A iluminação cênica é uma das mais fecundas áreas da prática teatral contemporânea, sendo responsável por muitos aspectos da construção dos sentidos na cena, e da fruição da obra pelos espectadores. Essa pesquisa visa jogar luzes sobre as estratégias utilizadas por alguns iluminadores na articulação de seu trabalho com as necessidades da fabulação de diferentes tipos de espetáculos e seus respectivos espaços. Numa encenação a demanda de responsabilidade que recai sobre o trabalho do iluminador é imensa. No geral ele precisa, além de iluminar o ator e a cena, de alguma maneira também iluminar o texto e a obra da encenação, ressaltando suas intencionalidades expressivas e de comunicação. Muitas vezes seu trabalho é o ponto de convergência ou confrontação entre os diversos profissionais envolvidos numa montagem teatral, além de contribuir de forma absoluta na maneira como o espectador recebe e experimenta um espetáculo. Acreditamos que tais e tamanhas tarefas poderão receber algumas luzes com o estudo que esta pesquisa pretende contemplar, com objetivo de contribuir para uma elaboração didática para interessados no tema. / The stage lighting is one of the most fruitful areas of the practice of contemporary theater, being responsible for many aspects of the construction of meanings in the scene, and to the enjoyment of the play by the spectators. This research aims to light up the strategies used for some light designers in the articulation betwen its work and the necessities of the report in differents types of spectacles and its respective spaces. On stage, the responsibility demands that falls in the work of the light designer is immense. In general terms, it needs, beyond lighting the actor and the scene, in some way also to light up the text and the mise-en-scène, to show its expressives purposes and comunication intents. Many times its work is the convergence point or confrontation among the involved professionals in a stage setting, beyond contribute in all the ways that the spectator receives and tries the spectacle. We believe that such and so great tasks will be able to receive some light with the study that this research intends to contemplate, with objective to contribute for a didactic elaboration for interested in the subject.

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:43:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fernanda Areias de Oliveira.pdf: 3556147 bytes, checksum: c5797ae75bdb4eceaf819c63bde5be6e (MD5) Previous issue date: 2010-02-11 / Fundo Mackenzie de Pesquisa / The research casts a look on the academic question of soap operas language in the context of short series, specifically A Pedra do Reino (The Kingdom Stone), highlighting the state of the art of such a gender. For that purpose, researchers of the area of communication and media were our theoretical support dialoguing with think-ers associated with artistic languages. The monograph is supposed to call the atten-tion for a media product that was able to articulate the unconventional languages, such as drama, fantastic and non-linear narrative, with television environment. For that a dialogue involving the author of the novel, Ariano Suassuna, the director of the short series, Luiz Fernando Carvalho, and literature on television was structured. This work was developed to make clear the discourses of the novel's author and the director of the short series in order to explore the complexity contained in an unconventional product to the support in which it presents itself. In this context, anal-ysis of the short series A Pedra do Reino was explored as support for evidences of a possible link between soap operas and artistic languages. / A pesquisa aqui apresentada busca lançar um olhar acadêmico sobre a ques-tão da linguagem teledramatúrgica no contexto da minissérie, especificamente em A Pedra do Reino, destacando nela o vanguardismo presente no gênero. Para isso, utilizamos como suporte teórico pesquisadores ligados à área de comunicação e mí-dia em diálogo com pensadores associados a linguagens artísticas. O trabalho pre-tende chamar a atenção para um produto midiático que conseguiu articular lingua-gens pouco convencionais ao meio televisivo, como o teatro, o gênero fantástico e a narrativa não linear. Para isso, nesta dissertação se estruturou um diálogo entre o autor do romance, Ariano Suassuna, o diretor da minissérie, Luiz Fernando Carvalho, e a literatura sobre o ao gênero televisivo. Esta dissertação se desenvolveu no sentido de expor com clareza os dis-cursos do autor do romance e do diretor na minissérie, no sentido de explorar a complexidade contida em um produto pouco convencional ao suporte em que se a-presenta. Neste contexto, análise da minissérie A Pedra do Reino foi explorada co-mo suporte para comprovação de uma articulação possível entre teledramaturgia e linguagens artísticas.

Tendo um conjunto de ensaios como base, esta tese busca discutir uma dramaturgia de cunho realista e contemporâneo, produzida por autores como Henry Ibsen, Harold Pinter e David Mercer, e suas relações com o contexto da adaptação audiovisual. Dentre os problemas abordados está o debate sobre a questão da teatralidade, ocorrido nos EUA, no final da década de 1960. A teatralidade é aqui entendida como expressão artística entre as linguagens artísticas tradicionais e contemporâneas, e como aproximação do universo da arte e da experiência cotidiana. Como parte do diálogo estão incluídas produções recentes no campo da pintura, música popular e documentário. Nesse aparato de questões, a produção ensaística também ganha visibilidade por meio de um ensaio audiovisual, produzido especialmente para este trabalho e apresentado em sua versão escrita e filmada. / Taking a body of essays, this dissertation examines a certain realist and a contemporary dramaturgy produced by authors such as Henry Ibsen, Harold Pinter and David Mercer, and discusses its relations with the audiovisual adaptation context. Among its subjects is the debate about theatricality which occurred in the U.S. in the late 1960s, understood as artistic expressions between traditional and contemporary artistic languages, as well as an approach between the universe of art and everyday experience. Recent productions in painting, popular music and documentary are also discussed alongside the essays. The question related to essayism itself is also addressed through an audiovisual essay, submitted in its written version and in the filmed one, both especially produced for this work.

210f. / Submitted by Suelen Reis (suziy.ellen@gmail.com) on 2013-03-25T15:47:36Z No. of bitstreams: 1 DissertacaoComSeg.pdf: 4396853 bytes, checksum: ffaaf2d42a10a2bc4a850f7052435154 (MD5) / Approved for entry into archive by Ednaide Gondim Magalhães(ednaide@ufba.br) on 2013-04-10T13:37:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 DissertacaoComSeg.pdf: 4396853 bytes, checksum: ffaaf2d42a10a2bc4a850f7052435154 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-04-10T13:37:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 DissertacaoComSeg.pdf: 4396853 bytes, checksum: ffaaf2d42a10a2bc4a850f7052435154 (MD5) Previous issue date: 2006 / Esta dissertação atingiu três objetivos. O primeiro deles consistiu na tentativa em definir a atividade de vendedores ambulantes de rua como Performance do cotidiano. Para tal, buscouse fazer um paralelo da performance desses vendedores com a do Palhaço de Circo, a do Clown e a do Cômico dell? Arte do início do Século XVI. O segundo objetivo compreendeu a descrição e análises das performances de dois vendedores de rua da Cidade de Salvador. Finalmente apresentou-se um processo metodológico pertinente à abordagem artística do trabalho, pois a dissertação teve um caráter teórico-prático. Construiu-se um processo metodológico próprio para o desenvolvimento do trabalho de campo, a qual foi nomeada de Transcorpografia. Foi através da Etnografia que se fez a descrição da performance dos vendedores, levando-se em consideração o corpo, a voz e a música em seus trabalhos. Foi também através desse recurso que se fez a descrição da performance do pesquisador desenvolvendo a Transcorpografia, no habitat de trabalho dos vendedores pesquisados e no palco no espetáculo ?Uma Trilogia Baiana?. A pesquisa em fontes primárias e secundárias resultou no conhecimento de que esses artistas populares criam o seu próprio repertório de trabalho e que sua criatividade é utilizada como recurso de destaque para chamar a atenção do cliente-público. Percebeu-se igualmente, que a utilização de recursos como a Teatralidade e a Espetacularidade em suas Performances são essenciais para que este vendedor consiga vender mais, obtendo um lucro maior que outros vendedores que apresentam o mesmo produto. É a Teatralidade que transforma a performance desses vendedores ambulantes num ato espetacular. / Salvador

Submitted by Automa??o e Estat?stica (sst@bczm.ufrn.br) on 2016-08-09T22:29:00Z No. of bitstreams: 1 MariaGuadalupeSegunda_TESE.pdf: 1494335 bytes, checksum: 8270aac08826144fdeafd918b7c2971b (MD5) / Approved for entry into archive by Arlan Eloi Leite Silva (eloihistoriador@yahoo.com.br) on 2016-08-10T20:28:16Z (GMT) No. of bitstreams: 1 MariaGuadalupeSegunda_TESE.pdf: 1494335 bytes, checksum: 8270aac08826144fdeafd918b7c2971b (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-10T20:28:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 MariaGuadalupeSegunda_TESE.pdf: 1494335 bytes, checksum: 8270aac08826144fdeafd918b7c2971b (MD5) Previous issue date: 2016-02-19 / Esta tese tem como objeto de estudo a an?lise da tessitura ficcional de Buriti, novela de Guimar?es Rosa, constante da obra Corpo de Baile. Constitui-se como principal refer?ncia o aporte filos?fico de Gilles Deleuze e outros te?ricos afins, como Mircea Eliade, Derrida, Bataille, F?lix Guattari, Foucault, Blanchot e Nietzsche, os quais, a exemplo da escrita problematizadora de Guimar?es Rosa, apresentam como matriz b?sica do pensamento a desterritorializa??o dos conceitos, das normas, do conhecimento institucionalizado pela estrutura can?nica da l?ngua. Em conflu?ncia com a perspectiva te?rica de alteridade vigente nesses autores, Buriti se encontra atravessada por uma est?tica fundamentada na multiplicidade de pontos de vista narrativos, abrindo brechas para outras vozes n?o sacralizadas, n?mades, utilizando a polifonia como uma forma de transgredir, desestabilizar verdades cristalizadas, pertinentes aos c?nones da l?ngua p?tria. Entretecida por uma vertente po?tica, de transgress?o, a narrativa de Buriti se acha especialmente marcada pelos signos do sert?o e da noite, os quais apontam rizomaticamente para um sentido de infinitude, de eternidade, de solid?o, de vertigens ante o abissal, evocando a singularidade de um ser-t?o ante a noite, ?o corpo de noturno rumor.? As noites do sert?o em Buriti d?o margem ? irrup??o de um estado de subjetividade, o ser-t?o, cuja natureza se mostra como um espa?o de comunh?o dos diversos seres, em que os humanos se colocam no mesmo plano de outros seres vivos, configurando um territ?rio c?smico de partilha, de frui??o entre a dor e o prazer, entre a morte e a vida. ? a noite que em meio ?s trevas, ? escurid?o, revela o ser-t?o, o ser em suas entranhas, confrontando-se com ele mesmo, com seus rumores internos, que se projetam atrav?s dos ru?dos, dos barulhos da noite amplificados pela vastid?o, pelo des?rtico do sert?o. ?O sert?o ? de noite.? (ROSA, 1988, p.92). / This thesis is to analyze the fictional texture of Buriti, novella by Guimar?es Rosa, which makes part of Corpo do Baile. Gilles Deleuze?s philosophical background as well as similar theorists such as Mircea Eliade, Derrida, Bataille, Foucault, Blanchot and Nie-tzsche constitute the main reference, as example of Guimar?es Rosa?s problematizing writing, since they present as basic element of thought the desterritorialization of con-cepts, standards and institutionalized knowledge by the dominant literary language. Along with the theoretical perspective of current alterity on these authors, Buriti is crossed by one aesthetics substantiated with a multiplicity of narrative points of view, opening gaps to other non-sacralized, nomadic voices, using polyphony as a way of breaking and destabilizing crystallized truths related to the canons of mother tongue. Interwoven by a poetic side of transgression, the narrative of Buriti finds especially marked by the signs of the backlands and of the night, which rhizomatically point to a sense of infinity, eternity, loneliness, vertigo before the abyssal, evoking the singularity of a ser-t?o before the night, "the body of nocturnal rumor." The nights in the backlands in Buriti give rise to the emergence of a state of subjectivity, the ser-t?o, whose nature is shown as a space of communion of the various beings that humans put on the same level of other living beings, setting up a sharing cosmic territory, enjoyment between pain and pleasure, between death and life. It is the night in the darkness, the shadows, the ser-t?o is exposed, the being in his depth, facing himself with his internal rumors, which project themselves through the noise, the sound amplified by the vastness of the night at the desert backlands. "The backlands is the night." (ROSA, 1988, p.92).

Orientador: Cassiano Sydow Quilici / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-16T19:38:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Capua_MariaClaraBuffode_M.pdf: 3272244 bytes, checksum: 716340fde092f4b4db4bce590f16001d (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Esta pesquisa encontra-se no campo do trabalho criativo do ator. Através de um estudo teórico e prático, ela busca potencializar a utilização da imagem, mais precisamente da pintura de Francis Bacon, como um suporte para a sua criação e reflexão. Tendo por base um estudo sobre a obra e o processo criativo de Bacon, pretende-se a construção de uma "Figura" cênica autônoma, cujo foco não repouse na imitação direta da imagem. Para tanto, são utilizados como principais referências bibliográficas: a abordagem de Gilles Deleuze sobre a pintura baconiana e as entrevistas que o pintor concedeu a David Sylvester a respeito de sua produção artística. Por meio desse material, pretende-se o mapeamento tanto de uma estrutura de transposição da imagem, quanto de diretrizes metodológicas de criação ao ator. A partir dessa prática, propõe-se uma nova discussão que amplie as possibilidades de interação entre as artes cênicas e as artes plásticas, tendo como apoio teórico determinados escritos de Antonin Artaud, Josette Feral e Hans-Thies Lehmann. Finalmente, conclui-se a possibilidade de uma constante re-significação da imagem como material de trabalho ao ator, que passa a apropriar-se dela de uma maneira indireta, apreendendo-a não apenas como sugestão de cena, mas principalmente como sugestão de processo criativo: procedimentos e reflexões / Abstract: This research is related to the creative work of the actor. Through a theoretical and practical study, it purposes to potentiate the use of the image, most precisely of Francis Bacon's paintings, as a support for the actor's creation and reflection. Based on a study over Bacon's works of art and creative process, it is intended to construct an autonomous scenic "Figure", whose focus does not rest in the imitation of the image. In order to do that, there are used as primary references: the approach of Gilles Deleuze on Bacon' paintings as well as the interviews the painter has given to David Sylvester about his artistic production. Through this material, it is intended to map both a structure of transposition of the image and a methodological guideline of creation for the actor. From that practice, it is proposed a new discussion in order to extend the possibilities of interaction between the performing arts and the visual arts, through the support of certain theoretical writings of Antonin Artaud, Josette Feral and Hans-Thies Lehmann. Finally, the conclusion is the possibility of a constant re-meaning of the image as a working material for the actor, who passes to uses it indirectly, by apprehending it not only as a scene suggestion, but mainly as a suggestion of creative process: procedures and reflections / Mestrado / Mestre em Artes

Orientador: Maria Lucia Levy Candeias / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T07:56:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Silva_AndreiaEliseteBarros_M.pdf: 2640066 bytes, checksum: 3de956ec43a7ad6b2e5e64133bc8f26a (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Vakhtangov em busca da teatralidade tem como objeto de estudo os meios de formação de cena e as propostas para o trabalho do ator nos últimos trabalhos desenvolvidos pelo encenador russo, nos anos de 1920-1922, e suas contribuições para o teatro contemporâneo. Durante esse período, foram analisadas as propostas de recriação de conceitos, já estabelecidos por grandes diretores de sua época, principalmente Stanislávski e Meyerhold, e as diferentes linguagens utilizadas para as suas mais importantes encenações: O Dibuk, A Princesa Turandot, Eric XIV e O Milagre de Santo Antonio. Identificamos na sua formação e na sua prática como encenador que essas montagens o conduziram à maturidade artística, além de uma efetiva contribuição para o teatro moderno, influenciando grandes nomes da cena teatral de vanguarda, como Grotowski e Eugenio Barba. A abordagem em sua busca pela teatralidade se constituiu, fundamentalmente, pela análise de seus escritos durante as montagens ou de depoimentos de artistas que trabalharam com Vakhtangov, alguns ainda inéditos no Brasil. No decorrer de sua curta trajetória artística, no qual o encenador desenvolveu uma intensa atividade nos estúdios teatrais, principalmente no período pós-revolução de 1917, procurou-se observar os conceitos da teatralidade enfatizados por Vakhtangov em suas últimas montagens e que o permitiram entrar para a história do teatro da Vanguarda Russa. / Abstract: Vakhtangov in search of the theatricalization takes as an object of study the ways of formation of scene and the proposals for the work of the actor in the last works developed by the Russian director, in the years of 1920-1922, and his contributions for the contemporary theater. During this period, there were analysed the proposals of re-creation of concepts, already established by great directors of his time, principally Stanislávski and Meyerhold, and the different languages when the most important stagings were used for his: The Dibuk, The Princess Turandot, Eric XIV and O Saint's Miracle Antonio. We identify in his formation and in his practice like director that these assemblies drove it to the artistic maturity, besides an effective contribution for the modern theater, influencing great names of the theatrical scene of vanguard, like Grotowski and Eugenio Barba. The approach in his search for the theatricalism was constituted, fundamentally, by the analysis of his written ones during the assemblies or of artists who worked with Vakhtangov, someone still unpublished in Brazil. In the course of his short artistic trajectory, in which the director developed an intense activity in the theatrical studios, principally in the period powdersrevolutions of 1917, there were tried to observe the concepts of the theatricalism emphasized by Vakhtangov in his last assemblies and what allowed it to enter for the history of the theater of the Russian Vanguard. / Mestrado / Mestre em Artes

Submitted by Cláudia Bueno (claudiamoura18@gmail.com) on 2016-01-08T14:08:06Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Deusimar Gonzaga - 2015.pdf: 2779885 bytes, checksum: b967dd65a94c0c282305853868ec3a58 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2016-01-11T06:43:43Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Deusimar Gonzaga - 2015.pdf: 2779885 bytes, checksum: b967dd65a94c0c282305853868ec3a58 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-01-11T06:43:43Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Deusimar Gonzaga - 2015.pdf: 2779885 bytes, checksum: b967dd65a94c0c282305853868ec3a58 (MD5) license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Previous issue date: 2015-06-08 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This study aims at presenting and discussing some of the aspects of dramatism, method of analysis of human relations and mainly of the acts of the language and of the thinking, as it is presented by the North American philosopher and literary critic Kenneth Burke (1897-1993), from the years 1930 to 1960. Practically unknown in our language, Kenneth Burke‟s name and of his dramatism are compulsory presences in the recent compendiums which deal with the studies of performance and of cultural performances, for the comparison and the relation they establish between everyday life and the drama and thus require be better known. Among many theorists, Burke‟s works have influenced the literary critics Harold Bloom (1930) and Susan Sontag (1933-2004), his student at the University of Chicago, and mainly the theoretical founding of the sociologist Erving Goffman (1922-1982), being that in his studies of everyday life as well as in his “dramaturgical approach”. As it is implied from dramatism, we are not only language users, we are also used by it and language determines our actions. Dramatism is established as an instrument of analysis of language as symbolic action from five key terms (dramatistic pentad): the act in itself, what has been done; the agent of the act, the actor, who performed the act; the scene (the place, the where); the agency, the means/instruments or how the action is performed, or even the autonomous capability of people to make their own choices; and the purpose. The act is the central term around which the five categories of analyses are organized (pentad) and the investigation of the motives of the action is the fundamental strategy of the dramatistic analyses. Burke proposes that the field of observation of the human action and of its innumerable combinations, the transpositions and the transformations among the terms of the cited pentad, makes it possible for an analysis of the human action that has drama as its central term. Dramatism attempts to answer the questions of how human actions can be explained, and mainly how these actions are determined by the symbolic capability. Dramatism becomes a central element in the analysis of human theatricality, of the human being in performance. / Este estudo tem o objetivo de apresentar e discutir alguns aspectos do dramatismo, método de análise das relações humanas e principalmente dos atos da linguagem e de pensamento, tal como apresentado pelo filósofo e crítico literário norte-americano Kenneth Burke (1897- 1993), entre os anos de 1930 a 1960. Praticamente desconhecido em nossa língua, o nome de Kenneth Burke e seu dramatismo são presenças obrigatórias nos recentes compêndios que abordam os estudos da performance e das performances culturais, pela comparação e relação que estabelecem entre a vida cotidiana e o drama e necessitam ser melhor conhecidos. Entre tantos teóricos, seus trabalhos influenciaram os críticos literários Harold Bloom (1930) e Susan Sontag (1933-2004), sua aluna na Universidade de Chicago, e principalmente a fundamentação do sociólogo Erving Goffman (1922-1982), seja em seus estudos da vida cotidiana como em sua “abordagem dramatúrgica” (dramaturgical approach). Como se infere, a partir do dramatismo, não somos apenas utilizadores da linguagem, somos também utilizados por ela, ela determina nossas ações. O dramatismo se estabelece como um instrumento de análise da linguagem como ação simbólica a partir de cinco termos chave (pentad dramatístico): o ato em si, o que foi feito; o agente do ato, o ator, quem realizou o ato; a cena (o lugar, o onde); a agência, os meios/instrumentos ou como se realiza a ação, ou ainda a capacidade autônoma das pessoas fazerem suas próprias escolhas; e o propósito. O ato é o termo central em torno do qual se organizam as cinco categorias de análise (pentad) e a investigação dos motivos da ação é a estratégia fundamental da análise dramatística. Burke propõe que o campo de observação da ação humana e de suas incontáveis combinações, as transposições e as transformações entre os termos do citado pentad, possibilitem uma análise da ação humana que tem o drama como termo central. O dramatismo procura responder as questões de como podem ser explicadas as ações humanas e, principalmente, como estas ações são determinadas pela capacidade simbólica. O dramatismo torna-se elemento central na análise da teatralidade humana, do ser humano em performance.

Submitted by Marlene Santos (marlene.bc.ufg@gmail.com) on 2016-10-20T20:16:39Z No. of bitstreams: 2 Tese - Rosilandes Cândida Martins - 2016.pdf: 8552030 bytes, checksum: 37e9e6dc2b1179401050c043e21d6442 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Silva (jtas29@gmail.com) on 2016-11-08T18:39:48Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Tese - Rosilandes Cândida Martins - 2016.pdf: 8552030 bytes, checksum: 37e9e6dc2b1179401050c043e21d6442 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2016-11-08T18:39:48Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Tese - Rosilandes Cândida Martins - 2016.pdf: 8552030 bytes, checksum: 37e9e6dc2b1179401050c043e21d6442 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2016-03-18 / Theatricality, Montage and Performance in the Art of Ana Maria Pacheco scrutinizes the visual work of the plastic artist as a main visual body analysis on the series of ten paintings entitled In Illo Tempore I-X (1994), elaborated in the 90 ́s. The approach of this work is that the art of Ana Maria Pacheco (1943) is an intervallic montage of multiple temporalities, and under this perspective, we are headed to assume that the artist reinterprets the cultural-historical universe of her environment of origin and formation relating it dynamically and diversely in her visual work. It also investigates the theatricality inherent in the artist ́s visual work, elaborated through the intervallic and anachronistic montage of the culture, from which a potential performance on images derives to the reception of viewers eyes. The methodology used in this work is a combination of bibliographical research and image analysis starting from the process “constellation and work table” (Didi- Huberman, 2013), which consists in entangling a collection of affinities and relationship between the images themselves. The main concepts approached in this work are the notions of “montage” (Didi-Huberman, 2013), “theatricality” (Féral, 2011), “geopoetics” (Lowenthal, 1982) and “performance and reception” (Zumthor, 2007). / Teatralidade, Montagem e Performance na Arte de Ana Maria Pacheco investiga a obra visual da artista plástica tendo como principal corpo visual de análise a série de dez pinturas intitulada In Illo Tempore I-X (1994), elaborada na década de 90. A abordagem deste trabalho é a de que a arte de Ana Maria Pacheco (1943) é uma montagem intervalar de múltiplas temporalidades e, sob essa perspectiva, parte-se do princípio de que a artista reinterpreta o universo histórico-cultural de seu ambiente de origem e formação e o relaciona de maneira dinâmica e diversa em sua obra visual. Investiga-se a teatralidade presente na arte visual da artista, elaborada por meio da montagem intervalar e anacrônica da cultura, da qual decorre uma potencial performance nas imagens para a recepção do olhar do espectador. A metodologia utilizada neste trabalho é uma combinação de pesquisa bibliográfica e análise de imagens a partir do processo de “constelação e mesa de trabalho” (Didi-Huberman, 2013), que consiste em intrincar uma rede de afinidades e relacionamentos das imagens entre si. Os conceitos principais abordados neste trabalho são as noções de “montagem” (Didi-Huberman, 2013), “teatralidade” (Féral, 2011), “geopoética” (Lowenthal, 1982) e “performance e recepção” (Zumthor, 2007).

Esta dissertação descreve a Festa do Jongo da Comunidade do Tamandaré em Guaratinguetá, e analisa sua teatralidade, buscando as características presentes nessa manifestação que possam conectar-se ao fazer teatral. Assim, no decorrer do trabalho apresentamos a descrição da festa, seus costumes, sua inserção na comunidade, para enfim discorrer sobre suas características: memória e ritual, poesia, corporalidade, energia, presença e jogo. Através da leitura entre essa manifestação popular e o teatro, questionou-se o fazer teatral e suas possibilidades. / This thesis describes the Jongo festival of the Tamandaré communitys of Guaratinguetá, São Paulo, Brazil. It discusses the festivals and analyses specific features, which are, at the same time, typical characteristica of theatre. The text describes the festival, its traditions and its embediment in the community, to finally reflect about its material manifestation, rituals, poetry, energy, presence and aspects of a game as well as its reflection in the population memory. Through the understanding of the festival, the traditional notion of theater is questioned and possibilities to incorporate features of the festival are being explored.