S’intégrant dans une époque moderne souvent définie par la déstabilisation des institutions et du rapport intersubjectif, les nouvelles de Katherine Mansfield présentent de nombreux exemples d’échecs intersubjectifs. Il s’agit donc d’effectuer un retour aux sources de la relation pour trouver les formes et modes de rencontre possibles et interroger leur potentiel fondateur. Telle que l’envisage Mansfield, la rencontre en tant que problématique de l’altérité – trouvée en soi ou en l’autre – s’organise selon trois espaces, symboliques ou réels : dans l’espace intime et intersubjectif, la rencontre déploie des enjeux ontologiques et existentiels ; dans l’espace géographique, elle invite à adopter une perspective qui interroge la place du politique dans les mouvements coloniaux et internationaux ; dans l’espace artistique, les déclinaisons infinies de la rencontre laissent envisager la possibilité d’une poétique originale façonnée par la convergence des arts, des genres et styles. La poétique de la rencontre se manifeste dans une logique qui n’est pas aristotélicienne au sens strict et où la création artistique est en jeu. / Modernity has been defined as a destabilizing time for both the institution and the subject. Katherine Mansfield’s short stories fit in this definition as they provide many examples of inter-subjective failure. It is thus fundamental to go back to the origins of the relationship in order to uncover the various types and modes of encounter and to interrogate their constructive potential. The encounter as Mansfield conceives of it addresses the question of otherness within three different spaces. The encounter displays ontological and existential stakes in the intimate space; it invites the reader to displace the critical perspective on colonial and global movements from the political to the cultural in the geographic space; and it unveils its countless variants in an artistic space, thus generating an original poetics shaped by the convergence of arts, genres, and styles. The poetics of the encounter manifests itself according to a definition that goes beyond the Aristotelian frame. What is at stake is artistic creation itself.

La thèse explore les œuvres de Blaise Cendrars, de Victor Segalen et d’Albert Londres sous l’angle de « l’éclat du voyage » et se propose d’analyser les effets produits par la présence du voyage sur un plan diégétique, métadiégétique et stylistique. Chez ces trois auteurs, la notion de voyage dépasse en effet sa vocation thématique pour se faire véritable matière à travailler le langage et atteindre la sphère de la littérarité en exerçant sur le texte une menace d’éclatement, et contribue à l’instauration d’une littérature moderne. Cette étude interroge les premiers écrits de Cendrars (1912-1938) en explorant par quelles voies la présence conjointe du motif du voyage et de l’éclatement conduit à la création d’une représentation fractale du monde. L’examen du cycle polynésien de Segalen met en évidence la présence du voyage comme le résultat d’un écart désirant qui aboutit à la formation d’une poétique littéraire de la diffraction. Enfin, à travers l’étude des reportages d’Albert Londres, la thèse montre comment l’écriture du voyage trouve un regain de force par le détour du reportage. / This thesis explores the bursting effect of travel in the works of Blaise Cendrars, Victor Segalen and Albert Londres in their diegetic, metadiegetic and stylistic aspects. The notion of travel goes beyond a mere theme discussed in those texts and affects their very language, challenges their literarity by issuing a bursting threat on them, and contributes to their modernity.This study examines the first works of Blaise Cendrars (1912-1938) and explores the ways in which the joined presence of travel and bursting phenomenon leads to a literary creation of a fractal world. The study of Segalen’s Polynesian period reveals that travel exists as an outcome of a distance invested by desire, and results in a poetic of diffraction in his texts. Finally, the investigation of the role of travel in Albert Londres’ reportages illuminates how travel writing and reportage can work together towards a modern literature.

Le présent travail se fixe pour objet d’étude l’effondrement des limites entre les arts au milieu des années 1960, son lien avec la naissance des avant-gardes et la chute du système des Beaux-Arts. En remontant un fil tendu par Adorno, nous verrons que celle-ci semble suspendre la dialectique de la raison en tant qu’elle met à mal la division de l’art en genres — pendant de la division du travail dans le monde administré. L’ensemble du processus étudié, que nous avons choisi de nommer dissolution des limites entre les arts, nous conduit à remonter en amont des événements liés à ce changement de paradigme, afin d’en repérer les éléments déclencheurs — lesquels semblent contenus, comme en germe, dans les motivations à l’origine de l’éclosion des avant-gardes. Croisant la lecture d’Adorno et de Greenberg, cette analyse cherche, pour ce faire, à isoler des moments structurants, dont certains apparaissent comme des résonances, des échos amplifiés des autres, comme une manière d’en accuser réception : le contexte des années dix, par exemple, dans lequel les constructions cubistes de Picasso font d’ores et déjà trembler les lignes de démarcation des arts en sortant de l’espace confiné de la toile pour visiter celui de la sculpture ; puis celui des années cinquante et soixante, marqué par la catégorie des Specific Objects de Judd, mais aussi par les œuvres de Morris et Rauschenberg. Notre analyse porte également sur les années qui ont suivi cet effondrement des frontières entre les arts et tente de suivre une perspective herméneutique, en empruntant une voie esquissée notamment par Adorno dans L’art et les arts, lequel a observé que cette tendance à « l’effrangement » a fini par jouer un rôle dans l’antagonisme entre le public et l’art contemporain — anticipant les débats qui eurent lieu bien après sa mort, et que l’on retrouve sous le terme de « crise de l’art contemporain » dans les années 1990. Cet axe de recherche nous amène à poser à nouveaux frais la question de l’autonomie de l’art, devenue problématique depuis le passage des Beaux-Arts à l’art, tout particulièrement au cœur de la réception anglo-saxonne de l’esthétique d’Adorno, auteur d’une définition de l’autonomie de l’art tout à fait singulière — paradoxale. Il s'agit donc de commencer à procéder à l’exégèse de textes anglais et américains, qui, remettant au travail cette problématique classique, entendent montrer que la définition qu’en propose Adorno reste opérante lorsqu’on la confronte aux œuvres d’art actuelles. / This thesis is aiming at analyzing the link between the arts and between the art and what is extrinsic to art. The issue is to expand and refine Adorno’s analysis in his book The art and the arts. We will aim to provide a theoretical overview of the collapse of the artistic genres in the mid-sixties, and consider its link with the birth of French Avant-Garde and with the decline of the system of Fine Arts. The whole process that we would like to analyse starts with a mere imbrication of the arts, and reaches its culmination with a proper dislocation of its boundaries, as a result of successive stages that are locatable in the past. This will lead us to examine the stages before the outright collapse of artistic genres, to identify the triggers that ultimatly result in this paradigmatic change. Can we consider that the seeds of this dissolution are already planted in what led to the birth of the Avant-Garde? Is it reasonable to think that the postmodernity was already part of the modernity, as an inevitable shift which finds its fulfillment in the early sixties? Does the movement from the specific to the generic (de Duve) render the Adornian notion of Verfransung obsolete? What kind of “generic alterations” can we identify within the contemporary art? What is the status of non-art in regard to the Adornian negative dialectics? Can one consider that it represents a “stopped dialectics” — a moment of freedom in the dialectics of enlightenment? We will identify some structuring phases — some of which would appear as amplified echos of the others. We wish to continue our analysis from a hermeneutical perspective, and see how this dissolution has played a key role in the antagonism between contemporary art and the public. The issues related to the dissolution of boundaries between the arts will lead us to evaluate and interpret the Adornian arguments regarding the need for autonomy in art. Can we nowadays defend the idea of an autonomy of art? Is it then necessary to adapt its definition in the light of current works of art? Does the adornian conception of autonomy remain relevant? Can we consider that installation or performance perpetuate the exigences of modernism and create what could be called a new and “non-modernist" Avant-Garde?

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Apollinaire, Cendrars et Maïakovski vivent une époque de changements qui modifient l’ordre des choses, offrant une mutation dont le progrès technique est l’illustration la plus évidente pour ces poètes qui glorifient les nouveaux moyens de communication comme le train dont le mouvement ininterrompu sert de fil conducteur à tout le poème de Cendrars la Prose du transsibérien et de la petite Jehanne de France ou comme l’aviation chantée par Apollinaire dans « Zone » et mise en scène par Maïakovski dans Le prolétaire volant. Le voyage devient un thème privilégié de cette poésie résolument tournée vers le mouvement. Entrevoyant une transformation irréversible, ils se trouvent aussi confrontés à un monde nouveau, qu’ils appréhendent dans sa misère, sa violence et son caractère brut. La ville moderne en est l’un des motifs les plus emblématiques. Elle apparaît comme un décor théâtralisé et digne de devenir objet d’une poésie qui se veut novatrice. Chantres de cette modernité naissante, ils se font les témoins voire les porte-parole de l’humanité misérable qui hante ce décor. Apollinaire et Cendrars évoquent souvent les émigrants, populations déracinées, sans patrie, en quête d’un illusoire Eldorado, tandis Maïakovski fait défiler toute une série d’infirmes dans sa tragédie Vladimir Maïakovski tragédie. Si le monde moderne devient objet d’observation, il est aussi cadre de l’errance poétique. A la soif de voyage de Cendrars correspond une problématique interrogation existentielle, alors qu’Apollinaire, entre tradition et modernité, confronte le mal être du mal aimé au monde qui l’entoure. Maïakovski, lui, cherche désespérément, à travers un lyrisme exacerbé, à lutter contre un esprit bourgeois et ignorant de la misère et des transformations du monde et à convaincre de la nécessité d’instaurer la révolution de façon complète. Marqués par la conscience aiguë de la nouveauté, ils se trouvent cependant pris entre un monde ancien, rejeté mais toujours présent, et un avenir incertain et inquiétant. C’est dans ce contexte que se met en place la problématique quête du moi. Le poète se heurte à un monde autre, indifférent qui ne le comprend pas, qu’il cherche à apprivoiser et à façonner tout en construisant une identité bien fragile. De l’observation du monde moderne arpenté par le poète naît une esthétique de la trivialité poétisée dans l’évocation d’une réalité crue, nue sans détour ni euphémisme. Le beau y côtoie le laid, à la suite de Baudelaire qui introduisit le monde moderne dans la poésie. Ainsi l’actualité vécue de façon aiguë fait –elle l’objet de l’attention du poète et devient poésie. Rendre le réel dans son immédiateté induit un lyrisme intense et douloureux où la quête prend la forme d’une plainte, d’une supplique et d’une révolte en même temps qu’elle pose un questionnement sur la poésie, ses formes nouvelles et son rôle dans ce monde moderne. / Apollinaire, Cendrars et Maïakovski lived in an era of changes which initiated a new order of things, bringing about a transformation best illustrated by technical progress in the minds of these poets who glorified the new means of communication such as the train whose steady movement is the main thread of the whole poem by Cendrars Prose du transsibérien et de la petite Jehanne de France, or the plane glorified by Apollinaire in « Zone » or staged by Maïakovski in Le prolétaire Volant. Travelling became the privileged theme of this poetry consecrated to movement. Foreseeing an irreversible transformation, they were confronted with a new world that they grasped through its wretchedness, its violence and its rawness. The modern city is one of their most emblematic motives and it seems like a theatre set deserving of becoming the subject of a new poetry meant to be innovative. As the heralds of this budding modernity, they became the witnesses and even the spokepersons of wretched mankind who haunts this setting. Apollinaire and Cendrars evoke the migrants, the uprooted and stateless populations in quest for an unrealistic Eldorado whereas Maïakovski in his tragedy Vladimir Maïakovski presented a series of disabled people. If the modern world turned into a subject of observation, it is also a frame for poetic wandering. To Cendrars's thirst for travelling corresponds the problematic questioning of existence whereas Apollinaire, between tradition and modernity, opposes the malaise of the unloved one to the surrounding world. For Maiakovski's part, through heightened lyricism, he desperately seeks to struggle against a « bourgeois spirit » which ignores the misery and great changes of the world and to convince of the necessity to bring about an utter revolution. Impregnated by an acute awareness of novelty, they are caught between an old world, rejected but still present, and an uncertain worrisome future. It's within this context that the problem of the quest for the self is outlined. The poet comes up against a different and insensitive world which doesn't understand him, a world he tries to tame and shape while forging a quite fragile identity. An aesthetic of triviality poeticized in the depiction of a gritty, naked reality in an upfront way and with no hint of exaggeration is born of the poet's observation of the modern world. The beautiful is seen beside the ugly, as for Baudelaire who introduced the modern world to poetry. Thus reality experienced in a sharp way is the focus of the poet's attention and turns out to be poetry. Portraying the reality in its immediacy implies an intense and painful lyricism in which the quest turns out to be moaning, a plea and a rebellion as it questions poetry itself, its new forms and its status and role in the modern world.

L’objet de cette étude consiste à rendre raison du phénomène de l’autorité, dans les deux sens du terme : en définir la nature et en examiner la justification. Ainsi est-ce seulement par un examen critique des usages de la raison qu’il paraît possible d’en déterminer les principes. Dans une première partie, nous nous attachons à dégager pour lui-même un usage critique et réflexif de la raison par opposition aux usages visant la production de connaissances objectives. Nous dégageons de ce fait l’espace dévolu à la philosophie politique dans la configuration moderne des savoirs, entre sciences de la nature et sciences humaines. Dans un second temps, nous examinons les fondements modernes de l’autorité sous sa forme étatique, à savoir la notion de volonté individuelle, sous ses deux modes de théorisations positives que sont, sur son versant épistémologique, l’anthropologie politique, et sur son versant pratico-légal, la théorie de la représentation. Nous nous attachons ainsi, en particulier, à analyser ce qu’on peut entendre par le terme d’institution, et ce qu’il y a de démocratique dans la notion de gouvernement représentatif. Dans un troisième temps, nous nous tournons vers les modalités concrètes de l’autorité à travers l’esquisse d’une généalogie des institutions gouvernementales. Prenant appui notamment sur les origines doctrinales du droit administratif français, nous sommes ainsi conduits à identifier deux modalités essentielles du gouvernement moderne : « l’Etat social », défini par les médiations collectives de la liberté individuelle, et « l’Etat régulateur », défini par l’assomption individuelle des mythes caractéristiques de la modernité. / The aim of this study is to give an account of the phenomenon of authority, so as to define its nature as well as to examine its justifications. Hence, it seems that it is only by a critical study of the ways of using reason that it is possible to determine such principles. First of all, we try to identify as such a critical and reflexive use of reason, as opposed to those aiming at the production of some objective knowledge. Thereby we define the proper place of political philosophy among the diverse forms of knowledge characteristic of modernity, especially natural and human sciences. Second, we examine the modern foundations of authority in its statist form, namely individual will, through its two main theoretical expressions, political anthropology on the epistemic side, and the theory of representation on the legal-practical one. In particular, we examine the meaning of the notion of institution, and the democratic character of representative government. Thirdly, we look at the concrete modalities of authority through the sketch of a genealogy of governmental institutions. Drawing on the doctrinal origins of the French administrative law, we are thus led to identify two essential modalities of modern government: the “Social State”, defined by the collective mediations of individual liberty, and the “Regulatory State”, defined by the individual assumption of the myths characteristic of modernity.

Les écrits sur l’art forment une partie très importante de l’œuvre de Dominique Fourcade : une cinquantaine de textes publiés en préface dans des catalogues d’exposition ou dans des revues, principalement entre 1971 et 1990. Beaucoup d’entre eux sont consacrés à l’œuvre de Matisse, dont Dominique Fourcade est un spécialiste éminent. D’autres examinent la création française contemporaine, en particulier les productions des plasticiens proches du galeriste parisien Jean Fournier. Certains étudient, enfin, le travail des artistes anglo-saxons, essentiellement celui des sculpteurs, mais aussi celui des peintres du mouvement expressionniste abstrait. La plupart de ces textes sont majoritairement méconnus même par des spécialistes de la poésie contemporaine. Or, ils sont le lieu où se forge véritablement la vision poétique de l’auteur, car c’est sur les arts plastiques que Dominique Fourcade prend appui pour penser le monde et trouver la modernité. Dans son travail critique le poète réunit deux approches habituellement opposées : d’un côté, la théorie formaliste qui met en valeur les matériaux et les procédés plastiques, de l’autre, la recherche d’un profond message spirituel des œuvres. Ainsi, les aspects formels (le rythme, la structure, la surface, la lumière, la couleur et d’autres encore) comprennent de multiples implications poétiques, dans leurs valeurs éthique, politique ou gnoséologique. Dans ses écrits sur l’art, Dominique Fourcade met en place une poétique complexe dans laquelle la sagesse est inséparable de la beauté et l’esthétique de l’éthique. C’est cette même poétique qui réside au cœur de ses poèmes des années 1980-2010. / Art publications are an important part of Dominique Fourcade’s writing: representing about 50 texts published as prefaces for exhibition catalogues or in the magazines, mainly between 1971 and 1990. A large number of these publications are dedicated to Matisse’s work, Dominique Fourcade being an eminent specialist of his work. Others examine contemporary French creation, and especially plastic artists close to Parisian art dealer Jean Fournier. Finally, some of them study Anglo-Saxon artists work, especially that of sculptors, but also of painters belonging to the abstract expressionist movement. The majority of these texts remain unknown, even by the specialists of contemporary poetry. Though, they are the place where the author’s poetic vision has been build up, as Dominique Fourcade bases his ideas on plastic art in order to think about world and find modernity. In his critical work, the poet gets together two usually opposite approaches: on the one hand, a formalist theory highlighting materials and plastic methods, on the other, a search for the profound spiritual message of works. Thus, formal aspects (such as rhythm, structure, surface, light, color and others) include multiple poetic implications in their ethical, political or epistemological values. In his art essays, Dominique Fourcade puts in place an intricate poesy where wisdom is inseparable from beauty and aesthetics from ethics. The same poetic language lies in the heart of his poems dating from 1980-2010.

Cette thèse porte sur l'impact de la ville sur la poésie de Charles Baudelaire (1821-1867), poète moderne français, et de Badr Chākir as-Sayyāb, poète avant-gardiste irakien (1926-1964). Ce sont là deux poètes de cultures différentes et de générations lointaines, rassemblés par le fait que chacun représente le point de basculement créatif dans son milieu poétique, refusant la réalité moderne et la nostalgie du passé. Le point de départ de cette recherche est donc la ville, synonyme de la modernité, du capitalisme, de la vie moderne, et de la réalité. L’étude se compose en trois parties, chacune comprenant trois chapitres. La première met l'accent sur l'analyse de la ville en tant qu'espace, son importance, sa représentation, ses types et ses formes dans le texte poétique, l'image de la ville dans la poésie moderne, le thème de la ville et la modernité. Dans la deuxième partie, la réalité de la vie urbaine apparaît à travers le questionnement et l’analyse des textes poétiques, faits tout en essayant de mettre l'accent sur les significations similaires et les points communs des visions de la réalité des deux poètes. La dernière partie sera une étude de l'impact de la ville sur l'Homme moderne, impact qui s'incarne dans trois éléments essentiels que nous nommons les éléments de la perte : l'exil, l'évasion et la mort. / This thesis is about the impact of the city on the poetry of Charles Baudelaire (1821-1867), French modern poet and Badr Châkir as-Sayyāb, Iraqi fore-guard poet (1926-1964). These two poets are from different cultures and distant generations, gathered by the fact that each represents the creative tipping point in his poetic environment, rejecting modern reality and nostalgia of the past. The starting point of this research is thus the city, synonymous of modernity, capitalism, modern life and reality. The study consists of three parts that each one includes three chapters. The first focuses on the analysis of the city as a space, its importance, its representation, its types and forms in the poetic text, the image of the city in modern poetry, the theme of city and modernity. In the second part, the reality of urban life appears through questioning and analysis of poetic texts, tried all to attract attention to the similar meanings and common points in the visions of these two poets reality. The last will study the impact of the city on modern human, an impact that is embodied in three essential elements that we call the elements of loss : exile, escape and death.

La Presse Quotidienne Gratuite (PQG) est aux métropoles d’aujourd’hui ce que la presse à un sou était aux grandes villes de la fin du XIXe siècle, c'est-à-dire un média de masse témoin d’une civilisation urbaine traversant une période de bouleversements économiques, sociaux, culturels et politiques. La recherche effectuée consiste à saisir le temps contemporain des régions urbaines à travers l’analyse des instances d’émission et de réception de ces quotidiens. De fait, les métropoles d’aujourd’hui sont les nœuds d’un espace de « super-flux » mondialisés de biens, de personnes et de capitaux. La presse gratuite et commerciale devrait donc être essentiellement le miroir d’une civilisation globale n’ayant plus qu’un rapport anecdotique avec les villes héritées. Cependant, ce média représente et participe à la redéfinition de territoires ancrés dans lesquels s’organisent des peurs et des besoins de rassurance spécifiques. Ces journaux font partie d’une Gesellschaft/Gemeinschaft du risque localisé impliquant deux phénomènes territoriaux : 1) la perpétuation de frontières-lignes clôturant le rapport communicationnel entre un pouvoir étatique et des populations métropolitaines, 2) l’existence d’une frontière-glacis montrant la capacité de débordement de ces interactions sur d’autres États territoriaux. Afin de comprendre cette situation, la recherche se focalise sur trois gratuits situés dans des métropoles d’envergure transfrontalière : L’essentiel au Luxembourg et les éditions de 20 Minutes à Genève (Suisse) et à Lille (France) / The free dailies like the penny press in the late 19th century portray an urban civilisation experiencing a time of economic, social, cultural and political turmoils. The current research consists in understanding contemporary metropolitan transitions through the production and the reception of this type of press. Today metropolises are nodes of a world-wide liquid space of goods, people and capitals. Therefore, this commercial press could be essentially the mirror of a global civilisation unrelated to the inherited cities. However, this media depicts and is instrumental in the definition of locally-based territories which concentrate specific fears and expectations. Free dailies are parts of a localised risks Gesellschaft/Gemeinschaft implying two territorial phenomenons : 1) the perpetuation of borders closing the communicational ties between one state power and the metropolitan population, 2) the presence of transitional frontiers showing the ability of the state-civil society communication container to include parts of other territorial states. To understand these interactions, the research takes into consideration three free newspapers located in metropolises whose urban development crosses over state borders: L’essentiel in Luxembourg and the editions of 20 Minutes in Geneva (Switzerland) and in Lille (France)

Cette thèse de doctorat fournit une lecture cohérente de la théorie de l’art et de la théorie politique de Walter Benjamin, et elle montre que son idée de sécularisation est décisive. Par la lecture de Critique de la violence, le premier chapitre clarifie la méta-physique du droit selon laquelle dans la modernité, le droit est dialectiquement produit par la violence. Cette production s’appuie sur la sacralisation de la vie en tant que transfert du théologique dans la politique. Ce que veut Benjamin est la rupture de la dialectique de droit et de violence. Il clarifie que toute violence est hantée par sa dissolution lors de son exercice. Le second chapitre clarifie l’indissociabilité de la question du droit et de la question de l’art ou du langage chez Benjamin : dans la modernité, le langage ou l’œuvre d’art devient indissociable de la connaissance, laquelle est le jugement selon une loi extérieure. En refusant la sacralisation romantique de l’œuvre d’art, Benjamin trouve dans le Trauerspiel ce qui finit la dialectique du droit et de la violence. La sécularisation est alors redéfini comme l’exclusion absolue du théologique de la politique. Le troisième chapitre clarifie la vue de Benjamin sur le double mouvement de la modernité : le transfert du théologique dans la politique et l’exclusion du théologique de la politique. Ce que clarifie Benjamin est que l’œuvre d’art moderne est de nature à favoriser cette exclusion et à rendre le transcendant à sa place transcendante. La postmodernité sans le transcendant permet de rencontrer avec le transcendant en tant que l’autre. / This doctoral thesis gives a coherent reading of the theory of art and the political theory of Walter Benjamin, and it shows his idea of secularization is decisive. By reading of Critique of the violence, the first chapter clarifies the meta-physics of the right according to which in the modernity, the right is dialectically produced by the violence. This production is based on the sacralisation of the life as transfer of the theological to the politics. What Benjamin wants is the rupture of dialectic of right and violence. He clarifies all the violence is haunted by its dissolution during its exercise. The second chapter clarifies the indissociability of the question of right and the question of art or language in Benjamin : in the modernity, the language or the art work becomes indissociable from the knowledge, which is the judgment by a exterior law. Refusing the romantic sacralisation of the art work, Benjamin finds in the Trauerspiel what ends the dialectic of right and violence. The secularization is then redefined as absolute exclusion of the theological from the politics. The third chapter clarifies Benjamin’s sight on the double movement of the modernity: the transfer of the theological in the politics and the exclusion of the theological from the politics. What Benjamin clarifies is that the modern art work is likely to favour this exclusion and give the transcendent back to its transcendent place. The postmodernity without the transcendent permits to meet the transcendent as the other.