Ce mémoire offre une analyse des Livres-Livres, la série de livres d'artistes créée par Louise Paillé. Le premier chapitre présente diverses considérations sur l'utilisation du livre et ses processus de transformation dans la série des Livres-Livres. Le fait que le livre, vu comme objet véhiculant le savoir, soit porteur d'un poids symbolique très lourd le rend un matériau de création particulièrement attirant pour certains artistes. Nous avons premièrement donné un bref aperçu historique expliquant pourquoi et comment le livre a acquis une si grande valeur symbolique, pour ensuite nous tourner vers le domaine du livre d'artiste, afin de montrer de quelle manière s'y intègrent les travaux de Louise Paillé. Finalement, nous nous sommes intéressés aux processus utilisés par l'artiste dans le cadre du développement de la série des Livres-Livres, c'est-à-dire le palimpseste, la citation et le collage. Après avoir examiné la symbolique, les valeurs et les procédés qui ont mené à la création des Livres-Livres, nous avons déplacé notre attention vers la question de leur lisibilité. Les modifications que Paillé apporte aux livres qu'elle traite les rend illisibles, nous forçant, pour les comprendre, à revoir notre manière de concevoir la lecture. La seconde partie de notre deuxième chapitre est consacrée à l'analyse du seul livre d'artiste lisible créé par Louise Paillé, ce qui nous permet de valider nos hypothèses émises plus tôt. Le travail fait par l'artiste sur les Livres-Livres est d'une ampleur considérable; elle y a passé de nombreuses années. Paillé a donc construit un réseau de sens très vaste, elle s'est appropriée l'objet livre et l'a réinvesti au point de lui donner un sens nouveau. Les implications de cette construction sont très larges, elles vont toucher à notre conception traditionnelle du livre, de la culture et de la transmission du savoir, mais elles restent en même temps liées à l'imaginaire de leur créatrice. Notre dernier chapitre traite ainsi de la construction, du développement et de l'émergence de ce que Bertrand Gervais appelle une figure du livre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Livres-Livres, Intertextualité, Palimpseste, Figure du livre.

Ce mémoire étudie les rapports, généralement ignorés par la théorie des genres littéraires, entre verset biblique et verset moderne. Il est constitué d'un texte de création et d'un essai qui affirment tous deux la nécessité de penser le poème en versets à la lumière du texte biblique. Les trente poèmes de la suite Demeure ajourée, qui précèdent les considérations théoriques, constituent un lieu d'expérimentation où a pu s'élaborer, se consolider, se modifier la conception du poème en versets mise de l'avant par l'ensemble de la présente démarche. Ces textes sont en partie des palimpsestes de récits bibliques issus du Pentateuque. On y retrouve des mythes génésiaques, des bribes de lois, des généalogies ainsi qu'un calendrier de fêtes. La lecture de la Bible dans plusieurs traductions françaises est une expérience qui sous-tend ici la pratique d'écriture. Les poèmes de ce projet cherchent pourtant à effectuer un déplacement par rapport au texte biblique, déplacement qui se traduit par l'impossibilité de la relation à Dieu. Alors que la Bible construit une énonciation entièrement soutenue par Dieu et transcendée par lui, la parole contenue dans les poèmes découvre plutôt qu'elle n'est autorisée par rien et qu'elle n'est aucunement fondée en autorité. C'est à partir d'une attitude problématique à l'égard de la prière que prend forme ce recul devant l'adhésion, attitude qui se distancie du pouvoir d'évocation (d'invocation) du langage et qui motive un travail de dépouillement des ressources rhétoriques de la phrase. Les Notes et propositions théoriques, pour leur part, s'ouvrent sur un inventaire des définitions du verset poétique disponibles. Cet examen est l'occasion de dresser un bilan des critères définitoires généralement admis et de cerner avec précision l'origine du verset biblique lui-même. Vient ensuite l'élaboration de critères inédits, suscités par la prise en compte du texte biblique : d'une part, une relation au sublime caractérisée par des facteurs stylistiques et syntaxiques, d'autre part une parenté énonciative irréductible entre verset poétique et verset biblique qui implique, dans le cadre de toute pratique d'écriture, une approche du rapport à la transcendance. Au-delà des solutions proposées pour enrichir le discours sur les genres littéraires, cet essai veille à faire de la pratique singulière de chaque auteur l'un des pivots de la recherche théorique. C'est d'ailleurs dans le contexte de cette réflexion ayant pour objet les problèmes de définition du verset que sont soulevées notamment les difficultés des œuvres contemporaines à renouveler cette forme poétique moderne. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Verset, Bible, Dieu, Énonciation, Modernité, Poésie, Théorie des genres, Palimpseste.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Révélée dans les années 70, la génération des Novísimos éclipse des décennies d’asphyxie culturelle en brisant les carcans formels et les codes langagiers. Si une forme de liquidation semble être à l’œuvre, très vite la culture du silence et du vide offre un terrain fertile à la renaissance. Guillermo Carnero, Leopoldo María Panero et Jaime Siles, réunis autour de l’objectif de rénovation poétique, modulent un dialogue continu avec la poésie française, inspirés par la modernité de la fin du XIXe siècle et ses artisans : Baudelaire, Gautier, Mallarmé et Rimbaud. Mosaïque culturelle, le poème fait se rencontrer tableaux et vers, rythme et couleur, mais aussi se confronter les références les plus érudites, l’entremêlement des idiomes, et des motifs populaires. Cette démultiplication du sens conduit à une parole poétique qui touche à l’universel ; entraînant la remise en question du poème et de ses acteurs. Dans cette œuvre médiatrice des arts et des cultures, une révolution est en marche. / Coming to light in the 1970s, the Novísimos generation eclipses many decades of cultural suffocation by breaking formal constraint and linguistic codes. If a certain form of liquidation seems to be initially at work, the culture of silence and emptiness soon provides fertile ground for rebirth. Gathered around the common goal of poetic renewal, Guillermo Carnero, Leopoldo María Panero and Jaime Siles are in constant dialogue with French poets, more precisely with late nineteenth-century Modernists such as Baudelaire, Gautier, Mallarmé and Rimbaud. As a sort of cultural mosaic, the poem not only brings together paintings and verses, rhythm and colour, but also confronts the most erudite references with the intermingling of idioms and popular elements. This multiplication of meanings leads to a poetic language that attains universality and questions the poem and its main players. In this intermediary work between arts and cultures, a revolution is underway.

Entre regard et regard propose une étude de Paysage sous surveillance de Heiner Müller, la Description d'une image située aux confins de plusieurs pratiques artistiques. Le premier chapitre évoque les différentes œuvres que le texte de Müller recouvre et efface partiellement. Il s'intéresse notamment à la manière dont certains de ces travaux ancrent Paysage sous surveillance dans une réflexion sur l'Histoire et sa marche chaotique. Le deuxième chapitre cherche à cerner comment et pourquoi ce texte écrit pour le théâtre échappe pourtant à la représentation scénique. Sont ici présentés les différents procédés par lesquels l'auteur est-allemand marque son texte d'une part d'indécidable qui tend à fragiliser toute interprétation de celui-ci, mais aussi, à le faire éclater. Les nombreuses catastrophes qui s'y reflètent en arrière-plan sont également analysées et replacées dans la perspective d'une critique de l'image, tendant à ensevelir le monde, en se démultipliant. Le dernier chapitre aborde certains spectacles postdramatiques qui se sont confrontés à Paysage sous surveillance : celui de Robert Wilson qui intègre le texte de Müller comme prologue à Alcestis, en créant avec lui un paysage sonore, dont l'écho funèbre, en dehors de toute illustration, parvient sobrement à se répercuter dans les tableaux scéniques; celui d'Angela Konrad qui, adoptant les principes de l'écriture müllerienne, crée un essai scénique, intitulé Traumzeit, questionnant les perceptions des spectateurs et rejouant les thèmes de la domination, du sexe et de la mort, qui se retrouvent également dans le mythe d'Alceste, que la metteure en scène associe à Paysage sous surveillance. Studie 1 zu Bildbeschreibung de Laurent Chétouane se veut, pour sa part, une étude chorégraphique, basée sur la récitation du texte de Müller, que le danseur doit compléter par sa gestuelle. Notre création, Entre regard et regard, qui donne son titre à cette réflexion, se présente, enfin, comme une expérimentation pluridisciplinaire, alliant la danse, la musique, l'art de la performance et l'installation, tentant de répondre aux enjeux et aux thématiques que renferme Paysage sous surveillance, en lien notamment avec son caractère irreprésentable. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Paysage sous surveillance, Heiner Müller, image, irreprésentable, palimpseste, théâtre postdramatique.

La thèse propose l’étude des variations du mythe de Persée et Andromède au fil des siècles, à travers l’analyse d’oeuvres musicales mises en relation avec des oeuvres picturales et littéraires sur le même thème, selon une méthode de mythocritique – étude des topiques récurrents du mythe dans un contexte littéraire ou artistique – et de mythanalyse comparée – étude d’un mythe dans un contexte social ou historique – appliquée aux différents arts. La problématique de cette thèse – comprendre l’évolution du mythe en fonction de la pensée de l’artiste et de l’époque – s’est formée à la lecture des ouvrages sur le mythe, sur les symboles de Persée et Andromède et sur les relations entre les arts. La méthode appliquée à cette étude, qui rend possible le rapprochement des oeuvres de différentes disciplines artistiques, a été élaborée avec l’objectif d’effectuer la mythanalyse de Persée et Andromède et de comprendre ainsi comment, à un moment donné, les artistes s’approprient des symboles mythiques et livrent leur propre interprétation. Les convergences entre les analyses mythocritiques des oeuvres musicales, picturales et littéraires sur Persée et Andromède, justifient les conclusions mythanalytiques pour une époque précise. L’ensemble de celles-ci, au fil des siècles, à l’image d’un palimpseste, met en lumière le renouvellement du mythe du XVIIe siècle jusqu’à aujourd’hui. / The thesis proposes the study of the variation of Perseus and Andromeda's myth all along the centuries through the analysis of musical works in relation with pictorial and literary works over the same myth, according to a method of mythocritic – study of the recurring topicals of the myth in a literary or artistic context – and compared mythanalysis – myth’s study in a social or historic context – applied to various arts.The aim of this thesis – to understand the evolution of the myth according to the mind of the artist and the era – appeared with the reading of the various works on the myth itself, on Perseus and Andromeda’s symbols and on the relations derived between the arts. The method applied to this study, which makes possible the relationships of works of differents arts, as been elaborated in purpose to make Perseus and Andromeda's mythanalysis and to understand how at some point, the artists appropriated themselves mythical symbols and deliver their own understanding.The convergences between the mythocritic analysis of musical, pictorial and literary works on Perseus and Andromeda, justify for mythanalysis conclusions in a precise time. All of them, all along the centuries – the palimpsest – highlights the evolution of the myth of the seventeenth century until today.

Les séries télévisées dramatiques américaines contemporaines (1990-2005) ont développé un mode de communication spécifique avec les téléspectateurs, fondé sur la construction d’une connivence entre le public et le programme, que nous étudierons en utilisant les principes de la rhétorique épidictique. Deux axes sont particulièrement importants et font l’objet d’une attention particulière : les seuils (titres, génériques, épigraphes, etc.) et les phénomènes d’intertextualité et de transtextualité.Les premiers sont devenus des lieux de jeu entre les producteurs du discours (chaînes, créateurs, producteurs exécutifs, scénaristes) et le public : oscillant entre normes industrielles et dynamisme créatif personnel, ils accompagnent les téléspectateurs dans leur entrée et leur sortie de la série et manifestent de forts enjeux marketing.Les phénomènes d’intertextualité et de transtextualité sont d’abord le spin off et le crossover, mais aussi tout le continuum des procédés de citation et de référence qui aboutissent à la constitution d’un texte-centon. Ils finissent par faire de la série télévisée un palimpseste, dans lequel chaque texte est l’écho de mille autres textes, d’événements de notre contemporanéité et nous rappelle les situations de notre vie.La série télévisée devient ainsi un rituel, non seulement de consommation (regarder son épisode chaque semaine), mais aussi au sens que la rhétorique épidictique donne à ce mot : elle permet de créer une communauté réunie autour de valeurs partagées. / Contemporary US TV dramas (from 1990 to 2005) have developed a specific communication process with their viewers, based on a strong proximity established between the audience and the program. In studying this issue we will apply the principles of the epideictic rhetoric. Two aspects are especially relevant and will thus receive particular attention: first the thresholds à la Genette (titles, opening credits, taglines, etc.), then the phenomena of intertextuality and transtextuality.Thresholds have become the loci of a game between the discourse producers (networks, creators, executive producers, writers) and the audience: navigating between industrial conventions and personal creative dynamism, they go alongside the TV viewer in its entrance and its exit of the series and embody significant marketing issues.The phenomena of intertextuality and transtextuality, on the other hand, are particularly apparent in both the spinoff and the crossover, as well as in a continuum of processes ranging from quotes to references. Altogether they lead to the constitution of a text-cento. Ultimately, they transform TV shows into a palimpsest, in which each text echoes thousands of other texts, key events of our contemporaneousness as well as reminders of the audience’s own life.In summary, TV shows have become a ritual in their own right, not only of consumption (watching an episode a week), but also in the sense that epideictic rhetoric gives to the concept: they create a community united around shared values.

Toute prise de parole implique un risque, celui de répéter un mot, une idée ou un concept qui existe déjà dans un autre discours. L’écriture n’échappe pas à cette réalité, au contraire. Dans certains cas, elle la renforce. La présente thèse de création porte sur les réseaux de sens qu’il est possible de tisser grâce au lien omniprésent qui existe entre les œuvres. Elle s’intéresse à un type de lien particulier : l’hypertextualité. Telle que définie par Gérard Genette, la relation hypertextuelle est la plus forte et la plus ouverte qui soit. Elle permet de tracer des parallèles tantôt sur le plan de la forme, tantôt sur le plan du style, et peut s’effectuer de manière sérieuse, satirique ou tout simplement ludique. Mais dans mon travail de réécriture, il est uniquement question d’une transformation sérieuse touchant la forme. En prenant « La pierre qui pousse » d’Albert Camus comme point de départ, j’ai mis à l’épreuve différents outils hypertextuels pour composer un nouveau texte : « La pierre décomposée ». L’ingénieur dépressif qui joue le rôle principal dans la nouvelle de Camus devient ainsi un meurtrier sans scrupules. D’une certaine manière, les deux protagonistes cherchent la même chose. Ils cherchent le bonheur. Mais ce bonheur prend deux formes très différentes et le chemin pour l’atteindre n’est évidemment pas le même. Alors que le personnage de Camus trouve ce qu’il cherche un peu par hasard, le mien échoue dans sa quête malgré des efforts répétés. Plus qu’un simple coup du destin, cette conclusion se veut surtout le reflet d’un bonheur volatile.

Les séries télévisées dramatiques américaines contemporaines (1990-2005) ont développé un mode de communication spécifique avec les téléspectateurs, fondé sur la construction d'une connivence entre le public et le programme, que nous étudierons en utilisant les principes de la rhétorique épidictique. Deux axes sont particulièrement importants et font l'objet d'une attention particulière : les seuils (titres, génériques, épigraphes, etc.) et les phénomènes d'intertextualité et de transtextualité. Les premiers sont devenus des lieux de jeu entre les producteurs du discours (chaînes, créateurs, producteurs exécutifs, scénaristes) et le public : oscillant entre normes industrielles et dynamisme créatif personnel, ils accompagnent les téléspectateurs dans leur entrée et leur sortie de la série et manifestent de forts enjeux marketing. Les phénomènes d'intertextualité et de transtextualité sont d'abord le spin off et le crossover, mais aussi tout le continuum des procédés de citation et de référence qui aboutissent à la constitution d'un texte-centon. Ils finissent par faire de la série télévisée un palimpseste, dans lequel chaque texte est l'écho de mille autres textes, d'événements de notre contemporanéité et nous rappelle les situations de notre vie. La série télévisée devient ainsi un rituel, non seulement de consommation (regarder son épisode chaque semaine), mais aussi au sens que la rhétorique épidictique donne à ce mot : elle permet de créer une communauté réunie autour de valeurs partagées.

Par son recours à diverses formes d’expression, Unica Zürn (1916-1970) redynamise l’espace de la feuille en le faisant activement participer à l’écriture de soi. Le « je » semble en effet se démultiplier grâce à des jeux « anagrammatiques » sur les divers signes mobilisés, qu’ils soient alphabétiques, picturaux ou musicaux. L’autoreprésentation s’inscrit alors au sein d’une œuvre pluridisciplinaire inusitée, qui renouvelle l’esthétique quelque peu « essoufflée » du mouvement surréaliste. Cette attitude vis-à-vis de la feuille, où plusieurs signes « décomposables » et « recomposables » se partagent l’espace, est observable tant dans l’œuvre littéraire que picturale d’Unica Zürn. Le processus de création par la lettre, le trait et la note de musique, tend à revaloriser le support matériel utilisé par l’effacement des frontières entre les disciplines artistiques, qui appelle un regard distancié du lecteur/spectateur sur l’œuvre. Afin d’interpréter les travaux de Zürn dans la pluralité des moyens artistiques qui y sont déployés, l’approche intermédiale sera favorisée. Dans le premier chapitre de ce mémoire, il s’agira d’abord de voir comment s’articule un certain dialogue entre le discours des chercheurs de l’intermédialité et l’œuvre d’Unica Zürn. Le rapport à l’objet sera notre porte d’entrée dans la matière intermédiale. Par un retour à la matérialité de l’expérience médiatique, nous constaterons que Zürn met à l’avant-scène les instruments et supports de la création, ce qui mène à une représentation distorsionnée de soi, de l’espace et du temps. Une fois le parallèle établi entre les concepts de l’intermédialité et les travaux de Zürn, nous nous concentrerons sur le pan musical de l’œuvre pluridisciplinaire de l’auteure-artiste. Le second chapitre traitera de l’intrusion du sonore dans l’univers textuel, qui se fera notamment par la réappropriation de l’opéra Norma, de Vincenzo Bellini. Cette réécriture s’intitule Les jeux à deux et prend une distance considérable par rapport au texte originel. Elle s’accompagne de dessins effectués par l’auteure-artiste à même les partitions de l’opéra. Le regard multiple posé sur l’œuvre zürnienne permettra de comprendre que l’écriture palimpseste participe du processus d’autoreprésentation, tout en élaborant un discours sur la rencontre entre littérature, dessin et musique, ainsi que sur l’influence de cette juxtaposition sur le débordement des frontières médiatiques traditionnelles. / Having recourse to many forms of expression, Unica Zürn (1916-1970) revitalizes the space of the sheet by having it take an active part in the individual writing. The “I” seems to increase thanks to “anagrammatic” games on the many mobilized signs, whether they are alphabetical, pictorial or musical. The self-representation is inspired by an unusual multidisciplinary work, which renews the aesthetics, somewhat “worn”, of the surrealist movement. This attitude towards the sheet, where many “decomposable” and “recomposable” signs share the space, is observable in Unica Zürn’s literary work as well as in her pictorial work. The process of creation through the letter, the stroke and the musical note tends to reassert the value of the material support used by the abolition of the boundaries among the artistic disciplines, which calls for a distanced look from the reader/spectator on the work. In order to interpret Zürn’s work in the plurality of the artistic means that are deployed, the intermedial approach will be favoured. In the first chapter of this dissertation, we will see how a certain dialog is structured between the views of the intermediality’s researchers and Unica Zürn’s work. The relation to objects will be our entry point in the intermedial subject. Through a return to the materiality of the media-related experience, we will notice that Zürn puts at the forefront the instruments and the supports to the creation, which leads to a contorted representation of oneself, space and time. Once the parallel established between the intermediality’s concepts and Zürn’s work, we will focus on the musical aspect of the author-artist’s multidisciplinary work. The second chapter will deal with the intrusion of sound in the textual universe, which will occur through the reappropriation of the Vincenzo Bellini’s opera “Norma”. This revising is called “Les jeux à deux” and is significantly different from the original text, and is paired with drawings made by the author-artist directly on the opera’s partitions. The multiple look placed upon the zurnian work will allow to understand that the palimpsest writing takes part in the self-representation process, through elaborating a view regarding the interrelation of literature, drawing and music, as well as the influence of this juxtaposition on the overflow of the traditional media boundaries.