Le profond enracinement de Pinocchio dans les imaginaires n'est pas seulement le fait des clichés pédagogiques que le « bon petit diable » de Collodi n'a jamais cessé d'inspirer à ses innombrables laudateurs. Si cette figure universelle, 125 ans après sa rocambolesque création, continue d'exercer une telle fascination sur les esprits, c'est parce que, loin d'être uniquement un garçonnet en devenir, elle est d'abord et avant tout l'hybridation d'un être et d'une bûche, l'inouï télescopage de la culture et de la nature, de l'âme et du bois. Dans les représentations usuelles, la célèbre marionnette évoque les turbulences de la jeunesse, les tentations et les écueils qui jalonnent le chemin de la découverte, les épreuves qui édifient, élèvent. Vaille que vaille, Pinocchio reste l'emblème de la réalisation de soi dans un monde dénué d'autorité parentale où, à la voix de la raison, s'opposent l'insouciance et la toute-puissance du Principe de plaisir. Parmi les multiples interprétations et adaptations du conte, rares, très rares sont celles qui échappent à ce que l'on pourrait appeler « la tentation anthropocentriste », c'est-à-dire celle qui se concentre sur la finalité métamorphique du personnage et qui ne voit en Pinocchio qu'une chrysalide de bois inéluctablement vouée à s'incarner dans un corps moral et assagi. La faute, il faut dire, en incombe à Collodi. En métamorphosant son conte en fable, en achevant Pinocchio, l'écrivain toscan a lui-même ouvert la voie à une lecture téléologique de son chef-d'oeuvre. Or à bien considérer la genèse du texte et les intentions premières de l'auteur, il s'avère que le Pinocchio fondamental aspire davantage à la fuite perpétuelle qu'à la pétrification dans une enveloppe humaine. La fin des Aventures de Pinocchio, CoIlodi d'ailleurs, lorsqu'on l'interrogeait à ce propos, prétendait ingénument l'avoir oubliée... La fascination tenace que le pantin animé continue d'exercer sur les imaginaires vient donc surtout, semblerait-il, de sa nature hybride. Plus que tout autre personnage de conte classique, Pinocchio appartient à l'interrègne. À la fois humain et végétal, ligneux et animal, il cristallise à lui seul toute l'énigme du vivant. En 1881, lorsqu'il prend naissance dans les colonnes du Giornale per i bambini, Pinocchio entre en résonance avec les interrogations qui, à la même époque, assaillent la communauté scientifique occidentale. Il fait écho au tonitruant débat qu'a soulevé Darwin avec De l'origine des espèces, il anticipe de quelques années la révolution freudienne relative à l'abyssale ambivalence de la psyché humaine et matérialise à sa manière le phénomène totémique, que la jeune anthropologie sonde et ausculte alors avec passion. Si certains de ses exégètes se sont furtivement essayés à associer Pinocchio à la science de l'Homme, si ça et là quelques lignes ont été consacrées à l'universalité anthropologique de la bûche parlante, aucun travail ne s'est sérieusement penché sur sa nature totémique. Ce mémoire entend combler cette lacune. Car au-delà du manichéisme moralisant qui caractérise le conte, au-delà de la lecture chrétienne du texte, Les Aventures de Pinocchio peuvent aussi être confrontées à la toujours très pertinente question totémique, qui consiste à chercher dans le non-humain (animal, végétal, minéral) un reflet de soi, en tant qu'humain. L'hypothèse qui préside à cette étude anthropologique des Aventures de Pinocchio consiste à avancer que le célébrissime personnage, à l'image de « l'opérateur symbolique » élaboré par Lévi-Strauss, tient lieu de fixateur conceptuel dans un univers chaotique (donc réaliste) que l'indifférenciation continuellement menace. Pinocchio, en tant que creuset de la contradiction, agencement entre l'âme et le bois, entre les règnes, permet de penser et d'approfondir, comme a contrario, la question de la spécificité humaine. À ce titre, il peut être assimilé au chaînon manquant qui nourrit depuis plus d'un siècle les phantasmes de la raison savante. Considéré comme proto-humain et « antéchristique », Pinocchio-l'oeil-de-pin, Pinocchio-l'entre-deux renvoie à la « Pensée sauvage » dans le sens où il assure, de par sa constitution même, la dialectique entre la nature et la culture et qu'il intériorise le va-et-vient classificatoire propre au phénomène totémique. Pinocchio est certes une créature morale, mais il est aussi, cela crève les yeux, un vecteur de narration fondamentalement original qui contient en lui son propre double, sa propre antithèse et qui, parce que intrinsèquement « ouvert » [au sens heideggerien], renvoie autant à l'animisme, au totémisme, qu'à l'infime frontière qui bée entre l'humain et le non-humain. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Pinocchio, Anthropologie, Ethnocritique, Totémisme, Devenir-animal.

Notre mémoire a pour but de voir si la nouvelle littérature érotique féminine québécoise se distingue de ce qui se fait traditionnellement dans la littérature érotique masculine. Nous nous intéresserons plus particulièrement au type d'érotisme mis en scène et à la façon dont sont représentés les personnages féminins. Pour cela, nous étudierons trois collectifs de nouvelles érotiques écrites par des femmes : « Tenter l'érotique », publié dans la revue féministe La vie en rose (1985), « Le versant féminin de l'érotisme », publié dans le magazine littéraire Arcade (1987), et le recueil Nouvelles érotiques de femmes (1999). Comme nous nous intéressons à la façon dont sont mis en scène des personnages féminins et à la manière dont est présenté l'érotisme dans des textes écrits par des femmes, nous aurons comme approche théorique la critique au féminin. Dans notre premier chapitre, à l'aide des textes de Kate Millett, Anne-Marie Dardigna et Nancy Huston, nous chercherons d'abord à définir ce qui caractérise la littérature érotique traditionnelle. Ensuite, grâce aux travaux d'Audre Lorde, de Marcelle Brisson, de Judith Butler et de Marie-Hélène Bourcier, nous verrons à quoi pourrait ressembler un érotisme au féminin. Nous présenterons par la suite plus en détail nos trois collectifs de nouvelles en analysant leurs paratextes et, pour finir, nous parlerons de notre méthodologie. Notre corpus étant très vaste, nous aurons notamment à construire une grille de lecture nous permettant de faire une première analyse de nos nouvelles et d'en sélectionner un certain nombre qui seront analysées en profondeur. Notre deuxième chapitre sera consacré à l'analyse des nouvelles sélectionnées. Sept thèmes seront alors abordés: le statut de sujet ou d'objet des personnages féminins; les rapports de force ou d'égalité entre les personnages; la façon dont sont vécus l'érotisme et la sexualité (dans la culpabilité, la honte, la tristesse, la joie, etc.); la manière dont sont décrits le corps des femmes et la jouissance féminine; le rapport aux cinq sens et la façon dont sont mises en scène les relations entre femmes. Pour chacun des thèmes, nous étudierons la ou les nouvelles les plus représentatives de notre corpus, mais aussi les plus novatrices. La synthèse des analyses faites dans le deuxième chapitre sera présentée dans la conclusion, qui propose un bilan de ces trois tentatives de créer un érotisme au féminin. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Littérature érotique, Érotisme au féminin, Représentation de la femme, Critique au féminin, Nouvelles québécoises.

Ce travail se propose d'analyser principalement la figure de Barbara dans le livre Soeurs, Saintes et Sibylles de Nan Goldin (2005). Dans cette oeuvre, qui a d'abord été une installation, trois récits principaux sont racontés: celui de sainte Barbara, celui de Barbara (la soeur de Goldin, qui s'est suicidée) et celui de l'auteure. Dans les trois cas, des femmes un peu marginales ont souffert de la répression et de l'enfermement. Il s'agira notamment de décrire les caractéristiques et les répercussions de cette figure, mais aussi de considérer la manière dont Goldin la fait apparaître. Même si le processus de figuration et de symbolisation est fondé à même la démarche artistique de cette artiste dans l'ensemble de son oeuvre, des différences formelles dans le texte étudié ont pour effet de susciter chez la lectrice un investissement important dans la compréhension et l'interprétation de ce livre. Ainsi, pour la lectrice, la figure n'est pas seulement le résultat d'un travail de relation et de projection, mais aussi l'aboutissement logique d'une série d'indices érigés par l'auteure. En plus de se nourrir d'ouvrages sur la photographie et la lecture, ce travail s'appuiera sur la théorie des figures (Gervais, 2006; Lefebvre, 1997; Didi-Huberman, 1992), en l'utilisant non pas comme une grille de lecture, mais bien comme fondement d'un raisonnement et d'une analyse. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Figure, Photographie, Lecture, Nan Goldin, Sainte Barbara.

Notre mémoire traite des personnages féminins dans le théâtre et le roman de deux auteures québécoises, Marie Laberge et AbIa Farhoud. Les types de personnages étudiés sont les mères, les migrantes et les artistes. Notre corpus est constitué de la pièce Charlotte, ma soeur (2005) et du roman La cérémonie des anges (1998) de Marie Laberge ainsi que de la pièce Jeux de patience (1997) et du roman Le bonheur a la queue glissante (1998) d'Abla Farhoud. Le premier chapitre est réservé à l'analyse des personnages de mères, qui, chacune à sa manière, et à des niveaux différents, vivent les hauts et les bas de la maternité. Certaines mères doivent faire le deuil de leur fille, ou même de la maternité. Au cours du deuxième chapitre, nous nous intéressons à l'exil extérieur des femmes migrantes qui, bien souvent, ont dû quitter leur pays d'origine. De plus, nous nous arrêtons sur l'exil intérieur de ces femmes qui ont tendance à s'isoler, ayant peur de faire face à la réalité, leur réalité. Finalement, dans le dernier chapitre, nous verrons comment la création artistique peut changer le cours de l'existence des femmes de notre corpus et les aider à trouver leur voix/voie. Nous nous interrogeons, entre autres, sur la possibilité d'être créatrice et procréatrice à la fois. Nous nous intéressons aux liens qui existent entre ces trois types de personnages. Si certaines ne jouent que deux rôles, d'autres sont à la fois mère, migrante et artiste. Une trajectoire particulière mène la mère à devenir artiste et vice versa. C'est d'ailleurs dans la fusion de ces deux rôles que se réalise bien souvent la quête de soi du personnage féminin. Aussi, nous voulons comprendre pourquoi la maternité et la migrance sont, dans bien des cas, des éléments indispensables pour la réalisation de l'oeuvre du personnage artiste. En effet, la création artistique aide les personnages féminins à affronter leur souffrance. Les femmes qui n'ont pas accès à l'art, au langage, à l'écriture sont généralement enfermées dans leur rôle de mère ou dans leur rôle de victime. Les artistes, elles, réussissent mieux à se sortir de leur exil intérieur et à accepter l'existence. Grâce à l'art, les femmes étudiées réussissent à s'exprimer, à apprivoiser leur souffrance et à trouver un sens à leur vie. L'art apparaît comme un lieu de réconciliation, de réparation et d'énonciation de soi. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Littérature québécoise, Roman, Texte dramatique, Marie Laberge, AbIa Farhoud, Femme, Personnage féminin, Mère, Migrante, Artiste.

Sonatines est un recueil thématique composé d'une douzaine de nouvelles qui ont le son comme thème central. Il a été pensé comme l'exploration d'un sens, l'ouïe, à travers différents contextes de fiction. Cette volonté d'approfondir l'ouïe ne se prétend pas scientifique. Elle reflète plutôt un désir de confronter des personnages à différentes réalités sonores du quotidien. Bien que le thème du son soit généralisé à l'ensemble du recueil, d'autres thèmes, tel celui de la rupture, font parfois irruption. La forme de Sonatines imite la construction d'une sonate (divisée en trois mouvements), développant une thématique générale dans le but de confronter les différents personnages à leurs propres limites et ce, à partir d'un simple évènement (voire d'un non-évènement) sonore. L'appareil réflexif accompagnant le recueil est divisé en trois parties. La première prend forme de prolégomènes et aborde divers aspects du sonore (la musique, la parole, le silence, le bruit), son impact sur l'humain et sa capacité de déclencher chez lui des émotions et des souvenirs et ce, parfois, tout à fait inconsciemment. L'objectif de cet essai n'est pas de couvrir l'ensemble des connaissances répertoriées sur le son, mais de démontrer le rapport hautement sensible qu'il entretient avec l'humain (et, potentiellement, avec le personnage), que ce dernier en soit conscient ou non. La deuxième partie de cet essai pose une réflexion sur les différents enjeux reliés à l'écriture d'un recueil thématique. Elle cherche à approfondir les diverses composantes qui sont affectées par le principe de variation du thème (le genre de la nouvelle, le personnage, la narration et la structure du récit). La dernière section aborde l'agencement des nouvelles dans le recueil. Il y est également question de la forme des nouvelles et du recueil en rapport avec celle de la sonate, ce qui explique non seulement la construction formelle des nouvelles, mais aussi celle du recueil en entier. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Son, Thème, Nouvelle littéraire, Rupture, Sonate.

S'appuyant sur les théories féministes, cette recherche vise à se questionner sur la démystification des héroïnes de music-hall ainsi que sur la fabrication des traits sémantiques qui participent à leur réhabilitation dans cinq textes de Colette: Music-Halls (dans le recueil Les Vrilles de la vigne, 1908), La Vagabonde (1910), L'Envers du music-hall (1913), Mitsou ou Comment l'esprit vient aux filles (1919) et Gribiche (dans le recueil Bella-Vista, 1937). Après avoir effectué une présentation des textes à l'étude ainsi qu'une synthèse du music-hall parisien de la Belle Époque, nous montrerons comment Colette crée une corporéisation de ses héroïnes qui révèle le malheur et la souffrance (sous-alimentation, exposition aux températures excessives, surmenage, maladie, pleurs, etc.) remettant en cause la représentation de certains idéaux corporels de la féminité exacerbés dans l'univers du spectacle (minceur, activité, santé, sourire, etc.). Ensuite, nous allons démontrer comment les états sociaux des héroïnes sont novateurs et transgressifs en ce qu'ils s'opposent à la conception traditionnelle qui cantonne la féminité aux situations de mère et d'épouse. Colette défie la fixité de l'ordre patriarcal en négociant pour ses héroïnes un espace fictionnel pour les identités féminines plurielles: travailleuses à l'extérieur du foyer au music-hall, mères hors du mariage, divorcées et célibataires. À partir de ce mouvement subversif qui anticipe sur l'Histoire, nous verrons comment les préjugés sociaux marginalisent les personnages. Après avoir étudié la démystification des héroïnes de music-hall sur les plans corporel et social, nous verrons, au troisième chapitre, comment l'écriture de Colette témoigne de sa filiation avec les héroïnes dans le plaidoyer qu'elle formule en leur faveur: en fabriquant pour ses anciennes compagnes de métier des traits sémantiques positifs (résistance, fierté, vaillance, etc.) dont l'effet est de les valoriser, Colette renouvelle leur image et détermine leur réhabilitation. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Colette, Music-hall, Féminisme, Démystification, Réhabilitation.

Le roman graphique, courant de la bande dessinée américaine, a récemment fêté ses trente ans. Ce format se caractérise d'abord par une rupture radicale avec la tradition du comic book, genre dominant du siècle dernier. Par contre, nous remarquons que certains romans graphiques parus récemment se réapproprient des éléments clés du comic book et les réintègrent à leurs récits. En résultent des oeuvres qui continuent à présenter des caractéristiques formelles et thématiques originales, tout en multipliant les clins d'oeil. Au-delà de la reprise de certains éléments, quelques auteurs se permettent une importante réécriture de la tradition et présentent une véritable déconstruction du « folklore » de la bande dessinée. L'étude de deux romans graphiques phares nous permet d'approfondir cette observation. Jimmy Corrigan: The Smartest Kid on Earth, de Chris Ware, et de David Boring, de Daniel Clowes, offrent plusieurs similarités. Notamment, l'inclusion à leur trame narrative de la figure du super-héros, porte-étendard du comic book traditionnel. Dans les oeuvres de Clowes et Ware, cette figure subit de grandes transformations, perdant la plupart de ses caractéristiques génériques. Les atteintes faites à cette figure sont nombreuses et nous nous éloignons considérablement du personnage positif et surpuissant auquel nous avons été habitués. Ces oeuvres présentent des êtres inadéquats, impuissants et immoraux. Leur étude nous indique que le motif du super-héros s'associe à une autre figure: celle du père absent. Dans ces romans graphiques, le quotidien de deux fils abandonnés est dépeint. Ainsi, à la manière des théories psychanalytiques indiquant que le père est d'abord une instance symbolique, le personnage du super-héros sert de « palliatif » et constitue une version symbolique du père absent. L'emprunt de cette figure à la tradition permet donc à ces romans graphiques de faire le pont entre l'enfance et l'âge adulte de leurs personnages et de les affranchir comme sujets. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Roman graphique, Comic book, Super-héros, Père symbolique, Littérature américaine, Chris Ware, Daniel Clowes.

Ce mémoire de maîtrise vise avant tout à réintégrer Le double de Dostoïevski au sein du corpus fantastique dont l'interprétation critique l'a souvent exclu, préférant souvent le décrire comme un roman social à teneur psychopathologique. Nous établissons d'abord, dans le premier chapitre, une comparaison entre un grand nombre d'études produites sur ce récit, principalement à propos de la psychologie du personnage, du style de l'oeuvre et de son caractère fantastique. Cette approche dialectique met en relief l'absence d'unanimité et même d'impressionnantes dissensions dans l'interprétation, tout en permettant de pointer du doigt les lacunes de chaque analyse: l'ambiguïté de l'oeuvre apparaît alors comme le principal élément pouvant expliquer un si grand nombre d'hypothèses différentes. Dans le second chapitre, nous présentons ensuite les différentes théories du fantastique littéraire, définissant ce dernier par l'effet de lecture déroutant qu'il peut entraîner devant des éléments d'indétermination non résolus dans un texte: l'effet fantastique peut naître chez celui qui accepte de s'abandonner à sa lecture et de prendre plaisir à l'indétermination sans chercher à interpréter trop rapidement lors de son premier contact avec l'oeuvre. Nous relevons comment l'ambiguïté narrative, fréquemment incarnée par une figure de double dans le corpus fantastique, est un procédé stylistique qui facilite l'émergence de cet effet en proposant simultanément deux ou plusieurs hypothèses concurrentes à une même question. Nous étudions enfin dans le troisième chapitre les occurrences d'ambiguïté et d'autres éléments d'indétermination dans Le double, dans une analyse qui demeure très près du texte, pour montrer que ce dernier résiste à l'interprétation et qu'aucune étude ne peut donc prétendre établir sa signification de façon absolue. Une réflexion sur la traduction nous permet de confirmer ces hypothèses en observant comment la lecture du traducteur influence inévitablement le lectorat de la langue de destination: l'ambiguïté est préservée ou non dans l'oeuvre traduite selon la manière dont cet individu réagit à l'indétermination de l'original. Nous croyons fortement que l'analyse d'un récit fantastique, de même que l'élimination des parties trop floues lors d'une traduction, visent avant tout, pour ceux qui les produisent, à mettre fin au sentiment d'étrangeté qu'ils éprouvent devant une oeuvre qui déroute et refuse d'être résolue. Notre mémoire permet donc de conserver, au coeur même de la réflexion critique sur Le double, un discours sur l'émotion susceptible d'être ressentie lors de sa lecture, ce que la réception journalistique et universitaire tend à évacuer. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Ambiguïté, Double, Dostoïevski, Fantastique, Indétermination, Théories de la lecture.

Le projet d'écriture de Bret Easton Ellis constitue un point aveugle dans l'horizon critique actuel. Pour pallier ce manque, nous nous penchons dans ce mémoire sur l'esthétique pragmatique particulièrement complexe (ou « scrappy », selon la définition de Barbara Herrnstein Smith; 1988) du personnage et de la communication chez Ellis afin de définir son projet d'écriture comme expérience de « descente dans le chaos », expression développée par Maria L. Assad (1991) à partir des réflexions de Thomas M. Kavanagh (1986) sur Les cinq sens de Michel Serres (1985). Pour ce faire, nous proposons une micro-lecture attentive du deuxième roman d'Ellis, The Rules of Attraction (1987), suivie d'un bref retour sur les cinq autres romans de l'auteur. Afin d'effectuer notre micro-lecture, nous avons mis sur pied une grille de lecture construite à l'aide des théories de la pragmatique de la communication et de l'identité empruntées aux sciences sociales, en nous concentrant essentiellement sur les pratiques narratives de l'identité et les états problématiques de la communication. Cette grille a été appliquée au roman grâce au logiciel d'analyse de discours NVivo 8 (approche de codification vivante). Les résultats obtenus ont été interprétés à partir d'une approche libre inspirée des études littéraires et largement informée par les théories des chaoticiens. Cela nous permet de montrer comment il est possible de faire appel à la pragmatique des personnages pour saisir leurs textures différenciées. Il apparaît alors que la pragmatique du personnage ellisien participe d'une esthétique disjonctive de la communication qui se répercute sur l'esthétique générale du texte comme « descente dans le chaos ». L'étude des autres aspects du roman d'Ellis (métadiscours, incipit et excipit, exergue, titre) vient confirmer l'influence des « chaotiques » (Hayles, 1991) sur le projet d'écriture ellisien, point de départ pour repenser The Rules of Attraction comme un jalon important dans le développement d'une écriture et d'une œuvre qui exploitent les possibilités narratives et culturelles du chaos. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Ellis Bret Easton, The Rules of Attraction, Pragmatique, Théorie du personnage, Chaos