Made available in DSpace on 2017-07-10T18:55:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacaoCezarProtegida.pdf: 695069 bytes, checksum: c42ce2ea5d6ede00b65936423d586b76 (MD5) Previous issue date: 2007-03-02 / Os anos 60 e 70 do século XX representam um período de vasta produção artística e cultural no Brasil, contudo a censura foi o maior dilema encontrado pelos artistas, escritores e dramaturgos, que acabavam tendo suas produções proibidas. No teatro, grandes escritores produzem nessa época, como Nelson Rodrigues (1912-1980), Jorge Andrade (1922-1994), e Plínio Marcos (1933 -1999); cada qual em seu estilo, no entanto, censurados por suas produções. Esta pesquisa apresenta um estudo da peça Dois perdidos numa noite suja (1966) de Plínio Marcos, a qual tematiza os conflitos de grupos sociais minoritários e marginalizados na sociedade. Com uma linguagem repleta de gírias e palavras obscenas, as peças do autor chocavam, tanto os que as viam quanto às autoridades, que entendiam tal procedimento como uma afronta ao regime, uma vez que tal situação desvelava um processo de desordem dentro da ordem instituída pelo governo militar. As obras de Plínio Marcos revelam um segmento do Brasil em que os indivíduos precisam encarar um mundo sem perspectiva e esperança. Suas peças criadas para serem transitórias imagens de um momento de turbulência transformaram-se em retratos perenes de uma estrutura social e econômica inexorável. Contudo, deve-se ressaltar que o intuito do dramaturgo, segundo ele mesmo, não era meramente protestar, já que entendia que suas produções mostravam as pessoas como elas eram, o modo como se comportavam e aquilo que diziam. A partir desta reflexão, postula-se nesse trabalho o aspecto contracultural da linguagem explorada em sua obra. Pretende-se, desse modo, refletir como a linguagem tornou-se dentro do texto dramático de Plínio Marcos uma ferramenta de execração de dilemas e conflitos sócio-histórico-culturais do Brasil de 1960 até final dos anos 1970. O processo do desvelamento de uma linguagem crua se apega no uso contínuo de gírias e palavrões, visando atingir o outro ou a própria sociedade. Para se entender esse processo, recorre-se aos conceitos de dialogia, polifonia e carnavalização da teoria bakhtiniana, uma vez que no bojo da linguagem das suas personagens há uma série de vozes, que carregam ideologias asseveradas pela realidade social em que vivem, além de ressaltar o uso da linguagem enquanto uma arma de combate à posição ocupada na sociedade, na qual a gíria e o palavrão objetivam ferir ou rebaixar o outro em um diálogo. Na atualidade, as gírias são enquadradas dentro da perspectiva de linguagens especiais. Metodologicamente, o trabalho se pauta em uma pesquisa bibliográfica e documental, em que jornais e revistas dão suporte para a revisão da fortuna crítica do dramaturgo, e que teóricos do âmbito da linguagem, da sociologia, da antropologia, da literatura e do teatro embasam a fundamentação teórica, a exemplo de Magaldi (1998), Bornheim (1992), Schwarz (1992), Artaud (2006), DaMatta (1997), Preti (1981), Adorno e Horkheimer (1985), entre outros. Feita a revisão bibliográfica e documental, o direcionamento dos conceitos teóricos incide na análise da peça, objeto de estudo, Dois perdidos numa noite suja (1966), de Plínio Marcos. É mister destacar que a análise se pauta e evidencia-se a partir do texto dramático e não em suas vias de encenação e dramaticidade das montagens já feitas. Parte-se do texto para elucidar o quão vasto e completo o mesmo é, embora carregado de uma linguagem coloquial, em que a informalidade e a marginalidade fulguram como eixos centrais.

Made available in DSpace on 2017-07-10T18:56:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 CEZAR ROBERTO VERSA.pdf: 730379 bytes, checksum: a1a5530745482da3306eae7890027bb3 (MD5) Previous issue date: 2007-03-02 / The 60´s and 70´s of the century XX represents a period of vast artistic and cultural production in Brazil, however the censorship was the largest dilemma found by the artists, writers and playwrights, who had their productions forbidden. In the theater, great writers produce in that time, like Nelson Rodrigues (1912-1980), Jorge Andrade (1922-1994), and Plínio Marcos (1933 -1999); each one in his style, all censured by their productions. This research presents a study about the play Dois perdidos numa noite suja (1966), by Plínio Marcos, which shows the conflicts of the minority and marginalized social groups in the society. With a language full of slangs and obscene words, the plays by Plínio Marcos scared, so much the ones that saw them as the authorities that understood such procedure as an insult to the regime, because such situation revealed a disorder process inside of the order instituted by the military government. His plays reveal a segment of Brazil where the individuals need to face a world without perspective and hope. His plays created to be transitory images of a moment of turbulence became a perennial picture of a social and economical structure. However, it should be emphasized that Plínio Marcos' intention, as the own author says, was not merely to protest, because he understood that his productions showed the people as they were and what they said. Starting from this reflection, it is postulated in this dissertation the countercultural aspect of the language explored in the plays by the playwright. It is intended, this way, to contemplate as the language became inside of Plínio Marcos' dramatic text a tool of execration of dilemmas and social-historical-cultural conflicts of Brazil from the 60´s until the end of the years 70´s. The process of the revealing of a crude language it sustained in the continuous use of slangs and bad words, wanting to reach the other or the own society. To understand that process, it is used concepts like: dialogy, polyphony and carnavalization from the theory by Bakhtin, therefore in the bowl of Plínio Marcos characters' language there is a series of voices, that they carry ideologies asserted by the social reality in that they live, besides emphasizing the use of the language while a combat weapon to the busy position in the society, where the slang and the bad words aim to hurt or to lower the other in a dialogue. Nowadays, the slangs are classified inside of the perspective of the special languages. Methodologically, the work is supported in a bibliographical and documental research, in that newspapers and magazines of the time will serve as mark for the revision of the playwright's critical fortune, and that authors of the extent of the language, of the sociology, of the anthropology, of the literature and of the theater they will base the theoretical basis, like Magaldi (1998), Bornheim (1992), Schwarz (1992), Artaud (2006), DaMatta (1997), Preti (1981), Adorno and Horkheimer (1985), among others. It done the bibliographical and documental revision, the leading of the theoretical concepts will happen in the analysis of the play, study object, Dois perdidos numa noite suja (1966), by Plínio Marcos. It is very important to emphasize that the analysis is based and it is evidenced starting from the dramatic text and not in their staging ways and dramacity of the accomplished editing. Starting from the text to elucidate like the text is vast and complete, although full of a colloquial tone language, in that the informality and the delinquency glow as central axes. / Os anos 60 e 70 do século XX representam um período de vasta produção artística e cultural no Brasil, contudo a censura foi o maior dilema encontrado pelos artistas, escritores e dramaturgos, que acabavam tendo suas produções proibidas. No teatro, grandes escritores produzem nessa época, como Nelson Rodrigues (1912-1980), Jorge Andrade (1922-1994), e Plínio Marcos (1933 -1999); cada qual em seu estilo, no entanto, censurados por suas produções. Esta pesquisa apresenta um estudo da peça Dois perdidos numa noite suja (1966) de Plínio Marcos, a qual tematiza os conflitos de grupos sociais minoritários e marginalizados na sociedade. Com uma linguagem repleta de gírias e palavras obscenas, as peças do autor chocavam, tanto os que as viam quanto às autoridades, que entendiam tal procedimento como uma afronta ao regime, uma vez que tal situação desvelava um processo de desordem dentro da ordem instituída pelo governo militar. As obras de Plínio Marcos revelam um segmento do Brasil em que os indivíduos precisam encarar um mundo sem perspectiva e esperança. Suas peças criadas para serem transitórias imagens de um momento de turbulência transformaramse em retratos perenes de uma estrutura social e econômica inexorável. Contudo, deve-se ressaltar que o intuito do dramaturgo, segundo ele mesmo, não era meramente protestar, já que entendia que suas produções mostravam as pessoas como elas eram, o modo como se comportavam e aquilo que diziam. A partir desta reflexão, postula-se nesse trabalho o aspecto contracultural da linguagem explorada em sua obra. Pretende-se, desse modo, refletir como a linguagem tornou-se dentro do texto dramático de Plínio Marcos uma ferramenta de execração de dilemas e conflitos sócio-histórico-culturais do Brasil de 1960 até final dos anos 1970. O processo do desvelamento de uma linguagem crua se apega no uso contínuo de gírias e palavrões, visando atingir o outro ou a própria sociedade. Para se entender esse processo, recorre-se aos conceitos de dialogia, polifonia e carnavalização da teoria bakhtiniana, uma vez que no bojo da linguagem das suas personagens há uma série de vozes, que carregam ideologias asseveradas pela realidade social em que vivem, além de ressaltar o uso da linguagem enquanto uma arma de combate à posição ocupada na sociedade, na qual a gíria e o palavrão objetivam ferir ou rebaixar o outro em um diálogo. Na atualidade, as gírias são enquadradas dentro da perspectiva de linguagens especiais. Metodologicamente, o trabalho se pauta em uma pesquisa bibliográfica e documental, em que jornais e revistas dão suporte para a revisão da fortuna crítica do dramaturgo, e que teóricos do âmbito da linguagem, da sociologia, da antropologia, da literatura e do teatro embasam a fundamentação teórica, a exemplo de Magaldi (1998), Bornheim (1992), Schwarz (1992), Artaud (2006), DaMatta (1997), Preti (1981), Adorno e Horkheimer (1985), entre outros. Feita a revisão bibliográfica e documental, o direcionamento dos conceitos teóricos incide na análise da peça, objeto de estudo, Dois perdidos numa noite suja (1966), de Plínio Marcos. É mister destacar que a análise se pauta e evidencia-se a partir do texto dramático e não em suas vias de encenação e dramaticidade das montagens já feitas. Parte-se do texto para elucidar o quão vasto e completo o mesmo é, embora carregado de uma linguagem coloquial, em que a informalidade e a marginalidade fulguram como eixos centrais.

Orientador: Joaquim Brasil Fontes Júnior / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-27T00:19:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pereira_VeraLuciaCrepaldi_D.pdf: 3050663 bytes, checksum: 5eeca30f8afc509d23ebc5bd6a19be1b (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: Este estudo tem como objetivo ler uma tragédia do teatro clássico grego escrita por Eurípides, Ifigênia em Áulis, com base em um tema mítico, e analisá-la sob o olhar dos helenistas, estabelecendo, a partir daí, um diálogo com a mesma temática em tragédias do período clássico e do teatro contemporâneo de autores franceses, através das obras Iphigénie e Iphigénie ou le Péché des Dieux, de Jean Racine e de Michel Azama, respectivamente. Apoia-se esta pesquisa em conceitos da filosofia moderna e pós-moderna para explicar o movimento do mito nessas diversas etapas da temporalidade que fazem parte do processo evolutivo do teatro, desde a Grécia Antiga até a época atual, sem perder de vista o período clássico. No caminho que se percorreu, procurou-se destacar a questão do conceito de sacrifício nesse mito que impulsionou as peças teatrais que são a base do corpus deste trabalho. Verificou-se que todas as obras levantam a ideia do sacrifício simbolizada através da Guerra de Troia e revisitada no momento em que esses autores comparavam valores políticos, sociais e religiosos moldados de acordo com a noção do poder vigente, em suas próprias épocas. Conclui-se, assim, que os três autores fazem uso da tragédia para denunciar o sacrifício e que Ifigênia continua viva no mundo atual. Desde a peça euripideana, a ação está subordinada à palavra, refletindo as tensões entre o poder e o sacrifício do ato / Abstract: This study has as its aim to read a tragedy of the classical Greek theatre written by Euripides, Iphigenia in Aulis, based on a mythical theme, and analyse it from the perspective of the Hellenists and from this, set up a dialogue with the same theme in tragedies of the classical era and contemporary theatre of French writers through the works Iphigénie and Iphigénie ou le Péché des Dieux, of Jean Racine and Michel Azama, respectively. This research is underpinned by modern and post-modern philosophical concepts in order to explain the movement of the myth in those distinct stages of temporality that are part of the evolutionary process of the theatre, from Ancient Greece to modern times, bearing in mind the classical period. In undertaking this trajectory, special focus was given to the question of the concept of sacrifice present in this myth, which inspired the theatrical plays that are the basis of this study. It was confirmed that all the works raise the idea of sacrifice, symbolized by the Trojan War and revisited when these authors compared political, social and religious values molded according to the notion of power present in their respective times. It is concluded that the three authors make use of tragedy to denounce the sacrifice and that Iphigenia is still alive in the contemporary world. Moreover, since the Euripidean play, action is subordinated to the word, reflecting the tension between power and the act of sacrifice / Doutorado / Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte / Doutora em Educação

Made available in DSpace on 2016-04-28T19:58:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marcella Vicentini Cerbara.pdf: 2741734 bytes, checksum: 492c99031517e113df05c889b2e2c056 (MD5) Previous issue date: 2015-03-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This research aims to contribute to the analysis of contemporary theater scene, based on the play, Gaivota tema para um conto curto, collectively building by Bel Garcia, Emilio de Mello, Enrique Diaz, Felipe Rocha, Gilberto Gawronski, Isabel Teixeira, Mariana Lima and directed by Enrique Diaz. This work focus out the main procedures used in the spectacle as the actor-performer, the technique of Viewpoints and metateatro. The classic text used as a starting point is A Gaivota, the Russian author Anton Chekhov, reference of the innovations proposed by Stanislavisky and the Moscow Art Theatre in the early twentieth century. The aim is to keep registered one of the trendiest of today: the reading of dramatic texts / A presente pesquisa busca contribuir para a análise da cena teatral contemporânea, tendo como base a peça Gaivota tema para um conto curto criação coletiva de Bel Garcia, Emílio de Mello, Enrique Diaz, Felipe Rocha, Gilberto Gawronski, Isabel Teixeira, Mariana Lima e direção de Enrique Diaz. Neste trabalho são focados os principais procedimentos usados no espetáculo como o ator-performer, a técnica do Viewpoints e o metateatro. O texto clássico usado como ponto de partida é A Gaivota, do autor russo Anton Tchekhov, marco das inovações propostas por Stanislavisky e o Teatro de Arte de Moscou no inicio do século XX. O que se pretende aqui é deixar registrado um dos procedimentos mais em voga da atualidade: a releitura de textos dramáticos

Esta dissertação propõe analisar os diálogos da peça Glengarry Glen Ross, de David Mamet, um dos principais dramaturgos do teatro norte-americano contemporâneo. A hipótese sugerida é que esses diálogos substituem a ação dramática e representam o substrato social que serviu de ponto de referência para a criação do enredo. São neles que as \"relações venais\" e o jogo de poder entre os personagens se concretizam, numa linguagem ilusória e ambígua, na qual valores individuais e comunitários, como a confiança, a amizade, a afeição, a lealdade e a verdade se subverteram, diante da necessidade de sobrevivência ou do sucesso a qualquer preço, ditados pelas práticas comerciais, pelas relações de poder, por uma mentalidade de negócios predatória e se transformaram em mercadoria, lucro e roubo. Glengarry Glen Ross (1983) faz parte da chamada \"trilogia do poder\", que abarca ainda American Buffalo (1975) e Speed-the-Plow (1985). As personagens dessas peças ou vivem à margem da sociedade capitalista norteamericana, como o triângulo masculino em American Buffalo, ou são representantes da baixa classe média, como os corretores de imóveis de Glengary Glen Ross, submetidos a uma competição feroz imposta pela direção da firma, onde os vencedores são promovidos e os perdedores, demitidos. Nessas circunstâncias, o contato humano entre eles foi corrompido pela ganância, pelo dinheiro, pela necessidade de sobrevivência. Essas peças são um exercício de crítica ao darwinismo social. / This dissertation aims to analyze the speeches in Glengarry Glen Ross, a play by David Mamet, one of the leading playwrights of the contemporary American theatre. The hypotheses suggested are that these speeches replace the dramatic action and that they represent the social stratum which has served as reference point for the creation of the plot. They also make the \'venal relations\' and the power game between the characters concrete, but they do so through the use of a deceptive and ambiguous language, in which individual and communal values, such as trust, friendship, affection, loyalty and truth, are subverted, in face of the need for survival or success at any cost, determined by commercial practices, power relations, predatory business mindset, and are turned into commodities, profit and theft. Glengarry Glen Ross (1983) is part of the \"power trilogy\", which also comprises American Buffalo (1975) and Speed-the-Plow (1985). The characters in these plays either live on the margins of the American capitalist society, as the ones in the masculine triangle in American Buffalo, or are representatives of the lowermiddle- class, such as the realtors in Glengarry Glen Ross, subjected to a cutthroat competition by the corporation owners, in which the winners are promoted and the losers are fired. In these circumstances, genuine human contact among them is corrupted by greed, money, and the need for survival. These plays are an exercise of criticism of social Darwinism.

Esta dissertação propõe analisar os diálogos da peça Glengarry Glen Ross, de David Mamet, um dos principais dramaturgos do teatro norte-americano contemporâneo. A hipótese sugerida é que esses diálogos substituem a ação dramática e representam o substrato social que serviu de ponto de referência para a criação do enredo. São neles que as \"relações venais\" e o jogo de poder entre os personagens se concretizam, numa linguagem ilusória e ambígua, na qual valores individuais e comunitários, como a confiança, a amizade, a afeição, a lealdade e a verdade se subverteram, diante da necessidade de sobrevivência ou do sucesso a qualquer preço, ditados pelas práticas comerciais, pelas relações de poder, por uma mentalidade de negócios predatória e se transformaram em mercadoria, lucro e roubo. Glengarry Glen Ross (1983) faz parte da chamada \"trilogia do poder\", que abarca ainda American Buffalo (1975) e Speed-the-Plow (1985). As personagens dessas peças ou vivem à margem da sociedade capitalista norteamericana, como o triângulo masculino em American Buffalo, ou são representantes da baixa classe média, como os corretores de imóveis de Glengary Glen Ross, submetidos a uma competição feroz imposta pela direção da firma, onde os vencedores são promovidos e os perdedores, demitidos. Nessas circunstâncias, o contato humano entre eles foi corrompido pela ganância, pelo dinheiro, pela necessidade de sobrevivência. Essas peças são um exercício de crítica ao darwinismo social. / This dissertation aims to analyze the speeches in Glengarry Glen Ross, a play by David Mamet, one of the leading playwrights of the contemporary American theatre. The hypotheses suggested are that these speeches replace the dramatic action and that they represent the social stratum which has served as reference point for the creation of the plot. They also make the \'venal relations\' and the power game between the characters concrete, but they do so through the use of a deceptive and ambiguous language, in which individual and communal values, such as trust, friendship, affection, loyalty and truth, are subverted, in face of the need for survival or success at any cost, determined by commercial practices, power relations, predatory business mindset, and are turned into commodities, profit and theft. Glengarry Glen Ross (1983) is part of the \"power trilogy\", which also comprises American Buffalo (1975) and Speed-the-Plow (1985). The characters in these plays either live on the margins of the American capitalist society, as the ones in the masculine triangle in American Buffalo, or are representatives of the lowermiddle- class, such as the realtors in Glengarry Glen Ross, subjected to a cutthroat competition by the corporation owners, in which the winners are promoted and the losers are fired. In these circumstances, genuine human contact among them is corrupted by greed, money, and the need for survival. These plays are an exercise of criticism of social Darwinism.

Com base na investigação prática \"INCUBADORA\", que ocorreu concomitantemente ao estudo teórico, esta dissertação tem o objetivo de confrontar teatro com games, usando como referência o jogo de simulação The Sims. O foco do experimento foi estudar a apropriação dos mecanismos de jogabilidade na dramaturgia, na encenação e na atuação. Esse procedimento se deu por meio de um software especialmente desenvolvido, que permitiu aos espectadores - usando seus próprios aparelhos celulares - interagir com o jogo cênico, o que foi denominado interfaceamento da cena. Esta proposta teve por objetivo perturbar o espaço do \"espectadorcontemplador\" e testar a possibilidade de um \"espectador-interator\". A fim de refletir a respeito do teatro no contexto cultural de mídias digitais, são propostos, então, os conceitos de \"drama gamificado\" e \"espetáculo-game\". / Based on the practice research \"INCUBADORA\", which occurred concomitantly with the theoretical study, this thesis aims to confront theater with games, using the simulation game The Sims as reference. The focus was to study the mechanisms of appropriation of gameplay by dramaturgy, staging and performance. This procedure was done through a specially developed software that allowed viewers to interact with the scenic game using their own mobile phones. This procedure was called interfacing scene. This proposal aimed to disrupt the space of \"spectator-beholder\" and test the possibility of a \"spectator-interactor\". In order to rethink the theater in the cultural context of digital media, it is proposed the concepts of \" gamificated drama\" and \"gamespetacle\".

Esta dissertação, que tem como objeto o processo de criação do espetáculo teatral Miopia, investiga as tensas relações entre forma teatral, abordada em suas diversas e contraditórias dramaturgias, e o tecido histórico. Procuramos reler tal experiência estética questionando se é possível enxergar nas cicatrizes, limitações e contradições do espetáculo teatral e do seu processo de criação índices da realidade histórica, caracterizada pelo estágio tardio do sistema capitalista de produção. Para conceituar esta experiência artística, que representou algumas possibilidades de suspensão dialética (sacrifício, aniquilamento, conservação e superação) dos pressupostos do teatro épico sistematizados por Bertolt Brecht, criamos o conceito de labirinto. Utilizamos este conceito porque categorizações geralmente utilizadas na descrição do teatro contemporâneo, como a de teatro pós-dramático, também não se ajustavam ao objeto, já que este levantava questões ligadas à tentativa de configurar características próprias da formação social brasileira. Esta forma do labirinto é caracterizada em Miopia por uma utilização sistemática da alegoria de difícil decifração, entendida aqui em sua aproximação da ruína, do enigma e da incompletude. Apresentada em uma Usina de Compostagem de Lixo, a peça teve sua encenação construída por meio de detritos de formas e procedimentos teatrais tradicionais e a partir do lixo, expondo na própria cena o inacabamento de seu processo de criação. O fracasso das intenções iniciais presentes neste processo pôde ser revelado nesta dissertação como possibilidade de construção de sentido, em que a crise de compreensão em Miopia inseriu o público como criador e consumador do espetáculo teatral, dissolvendo o conceito de obra artística e substituindo-o pela ideia de um ensaio em perpétuo devir. / In this dissertation our object of study is the creative process of the theater performance Miopia. It investigates the tense relations between the theatrical forms, approached by its diverse and contradictory dramatic structures, and the historical weaving. We aim to review this aesthetical experience by questioning the possibility of finding indexes of the historical reality, characterized by the late capitalist production system, as we look into the scars, limitations and contradictions of the theater performance and its creative process. In order to conceptualize this artistic experience, that has presented some possibilities of \"dialectical suspension\" (sacrifice, annihilation, conservation and overcoming) from the Bertolt Brecht\'s epic theater presuppositions, we have come up with the concept of \"labyrinth\". We stick to this concept because the categorizations that are currently used to describe contemporary theater, as the \"postdramatic\" one, cannot fit in our object of study, as it has brought up questions that are connected to the attempt of configuring specific characteristics of the Brazilian social development. The labyrinth set-up is characterized in Miopia by a systematic use of the allegory of the hard deciphering, here understood by approaching the ideas of ruin, enigma and incompleteness. The performance took place in a Garbage Composting Plant, and the staging was set up from the debris of traditional theatrical forms and procedures and from garbage, exposing on stage the undone characteristic of its own creative process. The failure of the initial intentions of the process could be analyzed in this dissertation as a possibility of constructing meaning, in which the crises of understanding Miopia has brought the audience to the role of creator and consummator of the theatrical performance, dissolving the concept of \"work of art\" and replacing it by the idea of a \"perpetual becoming rehearsal\".

Submitted by Kely Elias De Castro (kelydecastro@gmail.com) on 2018-06-26T20:59:32Z No. of bitstreams: 1 TESE Kely E. de Castro.pdf: 10542537 bytes, checksum: 7f2cbd6c409ccb3cddc7f3fb3b3d3e1b (MD5) / Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2018-07-03T00:07:40Z (GMT) No. of bitstreams: 1 castro_ke_dr_ia.pdf: 10542251 bytes, checksum: 99128fe6aecb04a61a84d12c9226e474 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-03T00:07:40Z (GMT). No. of bitstreams: 1 castro_ke_dr_ia.pdf: 10542251 bytes, checksum: 99128fe6aecb04a61a84d12c9226e474 (MD5) Previous issue date: 2018-04-13 / O grupo Sobrevento é um dos grandes expoentes do Teatro de Animação brasileiro e, em 2016, completou 30 anos de história conduzido por uma ideologia particular que preconiza a busca pelo constante desafio artístico. Por mais de duas décadas, o coletivo dedicou-se ao estudo de diferentes técnicas de manipulação de bonecos, com o intuito de reinventar seu teatro a cada espetáculo, e se tornou referência na arte da animação. Contudo, após 25 anos, passou a se dedicar ao Teatro de Objetos, vertente que utiliza o objeto puro, abandonando o boneco e o intuito de conferir-lhe vida. O presente trabalho propõe uma investigação da trajetória do grupo Sobrevento com o objetivo de evidenciar as motivações estéticas e ideológicas que causaram a transição do Teatro de Bonecos ao Teatro de Objetos. Para tanto, analisa a primeira década da companhia, abordando os principais aspectos que influenciaram sua formação e suas escolhas estéticas. Examina as técnicas utilizadas no decorrer da carreira do grupo, destacando o estudo da Manipulação Direta, inspirada no Bunraku, bem como as experiências realizadas com o Boneco de Luva Chinês e com o Mamulengo. A discussão sobre o abandono da animação na história da companhia ocorre por meio do estudo dos espetáculos São Manuel Bueno, Mártir (2013), Sala de Estar (2015) e Só (2016). À luz da trajetória do objeto no teatro moderno e contemporâneo, pretendemos revelar fatores expressivos da cena do Sobrevento decorrentes de uma maneira própria de utilizar o objeto em seus espetáculos, enquanto reflexo da busca pela originalidade poética, característica do grupo desde sua criação. / Sobrevento theater group is one of the great exponents of the Brazilian Puppet Theater. In 2016, it has completed 30 years of history driven by a particular ideology that advocates the search for constant artistic challenge. For more than two decades, this group has dedicated itself to the study of different puppet manipulation techniques. Its intention has always been the reinvention of its own theater in each play, and it has become an important reference in the art of puppetry. However, after 25 years, the group began to explore the Theater of Objects, which uses the pure object, abandoning the puppet and the purpose of giving life to it. The present work proposes an investigation about the trajectory of Sobrevento group in order to highlight the aesthetic and ideological motivations that caused the transition from Puppet Theater to Theater of Objects. Therefore, it analyzes the first decade of the company, addressing the main aspects that influenced its formation and its aesthetic choices. All techniques handled during the group's career are considered, but there is further explanation about the study of Direct Manipulation, inspired by Bunraku, as well as the experiments with Chinese Glove-Puppet and Mamulengo. The discussion about the abandonment of puppetry in the company's history happens through the study of three plays, Saint Manuel Bueno, Martyr (2013), Living Room (2015) and Alone (2016). In the light of object trajectory in modern and contemporary theater, we intend to reveal scenic expressive factors of Sobrevento, as they result from a particular way of using the object in its plays. Therefore, it demonstrates the search for poetic originality that has characterized the group since its creation.

O objetivo desta dissertação é examinar as articulações entre o teatro e as mídias digitais no âmbito dos espetáculos Isadora.Orb- A Metáfora Final (2005), do brasileiro nascido nos Estados Unidos Ricky Seabra, e A Un Certo Punto Della Vita Dovresti Impegnarti Seriamente I Smetteredi Fare Il Ridicolo (2007), do argentino radicado na Espanha Rodrigo García. Considerando o espetáculo teatral como um espaço intermedial por excelência, a análise das obras permitiu a identificação dos procedimentos de composição da cena onde se destacam os princípios operatórios aqui denominados como montagem revelada e acontecimento teatral como experimento. / This thesis aims at examining the manner in which the theatre articulates with the digital media in two plays, Isadora.Orb - A Metáfora Final (2005) - by the Brazilian director Ricky Seabra, born in the United States - and A Un Certo Punto Della Vita Dovresti Impegnarti Seriamente e Smettere di Fare Il Ridicolo (2007) - by the Argentinian director Rodrigo García, who has established himself in Spain. By considering that the theatrical spectacle is the intermedial space par excellence, the analysis of these works allows the identification of the procedures employed for the composition of the scene. Among the most important of these, two procedural principles stand out, which are designated here as the revealed montage and the theatre event as an experiment.