Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Dans la présente thèse, je propose de penser une poétique de la voix. Pour ce faire, j’ai entrepris par réfléchir sur diverses études de la voix dans différents domaines du savoir : la philosophie, les études du langage, la littérature, l’anthropologie. Basée sur une sélection d’ouvrages qui en traitent, cette discussion offre la vision du langage qui les imprègne et, par conséquent, la conception du sujet, de la subjectivité, de l’intersubjectivité, du rapport entre le langage et l’homme, entre le langage et la société, le langage et la culture, et finalement la manière dont la construction de la signification est conçue par chacun. Ces questions s’avèrent pertinentes pour la constitution de ce que je nomme une anthropologie historique de la voix. Néanmois, la construction de celle-ci est également rendue possible par l’enjeu d’une anthropologie historique du langage et celui de l’oralité, proposés par Henri Meschonnic. La voix conçue à partir de l’anthropologie historique du langage n’est plus indissociable du langage ; la voix et le langage sont comme le signifiant et signifié du signe, ce qui rend indissociables le langage, la voix et la subjectivité. La voix devient donc le lieu privilégié de la constitution de subjectivités, interrogeant la conception de la voix en tant que simple son. Problématiser la question de la voix nous amène à accorder beaucoup plus d’importance aux aspects prosodiques et accentuels du langage, généralement exclus de la recherche sur le sens telle qu’assumée par les linguistes. Pour concevoir le suprasegmental du langage, je propose de revenir à la notion du rythme chez Émile Benveniste et à son actualisation par Meschonnic, considérant certaines questions d’analyse du rythme de la langue française, de façon à réfléchir sur l’analyse du rythme de la langue portugaise puis aux aspects prosodiques et accentuels, notamment du portugais. L’activité d’écoute de l’énonciation nous conduit à considérer le rythme, les rimes, les échos prosodiques qui construisent la signification d’un texte, d’une oeuvre, ainsi que sa syntaxe, sa morphologie, son lexique. Enfin, concevant la littérature comme un défi constant pour le linguiste et son savoir, j’offre ici une analyse de la voix d’une oeuvre littéraire et écrite, Memórias Inventadas: a Infância, de Manoel de Barros, afin de réfléchir sur la construction de la signifiance à partir de la voix de cette oeuvre, et sur ce que cette oeuvre dit de la voix. / Neste trabalho de tese, me proponho a pensar acerca de uma poética da voz. Para isso, inicio refletindo sobre estudos da voz em diferentes domínios do conhecimento: na filosofia, nos estudos da linguagem, na literatura, na antropologia. Tal discussão destaca a visão de linguagem que perpassa as diferentes obras que tratam sobre a voz. Consequentemente, coloca-se em relevo, em cada abordagem, a concepção de sujeito, de subjetividade, de intersubjetividade; a forma como se concebe a relação entre a linguagem e o homem, a linguagem e a sociedade, a linguagem e a cultura; e a forma como se concebe a construção da significação. Tais questões se tornam pertinentes para a constituição do que chamo aqui de uma antropologia histórica da voz. No entanto, a construção dessa antropologia histórica da voz só se torna possível, também, a partir da problemática de uma antropologia histórica da linguagem e da oralidade, conforme propostas por Henri Meschonnic. A voz concebida a partir de uma antropologia histórica da linguagem não pode mais ser dissociada da linguagem; a voz e a linguagem são como o significante e o significado do signo, o que torna a linguagem, a voz e a subjetividade, indissociáveis. A voz se torna, portanto, o lugar privilegiado da constituição de subjetividades, constatação que questiona a sua consideração simplesmente enquanto som. Problematizar a questão da voz nos leva a atribuir mais importância aos aspectos prosódicos e acentuais da linguagem, geralmente excluídos da investigação do sentido pelos linguistas. Para pensar sobre o suprassegmental da linguagem, proponho que se revisite a noção de ritmo em Émile Benveniste, bem como sua atualização por Meschonnic, considerando as questões de análise do ritmo da língua francesa, a fim de refletir sobre a análise do ritmo da língua portuguesa e, consequentemente, sobre os aspectos prosódicos e acentuais especificamente do português. A atividade de escuta da enunciação nos leva a considerar o ritmo, as rimas, os ecos prosódicos que constroem a significação de um texto, de uma obra, tanto quanto sua sintaxe, sua morfologia, seu léxico. Ao final deste trabalho, considerando que a literatura se apresenta como um desafio constante ao linguista e a seus conhecimentos, apresento uma análise da voz de uma obra literária e escrita, Memórias Inventadas: a Infância, de Manoel de Barros, com o objetivo de refletir sobre a construção da significância a partir da voz desta obra, e sobre o que tal obra diz acerca da voz.

La mémoire occupe une place importante, tant dans les sociétés en générale que dans la littérature en particulier où elle est devenue une référence obligée, une exigence éthique et poétique pour comprendre le passé. Depuis quelques décennies déjà les questions liées à la mémoire reviennent de plus en plus sur la scène littéraire et politique. Dans cette optique, la présente thèse tente de réfléchir sur l’écriture de la mémoire envisagée dans une perspective postcoloniale à travers le roman historique contemporain. Le titre et le débat qu’il soulève mettent en relation les littératures algérienne, congolaise et haïtienne dans le but d’analyser la représentation du passé dans quatre romans : La Femme sans sépulture de Assia Djebar, Le Lys et le Flamboyant de Henri Lopes, Rosalie l’Infâme de Évelyne Trouillot et Ombres dansantes ou le zombie, c’est moi de Hans Christoph Buch. L’omniprésence de la thématique de la mémoire dans ces romans et l’enchevêtrement des faits de l’Histoire et des destins particuliers des personnages invitent à une approche comparatiste. Cette approche est adoptée ici en tant qu’elle nourrit un regard réflexif sur les pratiques culturelles des sociétés algérienne, congolaise et haïtienne. Cette étude a le dessein de poser d’abord, les fondements théoriques des notions et concepts de mémoire, de postcolonialisme en procédant à leur exégèse. Ensuite, elle examine la représentation du passé dans les espaces culturels africain et caribéen à travers les oeuvres sélectionnées. Et enfin, elle construit une poétique de la mémoire postcoloniale dans le roman historique contemporain. Sur fond d’une réécriture de l’Histoire, se dessine ici les contours d’un ensemble de pratiques auctoriales qui s’inscrivent dans une revisitation permanente des récits de l'historiographie. / The Memory has an important place, in our societies in general as well in literature, particularly where it became an unavoidable reference, an ethical and poetic requirement to have a better understanding of our past. For decades yet the questions related to our memory increasingly come back on the political and literary scene. This thesis intends to reflect on the writing of Memory considered in a postcolonial perspective through the historical contemporary novel. The title and thedebate raised put in relation the Algerian, Congolese and Haitian literature in the aim to analyse the representation of the past with the following novels The Woman without sepulcher from Assia Djebar, The Lily and Flamboyant from Henri Lopes, The Infamous Rosalie from Évelyne Trouillot and Dancing shadows or zombi, it’s me from Hans Christoph Buch. The omnipresence of the theme of memory in these four novels and the entanglement of the facts of the History and the particular draws of the characters presented invite to a comparative approach. This approach is adopted here so it canfeed a reflexive look on the cultural practices of the Algerian, Congolese and Haitian societies. This study has the goal to first display the theoretical foundations of Memory notions and concepts, from postcolonialism proceeding to their exegesis. Then, it examines the representation of the past in the African and Caribbean culturals spaces through their selected artwork. Finally, it builds a poetic of the postcolonial memory in the historical contemporary novel. Painted like a rewriting of the History, appear here the outlines of a whole series of auctorial practices entering in a permanent new twist of the Historiography texts.

On n'en prend pas souvent la mesure, Albert Camus c'est à la fois une œuvre et une conduite. Dans la construction de l'identité de l'écrivain-polygraphe, la scène du périodique a été une expérience matricielle. Loin de se réduire au double paradigme de l'absurde et de la révolte, on voit ainsi poindre la figure d'un intellectuel écrivant, ancré dans la bataille des idées de son époque, et dont le jeu spéculaire postule un « agir par le dire.» Notre étude, charpentée en trois phases, tente d'abord de cerner les modèles auctoriaux qui nourrissent son engagement civique ainsi que ses chevaux de bataille au cœur du XX ème siècle en crise. Elle tente ensuite d'éclairer les modulations, les stratégies énonciatives par lesquelles se structure la poétique d'une écriture de combat intimement liée aux urgences du contexte, et en constant ajustement avec les contraintes génériques ; se profile ainsi en filigrane la manière dont l'écrivain-journaliste gère la tension constitutive à tout discours journalistique engagé : informer avec objectivité/impossibilité de dire sans prendre parti. Enfin, l'analyse s'attache à examiner par quelle scénographie auctoriale le journaliste-rhéteur, dont la parole, en prise sur un auditoire à la fois situé et virtuel, postule une efficacité rhétorique, trouve sa voie dans la polyphonie discursive du cotexte. En redécouvrant un auteur canonique par-delà le cadre contraint du « champ littéraire et intellectuel » des « années noires », on mesure non seulement ce que l'écrivain doit au journaliste, mais surtout en quoi son expérience du périodique concentre toute l’œuvre sous la plume, et éclaire du même coup la posture hétérodoxe et singulière d'un des derniers héritiers du « temps des prophètes ». / Ones does not take often measurement of it, Albert Camus is at the same time a work and a control. In the construction of the identity of the writer-polygraph, the scene of the periodical was a matric experiment. Far from being reduced to the double paradigm absurdity and revolt, one sees stinging the figure of a writing intellectual, anchored in the battle of the ideas of his time, and whose specular game applies one “to act by saying it.” Our study, constructed in three phases, initially tries to determine the auctorial models which nourish its civic commitment like its hobby horses in the middle of the XX ème century in crisis. Secondly tries to clarify the modulations, the enunciative strategies by which structure the poetic one of a writing of combat closely related to the urgencies of the context, and in constant adjustment with the generic constraints; is profiled who makes in filigree of it, the way in which the writer-journalist manages the constitutive tension with any committed journalistic speech: to inform with objectivity/impossibility of saying without coming out. Lastly, the analysis attempts to examine by which scenography auctorial the journalist-rhetor, whose word, in catch on an audience at the same time located and virtual, applies a rhetoric effectiveness, finds its way in the discursive polyphony of the cotexte. By rediscovering a canonical author beyond the constrained framework of the “literary and intellectual field” of the “black years”, one measures not only what the writer owes to the journalist, but especially in what its experiment of the periodical concentrates all work under the feather, and clarifies at the same time the heterodox and singular posture of one of the last heirs to the “time of the prophets”.

L'animation est« l'art de se servir des interstices invisibles entre les images». Le cinéaste Norman McLaren souligne ici que la construction du mouvement dépend d'une pratique du dessin de recherche, dont n'est restituée à l'écran que la forme aboutie. Une réflexion s'engage au sujet des processus créatifs d'un cinéma d'animation « d'atelier », fondé sur une démarche expérimentale. Ouvert lors de la réalisation de chaque photogramme, « l'interstice invisible » désigne le chantier de création dans lequel la pratique artistique et le développement filmique sont interrogés. Durant la réalisation, les cinéastes plasticiens font régulièrement « l'expérience de l'interstice » en questionnant leurs dess(e)ins. De nouvelles formes visuelles et narratives peuvent émerger d'une telle démarche, qui favorise les tensions dialectiques tout en encourageant les lignes d'invention : le fixe rencontre l'animé, la fiction se mêle au scénario poïétique et les supports s'entrelacent. Une poétique de la tresse se construit alors. Cette thèse propose de caractériser et de raconter le parcours de recherche du cinéaste plasticien, ainsi que de définir sa ligne de conduite. Il s'agira d'identifier les formes tressées qu'il élabore, jusqu'à émettre des propositions conceptuelles, telles que des « illustrations filmées » ou des matières «ectoplastiques ». Le cinéma d'animation plasticien pourra être défini à cette occasion autour d'une pensée du «tiers» ou du « dehors ». La thèse adopte une ligne de création-recherche, fondée sur des relations entre théorie et pratique, qui favorisent le croisement d'expériences artistiques et d'exercices de pensée. / Animation is «the art of manipulating the invisible interstices that lie between frames». Animator Norman McLaren explains that building movement depends on a research practice, that we can only see the result on screen. An experimental cinema can be defined from his comment. The « invisible interstice » opens with the creation of each new image, and so does the creative disorder, that goes along with questioning the artistic practice and the film development. During production, animators experiment the interstice. New narrative and visual forms can emerge from such an approach, which stimulates dialogues and invention : fixed pictures meet moving pictures, fiction crosses creative development, and media interlace. A poetic of the braid builds itself. This PhD proposes to characterise and tell the creator's explorative journey, and to define his process. We will identify the enlaced forms he creates, and we will propose concepts such as « filmed illustrations » and «ectoplastic» material. Experimental cinema will be defined as a « third » or an « out » cinema. This PhD adopts a line of creation and research, based on a continuous relationship between artistic experiences and theory.

Ce travail présente une édition et une traduction de l'ouvrage d’une des figures marquantes de l’humanisme italien de la Renaissance, Francesco Robortello, intitulé Francisci Robortelli Vtinensis in librum Aristotelis De arte poetice explicationes. Il s'agit du premier commentaire à être publié de la Poétique d'Aristote. L'ouvrage paraît à Florence en 1548, et fait l’objet d’une deuxième édition, révisée par ses soins, à Bâle en 1555 : le commentaire est précédé du texte grec de l’édition aldine des Rhetores Graeci de 1508, accompagné d'une traduction latine d’Alessandro Pazzi qui date de 1536. Robortello est à l'origine de la redécouverte, voire de la découverte en Italie des analyses aristotéliciennes sur l'art poétique, texte difficile qu'il cherche à rendre accessible aux lettrés de son époque. Cette étude a consisté à établir le texte par la confrontation des deux imprimés de Florence et de Bâle, et permet, en découvrant l’ensemble des analyses de l’auteur, de montrer que cecommentaire, loin d’être une interprétation erronée du texte d’Aristote, est une première lecture sur la voie de notre compréhension moderne des lois de la création poétique / This work is an edition and a translation in French of Robortello’s text untitled Francisci Robortelli Vtinensis in librum Aristotelis De arte poetice explicationes. It is the first published commentary on the Poetics, edited in 1548 in Florence, and revised for a second edition in Basel in 1555. The book contains an edition of the Greek text of the Poetics, based onthat of Aldine edition of 1508, but with several emendations, followed by Pazzi’s Latin translation dated from 1536, and his own commentary. This study, by discovering the whole of the author's analyzes, shows that this comment, far from being anerroneous interpretation of Aristotle's text, is a first reading on the path of our modern understanding of the laws of poetic creation.

O presente projeto se propõe a uma investigação da reescritura de uma obra de constituição dramática retirando-se dela os diálogos ditos pelas personagens e estabelecendo a comunicação por meio da ação física dos atores e atrizes na cena, mantendo-se, contudo, aquilo que a caracteriza como dramática: uma fábula constituída em progressão para que haja tensão, conflito, clímax e desenlace. A esse processo de extração dos diálogos deu-se o nome de \"Dramaturgia do Silêncio\". É importante ressaltar que a cena silenciosa se serve de outros elementos significativos como cenografia, iluminação, figurino, maquiagem etc, mas o recorte deste estudo centra-se no trabalho do texto corporal do ator e da atriz, a partir dele que se estabelece a dramaturgia. Tratase de um estudo teórico-prático realizado parcialmente em sala de ensaio com um grupo de criadores cênicos em câmbio de funções entre dramaturgos, atores e encenadores por meio de jogos e improvisações. O texto base para esse estudo é Phèdre, de Jean Racine, um dos três grandes representantes do classicismo francês. / Le projet que nous présentons ici se propose à une investigation de la réecriture d\'une oeuvre de constitution dramatique, en enlevant les dialogues proférés par les personnages et établissant la communication au moyen de l\'action physique des acteurs et des actrices, mais en maintenant, néanmoins, ce qui la caractérise comme dramatique : une fable constituée en progression pour qu\'il y ait de la tension, du conflit, un climax et un dénouement. A ce processus d\'extraction des dialogues nous avons donné le nom de \" Dramaturgie du Silence\". Il est important de souligner que la scène silencieuse se sert d\'autres éléments significatifs comme la scénographie, l\'éclairage, les costumes, le maquillage, etc. mais le découpage de cette étude se concentre sur le travail corporel des acteurs, à partir duquel s\'établit la dramaturgie. Il s\'agit d\'une étude théorique et pratique élaborée surtout en salle de répétitions avec un groupe de créateurs scéniques sur le mode d\'un échange de fonctions entre dramaturges, acteurs et metteurs en scène au moyen de jeux et d\'improvisations. Le texte de base pour cette étude est la pièce Phèdre de Racine, un des trois grands représentants du classicisme français.

Les lecteurs de Victor Hugo s'accordent à penser qu'il est un regardeur. Mais de quel regardeur s'agit-il ? Pour ce poète qui voyage, l'action de voir constitue, plus qu'un goût, un principe esthétique et poétique. Si Hugo s'attache à un beau paysage, c'est en vue d'en faire resurgir ce qui, tout en échappant au regard, prend la forme d'une pensée. Pour le dire autrement, le réel visible est, pour lui, tant régi par la Vérité cachée qu'il ne cesse de mettre en jeu l'existence du sujet. L'évocation d'un paysage est en ce sens la véritable pierre de touche du sujet : le paysage représente, comme inévitablement, le moi qui essaie de participer aux réseaux de l'univers. C'est pourquoi notre étude avait pour objet en particulier les paysages du voyage et de la poésie, afin d'examiner un moi et des moi intertextuels chez Hugo. La relative rareté des études sur le je en voyageur s'explique par une tradition critique qui le considère comme une incarnation immédiate d'un moi unique de l'auteur. Toutefois, on ne saurait trop souligner que, malgré les apparences, le je dans les textes de voyage est protéiforme non moins que le je poétique. Cette thèse dont les réflexions s'articulent autour des regards hugoliens vise ainsi à montrer la complexité du moi de Hugo, et à apporter une lumière nouvelle sur ses poèmes lyriques / Victor Hugo's readers agree that he is a viewer. But what viewer is it? For this poet who travels, the action of seeing constitutes, more than a fondness, an aesthetic and poetic practice. If Hugo attaches to a beautiful landscape, it is in order to bring out the truth escaping the gaze. To put it another way, the visible reality is, for him, so governed by the hidden truth that it emphasise the existence of the subject. The evocation of a landscape is in this sense the true touchstone of the subject: the landscape represents, as inevitably, the ego that tries to participate in the principle of the universe. This is why our study was particularly concerned with landscapes of travel and poetry, in order to examine an ego or egos intertextual in Hugo. The relative rarity of the studies on the traveler is explained by a critical tradition which considers him an simple embodiment of an ego of the author. However, it can not be over-emphasized that, in spite of appearances, the I in the travel texts is protean no less than the poetic I. This thesis whose reflections are articulated around the Hugo's landscapes aims thus to show the complexity of the ego of Hugo, and to bring a new light on his lyrical poems

Cet essai tente de proposer un concept, la « cartographie poétique ». La « cartographie poétique » provient de la tentative valéryenne de dresser une carte de l’esprit, en prenant appui sur la géométrie analytique de Descartes. Pour des raisons que cette étude expose, Valéry se détachera de cette topographie analytique au profit d'une conception plus dialectique de l'espace, intégrant le rapport de l'esprit au corps et au monde (le Corps-Esprit-Monde). Le modèle de cette cartographie serait alors la danse, faisant la part belle à des sens comme l'ouïe et le toucher, s'affranchissant de la tutelle de l'intelligence d'obédience scopique. La démarche valéryenne est aussi mise en rapport avec d’autres poétiques qui lui sont contemporaines : celles d’Artaud, de Mallarmé, de Segalen, Michaux et Bataille, afin d’examiner leurs zones de confluence. / This essay tries to propose a concept, the « poetical mapping ». The “poetical mapping” comes from the attempt by Valéry to map the mind, using the analytical geometry from Descartes. For reasons this essay explains, Valéry will give up this analytical mapping in favour of more dialectical an approach to space, taking into account the connection of the mind to the body and to the world (what he calls the “Corps-Esprit-Monde”). The model of this mapping would thus be the dance, giving their entire place to senses such as hearing and touch, releasing itself from the dominion of sight. Valéry’s poetics is also compared with other contemporary poetics: Artaud’s, Mallarmé’s, Segalen’s, Michaux’s and Bataille’s, in order to examine their common points.

Le roman catholique tel que nous le connaissons est le fruit d’une illusion rétrospective. Nous avons voulu, dans cette thèse, montrer que l’on ne peut lire le roman du second XIXe siècle au prisme de sa popularité au XXe siècle. Le succès qu’il rencontre dans l’entre-deux-guerres est le fruit d’une évolution lente. Des auteurs comme Jules Barbey d’Aurevilly, Joris-Karl Huysmans ou Léon Bloy, n’ont été acceptés de leur temps ni par le monde laïque, ni par le monde catholique. Ils occupent une place inconfortable entre le « prophète romantique » et l’« intellectuel catholique ». Si le monde intellectuel chrétien du XXe siècle s’est servi de ces auteurs pour accréditer l’existence du genre, le roman catholique est loin, au XIXe siècle, de constituer une évidence. Nos recherches explorent en conséquence sa visibilité à cette époque. Basées sur un travail d’archives qui se fonde sur le dépouillement des journaux et bibliographies catholiques, elles ont permis de reconstituer les difficiles rapports du monde chrétien avec le roman. Cette approche archéologique contribue à restituer l’ampleur de la tentative de réforme par l’art qu’ont essayé de mener à bien Barbey d’Aurevilly, Huysmans et Bloy. Elle sert de fondement à un travail de poétique qui interroge, dans le cadre de l’évolution de l’écriture romanesque, le sens qu’il faut accorder à cette tentative de révolution esthétique. / This dissertation explores the constitution of the Catholic novel as a genre in the second half of the 19th century. It aims to show how Jules Barbey d’Aurevilly, Joris-Karl Huysmans and Léon Bloy were misread, partly because of the success of the genre during the 20th century. The popularity of the 20th-century Catholic novelists such as Claude Mauriac or Georges Bernanos has indeed swept away the difficulties encountered by Catholic writers over the course of this anti-clerical period. This work invetigates the reception of the Catholic novel at that time. It is based on historical researches, especially the study of Christian "bibliographies", Catholic press and edition. This provides a better understanding of Barbey d’Aurevilly, Huysmans and Bloy’s conception of Catholic novel as an original theory of art.