Ce travail se penche sur les enjeux de représentation de genre au Brésil, en prenant pour objet d’étude les performances d’artistes queer et trans de couleur sur la scène musicale populaire brésilienne. Je me penche d’abord sur la conjoncture sociopolitique du Brésil, marquée par un contexte paradoxal de popularité croissante d’artistes de la communauté LGBTQ+, associée à une vague de violences symboliques et physiques envers ces groupes minorisés. En m’inscrivant dans les études culturelles et visuelles, je mobilise ensuite des théories et concepts sur la performance (Taylor, 2003) et la performativité du genre (Butler, 2006), notamment au sein des études queer (Muñoz, 1999), selon une approche intersectionnelle. Je m’attache également à replacer les discours d'identité et de résistance ainsi que les réflexions épistémologiques dans le contexte brésilien. Sur cette base, j’étudie les performances des artistes Linn da Quebrada, Liniker, Gloria Groove, Quebrada Queer, Jup do Bairro et Majur, à travers une analyse textuelle de quatre vidéoclips qui est ensuite étendue aux performances dans les réseaux médiatiques et sociaux, avec Instagram. En réfléchissant aux différentes significations et aux affects produits par ces performances, ce travail met en exergue le rôle subversif des intimités queer et trans et la manière dont elles participent à la création d’un monde queer (Muñoz, 2009). Ces performances transgressent ainsi les normes basées sur le genre, la sexualité, la race et la classe, participant à un mouvement de lutte intersectionnelle et culturelle au Brésil. Enfin, ce travail ouvre la voie à une réflexion sur les manières dont les médias numériques permettent et relaient les performances subversives. / This study investigates issues of gender representation in Brazil through a study of performances by queer and trans artists of colour associated with the Brazilian popular music scene. I first examine the socio-political context of Brazil, marked by a paradoxical context where the increasing popularity of artists from the LGBTQ+ community corresponds with a wave of symbolic and physical violence towards these marginalized groups. In this study grounded in cultural and visual studies, I engage with theories and concepts of performance (Taylor, 2003) and gender performativity (Butler, 2006), particularly within queer studies (Muñoz, 1999), using an intersectional approach. I also insist on situating discourses of identity and resistance and epistemological reflections in the Brazilian context. On this basis, I study the performances of artists Linn da Quebrada, Liniker, Gloria Groove, Quebrada Queer, Jup do Bairro and Majur, through a textual analysis of four video clips that is then articulated with performances in media and social networks, notably Instagram. Reflecting on the different meanings and affects produced by these performances, this study highlights the subversive role of queer and trans intimacies and how they participate in queer worldmaking (Muñoz, 2009). I argue that these performances transgress norms of gender, sexuality, race and class, participating in a movement of intersectional and cultural struggle in Brazil. Finally, this work concludes with a reflection on how digital media enable and relay subversive performances.

Avec l’avènement de la sexologie à la fin du XIXe siècle, le discours médico-juridique sur les déviances sexuelles et la psychiatrie s’impose dans les sociétés européennes, devenant ainsi la référence en matière de normalité non seulement sexuelle et identitaire, mais aussi, en parallèle, culturelle et morale. Investiguant le domaine littéraire à la recherche de perversions sexuelles, la discipline médico-légale s’empare des personnages et leurs auteurs, désormais tous analysés et critiqués par ce regard « pathologisant ». Sous cet angle, les dandys décadents Paul-Eric de Fertzen dans Les Hors nature (1897) de Rachilde et Dorian Gray dans Le Portrait de Dorian Gray (1890) d’Oscar Wilde sont deux « cas » médicaux exemplaires de déviance androgyne, « homosexuelle » et dégénérescente, car ils ne performent pas (ou mal) la norme hétéronormative et virile en vigueur à l’époque. À l’aide de la théorie queer envisagée comme processus de « “déterritorialisation” de l’hétérosexualité » (Preciado, 2003), ce mémoire remet en question les présupposés historiographiques du « contrat social » (Wittig, 1992) implicite et décloisonne les personnages (et les auteurs) de leurs multiples diagnostics. En relevant dans les trajectoires narratives des protagonistes les ratés initiatiques qui empêchent leur agrégation à la société, dans une perspective ethnocritique, nous nous intéresserons à ce qui construit une identité à la fin du XIXe siècle. Une question principale guide ce travail : comment ces dandys, en étant monstrueux, anormaux, marginaux, mal initiés, se posent-ils en figures queer et « liminaires » (Scarpa, 2009) au sein du récit? / With the advent of sexology at the end of the 19th century, the medico-legal discourse on sexual deviance and psychiatry impose itself in European societies, thus becoming the reference in matters of not only sexual normality and identity, but also, in parallel, in cultural and moral discourse. Investigating the literary field in search of sexual perversions, the forensic discipline seizes the characters and their authors, now all analyzed and criticized by this “pathologizing” gaze. From this angle, the decadent dandies Paul-Eric de Fertzen in Les Hors nature (1897) by Rachilde and Dorian Gray in The Picture of Dorian Gray (1890) by Oscar Wilde are two exemplary medical “cases” of androgynous, “homosexual” and degenerate deviance, because they do not perform (or poorly) the heteronormative and virile norm in force at the time. Using queer theory seen as a process of “‘deterritorialization’ of heterosexuality” (Preciado, 2003), this thesis questions the historiographical presuppositions of the implicit “social contract” (Wittig, 1992) and decompartmentalizes the characters (and the authors) of their multiple diagnosis. By noting in the narrative trajectories of the protagonists the initiation failures that prevent their aggregation into society, from an ethnocritical perspective, we will be interested in what built an identity at the end of the 19th century. A main question guides this work: how these dandies, by being monstrous, abnormal, marginal, poorly initiated, do they pose as queer and “liminary” figures (Scarpa, 2009) within the narrative?

La littérature entretient un rapport à la mode, non seulement dans ses formes qui sont en dialogue avec l’époque, mais aussi dans ses sujets où la mode devient partie prenante du récit. L’avènement du prêt-à-porter en tant qu’« événement majeur » de l’après-guerre (Grau, 2007) remet en conflit les termes d’élégance et d’émancipation. La représentation de la femme du XXe siècle change ainsi au gré des tendances. Alors que le vêtement informe de moins en moins sur les repères sociaux culturels (il se neutralise et s’universalise), l’idéal féminin est fortement requestionné entre autres par les femmes de lettres françaises, témoins privilégiés de cette époque. Simone de Beauvoir et Violette Leduc rédigent deux ouvrages imprégnés de ce profond questionnement du soi féminin intellectuel et de la performance du genre. Mémoires d’une jeune fille rangée (Simone de Beauvoir, 1958) et La Bâtarde (Violette Leduc, 1964) en tant que romans d’apprentissage écrits par des femmes dans la France de l’après-guerre mettent de l’avant ce rapport à la mode comme construction du genre ; construction qui entre cependant en conflit avec la représentation de la femme intellectuelle de l’époque. La perception du genre chez Beauvoir et Leduc se manifeste alors et surtout à travers une tension relevée entre mode (exhibition de la féminité) et intellectualisme (exhibition de la neutralité) ; tension perceptible à travers les alternances du dit et du non-dit. Est-il possible de performer un genre féminin intellectuel ? Et de quelle manière cette performance se manifeste-t-elle ? Pour répondre à cette problématique, les études menées sur le Bildungsroman féminin (Labovitz, 1986 ; Šnircová, 2015) nous permettront d’observer le phénomène de l’apprentissage d’un idéal de la féminité. L’on relèvera par la suite à l’aide d’études entreprises sur la mode et son influence (Baudot, 1999 ; Craik, 1994 ; Evans, 1999) de même qu’à travers les concepts de performance et de performativité (Féral, 2013 ; Kollnitz et Pecorari, 2021), les diverses tentatives de réappropriation par les deux intellectuelles à l’étude de cet idéal féminin véhiculé. Enfin, il s’agira de révéler, au regard des études sur les identités sexuelles (Butler, 1999 ; Lipovetsky, 2006), la présence d’un rapport inédit et complexe entre la femme intellectuelle du XXe siècle et le genre. / Literature maintains a relationship with fashion not only through its forms, which are in conversation with the era, but also through its subjects as fashion becomes a necessary part of the narrative. The advent of ready-to-wear clothing as a “major event” of the post-war period (Grau, 2007) brings the terms “elegance” and “emancipation” into conflict. The representation of the 20th century woman thus changes according to trends. While the garment is losing its impact on cultural social landmarks⁠ by becoming neutral and universal⁠, French women of letters—the privileged witnesses of this era—are strongly questioning the conveyed feminine ideal. Two of them, Simone de Beauvoir and Violette Leduc, wrote important novels challenging the notions of the female intellectual self and gender performance: Mémoires d’une jeune fille rangée (Simone de Beauvoir, 1958) and La Bâtarde (Violette Leduc, 1964). These two Bildungsroman written in post-war France make the case for fashion as an active component in gender construction; a construction that, however, conflicts with the representation of the female intellectual at the time. Indeed, Beauvoir and Leduc’s perception of gender manifests through a tension between fashion (the exhibition of femininity) and intellectualism (the exhibition of neutrality); a tension noticeable through the alternations of the verbal and the non-verbal. Therefore, is it possible to perform a feminine intellectual gender? If so, how does this performance manifest? To answer these questions, we will first look into studies on the female Bildungsroman (Labovitz, 1986; Šnircová, 2015); this will help us understand how an ideal of femininity is not simply an inherent phenomenon but one that is learnt. Then, we will focus on fashion studies (Baudot, 1999; Craik, 1994; Evans, 1999) and the concepts of performance and performativity (Féral, 2013 ; Kollnitz et Pecorari, 2021); this will allow us to show the various attempts at reappropriation of the feminine ideal conveyed to the two intellectuals considered in this thesis. Finally, we will turn to gender studies (Butler, 1999; Lipovetsky, 2006) to reveal the presence of an unprecedented and complex relation between the intellectual woman of the 20th century and gender.

Cette thèse propose une façon sociologique de domestiquer un objet peu familier: le produit financier. Le cas retenu est celui de l'option: un des produits dérivés les plus controversés, qui s'est trouvé au coeur de la question sociale résurgente du "pouvoir de la finance". Ce travail s'inscrit dans une dynamique de recherche plus globale de reconquête des objets financiers par les sciences sociales entrepris depuis quelques années en France et au niveau international. En adoptant un centrage du regard sur le "produit" lui-même, l'auteur développe un ensemble d'opérations de recherches qui permettent de dessiner l'espace social (et technique) qui fait la teneur du produit. <br />Un premier travail d'anthropologie historique propose alors de soumettre l'option financière à une "anamnèse" qui remonte à Babylone pour revenir à Amsterdam (17ème siècle) avec une étape par la Grèce de Thalès et Aristote. L'option s'avère alors relever d'un espace social solidaire d'un ordre politique et religieux. <br />Néanmoins, le caractère trans-historique de ce "Phénix financier" laisse inexpliquée la spectaculaire transformation quantitative et qualitative subie par les produits dérivés contemporains sur les marchés organisés comme sur les marchés de gré à gré. La thèse s'attache alors à suivre le travail d'in-scription comptable et de pré-scription cognitive et formelle (ou juridque) qui sous-tend les transactions à base d'instruments financiers conditionnels. Cette dé-scription du produit donne alors à voir plusieurs modalités concrètes du processus de mondialisation financière.<br />Au terme de cette analyse, l'écriture collective du produit s'avère fondamentalement prise en charge par "la théorie financière moderne". Ce paradigme financier fait alors l'objet d'une analyse plus attentive sur les relations -descriptives et prescriptives- qu'il a entretenu avec le marché réel au fil de son avénement. A partir d'une mise en évidence de la double spéculation pratique et théorique sur la "volatilité" (qu'ont eu à couvrir ces options), la thèse conclut alors sur la consécration mutuelle et auto-référencielle opérée par la théorie et le marché. Cettte double consécration exprime un visage fondamental du nouvel ordre social, politique et moral de l'option financière moderne.

Dans cette thèse d'histoire de l'art, nous posons un lien inédit entre la philosophie de Johann Gottlieb Fichte (1762-1814) et quelques pratiques artistiques et/ou littéraires issues du premier romantisme allemand : notamment celles de Friedrich Schlegel (1772-1829), de August Wilhelm Schlegel (1767-1845), de Friedrich von Hardenberg (« Novalis », 1772-1801) et de Caspar David Friedrich (1774-1840). Bien que ce lien ait été posé dans l'historiographie traditionnelle, il l'a été en tenant compte soit des contenus particuliers enseignés dans la Wissenschaftslehre de Fichte (théorie du sujet, théorie de la liberté), soit des opinions politiques de cet auteur (républicanisme, égalitarisme, universalisme du droit). Or, le projet romantique tel qu'envisagé par ces praticiens a pour matrice la dynamique pragmatique du message fichtéen, c'est-à-dire la structure aussi bien communicationnelle que pédagogique de ce dernier. Dans cette optique, en prenant pour cadre de référence la recherche actuelle en études fichtéennes, nous démontrons que Fichte est l'auteur d'un dispositif réflexif original dans lequel l'usager d'un système représentationnel donné (en l'occurrence : les présentations scientifiques de la Doctrine de la science) se trouve indexé par le dispositif qu'il anime. Si bien que les fonctions de réception et de production du système --- qui sont du ressort de sa performativité --- s'avèrent parfaitement identiques. Afin de proposer un métalangage adapté aux outils épistémologiques de notre champ disciplinaire (l'histoire de l'art), notre lecture de Fichte Fichte se déploie à partir d'un double cadre méthodologique : la sémiologie des représentations (Louis Marin) et la narratologie (Gérard Genette, Mieke Bal). En fonction de cette méthodologie, nous démontrons que le propre du projet romantique, tel qu'envisagé par ses protagonistes de la première heure (les frères Schlegel, Fr. von Hardenberg) et par son peintre le plus abouti (C.D. Friedrich), est d'avoir déployé le dispositif pragmatique fichtéen dans des pratiques littéraires et plastiques, en vue d'engendrer un nouveau rapport entre l'image et la Bildung (esthétique, politique) du spectateur. Dès lors, la finalité de ce travail est de contribuer aux savoirs sur l'efficacité de l'art dans l'économie spectatorielle de la modernité et d'analyser l'apport de Fichte et des romantiques à la problématique actuelle de l' « agentivité » (agency) des images. / The purpose of this art history dissertation is to shed new light on the relation between the philosophy of Johann Gottlieb Fichte (1762-1814) and the artistic practice of some of early German romanticism's leading figures, namely, Friedrich Schlegel (1772-1829), August Wilhelm Schlegel (1767-1845), Friedrich von Hardenberg (“Novalis,” 1772-1801), and Caspar David Friedrich (1774-1840). Although this link has previously been established in the historiography on German romanticism, I contend that Fichte's importance to the romantic movement does not hinge on the content of his philosophical writings (i.e., the Wissenschaftslehre as a theory of subjectivity or as a theory of freedom), nor on Fichte's political beliefs (republicanism, egalitarianism, the universality of Right). Rather, the driving force behind the romantic project resides in the pragmatic dynamics of the Wissenschaftslehre itself, that is, on its communicational and pedagogical framework. In reference to the work of leading Fichte scholars publishing in the field of the history of philosophy, I argue that Fichte's Wissenschaftslehre consists in an original, self-referential representational system whose putative user is indexed within the very system he or she drives. In the final analysis, the reception of such a system coincides with its production, and both are a function of its performative character. In keeping with the epistemological framework of art history, I propose a reading of Fichte that makes use of two methodological approaches, namely, the semiology of representational systems (Louis Marin) and narratology (Gérard Genette, Mieke Bal). Based on this approach, I contend that the Schlegel brothers', Hardenberg's, and C. D. Friedrich's respective artistic practices make use of the Wissenschaftslehre's pragmatic dynamics in order to rethink the way in which pictorial or textual representations shape their beholders (both aesthetically and politically). Ultimately, this dissertation aims to contribute to current debates on the power of images in the modern context, and to understand Fichte’s and the romantics' heretofore unacknowledged contribution to the theory of the agency of images. / Thèse effectuée en cotutelle avec l'École des hautes études en sciences sociales, Paris. Pour
 respecter
 les
 droits
 d’auteur,
 la
 version
 électronique
 de
 cette
 thèse
 
a 
été 
dépouillée
 de 
ses 
documents 
visuels. 
La
 version 
intégrale
 de
 la 
thèse 
a 
été 
déposée
 au 
Service 
de 
la 
gestion 
des 
documents 
et 
des 
archives
 de
 l'Université
 de 
Montréal.

No description available.

Le travail présenté dans cette thèse s’inscrit dans le champ de la géographie culturelle et veut participer à prouver qu’il existe un tournant spatial tel qu’il a été défini par Edward Soja en 1996, qui permet de porter un regard autre sur les sociétés en les analysant à partir des objets culturels qu’elles produisent. Les albums pour enfants, ces livres conçus pour le jeune public qui combinent images, supports et très souvent textes dans un rapport d’interdépendance, constituent les objets de ce travail de recherches. Envisagés comme des produits culturels géographiques, ils interrogent, disent, représentent et mettent en scène espaces et spatialités. S’intéressant à un corpus d’albums iconotextuels narratifs édités en France entre 1919 et 2012, ce travail s’emploie à démontrer qu’il existe une interdépendance entre trois instances narratives (textuelle, iconique et plastique) et que cette interdépendance génère et imagine non seulement de l’espace pour le lecteur mais également une intentionnalité spatiale, une transmission d’un habiter tel qu’il est pensé par l’auteur-illustrateur. La dernière partie de ce travail, plus exploratoire, propose de voir dans l’album pour enfants un lieu de communication dans lequel l’intentionnalité spatiale aiderait le lecteur-enfant à agir sur de l’espace. La réception, l’expérience esthétique, la lecture performative de l’album permettraient à l’enfant de se construire un capital culturel spatial dans lequel il pourrait puiser pour « faire avec » l’espace qu’il habite ou qu’il aura à habiter. / The work presented in this dissertation fits in the field of cultural geography and hopes to prove that there exists a spatial turning point as defined by Edward Soja in 1996, which will allow a further look into societies, analyzing them by means of the cultural objects that they produce.Children’s picture books, these books conceived for the young public which combine images, props, and very often text in a relationship of interdependence, constitute the objects of this research work. Considered as geographic cultural products, they question, state, represent, and stage spaces and spatialities.Drawing from a body of narrative, iconotextual picture books published in France between 1919 and 2012, this work intends to demonstrate that there exists an interdependence among three narrative instances (textual, iconic, and plastic) and that this interdependence generates and imagines not only space for the reader but also a spatial intentionality, a transmission of living such as envisioned by the author-illustrator.The last part of this work, more exploratory, proposes seeing in children’s books a place of communication in which the spatial intentionality would help the child-reader to act on the space. The reception, the esthetic experience, the performative reading of the picture book would allow the child to construct for himself a spatial cultural capital in which he could delve to “play with” the space in which he lives or that he will have to live.

La thèse porte sur la mise en scène de la guerre dans les entraînements militaires aux États-Unis. Elle étudie des faux villages moyen-orientaux qui servent pour l’entraînement de pré-déploiement en Irak et en Afghanistan. On retrouve ces villages sur diverses bases militaires, comme au National Training Center (NTC) de Fort Irwin (Californie), où une douzaine de faux villages afghans et iraquiens ont été construits depuis 2007 dans le contexte de la contre-insurrection afin de préparer les troupes aux guerres de type urbaines et asymétriques. Dans ces environnements immersifs, l’armée américaine tente de reproduire les paysages socioculturel et religieux où se tiennent les missions : mosquées, salons de thé, marchés extérieurs, maisons traditionnelles forment le décor. Afin de préparer les soldats au terrain humain, une rencontre culturelle est simulée entre eux et la population locale à travers des jeux de rôle. Des acteurs, qui sont parfois d’origine afghane et iraquienne, sont embauchés pour jouer la population locale, ce qui servirait à prévenir un certain « choc culturel » anticipé sur le terrain et augmenter la sensibilité culturelle des soldats. Des experts de l’industrie du cinéma comme des pyrotechniciens et des artistes-maquilleurs participent également à ces simulations pour les rendre plus « réalistes » à travers leurs effets spéciaux. La thèse étudie les rationalités et les technologies à l'œuvre dans les faux villages et les manières dont elles soutiennent cette mise en scène « culturelle » de la guerre. Elle examine les pratiques matérielles et discursives des performances qui s’y déroulent. En quelles instances les exercices de simulation s’inscrivent-ils dans un régime de représentation racialisé? Comment l’orientalisme américain est-il articulé dans ces espaces? Quels mythes politiques et discours dominants circulent dans ces géographies fictives? La thèse problématise la représentation et la production de savoirs sur l’autre. Ce faisant, elle participe à la discussion sur l’altérité entamée par plusieurs courants théoriques et champs disciplinaires dont elle s'inspire, notamment les cultural studies, les critical race theories et la critique postcoloniale. L’analyse est basée sur une observation de courte durée au NTC. Le Centre offre des visites guidées de la base qui permettent au public d’assister à une journée d’entraînements dans les faux villages. J’ai participé à deux reprises à ces « NTC Box Tours ». J’ai également mené des entrevues semi-dirigées avec plus de vingt vétérans d’Iraq et d’Afghanistan afin de discuter avec eux de leur expérience d’entraînement de pré-déploiement et du rôle de la culture dans les simulations militaires. / The thesis looks at the performance of war in military training in the US. It studies the mock Middle Eastern villages that are used for Iraq and Afghanistan pre-deployment training. These villages are found on several military bases such as the National Training Center of Fort Irwin (California), where a dozen of oriental towns were implemented since 2007 in order to prepare the troops for urban and asymmetrical type of warfare in the context of counterinsurgency. In these immersive environments, the US military tries to reproduce overseas sociocultural and religious landscapes: mosques, tea rooms, street markets, traditional houses and so on form the set. To prepare the soldiers to the human terrain, a cultural encounter between them and the local population is simulated through role play. Actors, sometimes from Iraq and Afghanistan, are hired to enact the local population. This is said to prevent an anticipated “culture clash” on the ground and raise cultural awareness amongst the soldiers. Experts from the filmmaking industry such as pyrotechnics and makeup artists also take part in these simulations – working to make them more “realistic” through their special effects. The thesis examines the rationalities and technologies at stake in the mock villages, and the way they sustain the « cultural » mise en scène of war. The research interrogates the material and discursive practices of the performances taking place in the mock towns. In what instances are the simulation exercices anchored in a racialized system of representation; how is the American orientalism being rearticulated in these spaces; what political myths and hegemonic discourses are circulating in these fictive geographies? The thesis problematizes the ways of knowing and representing the other. Therefore, the research takes part to the discussion on otherness initiated by diverse theoritical accounts and academic fields, such as cultural studies, critical race theories, and postcolonial critique. The analysis is based on a short observation at NTC. The Center offers guided tours of the base, allowing the general public to attend to one day of training in the mock villages. I participated twice in these “NTC Box tours”. I also conducted semi-directed interviews with more than twenty Iraq and Afghanistan veterans, in which they share with me their experiences of pre-deployment training and their thoughts on the place of culture in military simulations.

Thèse en recherche-création / Cette recherche-création doctorale, dont l’un des principaux objectifs consiste à éprouver la portée heuristique de l’écriture comme recherche, est composée d’un recueil intitulé Murmurations - et d’un essai réflexif que j’appréhende comme mon Carnet de voyage-thèse. Fondamentalement articulés, ils procèdent des expérimentations d’écritures auxquelles je me suis prêtée avec trois autres femmes : Catherine, Fanie et France. Dans le cadre de ma thèse, je nous ai invitées à écrire nos vieillissements. Le recueil Murmurations, destiné à être publié, réunit les huit textes que nous avons produits, mes co-autrices et moi, à la suite d’une correspondance in absentia que nous devions entreprendre avec les personnes que nous considérons respectivement comme nos pères. Ces derniers ont un point commun, celui d’avoir reçu, au cours des 10 années précédant le début de ma recherche, un diagnostic d’Alzheimer ou d’une maladie apparentée (généralement associée au vieillissement et, plus précisément, au vieillissement du cerveau). Je reproduis ci-dessous la quatrième de couverture de Murmurations, le recueil d’écritures de vieillissements dont, en tant que chercheuse et initiatrice du projet, j’ai fait l’édition : Murmurations Pratiques d’écritures multiples et multiformes saisies en plein vol. Recueillies ici, ces écritures de France Brûlé, Fanie Pelletier, Catherine Lépine-Lafrance et Karine Bellerive composent une fascinante chorégraphie. Écrire les vieillissements. Écrire ses vieillissements, ses rapports changeants à soi, à son père, aux héritages et aux deuils, à la littérature, à l’écriture, au temps, au monde… Me situant à l’intersection des cultural studies et des aging studies, j’aborde dans mon Carnet de voyage-thèse les différents enjeux de vieillissements qui se sont révélés à travers nos expérimentations d’écritures, à mes co-autrices et moi. La réflexion que je déploie dans cet essai réflexif se situe à l’encontre des conceptions strictement chronologiques, et en cela réductrices, du vieillissement. Sous-tendu par une épistémologie résolument féministe, l’ensemble de mon projet vise, au contraire, à en montrer l’hétérogénéité et les aspérités - bien au-delà des perspectives qui l’envisagent d’emblée comme déclin et, à l’autre bout du spectre, des injonctions au successful aging. J’appréhende ainsi les vieillissements en ce qu’ils sont informés par nombre de discours, de pratiques et de rapports de pouvoir et en ce qu’ils participent de multiples temporalités. Ponctué d’écritures en images, mon Carnet de voyage-thèse est découpé en six parties, lesquelles peuvent être abordées dans le désordre. Les Lignes de départ offrent cependant quelques clés de lecture. Suivent la Station Femmes et littératures, la Station Deuils, les Passages et passagers : écrire dans la maison du père, la Station Héritières et héritage et la Station Écritures. Dans les Lignes de départ, j’expose les grandes lignes de mon projet : les questions et préoccupations qui l’ont initié, ainsi que les choix sur lesquels il repose sur le plan méthodologique. Je donne également un bref aperçu de l’ensemble de l’essai. Suit la présentation de mes co-autrices : Catherine, Fanie et France. J’aborde enfin, succinctement, les considérations épistémologiques, éthiques et politiques qui m’ont guidée tout au long de ma recherche. Mon travail, dans la Station Femmes et littératures, repose sur mon appropriation du matérialisme culturel de Raymond Williams, et plus spécifiquement du concept de structure of feeling. Je réfléchis, d’une part, aux manières dont nos pratiques littéraires, à Catherine, Fanie, France et moi, s’inscrivent au sein des littératures et des littératures de femmes. Et j’observe, d’autre part, les rapports de pouvoir et les régimes de valeur qui les traversent. Dans la Station Deuils, je m’applique à problématiser et à historiciser les deuils auxquels je nous ai vues confrontées, Catherine, Fanie, France et moi, à travers nos écritures de vieillissements. Je m’intéresse à ce qui les constitue comme deuils et aux manières dont nous les négocions à travers nos écritures. Dans les Passages et passagers : écrire dans la maison du père, je pose la question du père. Toute cette section met en quelque sorte les pères sous rature, dans l’optique les penser au-delà du sens commun - largement fondé sur une idéologie du sang. J’observe ensuite les pères et les rapports fille-père qui sont écrits par des autrices à différentes époques, de même que les pères et les rapports fille-père que nous écrivons nous-mêmes, Catherine, Fanie, France et moi. Je me penche plus précisément sur ce que génèrent ces écritures de pères. Ma pratique d’écriture réflexive, dans la Station Héritières et héritage, s’inspire de celle de Maggie Nelson dans Les Argonautes (2015). Je m’intéresse au travail de l’héritage, soit aux enjeux que ce travail soulève, aux contraintes et aux libertés qui le fondent et à ce vers quoi il nous oriente, mes co-autrtices et moi. J’adopte une perspective derridienne dans la Station Écritures afin d’appréhender l’écriture en tant que trace, en tant qu’inscription. J’ouvre le concept pour montrer comment diverses approches de l’écriture posent différentes questions et m’amènent à penser différents enjeux, dont plusieurs s’articulent à des enjeux de vieillissements. J’expose d’abord comment nos expérimentations d’écritures, à Catherine, Fanie, France et moi, s’inscrivent dans un souci de soi et des autres. Je présente ensuite les matérialités qui les constituent. Je m’intéresse enfin à certains enjeux de pouvoir qui les traversent ainsi qu’à leur force performative. / This doctoral research-creation, one of whose main objectives is to test the heuristic scope of writing as research, is made up of a collection entitled Murmurations and a reflective essay that I envision as my Carnet de voyage-thèse, or logbook/thesis. These two intertwined components are an outgrowth of the writing experiments in which I engaged with three other women, namely Catherine, Fanie, and France. As part of my thesis, I invited the four of us to “write our agings”. Murmurations is a collection (destined to be published) of eight texts that my co-authors and I produced following in absentia correspondence we set out to pursue with the people we respectively consider to be our fathers. All of them shared the commonality of having been diagnosed with Alzheimer’s or a related illness (generally associated with aging and, more specifically, with brain aging) within the 10 years prior to the start of my research. Below I have reproduced (freely translated into English) the back cover of Murmurations, the collection of writings which I edited, as the researcher and project initiator: Murmurations Multiple and multifaceted writings captured in mid-flight. Collected here are writings by France Brûlé, Fanie Pelletier, Catherine Lépine-Lafrance, and Karine Bellerive, which together make up a captivating choreography. To write our agings. To write our agings, changing relationships with ourselves, our fathers, inheritances and mourning, literature, writing, time, the world... Located at the crossroads of cultural studies and aging studies, I take up in my logbook/thesis the various issues of aging that came to light through my own and my co-authors’ writing experiments. The reflection that I develop in this reflective essay is at odds with strictly chronological, and therefore reductive, conceptions of aging. My entire project is underpinned by a resolutely feminist epistemology and quite conversely sets out to show the heterogeneity and rough edges of aging—beyond outlooks of aging seen a priori as a decline or, at the other end of the spectrum, exhortations of successful aging. I understand aging as being informed by a number of discourses, practices, and power relations, and partaking in multiple temporalities. My logbook/thesis is interspersed with images and divided into six parts, which can be approached in any (dis)order. The Lignes de départ or opening lines, however, offer some keys for reading the text. They are followed by the Station Femmes et littératures (women and literatures station), the Station Deuils (mourning station), Passages et passagers : écrire dans la maison du père (passages and passengers: writing in the father’s house), the Station Héritières et héritage (heiresses and inheritance station), and the Station Écritures (writings station). In the opening lines, I outline my project, i.e., the questions and concerns that gave rise to it, as well as the choices on which its methodology is based. I also give a brief overview of the essay as a whole. This is followed by a presentation of my co-authors, Catherine, Fanie, and France. Finally, I briefly discuss the epistemological, ethical, and political considerations that guided me throughout my research. My work in the Station Femmes et littératures is based on my appropriation of Raymond Williams’ cultural materialism, and more specifically the concept of structure of feeling. I reflect on how our (Catherine’s, Fanie’s, France’s, and my own) literary practices are situated within literature and women’s literatures in particular. At the same time, I also observe the power relations and value systems inhabiting these literatures. In the Station Deuils, I attempt to problematize and historicize the mourning that I have seen Catherine, Fanie, France, and myself face through our writings. I am interested in what constitutes this mourning as grief and how we negotiate this grief through our writings. In Passages et passagers : écrire dans la maison du père, I pose the question of the father. This entire section in a sense places fathers under erasure, in order to ponder them beyond common sense (i.e., largely based on an ideology of blood relations). I then look at fathers and daughter-father relationships that have been written about by women authors during different time periods, as well as the fathers and the daughter-father relationships that Catherine, Fanie, France, and I have written ourselves. I look specifically at what emerges from these writings on fathers. My reflective writing practice in the Station Héritières et héritage is inspired by Maggie Nelson’s practice in Les Argonautes (2015). I examine the work of inheritance: the issues that this work raises, its underlying constraints and freedoms, and how it orients my co-authors and me. I adopt a Derridean perspective in the Station Écritures in order to grasp writing as a trace, as an inscription. I break down the concept to show how different approaches to writing raise different questions and lead me to think about different issues, many of which are connected with issues of aging. I first explain how our (Catherine’s, Fanie’s, France’s, and my own) writing experiments participate in care of the self and others. I then discuss their inherent materiality. Finally, I investigate some of their associated power issues and their performative power. Keywords: Aging, writing, literary practices, literatures, women, father, family, Alzheimer’s, mourning, inheritance, perfomativity, feminist epistemology, power relations, cultural studies, aging studies.

Au cours des premières décennies du XXIe siècle, les écrivaines latino-américaines dépeignent des personnages féminins qui remettent en question la figure traditionnelle de la mère, remettant en cause simultanément le schéma traditionnel du lien entre mère et fille. Les approches de Judith Butler sur la performativité et le corps, ainsi que la méthode déconstructive de Jacques Derrida, sont à l’origine de cette analyse comparative des romans : Nueve lunas (Gabriela Wiener), La débil mental (Ariana Harwicz) et La hija única (Guadalupe Nettel). Butler soutient que la performativité du genre découle d’une construction soumise à une série de pratiques significatives qui ont perpétué un discours. Ce discours, instauré dans un contexte patriarcal, a été rendu opérationnel grâce à la reconnaissance de certaines normes qui ont historiquement placé les femmes dans une position subalterne. Dans ces romans, nous découvrons des mères qui remettent en question les normes établies par le discours dominant, offrant ainsi de nouvelles perspectives aux futures maternités de leurs filles. De même, les écrivains abordent la maternité au-delà du binôme de la bonne ou mauvaise mère, élargissant la chaîne des significations de la maternité et recensant des maternités alternatives. En dernier lieu, l’étude s’intéresse à la critique sociale que les écrivaines expriment dans leurs romans concernant l’application de la normativité imposée au corps maternel pour assurer une reproduction réussie, ainsi qu’à la violence associée à la défaillance de ces normativités. / In the early years of the 21st century, Latin American female writers engendered female characters that deconstruct the traditional model of the mother while questioning the traditional structure of the bond between mothers and daughters. Judith Butler’s approach to performativity and the body, together with Jacques Derrida’s method of deconstruction are the theoretical background to the comparative analysis of the novels Nueve lunas (Gabriela Wiener), La débil mental (Ariana Harwicz) y La hija única (Guadalupe Nettel). Butler argues that gender performativity stems from a construction anchored in a series of meaningful practices that have been perpetuated in the sociocultural discourse. This discourse, established under a patriarchal system, achieved its effect by naturalizing certain norms that have historically placed women in a subordinate position. In these novels, we find mothers who subvert the norms established by the dominant discourse, opening new perspectives to the future maternity of their daughters. Furthermore, the writers address motherhood beyond the binomial of good or bad mothers to expand the chain meaning of motherhood and take into account the present imprint of maternity. Finally, this study considers the social claim that the novels raise regarding the regulations that are imposed on the maternal body to ensure successful reproduction and the violence associated with the breach of those regulations. / Durante las primeras décadas del siglo XXI las escritoras latinoamericanas presentan en sus textos literarios personajes femeninos que deconstruyen la figura tradicional de la madre, cuestionando simultáneamente el esquema tradicional del vínculo entre madre e hija. Los planteamientos de Judith Butler sobre la performatividad y el cuerpo, así como el enfoque deconstructivo propuesto por Jacques Derrida sirven en este trabajo como marco para el análisis comparativo de las novelas Nueve lunas (Gabriela Wiener), La débil mental (Ariana Harwicz) y La hija única (Guadalupe Nettel). Butler argumenta que la performatividad de género resulta de una construcción sujeta a una serie de prácticas significativas que se han perpetuado en el discurso sociocultural. Este discurso, establecido bajo un sistema patriarcal, ha naturalizado ciertas normas que históricamente han situado a las mujeres en una posición subalterna. En las novelas del corpus encontramos madres que subvierten las normas establecidas por el discurso dominante, abriendo con ello nuevas perspectivas a las futuras maternidades de sus hijas. Asimismo, las escritoras abordan la maternidad más allá del binomio de la buena o mala madre, ampliando la cadena de significaciones de la maternidad y registrando maternidades alternativas. Por último, el trabajo considera la denuncia social que las novelas plantean con respecto al cumplimiento de la normativa impuesta sobre el cuerpo materno para garantizar una reproducción exitosa, así como con respecto a la violencia asociada al incumplimiento de dichas regulaciones.