Ce mémoire a pour but d’identifier les manières par lesquelles l’idéologie influence la formation du sujet, principalement par le discours et par ses ancrages dans les corps. Pour se faire, nous mobiliserons les écrits de Pierre Bourdieu et de Judith Butler sur la question, représentant respectivement les positions structuralistes et postmodernes de la formation du sujet (lecture classique). Nous tâcherons de comprendre, à l’aide de la conception de l’idéologie de Louis Althusser, s’il est possible de trouver un terrain d’entente entre nos auteur.es lorsqu’on s’attarde à l’émancipation du sujet et, ainsi, nuancer leurs positions. La théorie bourdieusienne a été critiquée pour son déterminisme latent, alors que la performativité de Butler a été accusée de volontarisme et d’ignorer la matérialité des corps. C’est en explorant les critiques faites à nos auteur.es et les possibilités de réunions entre l’habitus de Bourdieu et la performativité que nous constaterons le rôle de l’idéologie dans la mise au monde du sujet, mais également dans sa libération. Si les structures se retrouvent dans les corps sous la forme de dispositions et que la corporalité ainsi que la parole sont indissociables, ne faudrait-il pas trouver un moyen de penser la libération par le corps? Là où il est difficile de théoriser l’émancipation chez Bourdieu, sa pensée sur le corps contient plusieurs outils pour penser une subversion ne relevant pas exclusivement du discours. La performativité, dont l’objectif est la libération politique et l’habitus gagneraient donc à dialoguer. Nous verrons que la phénoménologie queer a le potentiel les réunir. / The purpose of this thesis is to identify the ways in which ideology influences the formation of the subject, primarily through discourse and its embedding in bodies. To this end, we will mobilize the writings of Pierre Bourdieu and Judith Butler on the question, representing respectively the structuralist and postmodernist positions on subject formation (following a classical reading). We will try to understand, with the help of Louis Althusser's conception of ideology, if it is possible to find a common ground between our authors regarding the emancipation of the subject, and attempt to nuance their positions. Bourdieusian theory has been criticized for its latent determinism, while Butler's performativity has been accused of voluntarism and of ignoring the materiality of bodies. It is by exploring the criticisms made to our authors and the possibilities of convergence between Bourdieu's habitus and Butler’s performativity that we will be able to recognize the role of ideology in the making of the subject, but also in its liberation. If structures can be found within the bodies in the shape of dispositions, and if corporality and speech are inseparable, should we not find a way to think liberation through the body? Whereas it is difficult to theorize emancipation in Bourdieu's work, his thought on the body contains several tools for thinking a subversion that is not exclusively a matter of discourse. Performativity, whose objective is precisely political liberation, and habitus would thus gain from being brought into dialogue. We will see that queer phenomenology has the potential to bring them together.

Ce mémoire porte sur la représentation et la fétichisation des femmes trans dans les médias audiovisuels. Cette étude décrit tout d’abord l’évolution de la représentation trans-féminine des années 1950 aux années récentes. Les femmes trans racisées sont pour ainsi dire invisibles lors des premières décennies. Le mémoire distingue la représentation anti-assimilationniste de la représentation intégrationniste. Le film Paris Is Burning (1991, Livingston) apporte un changement à cet effet et présente une nouvelle réalité dans les médias. L’influence du documentaire du Nouveau Cinéma Queer est encore majeure. Près de trente ans plus tard, la série télévisée Pose (Ryan Murphy, Brad Falchuk, Steven Canals, FX, 2018-2021) rend hommage au film de la réalisatrice Jennie Livingston. Le mémoire se penche sur la théorie féministe, intersectionnelle et queer des années 1990 afin de comprendre l’évolution de ces études. Cette analyse interroge la remise en question des rôles de genre et l’impact de la performance et de la performativité dans les images médiatiques trans. / This master's thesis focuses on the representation and fetishization of trans women of color in audiovisual media. This study first describes the evolution of trans-feminine representation from the 1950s to recent years. Trans women of color were virtually invisible in the early decades. The thesis distinguishes anti-assimilationist representation from integrationist representation. The film Paris Is Burning (1991, Livingston) announces a change and a new reality in media. The impact of the New Queer Cinema documentary is still significant to this day. The television series Pose (Ryan Murphy, Brad Falchuk, Steven Canals, FX, 2018-2021) pays homage to director Jennie Livingston's film almost thirty years later. The thesis examines the feminist, intersectional and queer theory of the 1990s to understand these studies' evolution. This analysis questions the subversion of gender roles and the impact of performance and performativity in trans* media images.

Désireuse de s’affranchir d’une approche essentialiste et figée de la poésie au théâtre ainsi que d’une lecture générique, cette recherche envisage selon une méthodologie intermédiale les relations entre théâtre et poésie. En analysant un corpus témoin composé de créations textuelles et scéniques, elle montre comment la présence active de la poésie travaille le théâtre, et partant, elle les précise tous deux par leursinteractions. La première partie établit une généalogie de l’intermédialité du théâtre et de la poésie, ainsi que des liens dynamiques entre théâtre et poésie. Tout au long du XXe siècle, poésie et théâtre se sont en effet affirmés comme des "hypermédias"(Kattenbelt), mettant respectivement en jeu divers médias, tandis que plusieurs dramaturges ont développé des poésies théâtrales explorant des processus intermédiaux. Sont dégagées et analysées quatre configurations spécifiques à travers les œuvres et réflexions de Mallarmé et Maeterlinck, de Stein et Artaud, de Gauvreau et Novarina et à travers la poésie transmédiale que Cocteau développe entre théâtre et cinématographe. Consacrée au tournant des XXe et XXIe siècles, la deuxième partie élabore une approche théorique du poème théâtral, qui actualise les relations entre théâtre et poésie.Le poème théâtral constitue un dispositif intermédial qui, selon un modèle élaboré par Ortel et Rykner, articule inextricablement trois niveaux : technique, pragmatique et symbolique. Plusieurs traits précisent ce dispositif : sa radicalité dynamique, sa performativité, sa valorisation de l’écriture comme processus, et sa façon de considérer l’impossible comme moteur théâtral. Des analyses d’œuvres textuelles et scéniques de Kane, Malone, Danis, Régy et Lemoine montrent ensuite comment ce dispositif intermédial est activé et ce que le poème théâtral propose au lecteur et au spectateur comme expérience esthétique. Saisir le devenir intermédial de la poésie au théâtre permet de penser un modèle interartial placé sous le signe de l’hospitalité, où les arts, égaux, dialoguent entre eux et échangent, en faisant travailler ensemble leurshétérogénéités et leurs altérités. / In an effort to do away with an essentialist, rigid, and generic approach to poetry in dramatic works, this research looks at the relationship between poetry and drama using an intermedial methodology. By studying a sample corpus made up of textual and theatrical works, this thesis shows how the active presence of poetry is at work in theatre, thereby redefining each of the two concepts through the ways in which they interact. The first chapter traces the genealogy of intermediality within poetry and drama, and that of the dynamic connections between drama and poetry. Throughout the twentieth century, poetry and theatre have come to be seen as « hypermedia » (Kattenbelt), each of them bringing into play various types of media. Meanwhile a number of playwrights started developing dramatic poems exploring intermedialprocesses. This research identifies and analyses four distinct forms in the thought and works of Mallarmé and Maeterlinck, Stein and Artaud, Gauvreau and Novarina, through the transmedial poetry developed by Cocteau at the confines of drama and cinematography. With a focus on works from the turn of the twentieth to twenty-first century, the second chapter offers a theoretical approach to the dramatic poem, that seeks to bring an updated approach to interactions between drama and poetry. The dramatic poem is an intermedial apparatus that, in Ortel and Rykner's view, inextricably combines the technical, the pragmatic and the symbolic. This apparatus is characterised by its dynamic radicalism, its performativity, its focus on the value of writing as a process and the way in which it conceives of impossibility as a dramatic driving force. Analyses of textual and dramatic works by Kane, Malone, Danis, Régy and Lemoine suggest how intermedial apparatuses are triggered and the kind of aesthetic experience the dramatic poem offers to readers and viewers. Contemplating intermedial processes of poetry in theatre allows for the reframing of an interartial model in an inclusive, hospitable fashion, where all art forms are considered equal, engage in dialogue and exchange, and combine their differences towards a common object.

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Dans ce mémoire, nous tentons de déterminer si les SIA participent à la détérioration de la justice sociale. En ce sens, notre hypothèse est qu’une force performative émerge de la répétition des décisions algorithmiques, laquelle interfère avec la construction identitaire des individus. Selon le cadre d’analyse préconisé, lequel s’inscrit au sein de la conception de la justice d’Iris Marion Young, nous soutenons que l’interférence identitaire est injuste puisqu’elle contribue à l’oppression de l’impérialisme culturel. S’avérant, ce phénomène de performativité algorithmique expliquerait, d’une part, l’interaction entre l’identité et les algorithmes, et permettrait d’autre part son exploitation. Ultimement, nous soutenons que la performativité des algorithmes pourrait être manipulée afin qu’elle soit mise au service de la justice sociale. / In this thesis, we try to determine if artificial intelligence systems contribute to the deterioration of social justice. In this sense, our hypothesis is that a performative force emerges from the repetition of algorithmic decisions, which interferes with the identity construction of individuals. According to the recommended analytical framework, which is part of Iris Marion Young's conception of justice, we argue that identity interference is unjust because it contributes to the oppression of cultural imperialism. If it turns out, this phenomenon of algorithmic performativity would explain, on the one hand, the interaction between identity and algorithms, and on the other hand allow the exploitation of the latter. Ultimately, we argue that the performativity of algorithms could be manipulated so that it is put at the service of social justice.

Cette thèse suggère que la figure du vampire est une représentation de la neutralité, et ce, à travers diverses perspectives telles que la neutralité du genre, la neutralité temporelle et la neutralité corporelle. Le vampire a d’abord été considéré comme une créature malsaine avant de devenir plus humanisée au fil du temps. Cependant, je maintiens que le vampire contemporain n’est ni « négatif » ou « positif », mais plutôt neutre, ce que mettent en lumière les concepts de performativité et de corporalité élaborés par Judith Butler. Le vampire, étant à la fois arrêté dans le temps et existant pour toujours, manifeste non seulement la neutralité sexuelle et celle du genre, mais la créature vampirique illustre également l’importance du neutre tant au niveau corporel (tel qu’élaboré par Judith Butler) qu’au niveau temporel (tel que défini par Frank Kermode). Le neutre sera défini à partir des théories de Claude Stéphane Perrin, Maurice Blanchot et Roland Barthes. Étant à la fois présent/absent et à l’intérieur/à l’extérieur de l’expérience humaine, le vampire n’est pas seulement neutre, mais il permet d’étudier les différents aspects inhérents à la neutralité, soient-ils liés à la performativité du genre et de la sexualité, à la corporalité ou à la temporalité. Les aspects théoriques développés dans cette thèse sont analysés à travers les romans vampiriques contemporains suivants : Let the Right One in de John Ajvide Lindqvist (2004), The Vampire Chronicles de Anne Rice, plus précisément The Vampire Lestat (1987) et Queen of the Damned (1989), et The Passage (2010) de Justin Cronin. Le texte de Lindqvist redéfinit, entres autres, la neutralité du phallus à travers la castration, faisant du personnage d’Eli un vampire neutre et genderqueer. De plus, les crocs des vampires permettront une redéfinition neutre du phallus. La prépuberté vampirique dans les romans de Cronin et de Lindqvist sera également pertinente puisqu’un corps arrêté dans le temps et qui demeurera toujours prépubère solidifie le statut neutre du vampire. Les romans de Rice permettront de redéfinir le tabou de l’inceste et, donc, de consolider la neutralité du vampire. Les espaces vampiriques neutres dans les romans de Rice et de Cronin seront également mis de l’avant, et ce, à travers une conceptualisation de la temporalité comme étant neutre. Concrètement, la figure littéraire du vampire tente de déconstruire les normes sociétales du genre, de la sexualité, de la corporalité et de la temporalité en faveur d’une ontologie fluide et libre qui mène au neutre. / The figure of the vampire is a representation of the concept of neutrality, shown through different perspectives ranging from gender neutrality, corporeal neutrality, and temporal neutrality. The vampire has been shown to go from a “negative” representation to a “positive” one over the centuries. My claim is that the contemporary vampire is neither “negative” nor “positive” but neutral. This neutrality will be analyzed through the lens of Judith Butler’s conceptualizations of gender performativity and of corporeality. The vampire, being both time-stopped and existing forever, not only manifests gender and sexual neutrality, but also neutral corporeality (as elaborated by Judith Butler) and neutral temporality (as defined by Frank Kermode). The concept of the neutral will be approached based on the works of Claude Stéphane Perrin, Maurice Blanchot, and Roland Barthes. By being both present/absent and inside/outside the human experience, the vampire manifests different aspects of neutrality, be it performing gender and sexuality, understanding corporeality, or experiencing temporality. The theoretical aspects of this dissertation are analyzed based on the following contemporary vampire-centric narratives: Let the Right One in (2004) by John Ajvide Lindqvist, The Vampire Chronicles by Anne Rice, more specifically The Vampire Lestat (1987) and Queen of the Damned (1989), and The Passage (2010) by Justin Cronin. Lindqvist’s novel redefines, among other things, the neutrality of the phallus through the act of castration, making the character of Eli a neutral and genderqueer vampire. Furthermore, vampire fangs will be of importance as they can be perceived as a manifestation of a neutral phallus. Vampiric prepubescence is also shown to espouse the neutral as it personifies a time-stopped body that will forever exist on the cusp of change. Rice’s novels will allow a resignification of the taboo of incest, further manifesting vampiric neutrality. The concept of vampiric neutral spaces will be tackled in both Rice’s and Cronin’s novels through a neutral conceptualization of temporality. In essence, the figure of the literary vampire attempts to deconstruct societal norms pertaining to gender, sexuality, corporeality, and temporality in favor of a free and fluid ontology which leads to the neutral.

Le mantra de la compassion fascine depuis très longtemps de nombreux chercheurs de tous bords et de différentes époques. Ces derniers semblent cependant s’être toujours plus intéressés à sa signification plutôt qu’à sa fonction, son usage ou son utilité. Ce mémoire, qui se base sur l’expérience d’un travail de terrain ethnologique au sein d’un centre bouddhiste affilié à l’école guélougkpa, vise autant à se rapprocher de l’authenticité de sa signification que d’un usage de la formule pouvant être utile afin de protéger l’esprit. L’une des traductions du mot mantra est « protection de l’esprit ». Nous nous intéresserons particulièrement à notre objet sous le prisme de sa performance. La question du sens de la formule sera progressivement déplacée d’une dimension statique et sémantique à une autre plus dynamique et métapragmatique. Nous profiterons notamment des outils fournis par l’ethnomusicologie afin d’observer la part prise au sein de cette protection par les composantes musicales de la récitation. Ce travail sera aussi l’occasion de rassembler différentes théories et plusieurs concepts occidentaux au sein d’un même cadre théorique. La cadre de la sémiologie de la musique proposé par Molino et Nattiez, constituera une fondation étique solide à laquelle nous tenterons d’intégrer et d’articuler deux autres pensées majeures : la pensée austinienne de la « performativité » et la conception bachelardienne des images. Une fois nos outils d’observation affinés, nous regarderons mieux comment doit être comprise la « compassion » au sein de l’épistémè bouddhiste tibétaine, comment celle-ci est évoquée au sein de notre terrain de recherche et le lien tout à fait particulier qu’elle entretient avec le mantra qui porte son nom. La performance du mantra sera considérée comme étant, et au moins partiellement, une manifestation sonore de cette compassion. / The mantra of compassion has long fascinated many scholars from all walks of life and from different eras. However, they seem to have always been more interested in its meaning than in its function, use or utility. This M.A. thesis, which is based on the experience of ethnological fieldwork in a Buddhist center affiliated with the gelugkpa school, aims to get closer to both the authenticity of its meaning and to a use of the formula that may be helpful in protecting the mind. One of the translations of the word mantra is "protection of the mind". We will be particularly interested in our object under the prism of its performance. The question of the meaning of the formula will then be progressively moved from a static and semantic dimension to a more dynamic and metapragmatic one. We will use the tools provided by ethnomusicology, to observe the part taken by the musical components of the recitation in this protection. This work will also be an opportunity to bring together different theories and several Western concepts within the same theoretical framework. The framework of the semiology of music proposed by Molino and Nattiez, will constitute a solid etic foundation to which we will try to integrate and articulate two other major thoughts: the austinian thought of the "performativity" and the bachelardian conception of images. Once we have refined our tools of observation, we will look more closely at how "compassion" is to be understood within the Tibetan Buddhist episteme, how it is evoked within our research field and the very particular link it has with the mantra that bears its name. The performance of the mantra will be considered as being, at least partially, a sound manifestation of this compassion.

Le XXe siècle occidental est marqué par un recul de la religiosité, alors que le rationalisme hérité des Lumières, le positivisme et la justice sont des valeurs qui régissent et normalisent l’espace social. Pourtant, le sacrifice (dont l’étymologie sacrum facere signifie « faire un acte sacré »), même s’il est rendu inadmissible en raison de la violence gratuite qu’il suppose, continue de fasciner, et ce, malgré que les divinités n’aient plus de valeur de régulation sociale. Antonin Artaud, Laure (Colette Peignot), Michel Leiris et Unica Zürn ont une pratique d’écriture qui emprunte à l’imaginaire sacrificiel, peuplé de figures mythiques, en plus d’aspirer à l’efficacité de la performance rituelle. Ainsi, le sacrifice rituel offre un répertoire de figures et de motifs mythiques, d’une part, et propose des formes agissantes qui influencent les créateurs, d’autre part. Le champ de la poïétique invite à interroger les oeuvres littéraires en regard de leur processus créateur. Les oeuvres à l’étude se prêtent tout particulièrement à une étude poïétique en raison de leur nature processuelle, parfois inachevées, et de la présence de commentaires autoréflexifs sur la création. Si on considère que tout texte contient le récit de sa propre création, il est possible de penser les oeuvres littéraires comme des traces d’un processus créateur qui, lorsque lié au sacrifice rituel, cherche à défricher un espace sacré en même temps qu’il enclenche un processus éthopoïétique de dé-subjectivation. Sacrifice rituel et création sont deux moyens de « passer à l’acte » (l’acte d’écriture, l’acte de la mise à mort), permettant aux écrivaines et aux écrivains de soumettre leur existence à une forme signifiante. La poïétique, interrogée à l’aune du sacrifice rituel, permet de penser les continuités, les transvasements et les ruptures entre existence et écriture. / Western 20th century is characterized by a decline of religiosity, while modern societies are governed and normalized by rationalism, positivism and justice as guiding values. Sacrifice, of which latin etymology sacrum facere means “to do a sacred act”, implies a ritual act of violence. Even if sacrifice had become inacceptable because of the free violence on which it’s based on, and even if gods have lost their power of social regulation, sacrifice continues to fascinate. The writings of Antonin Artaud, Laure (Colette Peignot), Michel Leiris and Unica Zürn are inspired by sacrificial rituals : writers borrow mythological figures linked to sacrificial scenes and they are motivated by the efficiency of ritual performances. Ritual sacrifice offers multiple mythological figures and patterns, and proposes effective forms that impact writing. The field of “poïétique” investigates the creative path preceding published writings. The works studied in this thesis are particularly suited for a “poïetique” reading because of their processual character – some of them are considered unfinished – and because of the presence of self-reflective comments about the creative process. Considering that all texts contain the story of its own creation, it is possible to think of the works as tracks of the writing in process. When creation has to do with ritual sacrifice, it leads to the opening of sacred spaces and activates a process of de-subjectification. Ritual sacrifice and creation are two ways of taking action that allow writers to give their existence a meaningful shape. Thinking about the sacrifice through the field of “poïétique” is a way to reflect upon the continuum, the transfer or the disruption between existence and writing.

Toutes les illustrations qui ponctuent cette thèse ont été réalisées par Chantal Poirier. Elles ont été insérées dans le texte selon un ordre méticuleusement aléatoire. / Le texte qui suit, malgré son libellé onomastique (le nom « John Cage »), son orientation disciplinaire (la « théorie littéraire ») et sa visée thématique (« la révision du commentaire critique »), se place d’emblée dans une posture d’écriture et de création. Il consiste à proposer comme point de départ l’identité de la forme textuelle et de sa dérivation métatextuelle, en d’autres mots : de la voix citée et analysée avec l’autre voix citante et analysante. Cette prémisse dérive elle-même d’une confrontation locale : les spécificités et les idiosyncrasies de la textualité mise en place par John Cage à partir des années quarante (partitions littéraires des recueils Silence et A Year from Monday, mésostiches de M et X, réécritures et « writing through » d’Empty Words…). En effet, l’examen par la théorie littéraire d’un corpus aussi disséminé et « néologique » que l’est celui de John Cage pousse son rédacteur à poser la question de sa propre écriture (« autoréflexivité ») et à rendre possible une réalisation artistique personnelle (« performativité »). C’est donc à travers la contingence d’une langue et d’une subjectivité au travail que la théorisation (textuelle) du texte cherche ici à s’élucider et à s’écrire. Le travail commence par installer les modalités à la fois circulaires et circulatoires de la théorie littéraire, une tension rhétorique et épistémologique qu’il identifie sous le nom d’« aporie autoréflexive » (le texte théorique est concerné par la question de lui-même). Il s’efforce ensuite d’analyser la nouveauté de l’œuvre littéraire cagienne, en empruntant un schéma dialectique et antagoniste : d’un côté, une « textualité-objet », originale et orthographique, de l’autre, une « textualité-sujet », disséminante et intertextuelle, anarchique et jubilatoire. Enfin, le texte propose la révision, la recomposition, la « réécriture » du commentaire critique sur les bases nouvelles d’une textologie autoréflexive et performative — une indiscipline d’écriture qui utilise sciemment les coordonnées linguistiques de son élocution (néologie, typographisme, procédés citationnels…) et qui fait place sans camouflage ou refoulement à la personnalité intertextuelle, contextuelle, métissée du rédacteur. Par l’entremise d’une sorte d’« exemplarité textuelle » (Cage), ce travail insiste pour une synthèse à la fois productive et expressive des voix analysées et analysantes dans les études littéraires. On verra que, par moments, cette proposition implique que le texte se marginalise. / The following text, despite its onomastic labelling (the name “John Cage”), its disciplinary orientation (“literary theory”), and its thematic aim (“the revision of the literary commentary”), positions itself as a writing and creative venture. It starts by stating the strict identity of texts and metatexts, in other words, of the quoted, analyzed voice, with the quoting, analyzing other voice. This premise derives from a specific confrontation: the specificities and idiosyncrasies of John Cage’s literary production since the late 1940s (the literary scores from the anthologies Silence and A Year from Monday, the mesostics from M and X, the rewritings and “Writing through’s” from Empty Words…). Indeed, the examination by literary theory of a body of work as disseminated and “neological” as John Cage’s encourages the literary critic or theoretician to ask the question of his own writing (“self-reflexivity”) and also to make possible an original artistic realization (“performativity”). It is therefore through the possibilities of a language and of a subjectivity at work that the (textual) theorization of texts tries herein to elucidate and to write itself. This work starts by setting up the modalities both circular and circulatory of literary theory—a rhetorical and epistemological tension that will be identified as the “self-reflexive aporia” (the theoretical text is primarily concerned by the question of itself). It then tries to analyze the novelty of Cage’s literary work, using a dialectical and antagonistic configuration: on one hand, an “objective textuality”, original and orthographical; on the other hand, a “subjective textuality”, disseminating and intertextual, anarchic and unrestrained. Finally, this text proposes the revision, recomposition and “rewriting” of the critical commentary on the basis of a new self-reflexive and performative textology. That is: a sort of undiscipline in writing that knowingly manoeuvres the linguistic coordinates of its elocution (neology, typographism, quotation processes…) and that does not try to conceal or repress the intertextual, contextual, heterogenous and disparate personality of its author. Through a sort of “textual exemplarity” (Cage), this work insists on a synthesis both productive and expressive between the voices analyzing and the voices being analyzed. We will see accordingly that this proposition implies, from time to time, that the text be marginalized.

Mémoire de recherche et création, incluant une partie essai et un texte de création. / Ma recherche questionne la relation entre anorexie et écriture, omniprésente en littérature, mais dont la problématique du récit de soi reste un objet assez obscur; le potentiel de réincarnation de l’être ascétique à travers le récit de soi a faiblement été soulevé. Amélie Nothomb (Biographie de la faim) et Geneviève Brisac (Petite) se sont remémorées, par le biais de romans autofictionnels, leur passé anorexique dans une poétique elle-même ascétique. À travers l’analyse de cette performativité textuelle, ainsi que des procédés d’écritures d’autodérision et de distanciation narrative sollicités par ces auteures, mon essai propose que ces manifestations poétiques contribuent à une réincarnation indépendante du corps anorexique en œuvre littéraire, et de ce fait, poser un regard nouveau sur les souffrances antérieures. Prenant la forme d’un recueil de fragments scellé d’un pacte autofictionnel, Carnet d’une désincarnée expérimente l’écriture mémorielle de mon adolescence marquée par l’anorexie mentale. Ainsi, chacun des fragments relate, dans un « je » autodiégétique, une situation isolée d’un quotidien en lutte perpétuelle contre soi, lutte dont l’ultime et unique but est la désincarnation. Or, suite à cette désincarnation, l’objectif de mon projet était de me réincarner à travers les mots dans un carnet de chair et d’os. À cheval entre réalité et fiction, Carnet d’une désincarnée explore la possibilité de créer un texte performatif afin de projeter l’émaciation physique de l’anorexie sur l’échafaudage même du texte, qui deviendrait à part entière un corps amaigri, mais bien vivant. / My research questions the relation between anorexia and writing, omnipotent in literature, but which the question of self-writing is still really obscure; the potential of reincarnation of the ascetic individual through writing being barely tackled. Amélie Nothomb (Biographie de la faim) and Geneviève Brisac (Petite) have been both remembering themselves, through autobiographical novels, their anorexic past through an ascetic poetic in itself. Analysing this textual performativity, as well as writing process such as self-mockery and narrative detachment solicited by these authors, my essay observes that these poetical features lead altogether to an independent corporeal reincarnation of the anorexic body into literary work, and therefore, draw a new vision on the past sufferings. Taking the form of a fragmented text sealed by an autofictionnal pact, Carnet d’une désincarnée (Disembodied’s Diary) experiment the reminiscence of my adolescence marked by anorexia. In this way, each fragment recall, using the pronoun « I » as talking to myself, an isolated situation of a routine in a perpetual battle with the self, battle which the unique goal is disembodiment. Further to this disembodiment, the objective of my project was to reincarnate myself with words through the production of a diary made out of flesh and bones. In between fiction and reality, Carnet d’une désincarnée is exploring the possibility of creating a performative text that projected the emaciation of anorexia, becoming a barebonned but alive body in itself.