La présente étude porte sur la pratique du genre de la tragédie classique au XIXe siècle, en particulier sous la Restauration et la Monarchie de Juillet. Ce qui nous intéresse, ce sont les développements les plus tardifs du genre tragique en France, genre dont nous documentons l’évolution et le déclin progressif au cours de la première moitié du XIXe siècle, c’est-à-dire jusqu’à sa disparition des théâtres français, qui a lieu autour de 1850. En nous basant sur un corpus de quatre-vingt pièces, nous essayons de brosser un tableau complet de la tragédie et des auteurs tragiques de la Restauration et de la Monarchie de Juillet, ou plus exactement des quarante années comprises entre 1814 et 1854. Conçu comme l’étude d’un code littéraire, ce travail s’articule en deux parties : dans la première, nous définissons le code tragique post-napoléonien sur la base des constantes formelles qui le caractérisent, en montrant l’évolution que le genre connaît des points de vue stylistique, structurel et plus strictement dramaturgique ; dans une seconde partie, nous examinons les constantes thématiques de ce code, en étudiant les stratégies par lesquelles la tragédie transpose, à travers les sujets historiques fortement allusifs qu’elle traite, les grandes problématiques politico-sociales de son temps. En documentant la continuité qui existe entre cette tragédie tardive et le drame romantique, nous cherchons enfin à valoriser les pièces de notre corpus et à mettre en évidence leurs traits modernes, ce qui nous conduit à rechercher les raisons de la persistance d’un genre traditionnel comme la tragédie classique et les facteurs qui déterminent sa revitalisation au XIXe siècle. / This study concerns the practice of the genre of classical tragedy in the nineteenth century, particularly during the Restoration and the July Monarchy. It focuses on the last developments of tragedy in France and documents the evolution and the progressive decline of this genre during the first half of the nineteenth century; that is until its disappearance from French theatres, which took place around 1850. By considering a corpus of eighty plays, this work aims to give a clear picture of the tragic genre and tragic authors of the Restoration and the July Monarchy, or more exactly of the forty years from 1814 to 1854. This work is conceived as the study of a literary code and is divided into two parts: in the first part, we try to define the tragic code of the post-Napoleonic era on the basis of the formal constants which characterise it, showing the evolution of the stylistic, structural and dramaturgic features of tragedy. In the second part, we look at the thematic constants of this code, studying the strategies that tragedy uses to transpose – through the historical and highly allusive subjects that it treats – the principal social and political problems of its time. Finally, by showing the continuity which exists between the declining tragic genre and the romantic drama, we try to valorise the texts in our corpus and to underline their modern features. This leads us to look for the reasons behind the persistence of a traditional genre like the classical tragedy and for the factors which revitalise it in the nineteenth century.

Ce travail met en évidence les manifestations lyriques et élégiaques dans le corpus des dix-sept mélodies d’Henri Duparc, à travers une analyse des discours poético-musicaux. Du point de vue conceptuel, le transfert de la notion de lyrisme, de la poétique vers la musique, permet de construire une représentation du lyrisme duparcien, située à la croisée du lyrisme poétique et des possibles de la structuration musicale. La première partie décline les différentes facettes de ce lyrisme à travers les moyens stylistiques du lyrisme poétique (l’élévation et la répétition) et du lyrisme musical (la "voix-violon", les posés de voix, la recomposition, la brièveté, l’emphase). La deuxième partie – la lecture interprétative des textes poétiques – expose quatre situations élégiaques, les plus représentatives du style duparcien. Ce prisme révèle la démarche compositionnelle d’Henri Duparc : il travaille par thématiques, qu’il traite plusieurs fois sous différents angles, pour en montrer les différentes facettes émotionnelles. En dégageant les idées dramatiques d’Henri Duparc à partir de sa correspondance, la troisième partie démontre que les mélodies constituent pour ce compositeur un laboratoire d’expérimentation de ce qu'il a lui-même nommé le "drame d’âme", qui s'élaborait au sein du projet de "La Roussalka", son unique drame lyrique, inachevé, puis détruit. Ces mélodies mettent en évidence les limites compositionnelles de ce musicien en matière de drame lyrique, élaboré sans action extérieure, sans enchaînement de situations dramatiques et sans personnage. Au terme de cette étude, les mélodies apparaissent donc comme la forme la plus aboutie dont il était capable. / This dissertation highlights lyric and elegiac works in the corpus of seventeen melodies of Henri Duparc, through an analysis of the poetic and musical speeches. From the abstract point of view, the transfer of the notion of lyricism, from poetics to music, helps to build a representation of Duparc’s personal lyricism, that lays between the poetic lyricism and the possibilities of the musical structure. The first part of this study presents the various ways of lyricism through stylistic means of poetic lyricism (elevation of thought and repetition) and of musical lyricism (the idea of "violin-voice", the level of the voice, the rewriting of the works, the brevity, the bombast). The second part - the interpretative reading of the poetic texts – sheds lights on four elegiac situations, which are the more representative of the composer’s style. This prism reveals the Henri Duparc’s approach of composition: he works by themes, which he handles several times under different angles, to show the various emotional sides. Revealing Henri Duparc's dramatic ideas from his correspondence, the third part demonstrates that his melodies establish for this composer a laboratory of experiment of what he called himself the "drama of the soul", which he developed within the project of "La Roussalka", his unique operatic drama, unfinished then destroyed. These melodies highlight the limits of this musician writing skills regarding operatic drama, developed separate from action, without sequence of dramatic situations and without characters. At the end of this study, the melodies appear as the most accomplished shape in which Henri Duparc was proficient.

À l’issue des deux guerres balkaniques, en décembre 1913, les consuls de Salonique reçoivent des mains du gouvernement hellène une circulaire annonçant la suppression des capitulations. S’achève alors l’histoire du consulat de France en Macédoine ottomane, commencée en 1686. Cette région de l’Empire ottoman, quasiment inconnue du grand public européen avant les événements du tournant des XIXe et XXe siècles, est pourtant emblématique du déploiement de la diplomatie consulaire française au cours du long du XIXe siècle. Malgré sa réorganisation théorique par l’ordonnance de 1781, le consulat de Salonique demeure longtemps à la marge de la machine diplomatique française avant de s’y intégrer progressivement. Les réalités locales conditionnent en effet autant, si ce n’est davantage, le quotidien de la gestion du poste, confrontant les consuls à l’expérience de l’altérité. / In December 1913, just after the two Balkan wars, the Hellenic Governor of Salonica communicate to all the consuls a circular announcing the abolition of the capitulations, ending the story of the French consulate in Ottoman Macedonia, started in 1686. Even if this region of the Ottoman Empire is mostly unknown in Europe before the events of the beginning of the 20th century, the case of the French Consulate in Salonica is emblematic of the deployment of the French consular diplomacy during the long nineteenth century. Despite its theoretical reorganization in 1781, the consulate of Salonica long remained at the margin of the French diplomatic machine before gradually become integrated. Much more than the diplomatic level, local realities precondition the daily running of the office, confronting the consuls to the common experience of otherness.

Charles Renouvier, philosophe savant, honnête chercheur, se bat contre les mystères et la métaphysique en utilisant la méthode scientifique. Il appuie son néocriticisme sur l’esprit de la science, il voit même dans la critique cet esprit. Il n’omet pas d’étudier les premiers principes des sciences, les notions de phénomène et de loi, les catégories, lois irréductibles au fondement des sciences. Rejetant le noumène, il articule son phénoménisme entre les catégories de relation, d’où découle l’absurdité de l’infini actuel, et de personne, toute chose étant par le biais de représentations. Il use des principes de relativité et de contradiction, propose un classement des sciences, prenant en compte ses principes et posant la critique comme tronc commun des sciences. Ce polytechnicien voit l’objet des mathématiques dans le rapport du multiple à l’un, et le nombre comme un tout d’unités, un nombre discret. Sa loi du nombre lui permet de sortir des antinomies kantiennes, de penser l’indéfini, les nombres négatifs et fractionnaires. Il analyse les concepts élémentaires de la géométrie, il présente les enjeux du calcul des probabilités et se positionne par rapport aux géométries imaginaires, tout cela en vue de débarrasser les mathématiques de toute métaphysique. Il étudie également les sciences physiques, faisant valoir l’hypothèse scientifique dans les sciences expérimentales, il s’interroge sur les notions de matière et de force. Considérant la place de la liberté et de la volonté en l’homme, il y voit une différence spécifique d’avec l’animal. Dans sa philosophie de l’histoire des sciences et des idées, et dans ses ouvrages ultérieurs, l’académicien montre le lien entre croyance et savoir, et il milite pour une religion raisonnée et un progrès moral. / Philosopher - scientist, hobest researcher, Charles Renouvier fights against the mysteries and the metaphysics using the scientific method.He bases his néocriticisme on the spirit of science, that he sees in the critic itself. He does not omit to study the first principles of science : the conxepts of phenomenon, law and category, the latest constituting irreducible rules at the foundation of sciences. Rejecting the noumenon, he articulates his phenomenalism between the categories of relation, from which flows the absurdity of the actual infinity and of person, all things being through representations. He uses the principles of relativity of contradiction, offers a classification of sciences, taking into account his principles and stating the critic at the core of sciences. This ex-student from the Ecole Polytechnique sees the object of mathematics in the connection between multiple and one, and the number as a set of units, consequently being a discrete number. His law of number permits him to get out of the Kantian antinomies, to think out the indefinite, negative and fractionnal numbers. He discusses the basic concepts og geometry. He presents the issues of probability calculations and takes a position on imaginary geometries. All these aim to get rid of any metaphysics in mathematics. He also examines physical sciences. Arguing for scientific hypothesis in experimental siences, he examines the concepts of matter and force. Considering the importance of freedom and will in the man, he sees in that a significant difference from tha animal. In his philosophy of history of science and ideas and in his later works, the Academician shows the relationship between belief and knowledge, and argues for a rational religion and moral progress.

Connectées par le Chemin du Roy sur l’île de Montréal, les populations issues des anciens cimetières de Saint-Antoine (1799-1854) et de Pointe-aux-Trembles (1709-1843) reflètent un contexte d’immigration et de croissance démographique intenses durant le XIXe siècle. Elles ont connu plusieurs épisodes d’épidémies de choléra dues aux mauvaises conditions sanitaires, sans compter des changements socioéconomiques majeurs reliés à l’industrialisation. L’objectif tente d’explorer les facteurs (p. ex. sexe, âge, pratiques de sevrage, conditions sanitaires) qui ont influencé la mortalité des enfants provenant de ces deux populations de milieux différents, soit urbain et rural. Comme les échantillons de populations archéologiques au Québec sont souvent fragmentaires et peu propices à des études paléodémographiques en raison de la nature des fouilles de sauvetage et de la conservation différentielle des ossements, les données ostéologiques de cette étude ont été complétées et comparées aux données archivées issues de la démographie historique (Registre de la population du Québec Ancien ou RPQA). Deux modèles paléodémographiques (Bocquet-Appel et Masset 1977, Séguy et Buchet 2011) ont été utilisés sur les deux populations afin de comparer les profils de mortalité obtenus à partir des données ostéologiques et archivées. Les résultats suggèrent les faits suivants : i) La mortalité des enfants était plus élevée en ville par rapport à la campagne de Montréal, en raison des épidémies de choléra et des infections bactériennes qui ont été considérablement plus dévastatrices en milieu urbain en raison de la densité de la population et de l’insalubrité; ii) Des méthodes de sevrage précoces auraient influencé la mortalité infantile dans les deux paroisses, surtout celle de Notre-Dame (Saint-Antoine). La pratique de mise en nourrice durant le XIXe siècle à Montréal a augmenté la mortalité puisque les mères de la campagne devaient sevrer leurs enfants plus tôt pour accommoder ceux de la ville; iii) Comme les profils de mortalité juvénile estimés à partir des données ostéologiques sont similaires à ceux qui ont été calculés à partir du RPQA, il est possible d’éviter le problème de sous-représentativité des nouveau-nés dans les échantillons archéologiques à l’aide de bons modèles paléodémographiques. / Connected by the Chemin du Roy on the island of Montreal, the populations from the ancient cemeteries of Saint-Antoine (1799-1854) and Pointe-aux-Trembles (1709-1843) reflect a context of immigration and intense population growth during the 19th century. In addition, they have experienced several episodes of cholera epidemics due to very poor sanitary conditions, not to mention major socio-economic changes related to industrialization. The objective is to explore the factors (e.g., sex, age, weaning practices, health conditions) that influenced the mortality of children from these two populations from different backgrounds, i.e., urban, and rural. As the samples of archaeological populations in Quebec are very often fragmentary and not appropriate to paleodemographic studies due to the nature of the excavations and the differential preservation of bones, the osteological data of this study were supplemented and compared with archived data from historical demography (Registre de la population du Québec Ancien or RPQA). Two paleodemographic models (Bocquet-Appel and Masset 1977, Séguy et Buchet 2011) were used to compare the mortality profiles obtained from the osteological and archival data. The results suggest the following facts: i) Child mortality was higher in the city than in the countryside on the island of Montreal, due to cholera epidemics and bacterial infections which were considerably more devastating in urban areas due to the high population density and unsanitary living conditions; ii) The early weaning practices may have influenced the infant mortality in the two parishes, especially the one of Notre-Dame (Saint-Antoine). The wet nurse practices in Montreal during the 19th century increased mortality since mothers from the countryside had to wean their children earlier to accommodate the children from the city; iii) The juvenile mortality profiles estimated from the osteological data are like those calculated from the RPQA, which demonstrates problems due to the under-representation of newborns in archaeological samples can be avoided with the help of good paleodemographic models.

Le travail s’insère dans la vaste perspective des études sur les rapports entre la culture italienne et la culture française dans la seconde moitié du XIX siècle. En particulier nous avons pris en examen la période 1870-1883, c’est-à-dire les années de la conclusion de la guerre franco-prussienne, jusqu’à la crise diplomatique de Tunis (1881) et au passage de l’Italie à l’alliance politique et militaire avec l’Autriche et l’Allemagne. (1886). Dans la vaste production littéraire de De Amicis (connu presque seulement pour la publication de son roman Cuore), la France joue un rôle non secondaire, comme le témoignent le volume Ricordi di Parigi (1879) et le recueil Ritratti letterari (1881). Le but de notre recherche a été d’abord l’analyse approfondie de ces deux livres. Ensuite nous avons fait une enquête systématique sur l’ensemble de la production de De Amicis – en examinant pour la première fois plusieurs périodiques littéraires et politiques – où nous avons retrouvé beaucoup d’autres témoignages importants. En outre, grâce à l’étude de la biographie de De Amicis, nous avons reconstruit ses voyages et ses séjours en France (1873, 1878, 1880), et nous avons retrouvé le nom d’autres intellectuels français, avec lesquels De Amicis a établi des liens d’amitié et de collaboration. Enfin, à travers l’analyse de la correspondance privée de certains protagonistes de cet échange, nous avons acquis d’autres données. Nous avons ainsi mis à jour de nombreux témoignages de la remarquable réception en France des œuvres de De Amicis. Il a été beaucoup traduit en France et la critique française l’a considéré dès sa première œuvre (La vita militare, 1868) comme un des écrivains les plus importants d’Europe. Le bilan final de nos recherches confère à De Amicis un rôle très important dans les rapports entre la France et l’Italie, aussi bien au niveau culturel que politique / My research makes a contribution to the study of relations between Italy and France in the second half of the nineteenth century. Specifically, it deals with the crucial period which extends from the Franco-Prussian War to the adherence of Italy to the Triple Alliance (with Austria and Prussia) which came in response to the French occupation of Tunisia. It is within this context that the emergence of the Italian author Edmondo De Amicis (1846-1908) is to be understood. De Amicis dedicated two of his works to France, Ricordi di Parigi (1879) and Ritratti Letterari (1881), in which can be found portraits of a number of well-known French authors such as Alphonse Daudet, Emile Zola, Emile Augier and Alexandre Dumas fils. The systematic study of De Amicis’ biography and the retrieval of many authoritative sources have greatly contributed to current knowledge on De Amicis’ relationship with France. The existing sources have now been greatly enriched by a considerable number of unpublished journalistic writings and personal letters. In addition, information has been collected with regard to the French reception of De Amicis’ works, many of which came to be highly appreciated in translation. Thus, the picture which emerges is that of an intellectual of European standing, committed to the divulgation of the literary innovations of French naturalisme and, above all, to defending the values of freedom championed by the French Revolution.

Edgar Degas, observateur réputé de la vie parisienne du XIXe siècle, réserve tout au long de sa carrière un traitement particulier à la figure féminine. Dès les premières tentatives de tableaux d’histoire et les portraits des débuts, dont un grand nombre concerne des couples et des membres de sa famille, Degas introduit une forme de tension dans les rapports entre les hommes et les femmes. Cette tension se manifeste à la fois dans la structure des œuvres et dans le registre expressif des figures représentées. Elle perdure dans les tableaux de genre qui marquent un intérêt accru de Degas pour les scènes de la vie contemporaine. Ces dernières suggèrent une trame narrative encore aujourd’hui difficile à déchiffrer mais où continue de se manifester une forme d’opposition entre les pôles masculin et féminin de l’image. Ce sont surtout les œuvres représentant des femmes au travail ou à leur toilette, réalisées dans la période de la maturité de l’artiste, qui manifestent cette tension à son maximum et lui confèrent un supplément de résonnance personnelle et sociale. Un pivotement du dispositif figuratif maintient le pôle féminin dans l’espace de représentation alors que le pôle masculin se situe désormais du côté du spectateur. Ces figures de femmes dont la gestuelle, le positionnement dans l’espace et le mode d’adresse suggèrent qu’elles font l’objet d’une effraction du regard qui s’énonce au masculin, résistent par plusieurs aspects au scénario érotique voyeuriste qui se développe à l’époque dans beaucoup de tableaux académiques et dans les illustrations populaires. / Edgar Degas, famous observer of nineteenth century Parisian life, made a special subject of the female figure throughout his whole career. As early as his first attempts at historical paintings and his first portraits - many of which depicted couples and family members - Degas introduces some kind of tension between men and women. This tension can not only be seen in the structure of his works but also through the postures and facial expressions of his characters. It remains in the genre paintings which show Degas’ increased interest in scenes of contemporary life after he turned away from historical topics. Those scenes point to a narrative that until today is difficult to decipher but where an opposition of a sort can still be seen between the male and female poles of the picture. But it is especially in the works depicting women at work or tending to their personal hygiene in the artist’s mature period that this tension is shown at its peak. It vibrates with an increasingly more personal and social tone. A shift in the figurative structure maintains the female pole in the depicted space whereas the male pole is now located in the beholder’s space. Female wearily label even by the postures, demeanors, and expressions lead us to believe that they are subjected to some visual intrusion of male origin, one akin to the existing voyeurism developing in the same period in many academic paintings and popular illustrations.

Cette thèse veut s’attacher aux usages dont Jean-Philippe Rameau fut l’objet en France entre 1764 (la date de sa mort) et 1895 (la date usuellement identifiée comme étant celle de sa résurrection, alors que commencent à paraître ses Œuvres complètes aux éditions Durand). Le temps intermédiaire n’est en effet pas celui d’un oubli : célébré comme un « grand homme » au lendemain de son décès, et ne disparaissant jamais des consciences et des cultures musiciennes, Rameau est d’abord critiqué (1764-1831), avant d’être réécouté (1832-1895). Sa musique souffre d’être ancienne en des temps progressistes consacrant l’esthétique gluckiste. Le concert saura pourtant après 1830 mettre parfois son historicité en valeur (un « désir d’authenticité » s’appuyant d’abord sur un goût pour la « couleur locale »); il saura aussi la gommer, fabriquant des standards ramistes ; ou bien la transcender dans l’image d’un « musicien charmant ». Le paradigme historiciste était, au XVIIIe siècle, en concurrence avec un classement « national » du musical (par ailleurs mis à mal par le cosmopolitisme gluckiste) ; il s’y associera pourtant à la fin du XIXe siècle pour une définition patrimoniale de la « musique française » où Rameau jouera son rôle. Le monde qui se développe sans Rameau après les années 1780 est un monde qui s’est spécifiquement constitué contre lui ; c’est pourtant dans ce monde-là que se redéploiera une écoute de Rameau qui, d’abord constituée à l’école d’autres répertoires, finira par devenir une écoute ramiste. / This thesis strives to present the different ways Rameau was considered by critics in France between 1764 (date of death) and 1895 (the year usually associated to Rameau’s revival and the time at which his Œuvres complètes were published by Durand). Meanwhile, Rameau was not forgotten. Acclaimed as a genius after his death, he remained present in musical mind and culture. His work was first criticized (1764-1831) before coming back into favor (1832-1895). In a progressive era that glorified the aesthetics of Christoph Willibald Gluck, Rameau’s music was stigmatized for being ancient. After 1830, public performance would simultaneously enhance its historicity (born from a taste for the authentic stimulated by the desire for a bit of local color) and erase it, thus creating a new variety of favorite Ramist tunes, and beyond them clichés of a gracious musician. In the XVIIIth century, the historicist paradigm competed against a classification of all things musical on the basis of nationality (in itself affected by gluckian cosmopolitism) only to reappear in association with it at the end of the XIXth century, thus contributing to the gradual definition of French music in relationship to past references in which Rameau will have a leading part. The musical world that developed without Rameau after 1780 was pointedly hostile to his work. It is none the less in that same world that a new focus on the composer gradually emerged, wrought in the light of other repertoires, that gave way to what became known as the « écoute ramiste ».

Ce mémoire de maitrise porte sur la représentation de l’ailleurs véhiculée aux lecteurs d’images, au Québec, par les gravures du journal illustré L’Opinion publique. Effectivement, si l’Histoire commence avec les premières traces écrites, elle pose le problème de l’étude historique de ceux qui n’ont pas laissé de tels témoignages, les personnes qui ne sont pas ou peu alphabétisées. Nous proposons d’étudier ces personnes par le biais de l’image, médium auquel elles ont pu avoir accès. Nous avons ainsi cherché à savoir quelle connaissance de l’ailleurs a pu être véhiculée aux lecteurs d’images à travers les gravures du journal. Nous considérons que les gravures sont comprises par tous. Celles-ci représentent la moitié des pages du périodique, nous pensons que ce journal a pu être accessible à chacun, à ceux que nous appelons les lecteurs d’images. Nos conclusions montrent que ces illustrations ont pu étendre la connaissance de l’espace des Québécois, à travers la représentation de l’actualité. Il est à noter que ces gravures proviennent en partie de journaux français et montrent la France et ses colonies. La population montréalaise se trouve donc au contact d’une certaine influence française, dont les élites se font les vecteurs. Une comparaison avec le Canadian Illustrated News révèle de profondes différences. Ainsi, ce journal du même propriétaire indique un intérêt marqué pour l’Empire britannique. Ce journal qui vise un public plus cultivé que celui de son homologue francophone donne à voir un espace plus large à ses lecteurs. Ainsi, chaque ligne éditoriale se fait l’écho de représentations différentes, transmises à ses lecteurs, populaires ou moins, francophones ou anglophones. / This master’s thesis focuses on the representation of the idea of “elsewhere” as conveyed by the illustrated newspaper L’Opinion publique’s engravings to the pictures’readers in Quebec. Indeed, if history did commence with the written word alone, challenges would arise with regards to the historical study of those who did not leave behind such accounts, namely the illiterate or barely literate. We propose to study this audience by means of the printed picture. Thus, we explored how “elsewhere” was portrayed to the newspaper’s readers through the medium of the picture. We believe that the pictures were understood by everyone. Considering half of the newspaper consisted of illustrations, we assume L’Opinion publique would have been accessible to everyone. Our conclusions show that these illustrations could have expanded knowledge of space of the Quebecers, through the representation of the news. We notice a part of these engravings come from French newspapers and depict France and her colonies. Through the elite, Montreal population is in contact with a degree of French influence. A comparison with the Canadian Illustrated News reveals significant differences. This newspaper, owned by the same person, indicates a marked interest in the British Empire. The Canadian Illustrated News aims at a public more cultured than the French-speaking counterpart, indicated by the broader array of topics covered. Thus both papers explored different points-of-views, which were transmitted to its readers, working class or not, French or English speaking.

Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse a été dépouillée de ces documents visuels. La version intégrale de la thèse a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal. / Au cours du XIXe siècle, la notion de détail s’est imposée comme un outil théorique majeur pour l’appréhension des représentations visuelles. Menée à travers l’analyse de textes variés rendant compte de la réception des images dans le contexte de cas précis (exposition de peinture, inauguration d’un panorama, publication d’un ouvrage illustré, etc.), l’étude historique de la notion de détail révèle les différents préjugés et réseaux de signification qui lui étaient alors attachés. Le détail étant le produit d’un cadrage opéré par la perception visuelle, l’examen de cette notion nous renseigne non seulement sur le rapport que l’époque entretenait avec le visible, mais aussi sur la nature des liens qu’elle tissait entre la partie et le tout. Ainsi, il apparaît que le détail était propre à satisfaire les besoins d’une période associant voir et savoir et cherchant dans le contrôle du visible les moyens de maîtriser un réel en constante mutation. À ce titre, c’est sur l’argument du détail que reposait l’attribution d’une valeur scientifique, historique ou documentaire aux représentations. Toutefois, le détail devait confirmer le statut de l’ensemble dont il était tiré, car, s’il était discordant, il devenait un indice trahissant un mensonge. Pour cette raison et aussi parce le rendu détaillé dans les représentations témoignait d’une observation rigoureuse du réel et d’un travail patient de restitution, le détail était souvent investi de connotations morales reflétant les valeurs bourgeoises en train de s’imposer. Cependant, alors que le détail était censé servir une meilleure connaissance de l’ensemble, sa prolifération était redoutée, car elle faisait paradoxalement courir à la perception du tout le risque de la dislocation. De plus, dans la mesure où il relève toujours du particulier et d’une observation jugée objective, le détail était souvent perçu comme contrevenant à la valeur artistique des représentations. Ainsi, cette question s’est cristallisée dans les débats portant sur le caractère artistique de l’image photographique qui se distinguait par un rendu inédit et systématique des détails. Enfin, l’analyse de cet argument polymorphe que constitue la notion de détail au XIXe siècle fait apparaître les limites de l’engouement dont elle a fait l’objet. Étant toujours envisagé dans sa dimension figurative, comme instance iconique minimale, le détail tel qu’il était conçu à l’époque ne permettait pas de saisir le substrat matériel qui commençait à émerger dans la peinture moderne. Ainsi, jusque dans ses limites, la notion de détail révèle des enjeux majeurs de la modernité. / Over the course of the nineteenth century, the notion of detail became an established theoretical tool in the understanding of visual representations. Conducted through multiple text analyses taking into account the reception of images in specific contexts (a painting exhibition, the opening of a panorama show, the publication of an illustrated literary work), this historical study reveals the prejudices and networks of meaning attached to the notion of detail. Because detail is the product of visual perception, a study of this notion reveals not only the relationship with the visible that existed at the time, but also the nature of links between parts and the whole. Detail was essential in meeting the needs of a time that associated “seeing” with “knowing” and that attempted to find a means of controlling the ever-changing reality through the visible. As such, the attribution of scientific, historical, or documentary value relied on the argument provided by detail. Nonetheless, detail was supposed to confirm the status of the whole from which it was derived, since when these did not match, the detail became a sign of a lie. For this reason, and also because a detailed depiction signified a rigorous observation of the real conveyed through a careful reproduction, details were often imbued with moral connotations that reflected the bourgeois values of the time. However, while details were meant to help know the whole better, their proliferation was also feared, because it increased the risk of interfering with the perception of the whole. In addition, insofar as it is always derived from the specific and from an observation deemed objective, the detail is often perceived as being in conflict with the artistic value of the representation. This issue became crystallized in the debates on the artistic qualities of photography, an art form characterized by a hitherto unparalleled level of detail. In the end, the analysis of this polymorphic argument encapsulating the notion of detail in the nineteenth century reveals the limits of the infatuation of which it was the object. Previously envisioned in its figurative dimension, the detail as it was perceived at the time did not allow the capture of a material substratum, which started to emerge later with the advent of modern painting. Even in its limitations, the notion of detail reveals the principal issues of modernity.