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Le rôleplay dans les communautés underground en FranceCharles, Clara 12 1900 (has links)
Dans les milieux dits alternatifs ou undergrounden France, affiliés aux formes postmodernes de cultures fan geek et otaku, une pratique a émergé ces dernières années: le rôleplay. Ni tout à fait jeu de rôle, ni tout à fait théâtre, cette modalité d’échange basée sur une mise en scène de soi se pratique en groupe dans des espaces consacrés. Le présent travail est le résultat d’une ethnographie au sein de ces milieux. Il cherche à la fois à rendre compte de cette pratique et à analyser les enjeux qui lui sont liés. C’est une réflexion polyphonique qui lie les questionnements de l’identité, tant individuelle que collective et la performativité à travers, notamment, les travaux de Deleuze, Agamben et Butler. La forme éclatée dans laquelle interviennent différentes voix reprend l’idée de chaos carnavalesque,motif central dans la présente analyse. / In France, in alternative or underground circles characterized bypostmodern fandoms such as geek and otaku cultures, a new form of practice emerged these years defined by the French word rôleplay. It is neither role playing game nor theatre, but a way to exchange with other roleplayers, wearing a costume, in a dedicated area. This work is the result of ethnography in those milieu, and aims to give an account of this practice as much as to analyze the issues of rôleplay. This polyphonic essay links questions as identity (individual or collective) and performativity, through, notably, the work of Deleuze, Agamben and Butler.
The splitted up form with several voices taking part recovers the carnivalschaos, central pattern in this analysis.
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La théâtralisation du pâtir dans la pièce de théâtre L’Île de la Demoiselle et dans le roman Kamouraska d’Anne HébertLéger-Bélanger, Eve 08 1900 (has links)
La passion est un élément central dans les œuvres d’Anne Hébert. Chez les personnages hébertiens, la passion se traduit par une rhétorique distinctive: la rhétorique du pâtir. L’Île de la Demoiselle, pièce de théâtre radiophonique diffusée en 1974, ainsi que Kamouraska, roman publié en 1970, sont des exemples de la construction textuelle du pâtir. Cette forme de souffrance est particulière dans le cas des deux œuvres, car elle semble à la fois subie et voulue par les protagonistes. Notre mémoire porte sur un outil de théâtralisation spécifique, la parole dans le texte, et ce, principalement celle des héroïnes Marguerite de Notron et Elisabeth d’Aulnières. Nous étudions comment le discours construit un pâtir en partie subi, mais aussi maîtrisé et voulu par les protagonistes par le biais de la théâtralisation de la parole. À l’image du théoricien Jean-Pierre Richard, nous effectuons pour chacune des œuvres des microlectures d’extraits, afin de montrer comment le pâtir se déploie dans la parole au fil des phrases. Ces microlectures servent de tremplin à une ouverture sur l’ensemble du texte. Nous appuyant sur la théorie du langage d’Austin, nous analysons le discours, afin de montrer comment il y a performativité de la parole chez les protagonistes, même si les personnages en proie à la passion semblent inactifs. Notre objectif est de montrer comment la mise en scène de la parole est la même dans les deux œuvres. / Passion is a vital element in Anne Hebert’s work. This passion results in a peculiar rhetoric for the characters: the rhetoric of suffering. L’Île de la Demoiselle, theater radio broadcast in 1974, and Kamouraska, novel published in 1970, are prime examples of the textual construction of suffering. In the case of those two works, this kind of suffering is distinctive because it seems to be altogether sustained and desired by the protagonists. This master thesis focuses on one specific tool of dramatization, speech, primarily by the main characters Marguerite de Notron and Elisabeth d’Aulnières. We study how the speech builds sustained, mastered and desired suffering of the main characters via dramatization. For each work, we make microlectures, like the theorician Jean-Pierre Richard did, to study how the suffering unfolds in the speech throughout the text. We use the theory of Austin on language to analyze with various textual themes how there is performativity of speech even if the main characters seem inactive. Our goal is to show how speech staging is the same in both works.
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La poétique du décentrement dans l’œuvre de Violette Leduc / The poetics of the shift in Violette Leduc’s workPéron, Alison 11 March 2017 (has links)
Cette thèse tente d’analyser comment les œuvres de Violette Leduc ont remis en cause, de façon avant-gardiste, les normes de sexe, de genre et de sexualité dans l’écriture de fiction. Différentes méthodes critiques sollicitées durant le travail permettent de mettre au jour le lien intime et corporel qu’entretient Violette Leduc avec ses œuvres. Ces méthodes permettent également d’entrevoir une poétique décalée, décentrée, qui déconstruit les genres littéraires et offre de nouveaux points de vue sur le monde. Il s’agit par conséquent de montrer dans ce travail que c’est à travers la poétique et non la rhétorique que l’auteure façonne, à la façon de l’artisan, une résistance à la norme. Trois concepts majeurs servent d’outils critiques à l’étude des textes : la performativité, la déconstruction et la limite toujours floue entre réalité et fiction. Ces outils, confrontés aux trois thèmes principaux de la corporéité, de la sexualité et de l’infra-ordinaire qui sont analysés de près dans ces recherches, remettent en question les désignations de « sexe », de « genre » et de « sexualité ». La position du lecteur se voit elle-même décentrée, afin qu’il puisse accéder aux « trésors à prendre » du texte. Il en résulte, conséquemment, la nécessité de reconsidérer les processus de la poétique et les impacts philosophiques, sociologiques et politiques de ces textes. / In this thesis we have tried to analyze how the works of Violette Leduc challenged, in an avant-garde manner, the norms of sex, gender and sexuality in fictional writing. Various critical methods have helped reveal the physical and intimate relationships between Violette Leduc and her own body of work. They have also helped foresee a shifting, off-centered poetics that deconstructs the literary genres and offers alternative views of the world. Hence we have aimed at displaying how the writer crafted, crafts(wo)manlike, a resistance to norms through poetics rather than rhetoric. Three main concepts have been used as critical tools for text analysis : performativity, deconstruction, and an ever-blurred limit between reality and fiction. Confronted to the three main themes of corporeity, sexuality and infra-ordinary – which are thoroughly examined in this work – these tools help questioning the very notions of sex, gender and sexuality. The reader himself is urged to shift off-center in order to get access to the texts’ « treasures to-be-taken ». It has appeared necessary, then, to reconsider the process of poetics and the philosophical, sociological and political impact of these texts.
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Rendre compte de soi au seuil de l’exposition : entre l’impératif promotionnel et le projet éthique / Giving account of oneself at the threshold of the exhibition : between promotional imperative and ethical projectBélair Clément, Sophie 27 August 2018 (has links)
Dans cette thèse entreprise entre les études littéraires et intermédiales et l’histoire et la critique des arts, nous articulons le rapport de compatibilité entre l’impératif promotionnel auquel doit répondre l’artiste aux fins de promotion de son oeuvre et les conséquences éthiques générées par sa réponse. Nous y analysons notamment les réponses d’artistes dont les pratiques furent classées sous la rubrique de la critique institutionnelle. Par l’entremise d’une série d’études de cas, notre analyse couvre une période historique qui traverse la fin des années 1960 jusqu’au tournant 1990 (Marcel Broodthaers, Louise Lawler, Christopher D’Arcangelo, Andrea Fraser). Nous avons opté pour une méthodologie composite, empruntant à l’analyse du discours et à l’histoire et à la critique des arts. En prenant comme cadre de référence les dernières recherches de Michel Foucault sur les questions de l’éthique et de la critique, la portion de l’oeuvre de Judith Butler qui concerne l’éthique et la performativité, l’analyse pragmatique de Mieke Bal et les analyses sociologiques de Pierre Bourdieu, nous proposons une relecture d’une sélection d’objets littéraires et visuels issus de l’appareil publicitaire et dont le statut et la fonction sont marqués par l’ambivalence, combinant – sans en annuler l’effectivité – la critique à la promotion. Nous démontrons ainsi que les aspérités de la critique peuvent être conservés dans l’espace apriori inapproprié de la publicité, et que cette critique relève de l’éthique. En somme, nous démontrons comment l’articulation de la critique à l’éthique concerne l’ethos de l’artiste, mais aussi celui de l’universitaire. / In this thesis, written between several disciplines (intermedia and literary studies, art history and art criticism), I aim to examine the relationship of compatibility between the promotional imperative artists are compelled to adopt in order to publicize their work via institutions, artists’ response to this imperative, and the resulting ethical consequences. My analysis focuses on this response as articulated by artists whose practices are characterized by criticality and reflexivity, and who have been classified under the rubric of institutional critique. Through a series of case studies, I cover a period spanning the late 1960s to early 1990s, with a focus on the work of Marcel Broodthaers, Louise Lawler, Christopher D’Arcangelo and Andrea Fraser. I aim to address this lacuna by way of a broad-based methodological approach, drawing from discourse analysis, art history and art criticism. Using a referential framework that encompasses Michel Foucault’s later research on ethics and critique, Judith Butler’s work on ethics and performativity, the pragmatic analyses of Mieke Bal, and Pierre Bourdieu’s sociological examination, I propose a rereading of several literary and visual objects that, while produced in a promotional context, are characterized by a certain ambivalence of status and function, combining as they do critique and promotion in such a way as that both modes remain operative. In this sense, I hope to demonstrate that the sometimes abrasive nature of critique can be maintained within the ostensibly unsuitable space of promotion, and that this critique is fundamentally ethical in nature. In sum, I will show how the articulation of ethical critique has bearing on the ethos of both the artist and the academic.
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Roche, papier, relique : une approche biographique et comparative de la consécration des images de Bouddha en BirmaniePorquet, Julien 01 1900 (has links)
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« Quelles bestes sont ce là ? » L’humanisme rabelaisien à l’épreuve de ses bestiaires / "Quelles bestes sont ce là ?" Rabelaisian humanism in the light of its bestiariesMillon-Hazo, Louise 16 December 2017 (has links)
Cette thèse propose une étude globale des bestiaires rabelaisiens à partir de l’exploration de ses sources antiques et médiévales. La focale critique se concentre d’abord sur les torsions qu’impose Rabelais aux genres littéraires rattachés à des figures animales prototypiques : l’inversion des paradigmes épiques du cheval et du porc ; le brouillage et la démultiplication des bêtes charivariques et farcesques ; la mise en crise des animaux exemplaires de la fable. Elle s’ouvre ensuite aux jeux du célèbre humaniste avec les figures animales des écrits savants et sérieux : encyclopédies, littérature gnomique, livres de cuisine. Finalement, le point de vue se renverse pour examiner les effets esthétiques et sensoriels de ces bestiaires sur le lecteur et l’auditeur, et en dégager une certaine esthétique grotesque. Cette enquête débouche sur la redéfinition de l’humanisme rabelaisien, qui se révèle dans l’épreuve et à l’épreuve d’une profusion d’images animales. / This dissertation analyses François Rabelais’ bestiaries through the exploration of its antique and medieval sources. The first part of this thesis focuses on the way Rabelais distorts certain literary genres containing prototypical animal figures by reversing the epic paradigms associated with horses and boars, multiplying and merging farces and charivaris’ animals, and undermining the exemplary animals portrayed in the fables. The next part uncovers how the famous humanist plays with animal figures drawn from scholarly and serious writings such as encyclopedias, gnomic literature, and recipe books. The third part overturns this perspective to examine the aesthetical and sensory impact of these bestiaries on the reader and listener as well as the grotesque aesthetic they seem to thrive from. Overall, this investigation leads to a redefinition of the Rabelaisian humanism, which reveals itself through an abundance of animal images.
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Perspective intermédiale sur le motif de la disparition : enjeux d’une poétique de la remédiation chez Perec, Modiano et NolanRouthier, Élisabeth 03 1900 (has links)
Cette thèse explore, selon une perspective intermédiale, le rapport entre les phénomènes de remédiation et le problème de la disparition à partir d’œuvres littéraires et filmique : Un cabinet d’amateur de Georges Perec (1979), Dora Bruder de Patrick Modiano (1997) et The Prestige, réalisé par Christopher Nolan (2006). Partant du postulat qu’il existe un lien signifiant entre l’hétérogénéité énonciative des œuvres étudiées – qui convoquent différents genres, modes d’expression et médialités – et le motif de la disparition qui s’y dessine, nous posons l’hypothèse que les œuvres produisent un métadiscours traduisant le fonctionnement d’un régime d’interaction particulier que la disparition aurait la possibilité d’induire : l’hypermédiateté. En tant que contrepoint de l’immédiateté, l’hypermédiateté qualifie ce régime où les seules relations possibles ont lieu par et dans la médiation, à la manière de ce qui se joue dans les œuvres du corpus témoin. La particularité de cette approche est de considérer la disparition comme ayant une valeur productive indissociable des valeurs négatives d’absence, de retrait ou d’effacement auxquelles elle est plus généralement rattachée.
La première partie pose les bases conceptuelles du projet en revisitant les théories des médias à l’aune du tournant performatif qui détermine la période « postmédiatique » de l’intermédialité. Est alors explicité en quoi il est possible de concevoir les particularités formelles des œuvres du corpus comme informant une poétique de la remédiation. La deuxième partie s’appuie sur ce cadre conceptuel pour conjuguer le problème de la disparition à celui de la remédiation, et ce, dans le but d’articuler une définition de l’hypermédiateté. Finalement, des analyses en diptyques orientées autour des concepts d’authenticité, de survivance et d’institution composent la dernière section. Le corpus témoin participe d’abord à l’édification du cadre conceptuel, contribue ensuite à problématiser l’idée de disparition et permet en dernier lieu les articulations et approfondissements qui émergent des analyses.
Trois buts sont ainsi poursuivis. La visée méthodologique, d’abord, est celle de diriger notre attention vers les actions et processus plutôt que vers les objets (ce qui favorise une pensée de la médiation au détriment de celle, plus figée, du média). Le but théorique consiste à revisiter les théories intermédiales dans le contexte épistémologique actuel pour produire un discours inédit sur le phénomène formel en tentant de dépasser les logiques de l’imitation, du transfert et de la représentation. Finalement, l’objectif général est de concevoir, à partir du motif de la disparition, le rôle de la médiation dans les processus dynamiques de singularisation des objets du monde, et ce, hors du paradigme de la représentation. / This thesis will explore, with an intermedial perspective, the relation between processes of remediation and the issue of disparition drawing on three literary and filmic works: Un cabinet d’amateur by Georges Perec (1979), Dora Bruder by Patrick Modiano (1997) and The Prestige, directed by Christopher Nolan (2006). Based on the premise of the existence of a meaningful connection between the heterogeneity of the examined works’ structure of enunciation – convening different genres, forms of expression and medialities – and the pattern of disparition they delineate, the hypothesis we propose is that these works give rise to a metadiscourse inferring a particular mode of interaction induced by disparition: hypermediacy. Conceived as immediacy’s counterpoint, hypermediacy refers to a mode in which the only possible relations occur through mediation, as played out in the works of the sample corpus. The distinctive feature of this approach lies in the interpretation of disparition as possessing a productive aspect, indissociable from the negative aspects of absence, withdrawal or obliteration, to which it is more commonly associated with.
The first part establishes the project’s conceptual bases, revitalizing media theories in the light of the performative turn, which launched the post-mediatic period of intermediality. From there is explicated in which ways the corpus’ formal properties can be considered as informing a poetics of remediation. The second part builds on this conceptual framework to conjugate the problem of disparition with that of remediation in order to articulate a potent definition of hypermediacy. Finally, the last section presents three diptych analyses oriented around the concepts of authenticity, Nachleben and institution. The sample corpus primarily contributes to the enlightenment of the conceptual framework along with problematizing the idea of disparition. Lastly, it allows in depth articulations to emanate from the analysis.
Three goals are thereby pursued. Firstly, the methodological goal is to direct our attention towards actions and processes rather than objects, favoring an idea of mediation over the more static perspective of media. Secondly, the theoretical goal consists of revising theories of intermediality in the current epistemological context to create an original discourse on the formal phenomenon, with efforts to overcome the logics of imitation, transfer and representation. At last, the general objective is to produce a discourse about the way mediation participates to the dynamic processes of singularization applied to people and objects. Disparition is the prisma through which these processes are conceived in a manner that is contrapuntal to the representational paradigm.
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La Fête paradoxale sur la scène britannique contemporaine / The Paradoxical Party on the British Contemporary StageAlliot, Julien 18 November 2016 (has links)
Depuis sa naissance au cœur des célébrations païennes ou religieuses du Moyen Âge anglais, le théâtre britannique a toujours entretenu des liens privilégiés avec la fête. Cette affinité élective entre le dramatique et le festif fait ici l’objet d’une réflexion esthétique reposant sur un corpus de pièces contemporaines où sont représentées toutes sortes de célébrations. En effet, qu’il s’agisse d’anniversaires, de Noëls, ou de retrouvailles entre amis, le topos festif perdure sur les scènes britanniques de la seconde moitié du XXe siècle (The Birthday Party fut joué à Londres en 1958) jusqu’au début du XXIe siècle, avec des pièces comme Jerusalem de Jez Butterworth (2009) ou In the Republic of Happiness de Martin Crimp (2012). Or, après l’expérience traumatique de la Seconde Guerre mondiale et les crises protéiformes qui ont affecté le monde au cours des dernières décennies, la rémanence de la fête sur scène a de quoi étonner. Il convient cependant d’observer que lorsque le phénomène festif se change en objet de représentation, il donne l’occasion aux dramaturges de déployer une poétique carnavalesque où l’excès cohabite avec le manque, la légèreté avec la gravité, pour finalement mettre le monde et les formes traditionnelles sens dessus dessous. Éminemment transgressive et volontiers caractérisée par la pénurie, le manque, voire la violence ou la mort, la fête paradoxale devient le lieu privilégié d’une exploration éthique et esthétique des limites du figurable. Elle offre dès lors un paradigme fécond pour rendre compte du renouvellement des formes dramatiques contemporaines. / British theatre and festivities have always been closely linked. From the moment the first plays were performed during medieval festivals to present-day representations of parties in which people binge drink or use drugs, it might even be argued that the celebratory mood has never left the stage. This intimate connection between the dramatic and the festive is investigated here from an aesthetic point of view, through a corpus of contemporary plays representing celebrations. Be they birthdays, anniversaries, Christmases or reunions, the festive motif is a recurring one in the second half of the twentieth century, with plays like The Birthday Party (1958), and on into the twenty-first century, with Jez Butterworth’s Jerusalem (2009) or Martin Crimp’s In the Republic of Happiness (2012). Considering the traumatic experience of the Second World War or the protean crises that have subsequently affected the world, we might expect parties to disappear from the stage altogether; yet, this is not the case. In fact, we find that when the festive phenomenon is turned into an object of representation, it allows dramatists to put forward a poetics of excess characterised by exuberance and transgression. Not only does this carnivalesque energy turn the world upside down, it also subverts traditional dramatic forms. Oscillating between lack and excess or lightheartedness and gravity, sometimes verging on scarcity, violence or even death, the paradoxical party becomes the epitome of an aesthetic and ethical exploration of the limits of the representable. It thus offers a fruitful paradigm to account for the renewal of dramatic forms on the contemporary stage.
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D’autres voix que la sienne ; Manières de se faire écouter, modes d’écoute : une étude des marqueurs d’écoute en séances de médiationHigham, Lise 08 1900 (has links)
La médiation est un dispositif de gestion de différends impliquant la présence et l’intervention d’une tierce personne, médiateur ou médiatrice, dont le rôle principal est d’en faciliter la résolution. L’étude de ce type d’interactions est souvent abordée par le biais d’analyses détaillées, centrées principalement sur la dynamique des tours de parole. Le présent travail propose de décentrer cette posture et de dresser un portrait en creux des interactions, en donnant la part belle à l’écoute. Comment, en effet, les participants tentent-ils de se faire écouter, et comment marquent-ils leur écoute ?
L’ubiquité de l’écoute et son caractère spectral en font un objet d’étude évanescent, difficile à circonscrire. Pour cette raison, la présente étude vise à décrire et comprendre la manière dont l’écoute s’incarne, et ce, à travers des marqueurs d’écoute relevés lors de médiations durant lesquelles un citoyen et le représentant d’une institution tentent de régler le conflit qui les oppose. Les séances de médiation analysées sont réelles (il ne s’agit pas d’exercices). Captées en format vidéo puis retranscrites, ces données empiriques ont permis d’identifier des mécanismes d’écoute dialogique ainsi que des phénomènes clés rattachés à ces mécanismes.
L’intention ici était d’observer la différence qu’un marqueur d’écoute ou son absence est susceptible de faire dans une interaction. Il ne s’agissait donc pas de juger de la qualité d’écoute des participants en tant que telle, mais plutôt de révéler la manière dont ceux-ci réagissaient à ce qui avait été précédemment exprimé et ce qu’ils en faisaient. Autrement dit, les marqueurs d’écoute doivent être compris, selon cette perspective, comme les moyens par lesquels l’existence de certaines choses qui semblent compter pour un participant se met à aussi compter pour le ou les autres.
Parmi les phénomènes relevés se trouvent les manières de se faire écouter et les modes d’écoute des participants, mais aussi la manière dont les marqueurs d’écoute s’inscrivent dans des schémas décrits comme la trajectoire de l’écoute ou encore les boucles d’écoute. Ces boucles d’écoute et la trajectoire d’écoute rendent plus intelligible l’agentivité des humains, mais également celle des documents et des émotions intervenant dans le processus de médiation.
Étudier une séance de médiation par le biais de l’écoute permet ainsi de creuser certains concepts proposés dans les travaux portant sur la négociation, comme les notions de position et d’intérêt. L’approche CCR (constitution communicationnelle de la réalité) (Cooren, 2012) adoptée pour cette recherche permet, par ailleurs, de transcender la perspective binaire que l’on retrouve souvent dans les réflexions et analyses portant sur l’écoute (à savoir l’évaluation d’une bonne ou mauvaise écoute) et d’envisager le phénomène sous l’angle de sa performativité, dépouillée de jugements de valeur.
L’objectif d’une telle enquête est d’envisager les interactions autrement, avec un recul susceptible d’assister les médiateurs dans leur métier, et potentiellement d’autres acteurs en situation de négociation dans divers milieux organisationnels. / Mediation is a conflict management process that involves the presence and intervention of an impartial third party in charge of facilitating the discussion. Studies of this type of interaction are often conducted through detailed analyses focused on the dynamics of turns of talk. This dissertation proposes to reframe this approach by favouring the detailed study of listening over speaking in interactions. How do participants make themselves heard, and inversely, how do they manifest their listening?
Listening’s spectral quality, as much as its ubiquity, challenges any attempt at producing a set definition of the phenomenon. This study aims to describe and comprehend how listening materializes itself as it unfolds. It concentrates on listening markers identified in videos and transcripts produced from 27 actual mediation sessions opposing a citizen and an institutional representative. The Communicative Constitution of Reality (CCR; Cooren, 2012) approach affiliated to the Communicative Constitution of Organization (CCO) literature allows for an in-depth exploration of listening that challenges the binary model of positive vs. negative listening by choosing to observe its performativity in interactions. For example, it is shown that the absence of listening markers is not necessarily related to the absence of attention, or malevolence.
This study aims at observing how listening markers, or lack thereof, are likely to make a difference in the unfolding of a mediation session. The point here is not to judge the participants’ listening quality, but rather to unpack the ways in which participants react to what has been expressed and what they do with that information. In other words, and following the CCR perspective, listening markers indicate means by which the existence of certain things that seem to count for one participant begins to count for the other(s) participant(s) and end up existing more in the interlocutive sphere.
Two dialogic listening mechanisms were identified from the analysis of the data set, and various phenomena related to these mechanisms were traced. These phenomena include ways of making oneself heard and the participants’ listening modes, as well the absence of listening markers. The first mechanism, the listening loop, indicates a shift in one or several of the participants’ listening pattern(s); the second is the listening trajectory. Together these mechanisms bring intelligibility to human agency as well as to that of documents or emotions that come into play during the mediation sessions.
Studying mediation sessions through listening precipitates reassessing specific notions in the field of negotiation, such as the notions of position and interests.
This inquiry considers interactions from the largely untapped perspective of listening, thereby providing insights to conducting mediations. This framework is potentially applicable to a wider range of organizational or peri-organizational areas/fields, including negotiation and decision-making.
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Former à l'organisation par l'art pour un retour vers un fondement pratique : une analyse critique de l'usage de l'art dans la Management Education / Training for organization through art to return towards a practical foundation : A critical analysis of the use of art in Management EducationFlamand, Guillaume 01 December 2017 (has links)
L'art a été proposé comme réponse aux critiques de la Management Education dont les activités se sont académisées et où les approches d'inspiration scientifique dominent. Ma thèse constate l'homogénéité de la littérature spécialisée qui tend à se focaliser sur les apports des caractéristiques « romantiques » de l'art – où il est pris comme l'opposé théorique de la gestion. Avec une perspective critique, ma thèse s'appuie sur l'étude longitudinale, qualitative, inductive d'un cas unique pour tenter de déterminer si l'art, employé en tant que pédagogie, éloigne du localement dominant. L'analyse indique qu'il s'agit d'une expérience d’une pratique hybride, entre art et gestion, qui peut résonner avec les piliers de la Management Education. L'art éloigne alors de l’académisme, mais l’on reste dans le domaine de l’activité organisée qui peut être compatible avec les valeurs managériales actuelles. Il apporte une expérience du pratique, pas uniquement les caractéristiques romantiques. Il peut agir plutôt sur les moyens que sur les fins, pour offrir un retour vers un fondement pratique source de la Management Education avant son académisation progressive. / Art has been put forward in response to the critiques of Management Education whose activities have become quite academized and where scientifically inspired approaches dominate. In my thesis, I note the homogeneity of the specialized literature which is quite focused on what the “romantic” characteristics of art can bring – art is there taken as the theoretical opposite of management. With a critical perspective, my thesis builds on a longitudinal, qualitative, inductive study of a single case to try to determine if art, used as a teaching method, creates distance with what locally dominates. The analysis indicates it is an experience of a hybrid practice, between art and management, which can resonate with the pillars of Management Education. Art entails less academism, but one remains in the domain of an organized activity that can be compatible with the current managerial values. It brings an experience of the practical, not only the romantic characteristics. It can have an effect on the means more than on the ends, so as to offer a return to a practical foundation which has been the source of Management Education before its progressive academization.
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