissão do crítico, conhecido na época como “árbitro das artes”. Desde então, a crítica musical se faz presente no mundo impresso como um gênero jornalístico que processa a mediação entre o artista e o público. Em suma, essa é a essência da crítica musical. A proposta desta tese é realizar uma análise a respeito da crítica musical referentes aos grupos brasileiros que representaram o gênero rock do início da década de 1970 até o princípio dos anos 2000. A documentação escolhida para esta pesquisa foram as revistas. Rolling Stone (edição brasileira, editada entre 1972 a 1973); Pop (editada entre 1972 a 1979); Música (editada entre 1976 a 1983); Somtrês (editada entre 1979 a 1989); Pipoca Moderna (editada entre 1982 a 1983) e Bizz (editada entre 1985 e 2001). Nesta análise, percebe-se que a crítica musical era muito incipiente e limitada, principalmente nas primeiras publicações, Rolling Stone e Pop. A partir da segunda metade dos anos 70, com o surgimento das revistas Música e Somtrês, a crítica musical começou a se desenvolver e se profissionalizar. Porém o rock brasileiro daquela época era visto com desconfiança por parte dos críticos. Na década seguinte, o gênero passou ser valorizado graças ao alcance mercadológico e também de prestígio. Contudo tal valorização não se sustentou por muito tempo, tanto em mercado e prestígio quanto na crítica musical: não existia unanimidade dos críticos em relação ao rock brasileiro. Por outro lado, grupos que postulavam como undergrounds conquistaram a simpatia da imprensa musical. Após sucumbir a uma perda de espaço na mídia, entre o final dos anos 1980 e o ínicio da década de 1990, houve um abrandamento no tom da crítica especializada nesse gênero. Em suma, tratava-se da figura do crítico atuando como mediador entre os músicos e um público consumidor que o próprio crítico julgava ideal.