Este trabalho se propõe a investigar o trânsito de informações musicais que se dá no campo de intersecção existente entre o universo do violão solo, em especial aquele ligado à música erudita ou de concerto, e o universo da canção popular no Brasil. Foram realizadas entrevistas com sete mestres de reconhecida atuação nos universos abordados. Sérgio Assad, Marco Pereira e Paulo Bellinati ligados à prática do violão solo; João Bosco, Paulo César Pinheiro e Luiz Tatit, à canção popular; e Guinga, que atua na face de contato entre os campos estudados. A opção pelo formato de montagem permite que os diversos discursos convivam entre si por meio dos sete capítulos que compõem esta dissertação. Essa montagem pode ser acompanhada através da leitura das transcrições descritivas das entrevistas realizadas e da escuta dos tracks do DVD anexo. Assim, o presente trabalho se vale tanto dos recursos próprios da tradição escrita quanto de recursos que obedecem à dinâmica da tradição não-escrita, os quais se complementam nesta pesquisa a fim de contemplar a natureza da matéria musical nascida da interação entre estes universos. / The present work investigates the exchange of musical information within the intersection between the universe of solo guitar - especially when connected with classical music - and the universe of Brazilian popular song. For this purpose seven renowend guitar masters from both universes were interviewed: Sérgio Assad, Marco Pereira and Paulo Bellinati - connected to solo guitar practice; João Bosco, Paulo César Pinheiro and Luiz Tatit, linked to popular song; and Guinga, whose work is in the intersection zone between the two previous approaches. Through a montage format, the various discourses are able to weave among each other in the seven chapters that comprise this dissertation. One can accompany this montage by reading the descriptive transcriptions of the interviews, and by listening to the tracks on the accompanying DVD. Therefore, the work employs both tools from the written tradition and tools which respect the dynamics of non-written tradition, which complement one another IN the goal to embrace the characteristics of musical material generated from the interaction of both universes.

Esta dissertação apresenta doze transcrições, realizadas pelo próprio autor, de obras selecionadas de Maurice Ravel e Claude Debussy. A realização das transcrições teve como referencial teórico a análise de duas das mais importantes transcrições da história do violão: - Siete Canciones Populares Españolas - original de Manuel de Falla para piano e voz, transcritas para violão e voz por Miguel Llobet - Venetian Gondola Song - original de Felix Mendelssohn para piano (livro I das Canções sem palavras, op. 19), transcrita por Francisco Tárrega O livro Guidelines for Style Analysis, de Jan LARUE foi o referencial teórico para as análises musicais. Os comentários analíticos se restringem à sua relação com os processos de transcrição. A arte da transcrição está diretamente associada ao violão e seu desenvolvimento. Uma perspectiva da história da transcrição para violão a partir do final do século XIX é apresentada e discutida. Soma-se a esta discussão a figura de Franz Liszt, um dos principais transcritores (para piano) da história da música. As transcrições são analisadas a fim de se abordar a problemática que cada uma envolve. A \"fidelidade musical\" é o principal foco deste trabalho, ou seja, a realização dos elementos musicais e ideia estética da obra original em seu novo meio: o violão. Para isso é necessário realizar uma transcrição idiomática, e os processos utilizados para esta busca são também apresentados e discutidos. / This dissertation presents twelve transcriptions, made by the own author, of selected works by Maurice Ravel and Claude Debussy. The realization of the transcriptions had as a theorical referential the analysis of two of the most important transcriptions of the history of the guitar: - Siete Canciones Populares Españolas - original work by Manuel de Falla for piano and voice, transcribed for guitar and voice by Miguel Llobet - Venetian Gondola Song - original work by Felix Mendelssohn for piano (book I from the Songs without words, op. 19), transcribed by Francisco Tárrega The book Guidelines for Style Analysis, by Jan LARUE was the theorical reference for the musical analysis. The analytical comments are confined to their relationship with the processes of transcription. The art of transcription is directely associated to the guitar and its development. A perspective of the history of transcription for the guitar starting at the middle of the XIX century is presented and discussed. Adds to this discussion the figure of Franz Liszt, one of the most important transcribers (for the piano) in the history of music. The transcriptions are analysed in order to address the problem that each one involves. The \"musical fidelity\" is the main focus of this work, namely the realization of musical elements and aesthetic idea of the original work on its new instrument: the guitar. To achieve this is necessary to work on an idiomatic transcription, and the processes used on this quest are also presented and discussed.

O presente trabalho investiga estratégias para aperfeiçoar o estudo individual do violonista com base no conceito de autorregulaçaao da aprendizagem e nas informações da literatura musical. Nas últimas décadas, pesquisas tem enfatizado a importância do aspecto qualitativo no estudo individual (Barry, 1992; Nielsen, 1999 e 2001; Williamon e Valentine, 2000; Hallam, 2001) e destacam que saber como estudar eí uma habilidade fundamental para sustentar o contínuo aperfeiçoamento musical. Essa capacidade de regular o próprio estudo se relaciona com o mecanismo da autor regulação, conjunto de processos psicológicos pelos quais o ser humano regula seu comportamento. Como referencia principal para o estudo desse conceito eí utilizado Barry J. Zimmerman (2000, 2002) e também Mcpherson e Zimmerman (2011) que discutem a autor regulação na prática do músico. Da literatura musical as principais referências são os livros de Gerald Klickstein (2009) e dos violonistas Ricardo Iznaola (2000), Richard Provost (1992) e Lee F. Ryan (1991), que discutem viários aspectos relacionados à prática individual do músico. As informações trazidas pelos autores da aéra musical foram discutidas e organizadas de forma a trazer um panorama das estratégias para o aperfeiçoamento da prática e para estimular o comportamento autorregulado do estudante (de universidade ou conservatório superior). O trabalho incluiu também uma etapa prática, na qual as informações levantadas na parte teórica foram aplicadas na rotina de estudos pessoal. A experiência teve o objetivo de observar as implicações desta abordagem e foi registrada como um memorial de estudo através de relatórios e vídeos. Em suma, a análise dessa etapa se alinha com as evidências da pesquisa empírica, de que o engajamento do estudante em procedimentos como analise prévia da tarefa, estabelecimento de metas, planejamento, escolha de estratégias adequadas e reflexão sobre o estudo tem um impacto positivo na eficiência do aprendizado e no desenvolvimento musical. / This research explores strategies to improve the classical guitarist\'s individual practice based on the concept of self-regulated learning and resources from musical literature. During the last decades, a great amount of research has emphasized the relevance of qualitative aspect in music practice (Barry, 1992; Nielsen, 1999 e 2001; Williamon e Valentine, 2000; Hallam, 2001) and suggest that knowing how to practice is an essential ability to support constant musical improvement. The skill of regulating one\'s study is related to self-regulation mechanisms, which is a set of psychological procedures in which the human being regulates his own behavior. It is chosen, as main reference to the self-regulation study, Barry J. Zimmerman (2000, 2002) and also Mcpherson e Zimmerman (2011), that discusses the self-regulation in the musical activity. The main references from the musical literature are the books of Gerald Klickstein (2009) and the classical guitarists Ricardo Iznaola (2000), Richard Provost (1992), Lee F. Ryan (1991), that presents several aspects related to the musician individual practice. The knowledge brought from the authors in musical field were debated and organized in order to provide a panorama of strategies to enhance music practice and to stimulate students\' self-regulated behavior (at university or conservatory level). This paper includes a practical stage as well, in which the collected information from the theoretical stage was applied to my study routine. The experiment has had the aim of observing and discussing the implications of self-regulation strategies, and it was registered as a study report through daily logs, audio recordings and videos. Lastly, the analysis and reflection of this practical process relates to the empirical research evidences, which show that the student\'s commitment in some procedures, such as task analysis, goal setting, planning, the choice of suitable strategies and reflection about the study, leads to a positive impact in practice efficiency and musical development.

O presente trabalho fornece ferramentas técnico-interpretativas para a construção de uma performance da suíte Imágenes para violão do compositor argentino Carlos Aguirre. Através de uma análise estrutural das obras que compõem essa suíte e sua relação com os gêneros da música popular em que se baseiam, assim como dados biográficos e estilísticos do compositor e suas obras para violão, apresentamos material para uma maior compreensão das peças. Na segunda parte do trabalho, expomos sugestões de digitação de mão direita e mão esquerda como alternativas às indicadas na edição. Versões gravadas pelo compositor com outros instrumentos de duas peças dessa suíte foram analisadas como fonte para ideias interpretativas no violão. Para a resolução das dificuldades técnicas presentes em Imágenes, propõem-se exercícios embasados principalmente no conceito de versão zero de Fernández (2000). / This work offers interpretative and technical tools for the construction of a performance of the suite Imágenes for guitar, by the Argentinian composer Carlos Aguirre. Through a structural analysis of the pieces that form the suite and its relation with other genders of folk music on which they are based, as well as biographic and stylistic information of the composer and his works for guitar, we present relevant material for a better comprehension of these pieces. In the second section of this work, we present fingering suggestions for both hands as alternatives to those indicated in the original edition. Versions recorded by the composer with other instruments of two pieces of the suite were analyzed as sources for interpretative ideas for the guitar. To resolve technical difficulties in Imágenes, we propose exercises, mainly based on Fernández’ (2000) concept of version zero.

Orientador: Marcos Fernandes Pupo Nogueira / Banca: Abel Luis Bernardo da Rocha / Banca: Sidney José Molina Júnior / Resumo: Esse trabalho tem como foco a versão de "Quadros de uma Exposição" de Modest Musorgsky feita para violão solo por Kazuhito Yamashita. Através de uma contextualização histórica e estética, insere essa obra no cânone do repertório para violão e estuda os impactos causados pela gravação desta e por sua performance. Comparando-a com o original para piano e com a orquestração feita por Maurice Ravel, analisa as técnicas violonísticas empregadas de maneira incomum. Discute as formas de escrita para o violão, seus efeitos e possibilidades de execução / Abstract: This work is about the guitar version of Modest Musorgsky's "Pictures at an Exhibition" made by Kazuhito Yamashita. By an esthetic and historical context, analyses the insertion of this piece in the classical guitar repertoire and studies the impacts by the recording and performance of it. Making a comparison with the original piano piece and with the orchestration made by Maurice Ravel, makes an analysis about the guitar techniques used in an unusual way. Debates the guitar writing, his effects and the performance possibilities / Mestre

Esta tese aborda o Concerto para Violão e Orquestra de Francisco Mignone, ainda pouco conhecido do público e violonistas de modo geral, apesar de seu retorno gradativo aos programas de concerto durante a última década. Nosso trabalho abrangeu duas frentes: a revisão da obra como um todo e o estudo das sugestões de Sérgio Abreu para a parte solista, concebida como apoio às primeiras apresentações brasileiras. A revisão da parte orquestral, a partir do confronto entre fontes primárias, seguiu ideias centrais de James Grier em seu conceito do intérprete-editor, que intervém para prover uma partitura alinhada às suas fontes históricas, ao mesmo tempo de fácil leitura e realização. Contextualizamos as proposições violonísticas de Sérgio Abreu em meio a revisões representativas de outros repertórios por personagens referenciais do instrumento, com as análises iniciais balizadas em princípios gerais do estruturalismo de Arnold Schönberg e William Caplin. Posteriormente as confrontamos também com as fontes primárias do violão solista e contexto orquestral. Embora nossa meta principal tenha sido a revisão crítica deste Concerto, nossa dupla abordagem propiciou uma reflexão em torno de suas características centrais, com desfecho das análises em nossas considerações finais. Os resultados podem ser resumidos na ideia geral de que a revisão crítica se torna progressivamente um hábito do intérprete violonista a partir do século XX e, especificamente, na elaboração de nossa partitura crítica do Concerto, com proposições também de nossa parte. / This thesis addresses the Concerto para Violão e Orquestra (Concerto for Guitar and Orchestra) by Francisco Mignone, who is still little known to the public and guitarists in general despite his increasing presence in concert programs during the last decade. Our research involved two fronts: the review of the work as a whole and the study of Sergio Abreu\'s suggestions regarding the soloist part, which were conceived as support to the first Brazilian presentations. The review of the orchestral part, based on the confrontation between primary sources, followed the central ideas of James Grier\'s concept about the interpreter-editor, who intervenes in the work in order to provide a score that is in line with the historical sources, and that is also easy to read and perform. We contextualize Sérgio Abreu\'s suggestions for the guitar amid representative revisions of other repertoires by referential interpreters with initial analyzes based on the general principles of Arnold Schönberg\'s and William Caplin\'s structuralism. Subsequently, we also confront Abreu\'s suggestions with the primary sources of the soloist guitar and with the orchestral context. Although our main goal was the critical review of this Concerto, our dual approach provided a reflection on its core characteristics, and the outcome of the analysis is in our final considerations. The results can be summarized in the general idea that, from the twentieth century, the critical review progressively becomes a habit of the interpreter guitarist and that it is specifically present in the elaboration of our critical score of the Concerto, which also incorporate suggestions given by us.

Orientador(a): Achille Guido Picchi / Banca: Wladimir Fatto Contesini de Mattos / Banca: Humberto Amorim Neto / Resumo: Neste trabalho buscamos compreender a relação que o violão estabelece com a voz e o texto na canção de câmara brasileira do século XX, e a maneira como essa relação constrói uma unidade discursiva indivisível. A forma como o violão atua nesta tridimensionalidade traz consigo um lastro histórico-sócio-cultural, e transcende o idiomático do violão. Essa categoria de atuação, a qual chamamos de violonismo, passa por processos de simbolização e representação, e permite certas atribuições de sentido. Para amparar esta discussão buscamos, no primeiro capítulo, traçar um percurso histórico dos instrumentos de cordas dedilhadas com ênfase na sua relação com a voz. Veremos no segundo capítulo que tal percurso levou o violão a um posicionamento, no qual seu repertório escrito para voz e violão, evidencia um uso específico e exclusivo do instrumento. As implicações deste uso são discutidas no terceiro e último capítulo, no qual, sem buscar respostas definitivas, descortina questionamentos fundamentais acerca das possibilidades do violonismo / Abstract: In this work, we seek to understand the relationship that the guitar establishes with the voice and text of Brazilian chamber song of the 20th century and the way in which this relationship builds an indivisible discursive unit. The way in which the guitar acts in this three-dimensionality brings with it historical and sociocultural weight and transcends the idiomatic characteristic of the guitar. This type of action which we call guitarism, goes through processes of symbolization and representation, and allows certain sense assignments. To support this discussion we seek, in the first chapter, to trace a historical trajectory of plucked string instruments, emphasising in their relationship with the voice. In the second chapter we will observe that this trajectory has taken the guitar to a position in which its repertoire written for voice and guitar, demonstrates a specific and exclusive usage of the instrument. The implications of this usage are discussed in the third and last chapter, which without seeking definitive answers, unveils fundamental questions about the possibilities of guitarism / Mestre

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:52:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1373268 bytes, checksum: 408a133af0a811ec543de763269af681 (MD5) Previous issue date: 2014-04-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / This work presents the results of a survey about the practices, conceptions, beliefs and didactic materials employed by guitar professors through graduation courses of music performance at guitar in Brazilian universities, specially the materials and practices about sight-reading, and aims to contribute to research about teaching of musical instruments, both at Music Education and at Performing Practices. This survey revealed the most used guitar teaching methods at Brazilian universities and the literature search undertaken about the sightreading subject made it possible to draw a state of the art that guided the analysis of those didactic materials, identifying and relating its features with the knowledge base about expertise in problem solving, flow and deliberate practice. Presenting and analyzing the instrument teaching methods used by the aforementioned guitar teachers, their practices and beliefs about the teaching of guitar playing and sight-reading, made it possible to relate literature s knowledge of the subject with teaching approaches, and to state well informed hypothesis about sight-reading relevance to Brazilian guitar playing and teaching. It was made clear that sight-reading valuing manifested itself more in speech than in practice, and issues concerning guitar students suggests that, among many other factors, deficiencies in elementary music education makes that guitar teaching excessively focuses on memorized repertoire teaching and sacrifices more integrative practices like chamber music and sightreading. Seeking to improve the comprehension of this scenario, possibilities of didactic and pedagogical acting and researching are discussed. / Ao apresentar os resultados de um levantamento a respeito das práticas, concepções e materiais didáticos utilizados por professores de violão dos bacharelados em música do Brasil no processo de formação de violonistas e no ensino da leitura musical à primeira vista (LMPV), este trabalho visa a contribuir para a pesquisa sobre ensino de instrumento, no âmbito da Educação Musical e das Práticas Interpretativas. A partir desse levantamento puderam ser conhecidos os principais métodos de ensino de instrumento utilizados pelos professores brasileiros no ensino de violão e, a partir da pesquisa bibliográfica empreendida sobre o tema da LMPV, foi traçado um estado da arte que balizou a análise desses materiais, ao identificar as suas características e relacioná-las com os conhecimentos sobre expertise em resolução de problemas, fluxo e prática deliberada. Ao apresentar e analisar os métodos de ensino de instrumento utilizados pelos professores de violão dos bacharelados em música do Brasil, juntamente com as práticas e concepções por eles manifestadas, foi possível explicitar e relacionar o conhecimento científico sobre o tema com as atividades propostas nesses materiais e as concepções dos professores de violão sobre LMPV, bem como emitir hipóteses bem fundamentadas sobre a relevância da LMPV para o violão brasileiro e suas práticas de ensino. Constatou-se que a valorização da LMPV é muito mais dita do que praticada e questões relativas à formação dos estudantes de música levam a crer que, dentre diversos fatores, a precariedade de formação básica induz o foco no ensino de repertório ensaiado e sacrifício de práticas mais integrativas como música de câmera e LMPV. Em seguida, em busca da uma melhoria da compreensão dessa situação, discutem-se as possibilidades de atuação e pesquisa didático-pedagógicas diante desse quadro.

Este memorial apresenta os processos de composição de peças escritas durante o Mestrado na UFRGS, integrando técnicas para gerar materiais de alturas e ritmos com improvisações espontâneas ao violão. Esta pesquisa em composição musical teve como referências obras de György Ligeti, Maurice Ravel, Bela Bartók, Morton Feldman e Alberto Ginastera, Astor Piazzolla e Radamés Gnattali. Os textos e as composições de Antônio Carlos Borges-Cunha e Celso Loureiro Chaves contribuíram para as reflexões sobre a formação técnica do compositor na atualidade, bem como para a importância do desenvolvimento de uma identidade estilística. Para tanto, minha experiência com instrumentista e improvisador - atuante, principalmente em gêneros da música regional do Rio Grande do Sul - foi incorporada na invenção e desenvolvimentos de materiais. / This memorial presents the compositional processes of pieces written during the Masters at UFRGS, integrating techniques to generate materials of heights and rhythms with spontaneous improvisations on the guitar. This research in music composition used as references the works of György Ligeti, Maurice Ravel, Bela Bartók, Morton Feldman and Alberto Ginastera, Astor Piazzolla and Radamés Gnattali. The texts and songs by Antônio Carlos Borges-Cunha and Celso Loureiro Chaves added to the discussions about the technical training of the composers today, as well as about the importance of developing a stylistic identity. For that, my experience as an instrumentalist and an improviser - acting especially in genres of Rio Grande do Sul's traditional music - was incorporated to the invention and development of materials.

Submitted by Yuri Barreto (yuribarreto_@hotmail.com) on 2018-06-12T01:47:39Z No. of bitstreams: 1 Dissertação.pdf: 11585663 bytes, checksum: b88bba93bf1a5907696b992cf5909694 (MD5) / Approved for entry into archive by Nilson Nascimento Souza (nilson@ufba.br) on 2018-07-10T11:14:13Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação.pdf: 11585663 bytes, checksum: b88bba93bf1a5907696b992cf5909694 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-10T11:14:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação.pdf: 11585663 bytes, checksum: b88bba93bf1a5907696b992cf5909694 (MD5) / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado da Bahia / Este trabalho realiza um estudo sobre cinco peças para violão solo do compositor baiano Elomar Figueira Mello (1937) cujos títulos são: Calundú e Cacorê, Batuque no Panela, Batuque na Serra da Tromba, Trabalhadores na Destoca e Duvê Esse chão Quema Meus Pé. Apresenta-se em três partes distintas, porém convergentes: a primeira contextualiza o autor e o repertório escolhido tratando também do processo de transcrição realizado a partir das gravações feitas pelo compositor e seu respectivo registro em partitura musical. A segunda parte expõe análises das obras sob três prismas diferentes: um estrutural, baseado nos modelos de Schoenberg e White que serviram de base para a identificação das influências musicais pertinentes ao compositor; outro idiomático, que aponta os recursos instrumentais utilizados e o último por um viés técnico, apoiado nas teorias didático-violonísticas de Carlevaro, Fernández, Noad e Tennant. A parte final contribui com uma edição de cada uma das peças incluindo aspectos musicais e de técnica violonística.