O presente trabalho é composto por três volumes. O primeiro fabula a invenção do Brasil, reconta nossa história ancestral de formação pelo viés das corporalidades e apresenta os fundamentos desta proposta de criação. O segundo volume narra toda a caminhada cartográfica e autoetnográfica dos processos de ensino, pesquisa e extensão em nossas ações teóricopráticas , com a finalidade de contextualizar o leitor em direção à perspectiva em rede e sistêmica deste processo de criação. Por fim, no terceiro volume será apresentada a estrutura final desta proposta de criação, suas especificidades e os relatos orais e escritos, em formato de cartas, dos integrantes afro-brasileiros e ameríndios, artistas e pesquisadores membros desses processos artísticos e culturais vivenciados em mais de dez anos de trabalho. Um dos objetivos desta tese é de apresentar um registro cartográfico, além de uma reflexão teóricoartística de uma longa caminhada de formação no campo das artes cênicas em relação aos povos tradicionais afro-orientados e ameríndios, os quais podem ser reconhecidos como potências culturais e autoetnográficas disparadoras de uma proposta para processos de criação em Dança Teatro brasileira. A pesquisa instiga o pensamento e enraíza-se a partir do território e suas potências culturais, corpográficas, a fim de se criar uma urdidura complexa, malha viva de experiências estéticas, simbólicas e míticas, por meio de: rituais, oralidades, memórias, cantos, danças, teatralidades, bibliografias e cosmogêneses. Por esse motivo, esta investigação é composta de diversas camadas de comunicação, as quais são apresentadas em textos formais, acadêmicos, poéticos, cartas, visualidades, oralidades, trilhas sonoras, vídeos, fotografias, gravuras, bordados, entre outros. Todas essas camadas são representatividades dos percursos metodológicos desta pesquisa que também se firma em revisões bibliográficas, entrevistas semiabertas, questionários semiestruturados e reflexões sobre matérias jornalísticas, além das vivências e pesquisas de campo, que são a matéria-prima para a proposição do processo de criação aqui apresentado.Neste sentido, utiliza-se da cartografia no universo de toda a pesquisa e tem como base a proposta metodológica do \"Corpo e Ancestralidade\" (SANTOS,1996) em diálogo com a cultura e corpografias afro-orientadas e ameríndias como possibilidade de construção de uma rede sistêmica e intercultural para vivências de ensino, extensão e pesquisa acadêmicas que convirjam para processos de criação artísticos, estéticos e poéticos de uma Dança Teatro brasileira e que intente ampliar as reflexões sobre corpo e cultura, desviados de um olhar eurocêntrico, para que possamos nos focar em contextos decoloniais para as artes. Aplicabilidade que se deu na produção artística, acadêmica e social dos grupos Gengibre - Grupo Interdisciplinar de Pesquisa, Arte e Extensão sobre Cultura Popular junto aos povos quilombolas da Região que se situa na Zona da Mata, em Minas Gerais (2004 - 2009) e Grupo MANDI´O - Grupo de Pesquisa, Arte e Extensão sobre a cultura ameríndia, com os povos Guarani e Kaiowá, em Mato Grosso do Sul (2010 - 2017). / This is a three-volume PhD dissertation. The first one narrates the invention of Brazil, retells our ancestral history of formation through the bias of corporality and presents the fundamentals of the present project of creation. The second volume narrates a cartographic as well as ethnographic journey across our theoretical-practical activities such as processes of teaching, researching and extension. This will contextualize the reader towards a systemic and networking perspective of this creative process. Finally, the third volume presents this project final structure of this project creation, with its specific oral and written reports, composed as letters by the Afro-Brazilian and Amerindian participants, artists and researchers along more than ten years of artistic and cultural processes experienced as group members. One of this PhD dissertation objectives is to present a cartographic register, besides theoretical-practical reflection upon a long way in the field of performing arts education in relation to traditional peoples, Afro-oriented and Amerindian, who may be recognized as cultural and ethnographic sources of creative processes in Brazilian Dance- Theatre. This research instigates thinking and grounds itself on territory and its cultural potentialities, corpographic, in order to create a complex texture, weaved by a live net of aesthetic, symbolic and mythical experiences by means of rituals, oralities, memories, chants, dances, theatricalities, bibliographies and cosmogenesis. Therefore, this research is composed by diverse layers of communication, each one of them representing methodological choices and instruments necessary to approach the theme by several perspectives. Then, the text brings together a multitude of text genres such as : academic papers, poetic texts, bibliographical review, reflection about journalistic articles, letters, photography, soundtracks, videos, embroidery, engravings, interviews, questionnaires, field research and experiences, which are the raw materials of the creative process presented here. In this sense, the research work is based on cartography, and relies on \"Body and ancestrality\"( Santos, 1996) as its methodological foundation, in dialogue with Afro-oriented and Amerindian culture and corpography . This may indicate a possibility of the construction of a systemic and intercultural network of experiences in academic teaching, researching and extension activities which converge to Brazilian Dance Theatre poetic, artistic and aesthetic creative processes, away from Eurocentric views, in order to focus on decolonial contexts for Arts. Artisitc, as well as academic and social works were produced by two groups: Gengibre - Interdisciplinary Research, Art and Extension about Popular Culture within Quilombolas peoples from Zona da Mata, Minas Gerais (2004-2009) and Group MANDI\'O - Research, Art and Extension about Amerindian Culture, with Guarani and Kaiowá peoples in Mato Grosso do Sul (2010-2017).

Orientador: Júlia Ziviani Vitiello / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-23T15:42:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Conz_Rosely_M.pdf: 2978119 bytes, checksum: 2f027bfb1a5b08efc1c4f2796d4d109a (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: Esta pesquisa observou como as memórias determinam escolhas, criam padrões, formas e maneiras singulares de relacionamento com o processo criativo. Este trabalho se desdobrou na articulação entre teoria e prática, dois aspectos fundamentais para o artista na universidade. A criação de um solo em dança contemporânea tornou-se um meio e também um dos objetivos desta pesquisa. O reconhecimento das minhas memórias possibilitou a reflexão sobre o ensino e prática da técnica do ballet clássico, técnica esta frequentemente utilizada nos processos de formação em dança. O método somático da Ideokinesis foi escolhido para instrumentalizar a observação e, quando necessário, a mudança dos padrões de movimento que são parte das memórias de procedimento. Clarice Lispector constituiu o referencial poético para a criação e a escrita da dissertação. Busquei a leveza, o humor e a intensidade com que esta importante escritora conta suas lembranças no livro de crônicas "A descoberta do mundo" (1999). Os procedimentos técnicos e criativos utilizados e desenvolvidos, bem como os encontros, descobertas, dificuldades, inspirações e transpirações deste processo fazem parte da discussão apresentada nesta dissertação, cuja escrita buscou ser, como no solo de dança, uma obra artística / Abstract: This research observed how memories determine choices; create patterns, shapes and unique ways of interaction with the creative process. This work was developed among theory and practice, two fundamental aspects for the artist at the university. The creation of a contemporary dance solo has become the means and also one of the objectives of this research. The recognition of my own memories enabled a reflection on teaching and practice of classical ballet technique, which is often used in educational processes in dance. The somatic method of Ideokinesis was chosen as an observation tool that allowed me, whenever necessary, to change movement patterns that is part of procedural memories. The author Clarice Lispector constituted my poetic reference. I sought for the delicacy, humor and intensity with which the writer told her memories in the book of chronicles "A descoberta do mundo" (1999). The methods and techniques used and developed during the choreographic creation as well as the encounters, discoveries, difficulties, inspirations and perspiration are part of the process of the discussion presented in this dissertation, which seeks to be written, like the solo dance, as an artistic work / Mestrado / Teatro, Dança e Performance / Mestra em Artes da Cena

Orientador: Antonio Carlos Rodrigues Amorim / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-20T15:52:39Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Torrezan_GustavoHenrique_M.pdf: 171746716 bytes, checksum: 09c47bbced6bc32d2fa299f8e8980e2e (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: Do processo de criação de três trabalhos "|in| side", "Não é mas está sendo"e "Devir ¿¿3" foram produzidos textos e pensamentos que apresentam a invenção de uma escrita e de uma visualidade, ambos com um viés poético, o qual foi criado a partir do fluxo de coleta, em que, as partes coletadas aqui e acolá funcionam separadamente mas, unidas, ganham força e constroem a dissertação como um movimento de expansão que tece um campo de coexistências. Uma diassertação como um experimento em educação. / Abstract: From the creative process of three art works "|in| side", "Não é mas está sendo"e "Devir ¿¿3" were produced texts and thoughts to present a invented writing and a invented visuality, both with a poetic bias, that was created from a collecting flow, in which, the pieces collected here and there work separately but, when united, earn strength and build the thesis as a movement of expansion that sew a camp of coexistences. A thesis as an experiment for education. / Mestrado / Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte / Mestre em Educação

Orientadores: Veronica Fabrini Machado de Almeida, Elisabeth Bauch Zimmermann / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-20T17:57:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 NunezMedina_VivianAlexandra_M.pdf: 9179661 bytes, checksum: e4a3bd35f52553cad526a94331e4c13d (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: Esta pesquisa apresenta uma reflexão e articulação teórico-prática sobre a poética e construção da dramaturgia corporal a partir dos conceitos pneuma, qi e prana, os quais foram indagados em laboratórios práticos de treinamento, exploração coreográfica e criação cênica. O Corpo Conectado apresenta-se como um termo que condensa a idéia de um todo in(di)visível do ser cênico: corpo físico e espírito em movimento unidos, fusionados e potencializados através de uma série de princípios e metáforas que apontam aos aspectos invisíveis, mas perceptíveis do corpo. Estabelecendo um diálogo com artistas como Kandinsky, Alex Grey, Mark Olsen e Yoshi Oida, esta pesquisa formula a idéia de que obra e criação encontramse permeadas por um componente espiritual, por tanto a dramaturgia do corpo e do movimento, pode ser entendida como uma organização interior, uma dramaturgia da alma, uma forma de estruturar e organizar os invisíveis que sustentam o gesto, à ação física e o movimento. Entrelaçando delicadamente uma rede de reflexões e experiências práticas interdisciplinares, esta pesquisa aborda noções da anatomia sutil e energética do corpo em relação com a prática criativa e o treinamento cênico, onde conflui o que finalmente chamaremos de princípios e manifesto de dramaturgia e criação do corpo conectado / Abstract: This research presents a reflection and a theoretical-practical articulation about the poetics and construction of corporal dramaturgy from the concepts pneuma, qi and prana, which were investigated in laboratories of training, choreographic explorations and scenic creation. The Connected Body is presented as a term that condenses the idea of a whole in(di)visible of the scenic being: physical body and spirit in movement, united, fused and enhanced through a series of principles and metaphors that point to the invisible, but perceptible aspects of the body. By establishing a dialogue with artists such as Kandinsky, Alex Grey, Mark Olsen and Yoshi Oida, this research formulates the idea that the work of art and creation are permeated by a spiritual component; therefore, body and movement dramaturgy, can be understood as an inner organization, a dramaturgy of the soul, a way to structure and organize the invisibles that support the gesture, the physical action and the movement. Delicately interlacing a network of interdisciplinary thoughts and practical experiences, this research addresses subtle and energetic notions of the anatomy of the body in relation to the creative practice and scenic training, which finally merges in what we call as principles and manifest of creation and dramaturgy of the connected body / Mestrado / Artes Cenicas / Mestre em Artes Cênicas

O presente memorial apresenta uma reflexão teórica sobre a utilização da imagem como ponto de partida da organização estrutural e formal do processo composicional. A primeira parte apresenta as referências musicais e as motivações estéticas com as quais dialogo e que impactaram minha composição. A segunda parte consiste em um referente teórico, o qual se centra na análise da importância da imagem nos processos criativos, citando autores como Salles (2011) e Ostrower (2013); por outra parte, sintetiza casos de compositores cujos processos criativos foram mediados pela imagem e empregaram possibilidades de utilização da imagem como orientadora ao longo do percurso criativo. Finalmente, apresento as composições: Fantasia Bolerosa (2012), Quya-Killa (2012), Um Olhar no passado (2013), objeto principal de reflexão e análise, sob os conceitos de repetição e reiteração, Ferraz (1998). O resultado deste trabalho demonstra que a utilização da imagem é uma ferramenta que pode complementar a metodologia composicional na criação de peças como as que integram este memorial de composição. / The memorial gift provides a theoretical reflection on the use of the image as a starting point in the structural organization and the formal compositional process. The first part presents the musical references and aesthetic motivations with which dialogue and that somehow influenced my composition. The second part consists of a theoretical framework which focuses on analyzing the importance of image in creative processes, citing authors such as Salles (2011) and Ostrower (2013), for other instances synthesizes part of composers, whose processes were mediated by creative image and who employed possibilities of using image as a guideline along the creative path. Finally I present the compositions: Fantasia Bolerosa (2012), Quya- Killa (2012), Um Olhar no passado (2013), the main object of reflection and analysis. The result of this study shows that the use of the image is a tool that can complement the compositional methodology in creating pieces as that integrate this memorial composition.

“21” est la chorégraphie de Grupo Corpo (Minas Gerais – Brésil), qui annonce une nouvelle étape dans la réalisation chorégraphique de Rodrigo Pederneiras. La pièce a débuté en 1992, avec une bande-son spécialement composée par Marco Antonio Guimarães, exécuté par le groupe UAKTI. L’objectif est, autant que possible, de comprendre le chemin qui mène à la réalisation du processus chorégraphique de “21”. Diverses sources d’information (vidéos, photos, interviews, documents scientifiques, matériel multimédia) ont été analysés, pour finalement proposer un dévoilement. Avec la méthodologie ici utilisée – grounded theory – l’absence d’une proposition théorique précédante soulève sa construction à mesure qu’ils surviennent les découvertes. L’immersion dans l’analyse du vidéo original de “21” a occasionné 21 perceptions: la musique comme motivation fondamentale pour le chorégraphe, l’ingérence des danseurs et de sa longévité artistique sur le processus chorégraphique; éléments-clés de la chorégraphie; influences sur Rodrigo Pederneiras; l’analyse des 14 scènes, avec tous ses doutes, ses tempos et métriques surprennants; les costumes, l’éclairage et le scénario et, enfin le modus operandi de Rodrigo Pederneiras et les traces du travail dans d’autres travaux du groupe. Un ensemble de compétences et de procédures semble composer une théorie finale: la créativité, l’abstraction, essais et erreurs, travail en équipe, multiplications et dérivations . Après tout, “21” est presque élucidé. / “21” é a coreografia da companhia mineira de dança Grupo Corpo, que inaugura uma nova etapa no fazer coreográfico de Rodrigo Pederneiras. Estreou em 1992, com trilha sonora especialmente composta por Marco Antônio Guimarães e interpretada pelo grupo mineiro UAKTI. O objetivo aqui é, tanto quanto possível, entender o percurso que leva à efetivação do processo coreográfico de “21”. Variadas fontes de informação (vídeos, fotografias, entrevistas, documentos acadêmicos e material de mídia) foram analisadas para, enfim, propor-se um desvendamento. Assim o é na grounded theory, metodologia aqui utilizada que parte da ausência de uma proposta teórica prévia para construí-la à medida que surgem as descobertas. A imersão na análise da gravação original de “21” trouxe à sensibilidade 21 percepções: a música como motivação fundamental do coreógrafo; as interferências do elenco, sua longevidade artística e as rasuras do processo coreográfico; os elementos norteadores da coreografia; as influências sobre Rodrigo Pederneiras; a análise das 14 cenas, com todas as suas dúvidas, andamentos e contagens que surpreendem; figurinos, iluminação e cenário; e, por fim, as ponderações sobre o modus operandi do coreógrafo e os rastros da obra em outros trabalhos do grupo. Um conjunto de valências e procedimentos parece compor a teoria final: criatividade, abstração, tentativa e erro, detalhamento, equipe, multiplicações e derivações. Afinal, quase desvendamos “21”. / “21” is the one choreography of Grupo Corpo (Minas Gerais – Brasil), which heralds a new stage in the choreographing process of Rodrigo Pederneiras. This piece debuted in 1992, with a specially composed soundtrack by Marco Antônio Guimarães executed by group UAKTI. The goal is, as far as possible, to understand the path that leads to the full realization of “21.” Various sources of information (videos, photographs, interviews, academic documents, media materials) were analyzed to finally propose an unveiling form. This is the principle of the grounded theory, methodology used in this research, where there’s an absence of a previous theoretical proposal, as it arises with the discoveries. Immersion in the analysis of the original video of “21” vented 21 perceptions: the choreographer’s fundamental motivation by music; cast interferences and its artistic longevity; the guiding elements of choreography; influences on Rodrigo Pederneiras; the analysis of 14 scenes, with all its doubts, surprising tempos and counts; costumes, lighting and scenery, and finally bethinks about the modus operandi of the choreographer and the traces of this work in other pieces of the group. A set of skills and procedures seems to compose a final theory: creativity, abstraction, trial and error, detailing, team work, multiplications and derivations. After all, we almost got the key to “21”.

A presente dissertação, intitulada Estruturas Contingentes e Formas Resguardadas: o tecer como prática artística inserida no cotidiano, propõe a análise do processo de tecitura manual dos objetos que compõem a pesquisa. Ao sistematizar e analisar o processo dos referidos objetos, abordarei as interferências e intercorrências em espaços privados e públicos – experienciados enquanto lugares de atividades cotidianas e do exercício de tecer. Também estarão sob foco as reverberações dessas experiências no atelier e nos modos de exposição. / This dissertation, titled Contingent Structures and Withdrawn Shapes: weaving as an everyday art practice, proposes the analysis of the process of hand weaving the objects that make up the research. By systematizing and analyzing the process of said objects, I will approach interferences and events in private and public spaces - experienced as venues for everyday activities and for the act of weaving. Echoes of these experiences in the studio and in exhibition methods will also be addressed.

Esse trabalho é o relato do processo de criação de 9 canções e uma vinheta para o conteúdo cultural Mais Tambor Menos Motor de Richard Serraria. Canção aqui quer avançar para além da noção de poesia na letra de música, nisso abarcando ainda formas diversas de como isso se apresenta e atentando para as fronteiras inexistentes entre diferentes expressões que convivem em proximidade como rap, slam poetry e texto recitativo. Tal conteúdo cultural sendo o oitavo na trajetória do referido cancionista, traz ainda a descrição da caminhada do poeta se aproximando e apropriando-se da música como forma de dar suporte à sua produção cancional. Canção é tida aqui como um objeto artístico e portanto político, capaz de refletir sobre a condição contemporânea propondo reflexões em sua potencialidade de disparar transformações sociais. Sob esse aspecto destaca-se a perspectiva de uma cancionística em consonância com o tambor sopapo, elemento identitário na atualidade já que marcante da contribuição negra para a construção do estado do Rio Grande do Sul no período colonial. Além disso, é destacada a ideia da intercancionalidade, a saber referência intertextual como elemento fundamental no processo de criação do cancionista, dividindo tal aspecto em duas frentes: literária e musical. / Este trabajo es la historia del proceso de creación de 9 canciones y una viñeta para el contenido cultural Mais Tambor Menos Motor de Richard Serraria. Canción aquí quiere ir más allá de la noción de la poesía en la lírica, todavía abrazando diferentes maneras de cómo se presenta y prestar atención a los límites inexistentes entre las diferentes expresiones que viven en las proximidades de rap, slam y el texto recitado. Dicho contenido cultural, siendo la octava en la trayectoria de dicho compositor, todavía lleva a pie la descripción del sendero del poeta con su apropiación de la música como una forma de apoyar su producción cancional. Canción se toma aquí como un objeto artístico y por lo tanto política, capaz de reflexionar sobre la condición contemporánea y proponer reflexiones sobre su potencial para desencadenar la transformación social. A este respecto es una cancionística en línea con el tambor sopapo, elemento de afirmación de la identidad hoy y del aporte negro a la construcción del estado de Rio Grande do Sul durante el período colonial. Además, se puso de relieve la idea de intercancionalidad, a saber referencia intertextual como un elemento clave en el proceso de creación del compositor, dividiendo este aspecto en dos frentes: literaria y musical.

Esse trabalho é o relato do processo de criação de 9 canções e uma vinheta para o conteúdo cultural Mais Tambor Menos Motor de Richard Serraria. Canção aqui quer avançar para além da noção de poesia na letra de música, nisso abarcando ainda formas diversas de como isso se apresenta e atentando para as fronteiras inexistentes entre diferentes expressões que convivem em proximidade como rap, slam poetry e texto recitativo. Tal conteúdo cultural sendo o oitavo na trajetória do referido cancionista, traz ainda a descrição da caminhada do poeta se aproximando e apropriando-se da música como forma de dar suporte à sua produção cancional. Canção é tida aqui como um objeto artístico e portanto político, capaz de refletir sobre a condição contemporânea propondo reflexões em sua potencialidade de disparar transformações sociais. Sob esse aspecto destaca-se a perspectiva de uma cancionística em consonância com o tambor sopapo, elemento identitário na atualidade já que marcante da contribuição negra para a construção do estado do Rio Grande do Sul no período colonial. Além disso, é destacada a ideia da intercancionalidade, a saber referência intertextual como elemento fundamental no processo de criação do cancionista, dividindo tal aspecto em duas frentes: literária e musical. / Este trabajo es la historia del proceso de creación de 9 canciones y una viñeta para el contenido cultural Mais Tambor Menos Motor de Richard Serraria. Canción aquí quiere ir más allá de la noción de la poesía en la lírica, todavía abrazando diferentes maneras de cómo se presenta y prestar atención a los límites inexistentes entre las diferentes expresiones que viven en las proximidades de rap, slam y el texto recitado. Dicho contenido cultural, siendo la octava en la trayectoria de dicho compositor, todavía lleva a pie la descripción del sendero del poeta con su apropiación de la música como una forma de apoyar su producción cancional. Canción se toma aquí como un objeto artístico y por lo tanto política, capaz de reflexionar sobre la condición contemporánea y proponer reflexiones sobre su potencial para desencadenar la transformación social. A este respecto es una cancionística en línea con el tambor sopapo, elemento de afirmación de la identidad hoy y del aporte negro a la construcción del estado de Rio Grande do Sul durante el período colonial. Además, se puso de relieve la idea de intercancionalidad, a saber referencia intertextual como un elemento clave en el proceso de creación del compositor, dividiendo este aspecto en dos frentes: literaria y musical.

Esse trabalho é o relato do processo de criação de 9 canções e uma vinheta para o conteúdo cultural Mais Tambor Menos Motor de Richard Serraria. Canção aqui quer avançar para além da noção de poesia na letra de música, nisso abarcando ainda formas diversas de como isso se apresenta e atentando para as fronteiras inexistentes entre diferentes expressões que convivem em proximidade como rap, slam poetry e texto recitativo. Tal conteúdo cultural sendo o oitavo na trajetória do referido cancionista, traz ainda a descrição da caminhada do poeta se aproximando e apropriando-se da música como forma de dar suporte à sua produção cancional. Canção é tida aqui como um objeto artístico e portanto político, capaz de refletir sobre a condição contemporânea propondo reflexões em sua potencialidade de disparar transformações sociais. Sob esse aspecto destaca-se a perspectiva de uma cancionística em consonância com o tambor sopapo, elemento identitário na atualidade já que marcante da contribuição negra para a construção do estado do Rio Grande do Sul no período colonial. Além disso, é destacada a ideia da intercancionalidade, a saber referência intertextual como elemento fundamental no processo de criação do cancionista, dividindo tal aspecto em duas frentes: literária e musical. / Este trabajo es la historia del proceso de creación de 9 canciones y una viñeta para el contenido cultural Mais Tambor Menos Motor de Richard Serraria. Canción aquí quiere ir más allá de la noción de la poesía en la lírica, todavía abrazando diferentes maneras de cómo se presenta y prestar atención a los límites inexistentes entre las diferentes expresiones que viven en las proximidades de rap, slam y el texto recitado. Dicho contenido cultural, siendo la octava en la trayectoria de dicho compositor, todavía lleva a pie la descripción del sendero del poeta con su apropiación de la música como una forma de apoyar su producción cancional. Canción se toma aquí como un objeto artístico y por lo tanto política, capaz de reflexionar sobre la condición contemporánea y proponer reflexiones sobre su potencial para desencadenar la transformación social. A este respecto es una cancionística en línea con el tambor sopapo, elemento de afirmación de la identidad hoy y del aporte negro a la construcción del estado de Rio Grande do Sul durante el período colonial. Además, se puso de relieve la idea de intercancionalidad, a saber referencia intertextual como un elemento clave en el proceso de creación del compositor, dividiendo este aspecto en dos frentes: literaria y musical.