Cette thèse part d’une constatation troublante : une œuvre littéraire et sa traduction sont deux textes différents. Comment deux textes différents peuvent-ils s’annuler, être indiscernables en tant qu’œuvre ? Y a-t-il une œuvre, deux œuvres distinctes, ou plutôt, comme nous le proposerons provisoirement, une œuvre relationnelle, la traduction littéraire. Cette relation est en fait une dépendance que nous théorisons, avant de proposer une théorie procéduraliste institutionnelle de l’œuvre et de montrer que les traductions littéraires ne sont pas des œuvres, mais des compositions substitutives, « œuvre » étant un statut qui chapeaute toutes les compositions qui la font fonctionner. Nous montrons en outre qu’elles appartiennent aux pratiques artistiques, qui regroupent un certain nombre d’activités et d’artefacts essentiels au fonctionnement des œuvres d’art. « Œuvre » étant un statut, cela a comme conséquence qu’« auteur » en est un aussi. Nous tentons ensuite de déterminer si le traduire s’étend à toutes les activités de compréhension, ou s’il y a une spécificité du traduire interlinguistique littéraire. Par la suite, nous étudions les deux principales attitudes qui s’offrent au traducteur au moment de traduire : les approches sourciste et cibliste. Après quoi nous examinons qui est le lecteur d’une traduction littéraire et dans quelle mesure il se distingue du lecteur de la composition en langue première. Après un examen de la compréhension d’un point de vue empirique, nous en venons à la conclusion que le critère de réussite pour la lecture est la compréhension. Cela nous permet de proposer une étude du critère de fidélité en fonction de la compréhension, tout en précisant qu’une œuvre, étant un statut, n’est jamais traduite. Pour finir, après avoir appliqué notre théorie aux traductions de Shakespeare réalisée par Voltaire, nous montrons que la pensée de la traduction est travaillée par une méprise ontologique qui confond fidélité sémantique et fidélité ontologique. / This dissertation starts from a troubling observation: a literary work and its translation are two different texts. How can two different texts cancel each other out, be indiscernible? Is there one work, two distinct works, or rather, as we will provisionally propose, a relational work, the literary translation. This relation is in fact a dependence that we theorize, before proposing an institutional proceduralist theory of the work and showing that literary translations are not works, but substitute compositions, "work" being a status that encompasses all the compositions that make it work. We further show that literary translations belong to artistic practices, which bring together a number of activities and artefacts essential to the functioning of works of art. "Work" being a status, the consequence is that "author" is also one. We then attempt to determine whether translating extends to all the activities related to understanding, or whether there is a specificity to literary interlinguistic translating. Next, we study the two main attitudes available to the translator when translating: the sourceand target-oriented approaches. We then consider who the reader of a literary translation is and how he differs from the reader of the first-language composition. After studying understanding from an empirical point of view, we come to the conclusion that a successful reading is one through which the read work is understood. This allows us to unfold a study of faithfulness according to understanding, before concluding that a work, being a status, is never translated. Finally, having applied our theory to the Voltaire’s translations of Shakespeare, we show that the theory of translation is dominated by an ontological misunderstanding which confuses semantic and ontological faithfulness.

Gérard Garouste est reconnu en tant qu’artiste peintre et sculpteur français contemporain et fondateur de l’association humanitaire La Source. Notre mémoire cherche à dévoiler la place du discours personnel dans son interprétation des mythes. Nous présentons l’exposition de mars-avril 2018, Zeugma le Grand oeuvre drolatique, afin de mettre en lumière l’évidente relation entre l’homme et l’artiste pour redéfinir dans ses oeuvres le lien étroit entre son art, sa maladie et son histoire. Le regard que nous portons sur l’exposition s’appuie sur la question du mythe, et précisément sa fonction dans le développement de l’être humain, afin d’en comprendre l’application dans le mythe garoustien. Pour ce faire, nous prenons comme appui le processus de mythification de Gérard Bouchard fin d’analyser les enjeux sous-jacents à la création d’un mythe dans le cadre de notre corpus. Nous présentons les trois oeuvres majeures de l’exposition afin d’en étudier la composition structurale et démontrer leur complémentarité. Aussi, à l’aide du concept de la mémoire collective et de son autobiographie, nous analysons la manière dont le corpus relève d’une recherche identitaire individuelle dont témoigne l’exposition. / Gérard Garouste is recognized as a contemporary French painter, sculptor, and the founder of the humanitarian association La Source. Our brief seeks to reveal the place of personal discourse in its interpretation of myths. We present the exhibition of March-April 2018, Zeugma the Great Drolatic Work, in order to highlight the obvious relationship between man and artist to redefine in his works the close link between his art, his illness, and his history. Our view of the exhibition is based on the question of myth, and precisely its function in human development, in order to understand its application in the Garoustian myth. To do this, we take as support the process of mythification of Gérard Bouchard in order to analyze the issues underlying the creation of a myth within the framework of our corpus. We introduce the three major works of the exhibition in order to study their structural composition and demonstrate their complementarity. In addition, using the concept of collective memory and its autobiography, we analyze the way in which the corpus arises from an individual search for identity as evidenced by the exhibition.

Cette thèse propose de renforcer les liens entre les études sur l’œuvre d’art et les recherches sur le curatorial par le biais des études en communication, et plus précisément de l’analyse des interactions qui se déroulent entre les acteur·e·s humain·e·s et autre qu’humain·e·s composant le processus de conception et de réalisation d’une exposition d’arts. L’exposition Femynynytees, dont j’étais la co-curatrice, a été à l’affiche durant l’été 2018 à Montréal et fut spécialement conçue comme le terrain de recherche de cette expérience. Tout au long de la création de Femynynytees, j’ai pu observer un phénomène que j’ai appelé le devenir-œuvre d’art, auquel cette thèse consacre une attention particulière. Il s’agit d’un phénomène relationnel dans le cadre duquel l’œuvre, telle que créée par l’artiste, est mise en relation avec le « curatorial » (von Bismarck et Rogoff, 2012 ; Martinon, 2013), envisagé ici comme les connaissances produites pendant la réalisation d’un projet curatorial spécifique. Ces rencontres engendrent des transitions qui permettent que l’œuvre soit comprise non pas comme un objet, mais comme un trajet (Souriau, 2009), devenant ainsi un processus qui peut donc être défini comme étant, en même temps, œuvre et curatorial. Pour observer ce phénomène, j’adopte une approche théorique liée aux nouveaux matérialismes, en proposant que le curatorial soit conçu comme un ensemble de « pratiques matérielles-discursives » (Barad, 2003). Ces pratiques sont à l’origine des changements qui se produisent avec l’œuvre lorsqu’elle est mise en contact avec un processus curatorial. Selon cette perspective, les artistes, les curateur·e·s, les visiteur·e·s, les choix d’installation, les espaces d’exposition, et tout autre élément lié à la mise en branle d’un tel évènement, font partie du curatorial et sont ainsi parties prenantes de ses pratiques matérielles-discursives. Par ailleurs, cette recherche se concentre sur les pratiques en arts médiatiques, des œuvres envisagées comme matériellement plus perméables au curatorial par la relative flexibilité de leur processus de matérialisation, ainsi que par l’aspect collaboratif du système dans lequel elles sont généralement produites. Le terme « arts médiatiques » est prédominant au Québec et fait référence aux pratiques mobilisant des technologies médiatiques – soit des technologies électriques, électroniques ou numériques – dans la création d’une œuvre. D’un point de vue méthodologique, le devenir-œuvre d’art est analysé à partir d’une perspective ventriloque (Cooren, 2013) de la communication, une approche permettant d’identifier la complexité des voix (Mazzei et Jackson, 2012) qui participent de ce phénomène. Suite à l’examen des conversations tenues pendant les visites d’atelier et les réunions organisées entre curatrices et artistes, des courriels échangés entre artistes et curatrices et des entretiens réalisés avec une trentaine de visiteur·e·s, cette thèse montre comment s’opèrent concrètement les mises en relation du devenir-œuvre dans le cas d’une exposition d’arts médiatiques. Il s’agit donc d’une recherche située (Haraway, 1988), relationnelle et processuelle qui positionne la communication comme constitutive de toute réalité (Cooren, 2012). / This dissertation aims to strengthen the existing dialogue between art studies and curatorial studies through communication sciences, and more precisely, through the analysis of the interactions that take place between human and other-than-human actors composing the process of conception and realization of an art exhibition. The exhibition Femynytees, that I co-curated, was on display during the summer of 2018 in Montreal and was specially conceived as the fieldwork for this experience. Throughout the creation of Femynytees, I was able to observe a phenomenon that I propose to call the becoming-artwork, to which this dissertation devotes particular attention. By this, I mean a relational phenomenon by which the work, as created by the artist, is put in relation with the "curatorial" (von Bismarck and Rogoff, 2012; Martinon, 2013), considered here as a mode of knowledge engendered during the production of a specific curatorial project. This encounter generates transitions in the work that allow it to be understood as a path (Souriau, 2009), thus becoming a process that can be defined as both artwork and curatorial at the same time. To observe this phenomenon, I adopt a theoretical approach, inspired by the new materialisms, which proposes that the curatorial be conceived as a set of “material-discursive practices” (Barad, 2003). These practices are at the origin of the changes that occur with the artwork when it is brought into contact with a particular curatorial process. According to this perspective, artists, curators, visitors, installation choices, exhibition spaces, and any other element related to the setting in motion of such an event, are part of the curatorial and are thus taking part in its material-discursive practices. Moreover, this research focuses on media art practices, as this type of art is considered to be more permeable to the curatorial because of the relative flexibility of its materialization process, as well as the collaborative aspect of the system in which it is generally produced. The term "media arts" refers here to practices that mobilize media technologies – that is, electrical, electronic or digital technologies – in the creation of an artwork. From a methodological point of view, the becoming-artwork is analyzed from a ventriloqual perspective on communication (Cooren, 2013), an approach that makes it possible to identify the complexification of voices (Mazzei and Jackson, 2012) that participate in this phenomenon. Following an analysis of conversations held during studio visits and meetings between curators and artists, emails exchanged between artists and curators, and interviews with 30 of the visitors, this dissertation shows how the fundamental relationships at the heart of the becoming-artworks concretely operate in the case of a media art exhibition. It is thus a situated (Haraway, 1988), relational, and processual research that positions communication as constitutive of all reality (Cooren, 2012).

[pt] O Programa Institucional de Bolsa de Iniciação à Docência (Pibid) é um programa de incentivo ao magistério criado pelo Ministério da Educação em 2007, sob os auspícios da CAPES, com foco na formação inicial de professores para a educação básica a partir de parcerias entre Instituições de Ensino Superior e as redes públicas de educação básica. Nesse programa, atuam como formadores professores do ensino superior e da educação básica, com realização de atividades nas escolas. Propõe-se na presente tese uma interface teórico-metodológica entre o campo da Política Educacional e o campo de Políticas Públicas, tendo o conceito de arranjo de implementação como referência principal. O objeto da pesquisa consiste em compreender os diferentes arranjos de implementação do Pibid ao longo do tempo, o modelo de formação de professores implicado nesses arranjos e como foram interpretados e implementados no contexto da Universidade Federal Fluminense, incluindo um olhar para a dimensão territorial da implementação a partir dos subprojetos de Matemática, Física, Pedagogia e História. Desenvolveu-se um estudo longitudinal de abordagem qualitativa com produção de dados mistos, através de um estudo de caso único incorporado, cujo recorte abrangeu os editais do Pibid de 2007 a 2020. Os principais resultados apontam para mudanças no programa, especialmente nas suas capacidades políticas e nas estruturas de governança a partir de 2018. Essas mudanças implicaram em oscilação na configuração do modelo formativo de professores do ponto de vista dos formuladores. No contexto do Pibid-UFF, percebemos inovações dos gestores na sua condução, sem oscilações na configuração do modelo de formação de professores que já vinha sendo implementado. Prevalecem as ações da universidade na condução do programa, inclusive quanto à dimensão territorial da implementação, cujas decisões se dão no âmbito dos subprojetos. / [en] The Scholarship Institutional Program for Initiation to Teaching (Pibid) is a program to impulse teachers created by Ministry of Education in 2007, under the auspices of CAPES, focusing on the initial training of teachers for basic education through partnerships between Teaching Institutions Higher and public basic education networks. In this program, teachers of higher education and basic education act as trainers, carrying out activities in schools. This thesis proposes a theoretical-methodological interface between the field of Educational Policy and the of Public Policy, having the concept of implementation arrangement as the main reference. The object of the research is to understand the different arrangements for implementing Pibid over time, the teacher s training model involved in these arrangements and how they were interpreted and implemented in the context of the Federal Fluminense University, with gaze at the territorial dimension of the implementation, from the subprojects of Mathematics, Physics, Pedagogy and History. A longitudinal study was developed with a qualitative approach with the production of mixed data, through a single incorporated case study, whose cut covered the Pibid editions from 2007 to 2020. The main results point to changes in the program, especially in its political capacities and in the governance structures from 2018. These changes implied an oscillation in the configuration of the training model for teachers from the point of view of the formulators. In the context of Pibid-UFF, we noticed innovations by managers in its conduction, without oscillations in the configuration of the teacher training model that was already being implemented. The actions of the university in the conduction of the program prevail, including the territorial dimension of the implementation, whose decisions are made within the scope of the subprojects. / [fr] Le Programme Institutionnel de Bourses d Initiation à l Enseignement (Pibid) est un programme de motivation à l enseignement créé pour Ministère de l Éducation en 2007, sous l égide de la CAPES, sur la formation initiale des enseignants de les écoles à travers des partenariats entre les établissements d enseignement supérieur et les systèmes éducatifs públiques. Dans ce programme, les professeurs de l enseignement supérieur et de les écoles sont formateurs, et réalisant des activités dans les écoles. Cette thèse propose une interface théorique et méthodologique entre le domaine de la connaissance de la Politique Éducative et le domaine de la Politique Publique, ayant le concept de arrangement de mise en oeuvre comme référence principale. L objet de la recherche consiste en comprendre les différents arrangements de mise en oeuvre du Pibid durant le temps, le modèle de formation des enseignants impliqué dans ces arrangements et comment ils ont été interprétés et mis en œuvre dans le contexte de l Universidade Federal Fluminense, y compris un regard sur la dimension territoriale de la mise en oeuvre des sous-projets de Mathématiques, Physique, Pédagogie et Histoire. Une étude longitudinale sous une approche qualitative a été élaborée avec la production de données mixtes, à travers une étude de cas unique incorporée, dont le découpage a couvert les édictions Pibid de 2007 à 2020. Les principaux résultats indiquent des changements dans le programme, en particulier dans ses capacités politiques et ses structures de gouvernance à partir de 2018. Ces changements impliquaient des variations dans la configuration du modèle de formation des enseignants du point de vue des formateurs. Dans le contexte de Pibid-UFF, nous avons perçu les innovations des gestionnaires dans leur conduite, sans oscillations dans la configuration du modèle de formation des enseignants qui avait déjà été mis en oeuvre. Les actions de l université prévalent dans la conduite du programme, y compris en ce qui concerne la dimension territoriale de la mise en oeuvre, dont les décisions sont prises dans le cadre des sous-projets.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l'Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Le programme de composition de musiques de film et multimédia de la Faculté de musique à l'Université de Montréal encourage la création de trois musiques de nature différente: acoustique, électroacoustique et mixte. Ces dernières supportent chacune une oeuvre visuelle. Pour mieux explorer les possibilités, trois projets de nature visuelle différents, soit une chorégraphie, deux court-métrages cinématographiques et une oeuvre dramatique, ont été créées en collaboration avec d'autres artistes. Pour la chorégraphie, X/Y, une trame sonore a été créée pour être jouée sur place par un petit ensemble acoustique. La musique des films, Mi Feng et Motel Pluton, est un mélange d'échantillonneurs et d'instruments acoustiques et a été enregistrée en studio. Quand à l'oeuvre dramatique, L'Araignée, la trame sonore est de nature entièrement électronique, avec des échantillonneurs et de la manipulation électroacoustique. / Université de Montréal's Film and Multimedia Music Composition program encourages the creation of three compositions in differing styles: acoustic, electro-acoustic, and mixed. These compositions each support a visual project. A choreography, two short films and a theatrical piece were created in a collaborative effort to explore the range and diversity of visual media. An acoustic score played by a small ensemble was used for the choreography X/Y. Both acoustic and digital instruments were used in recording sessions for the score of the two short films Mi Feng and Motel Pluton. The score for L'Araignée, the theatrical piece, is electro-acoustic, using samples, audio files, and digital signal processing (DSP).

La Convention des Nations Unies contre la corruption, adoptée en 2003, est le premier outil international criminalisant la corruption de façon aussi détaillée. Ce mémoire tente d'évaluer sa portée en analysant les dispositions concernant la prévention, la criminalisation, la coopération internationale et le recouvrement d'avoirs. Il tente d’évaluer la pertinence et l'efficacité de la Convention en illustrant ses défis en matière de conformité, pour ensuite étudier d'autres outils internationaux existants qui lui font compétition. Malgré sa portée élargie, il est débattu que la Convention souffre de lacunes non négligeables qui pourraient restreindre son impact à l'égard de la conduite d'États Membres. / The United Nations Convention Against Corruption (adopted in 2003) is the first global in-depth treaty on corruption. This work attempts to assess its significance by analyzing its provisions, in particular concerning the areas of prevention, criminalization, international cooperation and asset recovery. It then seeks to assess its relevancy and effectiveness by giving an overview of the Convention's main compliance challenges, as well as other existing initiatives that tackle corruption. Although the Convention innovates in many respects, it is argued that it also suffers from weaknesses that cannot be overlooked, preventing it from having a real impact on States' behavior.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Depuis la deuxième moitié du XXe siècle et le tournant du millénaire, pourquoi se multiplient des figures de la folie et du féminin dans le paysage littéraire haïtien ? En remarquant les grandes tendances qui font coïncider l’expression de la catastrophe, de la défaite du sens et l’apparition de personnages et de figures féminins majeurs dans des œuvres de tous genres, mon interrogation porte sur la folie, la marge et le féminin dans la littérature haïtienne contemporaine en tant qu’expressions concourantes de la dissemblance. Je me penche ainsi, dans des œuvres marquantes, sur le jeu rhétorique des postures de la dissemblance et la manière dont elles pointent depuis le texte vers un au-delà de l’œuvre, soit ce qui en elle indique l’ «espace ménagé» de sa propre faillite ainsi que le travail de la lecture et de la création. Pour cela, il a fallu, à partir des limites (de l’œuvre, de la norme), construire une réflexion capable d’aménager aussi l’espace de sa propre contestation. Dans le premier chapitre, à partir du récit fondateur « Folie », de Marie Chauvet, je pose le problème de la folie en me penchant sur les configurations inaugurales qui me semblent mettre la scène du littéraire contemporain haïtien. J’en profite pour préciser l’approche rhétorique qui me permettra d’aborder les textes littéraires, tout en réfléchissant sur les enjeux théoriques posés par une lecture de la folie comme absence d’œuvre. En m’appuyant sur Chauvet et sur les travaux de Felman, je définis les modalités d’une lecture impliquée. Dans le second chapitre, je brosse un portrait complexe du contemporain haïtien, tel qu’il est médié et rendu à travers les « anthologies » essentielles de Davertige et de Frankétienne. Ces deux œuvres sont l’occasion de poursuivre une interrogation sur les limites en remarquant les formes et les enjeux mobilisés dans le littéraire par les élaborations de la marge, de la mémoire traumatique et de la folie. Une telle approche est aussi l’occasion d’une réflexion de fond sur le contemporain haïtien, abordé d’emblée comme panorama et comme problème façonné et façonnant des sujets d’écriture. Enfin, dans le troisième chapitre, je me penche sur les filiations larvées qui permettent aux configurations précédemment décrites de persister, alors que le féminin, comme dissemblance, négocie sa place du côté de la marge ou de la folie, dans les textes plus récents de Jan Dominique et de Lyonel Trouillot. Les réflexions que je propose sur les destinations, sur l’œuvre impossible ou absente (Foucault) me permettent de distinguer les processus de différenciation spécifiques de la marge et de la folie, mais surtout d’apercevoir, au cœur du texte littéraire, la folie comme l’absence essentielle où se risque et se joue la création. Le dissemblable devient alors cet objet fuyant d’une lecture impliquée dans laquelle, le regard critique s’adossant à une écriture littéraire chargée d’en interrompre systématiquement le flux, constitue en effet ce « moment insolite de la théorie» (Felman), qui, dévoilant son propre jeu rhétorique, maintient la théorie en échec tout en la faisant parler. / Since the second half of the twentieth century and the turn of the millennium, why have representations of madness and the feminine proliferated in the Haitian literary landscape? Whilst reflecting on the broad tendencies that brought together the expression of catastrophe, the unravelling of meaning and the emergence of important feminine characters and figures in works of all genres, I will question madness, margins and the feminine in contemporary Haitian literature as concurring expressions of dissimilarity. Examining Haitian literary works, I want to propose a reading on the rhetoric postures and performances of dissimilarity and the manner in which they point towards an outsideness of literature: the unspeakable “thing” that signals – from within – the (im)possibility of the text, the (im)possibility of reading and creation. To achieve this purpose, I have chosen to construct a reading on limits (of the text, of the norm) that also considers its own contestation. Chapter one is built around the novel « Folie » by Marie Chauvet. It addresses the topic and rhetoric of madness while taking note of important aesthetic configurations that I suggest set the stage for contemporary Haitian literature. I also address methodological problems arising when “reading” madness as “absence d’œuvre” (Foucault). Intersecting Chauvet’s writing with the theoretical contributions of Felman, I specify my approach as a compromised or involved reading. In the second chapter, I paint the portrait of the contemporary Haitian general context using the essential anthologies of Davertige and Frankétienne. These two works allow me to address the notion of “limits” while considering the forms and issues created by the fabrications of margins, traumatic memory and madness. I therefore approach the contemporary Haitian context as a complex panorama and as a problem, both shaped by and shaping literary subjectivities. Finally, in the third chapter, analysing the more recent texts of Jan Dominique and Lyonel Trouillot, I reflect on hidden genealogies that perpetuate previously identified configurations when the feminine, as dissimilarity, negotiate a place on the side of margins or madness. The reflection I propose on destinations, the absent or impossible oeuvre allows me to differentiate the specificities of margins and madness, and most importantly, to glimpse, while reading the literary text, at the essential absence where creation risks itself. Thus, dissimilarity becomes the fleeting object of my compromised reading. A critical reading, which compromises itself with creative writing, in a decisive attempt to subvert theory, forcing it to unveil its own rhetorical play, to reveal its possible failure while making it eloquent.

Notre thèse aborde la question de la beauté dans les arts plastiques d'aujourd'hui. Celle-ci en effet ne va pas de soi, si l'on en croit notamment les multiples publications manifestant un rejet de l'art contemporain. Peut-on parler, actuellement, d'une esthétique de l'œuvre renvoyant à une science du beauté à une satisfaction d'ordre essentiellement intellectuel? Soit de beauté intrinsèque qui, comme dans l'art de la Renaissance, relève tant de l'harmonie et de la justesse de ses formes que de la légitimité de son contenu, grâce à la mise en évidence du bien-fondé de la mimêsis, de la perspective ou des motifs religieux ? Ou bien faut-il plutôt, pour pouvoir juger de la valeur esthétique de l'art contemporain, accorder une place de choix à la singularité de ses causes et effets, en opérant notamment un inévitable glissement vers une science du sensible ? Or notre parallélisme entre "esthétique de l'œuvre" et "continuité" dans l'histoire de l'art d'une part, puis "esthétique des effets" et éventuelle "rupture" d'autre part, nous a conduits à interroger d'abord ces éléments de rupture tels que le refus de la profondeur ou de la représentation figurative, mais aussi celui de la réalisation ouvragée et de la matière noble. Mais il nous a aussi amenés, malgré des conditions politiques ou techniques spécifiques de réalisation, à nous pencher sur une véritable poiêsis contemporaine. Car avec les œuvres plastiques de notre époque, il s'agit bien, toujours et incontestablement, d'art et même "d'épiphanie", dès lors que l'on s'en réfère à la vision ontologique et apologétique du philosophe François Dagognet / Our thesisconcerns the question of beauty in the contemporaries plastic arts. But this one does not without saying, if we consider the simple fact of the numerous publications concerning the rejection of contemporary art. May we speak, today, of a "work's esthetic" which refers to a "science of beauty" and to an essentially intellectual satisfaction? We mean an intrinsic beauty, like the one of the Renaissance's art, concerning as much the harmony as the exactness of the forms or the legitimacy of its contents. We mean an art which puts in a prominent position the mimêsis, the perspective's method or the religious motifs. Or would not it be better, in the intention to become able to judge of the esthetic value of contemporary art, to give a first place to the singularity of his causes and effects, at the same time we slide towards a "science of the sensibility" ? In fact, our parallelism between "work's esthetic" and "continuity", then between "effect's esthetic" and a possible "breaking" makes us think about reasons of this breaking, such as the refusal of profundity or as the figurative representation, as well asthe rejection of construction works or noble material. However, we have succeded to consider contemporary art as a real and new poiêsis, in spite of his specific political and technical ways of realisation. And we may assert that, today, undeniably, it is the matter of real art, and even of "epiphany", as soon as we refer to the ontological and laudatory point of view of the philosophe François Dagognet

Le droit des brevets a pour objet l’appropriation d’enseignements techniques nouveaux afin d’encourager le développement de la recherche dans le domaine de la technique. Ainsi, la technicité constitue une condition fondamentale de l’apparition du droit de brevet. Cependant, la définition de ce qu’est la technique en droit des brevets exige, au préalable, de déterminer quelle est sa fonction normative. Cette fonction varie selon la conception de la propriété retenue. L’approche matérialiste de la propriété en fait une limite à l’appropriation tandis que l’approche idéaliste en fait un critère d’appropriation de la chose. Selon la première approche, la propriété ne concerne que des choses corporelles et des droits. L’invention est alors confondue avec une chose corporelle dont elle autorise la réalisation. La technicité est le critère de la corporéité, c’est une limite à l’appropriation. Cette approche se traduit par l’établissement d’un domaine de la brevetabilité défini par une énumération des choses non appropriables et par une appréciation de la technicité au niveau d’une chose corporelle que la réalisation de l’invention permet. Selon la seconde approche, qui emporte notre conviction, la propriété peut porter sur des choses corporelles et sur des choses incorporelles. La technicité constitue un critère de l’appropriation. Cette approche se traduit par la suppression du domaine de la brevetabilité et par une appréciation de la technicité au niveau de la chose incorporelle de l’invention. / The object of patent law is the appropriation of novel technical teachings in order to support technological development. Thus, the technicality is a fundamental condition of the patent right appearance. However, the definition of what technique is in patent law demands, at first, to fix what its normative function is. This function varies depending on the property conception retained. The materialist approach of property views it as a limit to appropriation, while the idealist views it as a criterion of appropriation.According to the first approach, the property only concerns corporal things and rights. Then the invention is mixed up with a corporal thing that its realization allowed. The technicality is the criterion of corporality, it is a limit to the appropriation. This approach is realized by the establishment of the domain of patentability, which is defined by a list of objects that are not appropriable and by the assessment of the technicality of the invention at the latest stage of realization the invention allows.According to the second approach, which we are defending, the property can concern either corporal or incorporal things. Then the invention is an incorporal thing. The technicality is a criterion of the appropriation. This approach is realized by the suppression of the domain of patentability and by the assessment of the technicality of the invention at the non-tangible stage.