[pt] Umas histórias outras de João Goulart: a construção de um personagem no teatro da política brasileira é um ensaio - em que narração e descrição foram mescladas com a escrita argumentativa - sobre a trajetória enigmática do ex-presidente João Goulart, do Golpe de 64 até sua morte no exílio, em 1976. O palco político onde Jango atuou serve de objeto a esta dissertação não para investigar sua dimensão histórica, mas com o propósito de revelar e analisar criticamente a trama de discursos que tentaram desvendar essa trajetória, os quais estão instalados em estatutos diferentes. São eles: o fabulista, utilizado pelo cineasta Glauber Rocha, o memorialista, pelo antropólogo Darcy Ribeiro, o epistolar, pelo próprio Jango, o oficial, pelo governo da Ditadura Militar, o informativo, pela imprensa, e, ainda, o ficcional/jornalístico, pela autora da dissertação, que, ao incluir um texto com sua própria assinatura, no corpus textual da pesquisa, pretendeu evidenciar a orientação auto-identificadora e auto-reflexiva da mesma. A perspectiva teórica com a qual se trabalhou foi a de que os relatos do governo e da imprensa, enquanto propostas de verdade conclusiva, são apenas reativos e não correspondem ao poder que exerceram, na circunstância de sua divulgação. De acordo com essa visão, a força especulativa só existe na atividade fabuladora, isto é, só a arte e os discursos claramente interessados é que ativam os signos do passado, tornando-os passíveis de desvendamento, ao mesmo tempo em que se prestam a reflexões que servem para entender o presente. / [en] João Goulart s Other Histories: Character Development on Brazil s Political Stage is an essay - and as such its style is a combination of narration, description, and argumentative or academic prose - which chronicles the path of Brazilian former president João Goulart starting the 1964 coup until his death in exile in 1976. Jango s political setting, as well as the role he plays in it, serves here not as a means of assessing his historical standing, but rather as an object whose purpose is to unveil and critically scrutinize the discourse networks and webs elicited by the former president s political path. These discursive webs appear in a wide variety of categories: there is the storyteller s point of view as seen in the works of filmmaker Glauber Rocha; the anthropologist Darcy Ribeiro s memorialist take; Jango s own epistolary writings; the official version supported by the members of the dictatorial regime; the documental or journalistic disseminated by the media. Finally, in addition to these categories is the fictional/journalistic style adopted by the author of this dissertation as she opts to include an essay bearing her own signature into the corpus of her research. Her intent at doing so: locating and acknowledging her awareness of her stance vis a vis the subject at hand. The present research operates under one theoretical assumption: that official documents and press materials, far from being actual conclusive facts, are mainly reactive in nature. In other words, over the years they have lost their claim to truth. Subscribing to these views, this essay contends that speculation into the past is only achievable if combined with the ability to generate narratives, be these fictional or not. Only imbued with self-reflexive discourse and only within the sphere of art would one be able to activate signs of the past - thus rendering them not only intelligible but capable of eliciting reflection and of offering clues to understanding the present.

Esta dissertação busca investigar processos de escrita audiovisual em que a trilha sonora é um elemento narrativo e dramático construído a partir do roteiro. A pesquisa teórica baseia-se na análise de manuais de roteiro e em guias sobre som no audiovisual. O objetivo desta análise é encontrar as circunstâncias em que a trilha sonora é considerada elemento integrante do processo de escrita de obras audiovisuais. Nossa principal questão é se existem regras e padrões para uma produção de textos que estabeleçam a função do som desde o processo criativo inicial da composição de uma obra audiovisual, considerando a dialética som-imagem. A pesquisa empírica tem como base a leitura analítica de roteiros de filmagem de diferentes autores, visando entender como se descreve ou enuncia a banda sonora em cada um deles. Considerando que roteiros não são a obra final, os escritos analisados são comparados com os filmes já prontos. Nosso objetivo é, por meio desta pesquisa, colaborar para o instrumental teórico e prático a que um roteirista pode recorrer no momento de desenvolvimento de um relato cinematográfico ou audiovisual. / The aim of this research is to investigate screenwriting processes in which the soundtrack is a narrative and dramatic element built from the script. The theoretical research is based on an analysis of script manuals and guides about sound in the audiovisual media. The objective of this analysis is to find the circumstances in which the soundtrack is considered an integral element of the writing process of audiovisual works. Our main question is whether there are rules and standards for the production of texts that establish the function of the sound from the initial creative process of composition of an audiovisual work, considering the dialectics sound-image. Empirical research is based on the analytical reading of scripts by different authors, in order to understand how each of them describes or announces the soundtrack. Whereas scripts are not the final work, scripts are compared with the films. Our goal is, through this research, to contribute to the theoretical and practical resources that a writer can refer to when developing a cinematographic or audiovisual story.

Submitted by Jailda Nascimento (jmnascimento@pucsp.br) on 2016-10-21T13:13:05Z No. of bitstreams: 1 Luciana Helena Mussi.pdf: 4415155 bytes, checksum: cb3fdfdc12a97b8c04dd171558ff8ec4 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-10-21T13:13:06Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luciana Helena Mussi.pdf: 4415155 bytes, checksum: cb3fdfdc12a97b8c04dd171558ff8ec4 (MD5) Previous issue date: 2016-09-06 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This study aims to analyze the social representations of Nazism in feature films in european and american cinema (german and non-german). The two central issues of the work are: the dehumanization and resistance to dehumanization. This is documentary research with approach according to the methodology of Laurence Bardin Content Analysis. To understand the different representations in the cinema of the origins, development, maintenance, fall and resurgence "contemporary" of Nazism, were found as a result of the research, 190 films, including documentaries and fictions. Of this total, based on predefined elements were selected 28 films, in-depth analysis of objects in the work. We started the journey with a foundation on cinema and its relationship with politics, by reference to the Theory of Social Representations of Serge Moscovici. Then the prophetic film The Cabinet of Dr. Caligari, Dr. Mabuse and Fausto announced what would in a few years, the rise of the Führer, presented here in Triumph of the Will, Architecture of Destruction, Amen and The Fall! Living the dilemma of accepting and/or resist, we come exercise of submission with five films, among them, Mephisto and Good. Some lived in the night and fog scenario, as represented in Bent and The Boy in the Striped Pajamas, examples of the unnameable, the incomprehensible suffering that only a man can break the other. To escape the invasion of the territory, took a ride on the Train of Life piloted by a ―wise fool‖ or ―crazy wise‖ that all-knowing and all resolves. But as the trial delays, but it does not fail, either in this world or the other, we face Nuremberg and the controversial position of philosopher Hannah Arendt. How to understand the dark side of all of us? Maybe movies like American History X and The Wave can explain the threatening seed of evil lurking and allows genocides are phenomena not only of the past but still present today. In the epilogue of this journey, we conclude, the analysis of the films, the dehumanization and the resistance to it, lie not only in large or small acts of individuals, but mainly in the awareness and responsibility of each and every one / Este estudo tem como objetivo analisar as representações sociais do nazismo em filmes de longa-metragem no cinema americano e europeu (alemão e não alemão). As duas questões centrais do trabalho são: a desumanização e a resistência à desumanização. Esta é uma pesquisa de natureza documental com abordagem segundo a Metodologia da Análise de Conteúdo de Laurence Bardin. Para entender as diferentes representações no cinema das origens, desenvolvimento, manutenção, queda e ressurgimento ―contemporâneo‖ do nazismo, foram localizados, como resultado da pesquisa, 190 filmes, entre ficções e documentários. Desse total, com base em elementos predefinidos, foram selecionados 28 filmes, objetos de análise aprofundada no trabalho. Iniciamos o percurso com uma fundamentação sobre o cinema e sua relação com a política, tendo como referência a Teoria das Representações Sociais de Serge Moscovici. Em seguida, o cinema profético de O Gabinete do Dr. Caligari, Dr. Mabuse e Fausto anunciava o que viria em poucos anos, a ascensão do Füher, apresentado aqui em O Triunfo da Vontade, Arquitetura da Destruição, Amém e A Queda! Vivendo o dilema de aceitar e/ou resistir, chegamos ao exercício da submissão com cinco filmes, entre eles, Mephisto e Um Homem Bom. Alguns viveram no cenário de noite e neblina, como representado em Bent e O Menino do Pijama Listrado, exemplos do inominável, do incompreensível sofrimento que somente um homem pode infringir a outro. Para fugir da invasão dos territórios, pegamos carona no Trem da Vida pilotado por um ―sábio louco‖ ou um ―louco sábio‖, que tudo sabe e tudo resolve. Mas como o julgamento tarda, mas não falha, seja deste mundo ou do outro, enfrentamos Nuremberg e a controversa posição da filósofa Hannah Arendt. Como compreender o lado obscuro de todos nós? Talvez filmes como A Outra História Americana e A Onda possam explicar a semente ameaçadora do mal que espreita e permite que genocídios sejam fenômenos não só do passado, mas ainda presentes na atualidade. No epílogo desse percurso, concluímos, pela análise dos filmes, que a desumanização e a resistência a ela, residem não só nos grandes ou pequenos atos dos indivíduos, mas principalmente na consciência e responsabilidade de todos e de cada um

O projeto O cinema vai à escola, da SEE-SP/FDE(de 2008 a 2015), é objeto de estudo do presente trabalho, queoexamina aproximando as perspectivas do cinema e da educação. Para tanto, parteda questão benjaminiana doempobrecimento da experiênciae, de algum modo, da adorniana doempobrecimento do repertório de imagens,buscando identificar modos de uso do cinemana escolaeinvestigandose eem que medidao referido projeto provoca o empobrecimentoda experiênciaem razão dos meios aplicados naoficialização da entrada do cinema na escola. Em geral, o cinema na escola é sustentado por um discurso pedagógico oficial que especifica e atribui o lugar do cinema no universo escolar. Interessa a esta pesquisaidentificar eanalisar esseslugares.Cinematografias, tais como a de Godard,adoNeo-realismoitaliano eadoCinema Novobrasileiroconfrontame se colocam como referências aesse lugar atribuído ao cinemapela escola. Entende-se aqui que aperspectiva desses cinemas, bem como nossa concepção de escola, cuja função primordial tem a ver com o deslocamento das referênciasestabilizadasdos sujeitos,não se constituemde elucubraçõesdesconectadasda chamada realidadedo universo escolar atual.Ao contrário, entendem que o presente em que parece seconstituir o filmeopera aí encaminhamentos sem solução definitiva. Contudo, ao se utilizar de modo ilustrativo do cinema, o discurso pedagógicohegemôniconas escolas, a despeito da discussão sobrea diluição do sujeitoisto é,da perda da perspectiva histórica unitária-, fortalece esse lugar dosujeito, entendido como oposição ao objeto. Assim, promove um modo de aprendizagem que toma o conteúdo da obra, a mensagem do filme,comoobjeto central, moralizando-o. Dessa forma,não oconsideraobra de arteou mesmo objeto de vivência, reduzindo-oarecurso pedagógicoque pode facilitarosestudosde teor cientificizantes.Nesse sentido,faz-seimportante a investigaçãosobre aideia de currículo e o lugarque nele ocupaa arte e mais especificamenteo cinema, em virtude da urgência uníssona quanto ao tratamento das mídias e do cinema na escola.Para tanto,este trabalho analisatextos oficiais da SEE-SP(osCadernos de cinema doprofessor e os vídeos sobre o Projeto),que regulamentam a entrada do cinema na escola, dentrevários outros.Em tempo, tomamos como parâmetro a experiência francesa transposta em livro por Alain Bergala (2007), além de conceitos / The projectO cinema vai à escola (\"Cinema goes to school\"), from SEE-SP / FDE (2008 to 2015), is the subject of study of the present work, which examines it by approaching the perspectives of cinema and education. Thus,begins fromthe Benjaminian question of the impoverishment of experience and, in some way, of the embellishment of the impoverishment of the repertoire of images, seeking to identify ways of using cinema in school and investigating if and to what extent the said project causes the impoverishment of experiencethroughtheways ofthe entrance of the cinema in school. In general, cinema at school is supported by an official pedagogical discourse that specifies and attributes the place of cinema in the school universe.This work identifies and analyziesthese places. Cinematographies, such as Godard\'s, Italian Neo-realism and Brazilian Cinema Novo, confront and place themselves as references to this place attributed to cinema byschool. It is understood here that the perspective of these cinemas, as well as our conception of school, whose primary function has to do with the displacement of the stabilized references of the subjects, do not constitute of lucubrations disconnected from the socalled reality of the current school universe. On the contrary, they understand that the present in which the film appears to constitute the film operates there with no permanent solution. However, in using illustrative cinema, hegemonic pedagogical discourse in schools, in spite of the discussion about the dilution of the subject-that is, of the loss of the unitary historical perspective-strengthens this place of the subject. Thus, it promotes a mode of learning that takes the \"content\" of the work, the \"message of the film\", as the central object, moralizing it. In this way, it does not take it as a work of art or even as an object of experience, reducing it to a pedagogical resource that can \"facilitate\" scientific studies. In this sense, it is important to investigate the idea ofcurriculum and the place that art occupies in it, and more specifically the cinema, because of the unanimous urgency regarding the treatment of media and cinema in school. In order to do so, this work analyzes the official texts of the SEE-SP (Cadernos de Cinema do Professor-\"Teacher\'s Film Schedules\"-and the videos about the Project),among others,which regulate the entrance of cinema to school. In time, we took as a parameter the French experience transposed in book by Alain Bergala (2007), as well as parameter the French experience transposed in book by Alain Bergala (2007), as well asimportant

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-15T18:02:46Z No. of bitstreams: 1 Célia Maki Tomimatsu.pdf: 2671502 bytes, checksum: 069b8b0915e99636ba594b533d5b4186 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-15T18:02:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Célia Maki Tomimatsu.pdf: 2671502 bytes, checksum: 069b8b0915e99636ba594b533d5b4186 (MD5) Previous issue date: 2017-12-07 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / The objective of this research is to analyze how the Japanese filmmaker Hirokazu Koreeda transforms the concept of ikigai (生 き が い) into a communicational resource that affects the Japanese and international audiences, to such an extent that it summons life in its everyday singularity and not necessarily from major events. Although ikigai is a difficult term to translate, it has been considered by researchers of diverse areas as "reason for living". The main corpus of the thesis is composed of four films: A luz da ilusão (1995), Depois da vida (1999), Tão distante (2001) and Seguindo em frente (2008). In all of them, there is an emphasis on the questions about life, death and, above all, the memory as a human interaction among the characters. This is because, in addition to the dialogues, the silence and images of the memories express the reason for living of each one of them. In regard to the theoretical framework, we have related bibliographies of Mieko Kamiya's ikigai (2004a, 2004b) with Hirokazu Koreeda's own writings (2001, 2004, 2008, 2016a, 2016d), as well as his interviews, in which the author interprets ikigai in a complex way and elucidates its insertion in contemporary Japanese cinema. In addition, we start with Christine Greiner's (2010 and 2017) research that considers the relationship between Japan and the West from perceptual and empathic chains, without neglecting the cultural singularities, but observing cultures beyond the given categories. As a methodological procedure, we will analyze the four films selected above, observing the filmmaker's script and the work developed by the characters, having as a main focus the interaction of the narration with the bodies that communicate with the external world, according to the ikigai of each one. The main hypothesis is that in the filmography of Koreeda the reason for living of an individual is not restricted to happiness, but also to an obscure and somber side that exposes ambivalences between life and death, joys and sorrows. The contribution of the thesis is to discuss this new interpretation of the concept, besides analyzing the work of a filmmaker who does not have any bibliography in Portuguese / O objetivo desta pesquisa é analisar como o cineasta japonês Hirokazu Koreeda transforma o conceito de ikigai （生きがい） em um recurso comunicacional que afeta o público japonês e as plateias internacionais, na medida em que convoca a vida na sua singularidade cotidiana e não necessariamente a partir de grandes acontecimentos. Embora ikigai seja um termo de difícil tradução, tem sido considerado por pesquisadores de áreas diversas como razão de viver. O corpus principal da tese é composto por quatro filmes: A luz da ilusão (1995), Depois da vida (1999), Tão distante (2001) e Seguindo em frente (2008). Em todos eles, há um destaque para os questionamentos sobre a vida, a morte e, sobretudo, a memória como interação humana entre dos personagens. Isso porque, além dos diálogos, o silêncio e as imagens das lembranças expressam a razão de viver de cada um deles. No que se refere ao quadro teórico, relacionamos bibliografias sobre ikigai de Mieko Kamiya (2004a, 2004b) com os escritos do próprio Hirokazu Koreeda (2001, 2004, 2008, 2016a, 2016d), bem como suas entrevistas, nas quais o autor interpreta ikigai de um modo complexo e elucida a sua inserção no cinema japonês contemporâneo. Além disso, partimos da pesquisa de Christine Greiner (2010 e 2017) que pensa a relação entre Japão e Ocidente a partir de cadeias perceptivas e empatias, sem negligenciar as singularidades culturais, mas observando as culturas para além das categorias dadas a priori. Como procedimento metodológico, analisaremos os quatro filmes acima selecionados, observando o roteiro do cineasta e o trabalho desenvolvido pelos personagens, tendo como foco principal a interação da narração com os corpos que se comunicam com o mundo externo, de acordo com o ikigai de cada um. A hipótese principal é que na filmografia de Koreeda a razão de viver de um indivíduo não se restringe à felicidade, mas também a um lado obscuro e sombrio que expõe ambivalências entre vida e morte, alegrias e tristezas. A contribuição da tese está em discutir esta nova interpretação do conceito, além de analisar a obra de um cineasta que não conta com nenhuma bibliografia em português

[pt] O Cinema é um organismo vivo que está entre os homens e as coisas e alguns de seus movimentos são de procura de um sentido para aquilo que nos acontece no intervalo entre e chegada e a partida; a busca da felicidade, o reencontro com o outro e o mundo. O trabalho procura as linhas comuns e às que diferem às comédias americanas dos anos 30 e 40, estudadas Stanley Cavell, às comedias brasileiras no final dos 50 e aos dois Pequenos Dicionários Amorosos, filmes de 1997 e 2016. Há em comum entre eles o impulso de seus personagens de tornarem-se melhores, de reconhecer a existência do outro e superar o ceticismo que nos paralisa e confina à impossibilidade do conhecimento. Ao reconhecer e aceitar os limites da existência e do conhecimento a Comédia não nos lança no ceticismo, nem nos faz rir da vida, o que seria cinismo, mas, sim, nos ensina a rir na vida e nos liberta. / [en] The film is a living organism that is among the men and things, and some of his movements are seeking a sense for what happens in the range between our arrival and departure; the pursuit of happiness, the reunion with the other and the world. The work seeks the common lines and that differ at American comedies of the years 30 and 40, studied by Stanley Cavell, the Brazilian comedies at the end of 50 and two films Little Loving Dictionaries, produced on 1997 and 2016. There is in common between them the impulse of his characters to become better, to recognize the existence of each other and overcome the skepticism that paralyzes us and confines the impossibility of knowledge. To recognize and accept the limits of existence and knowledge the comedy do not launches us in skepticism, or makes us laugh in life, it would be cynical, but teaches us to laugh in life and sets us free.

[pt] O presente trabalho tem por objetivo elucidar o papel que a crítica cinematográfica carioca teve entre 1918 e 1932 no que concerne ao fomento de uma política estatal voltada para o cinema. São analisadas de forma mais aprofundada três das principais revistas da época: Cinearte, Scena Muda e O Fan, cada uma com as suas particularidades e nuances, mas que corroboraram com o processo de construção de um aparato estatal voltado para o cinema que vai ocorrer nos anos 30. / [en] This paper aims to elucidate the role that the Rio de Janeiro cinematographic critique had between 1918 and 1932 regarding the promotion of a state policy focused on the cinema. Three major magazines of the time are analyzed in more depth: Cinearte, Scena Muda and O Fan, each one with its peculiarities and nuances, but which corroborated with the process of building a state-oriented cinema apparatus that will occur in the 1930s.

Este trabalho relata aspectos do processo criativo da redação de um roteiro cinematográfico de longa metragem. Procurou-se investigar, durante o fazer do roteiro, o modo como a narrativa pode ser utilizada para despertar emoções e interesse no espectador. Através da revisão de obras de teóricos cognitivistas do cinema e de manuais de roteiro, levanta-se considerações sobre possíveis estratégias para se envolver emocionalmente o espectador. Para ilustrar estas estratégias, é apresentada uma análise da obra Aconteceu naquela Noite (1934). A partir destas considerações, realiza-se a descrição do processo de escrita do roteiro, procurando demonstrar de que forma as considerações teóricas influenciaram neste processo e no produto final, o roteiro completo. / This dissertation reports some aspects of the creative process on writing a feature movie script. During the screenwriting, it was attempted to investigate how the narrative can be used to elicit emotions and interest in the spectatorship. Through the review of Cognitivist Film Theory Scholars and Screenwriting Guides, considerations were raised on possible strategies to emotionally involve the viewer while telling the story. To elucidate these strategies, the analysis of the movie It happened one night (1934) follows. Having reached these considerations, the script is presented along with the trajectory of its writing.

In this paper I will discuss the making of the short film, The Piñata, from its inception to its path of being submitted to festivals. I will discuss the steps taken to complete the processes of development, pre-production, production, and post-production. In each section of this document I will relay the decisions I made during my experience being the producer, writer, director, editor, and casting director of The Piñata.

Plusieurs encriers se sont déjà épuisés à écrire sur la Venise des films, mais leurs études étaient avant tout d’ordre historique. Nous tenons compte de cette approche, de cette histoire de l’imaginaire, car nous pensons qu’elle est le passage vers un regard esthétique sur certaines interprétations de l’espace vénitien, tel qu’il est représenté dans le cinéma de fiction. Choisies pour leur éclectisme mais aussi pour leurs éventuelles correspondances, les images de notre corpus filmographique nous entraînent vers une analyse variée de l’espace du plan (le cadre, le champ) et de celui du montage (la « dialectique » des plans). Notre démarche, attachée aussi bien aux rapports spirituels et matériels qu’aux résultats signifiants et inconscients entre le créateur et Venise, retrace la sensibilité perceptible dans chacun des films concernés. Grâce à cette sensibilité, nous voulons mieux connaître les conditions d’une poétique de l’espace vénitien (et urbain) à travers le film, mais aussi le statut de la fiction pour son spectateur. Nous considérons objectivement autant les lieux communs que les visions anti-mythiques de la ville, car la spectacularité, le quotidien et la découverte font tous partie de sa nature. Nous cherchons simplement à comprendre comment les images filmiques et leurs histoires peuvent encore progresser vers une définition plus claire de la « place » de Venise et du cinéma pour chacun de leurs observateurs, pour chacun de leurs auteurs. / Many ink wells have already been exhausted writing about Venice in film, but these studies were primarily historical. We take the following approach: the story of the imaginary; we believe it is the gateway to an aesthetic view of some interpretations of Venetian space as represented in fiction films. Chosen for their versatility but also for their possible interconnections, the images in our filmography lead us towards an analysis of varied space shots and space editing. Our approach, committed to both spiritual and material reports as results and unconscious meanings between the creator and Venice, traces the sensitivity seen in each of the films concerned. With this sensitivity, we want to better understand the conditions of a poetics of urban and Venetian space through film, but also the status of fiction for its audience. We consider objectively all the platitudes and the anti-mythic visions of the city, because the spectacular, the everyday and discovery are all part of its nature. We are simply trying to understand how images in film and their stories can move towards a clearer definition of Venice as a "place” in film for both their observers and their authors.