La littérature artistique française du XIXe siècle est bipolaire dans sa représentation de l’introduction de l’italianisme en France. Entre décadence du génie français et célébration de la rénovation architecturale opérée par des agents de la Péninsule, rares se font les positions nuancées. La figure de Léon Palustre marque le paysage historiographique de l’époque par une approche dialectique aboutissant à une synthèse réconciliant les styles. Le présent travail analyse les topoï d’une historiographie où le récit événementiel, la rhétorique et l’attributionnisme postulent une symbiose entre Renaissance et génie national / Nineteenth century’s French artistic literature states a dualism in its representation of Italian forms’ appearance in France. Nuanced opinions were rare in between those who pretended the decadence of French genius and those who, contrariwise, extolled the architectural renovation carried out by agents of the Peninsula. Léon Palustre distinguished himself in the historiographical landscape by a dialectical approach generating a reconciling synthesis of styles. This work analyses the topos of a dissertation where history, rhetoric and attributionnism postulate a symbiosis between Renaissance and national genius

Aboutissement d'un mouvement réformateur initié depuis le milieu du XVIIIe siècle, l'avènement de la prison pour peine après la Révolution française, entraîne une redéfinition de l'architecture carcérale, dès lors érigée en programme architectural autonome. A travers l'exemple des prisons successivement aménagées et édifiées à Paris et dans le département de la Seine au XIXe siècle, qu'il s'agisse de bâtiments réaffectés ou de constructions ex nihilo, la présente étude s'intéresse à l'évolution des formes au regard des ajustements opérés sur la période en matière de politique pénale et de régime d'enfermement. Placés sous les yeux des décideurs, visités sans relâche, les établissements pénitentiaires de la capitale représentent en effet un formidable laboratoire d'expérimentations préalables à une généralisation à l'échelle nationale. L'analyse est centrée sur le travail de l'architecte constructeur de prison et s'articule, après une présentation détaillée du cadre administratif et des procédures, autour des contraintes fortes et multiples, parfois contradictoires, du programme. Puisque la prison, ville dans la ville, entreprend de reproduire derrière des murs tous les aspects de la vie quotidienne d'un grand nombre d'individus, il s'agit de voir comment l'architecture pénitentiaire met en jeu et tente de plier à ses contraintes propres presque l'ensemble des typologies architecturales communes, du logement à l'atelier, de l'hôpital à l'église, de l'école à la caserne, représentant un véritable défi pour l'architecte. Au-delà de la simple étude de cas, cette thèse se veut ainsi un matériau pour une future histoire générale de l'architecture pénitentiaire en France / In the wake of a reformatory drive initiated back in the middle of the 18th century, prisons erected after the French Revolution are the results of a redefinition of prison architecture, henceforth a fully fledged architectural programme in its own right. Taking as an example the prisons successively fitted our or built in Paris and in the Seine department in the 19th century, wether reset or built from scratch, the present study deals with the history of designs as a result of the development of penal policies during that period and with regard to confinement regulations. Under the vigilant gaze of decison markers, and regularly inspected, the penitentiary institutions in the capital city represent an outstanding laboratory for experimenting the measures to be later implemented nationwide. This analysis concentrates on the work of the architect responsible for building prisons ; it starts out with a detailed presentation of the administrative framework and procedures centered around the strong and sometimes contradictory requirements of the programme. Since a prison a town within the town, undertakes to reproduce behind its walls all the aspects of the daily life of a large number of individuals, the challenge for prison architecture and architects consists in using and trying to fit to its own constraint practically all common architectural typologies, from lodgins to workshop, from hospitals to church, from school to barracks. Beyond a simple case study, the present thesis is designed to inform a future general history of prison architecture in France

Genre lyrique espagnol né au XVIIe siècle, la zarzuela connait un nouvel essor à partir de 1849. En effet, une génération de compositeurs souhaite lui donner une dimension nationale. Il s’agit principalement de Francisco Asenjo Barbieri, Joaquín Gaztambide, Cristóbal Oudrid, Rafael Hernando, José Inzenga et, dans une certaine mesure, Emilio Arrieta. Cette thèse étudie la manière dont musiciens et librettistes ont construit ce répertoire qui, paradoxalement, s’il se veut espagnol, est en certains points inspiré de la scène lyrique française et plus particulièrement de l’opéra-comique. Le transfert s’opère à travers la dimension littéraire, musicale, humaine, mais aussi culturelle. C’est donc la question des influences, de ses modalités et de ses enjeux, qui fait l’objet d’une réflexion et qui est illustrée par des correspondances entre des oeuvres emblématiques de part et d’autre de la frontière / Zarzuela is a Spanish lyrical genre which was born in the 17th century and experienced a revival from 1849 on; Indeed, a generation of composers wished to give it a national dimension. The most important ones are Francisco Asenjo Barbieri, Joaquín Gaztambide, Cristóbal Oudrid, Rafael Hernando, José Inzenga and to a certain extent Emilio Arrieta; This dissertation analyses the way some musicians and authors constructed the repertoire which, paradoxically, even though it was supposed to be Spanish, was, in certain ways, inspired by the French lyrical stage and more particularly by comic opera. The transfer occurs through the literary, musical, human and even cultural dimensions. Consequently, what is discussed here is the issue of influences, their characteristics and challenges as the basis for a thorough analysis illustrated by the links between emblematic works on the two sides of the boarder

Dans la seconde moitié du XIXème siècle, comme dans les autres arts visuels, la France, et plus particulièrement Paris, a été une référence fondamentale quant à la réception des nouveautés provenant du domaine photographique des cercles artistiques italiens. La production photographique française et ses protagonistes ont offert aux communautés italiennes des modèles à suivre, des vecteurs pour la diffusion et l’accueil de leurs productions à l’étranger ainsi qu’un support fonctionnel aux dynamiques qui régulèrent le marché international de leurs œuvres. Cette recherche s’interroge tout d’abord sur le paradigme que la photographie française a pu représenter pour les artistes de la péninsule. Cependant, dans ces dynamiques d’échanges réciproques et profondes entre les deux pays, la photographie de provenance italienne a également joué un rôle décisif pour la maturation de certains mouvements artistiques européens. Ces réflexions mettent l’accent sur l’ampleur de la diffusion de la photographie tout au long du XIXème siècle qui lui permit de devenir une base commune pour des écoles artistiques profondément différentes entre elles. / During the second half of Nineteenth century, as in the other visual arts, France, and particularly Paris, was a fundamental reference point for the reception of the innovations of the photographic domain in the Italian artistic circles. French photography and its protagonists offered to the Italian communities eminent models and vectors for the circulation and the reception of their production abroad, as well as functional medium in the dynamics which regulated the international market of their works. The aim of this research is to investigate the influence of French photography on Italian artists. However, in these deep and mutual exchanges between the two countries, Italian photography also played a decisive role for the development of several European artistic movements. These considerations emphasize the large photography’s circulation throughout the Nineteenth century that allowed it to become a common basis for some deeply different artistic schools.

L’administrateur de la manufacture de Sèvres, Alexandre Brongniart, ouvrait au public en 1824 le musée royal céramique et vitrique, envisagé dès 1802, et qui se voulait d’un genre nouveau. À vocation encyclopédique, dans l’esprit des Lumières, il ambitionnait de présenter les céramiques de tous les lieux et de tous les temps afin de former les ouvriers et les artistes. L’histoire de l’institution, que nous avons souhaité retracer et analyser sur plus d’un siècle, n’est pas linéaire et son évolution se dessine au gré des changements économiques, esthétiques ou des bouleversements politiques. Dès lors, notre étude entreprend de montrer de quelle manière se construit le passage d’un musée technique créé par un naturaliste évoluant au sein du Muséum, vers une construction vouée entièrement à l’art, à la mise en patrimoine de la céramique, au monde du collectionnisme. Les nombreux legs et donations d’amateurs, la nomination du collectionneur Champfleury à sa direction, le développement de recherches historiques sur ce domaine artistique, sont autant de facteurs qui vont contribuer à façonner le musée en ce XIXe siècle fasciné par l’objet manufacturé. À travers ces pistes de recherche, notre approche consiste à étudier le rôle de cet établissement dans un contexte d’essor industriel et d’un intérêt nouveau pour les « arts mineurs ». Ainsi, nous proposons, par le biais de ce travail, de contribuer aux réflexions, toujours actuelles, sur les interactions entre l’art et l’industrie. / The Musée Céramique et Vitrique was opened to the public in 1824 by Alexandre Brongniart, the administrator of the Sèvres manufactory. The museum was conceptualized in 1802, and aimed to be of a new sort. In the spirit of the Age of Enlightenment Brongniart aimed to create an encyclopaedia of ceramic education and skills for future ceramics workers and artists. We have attempted to redraw and analyze the history of the institution for over a century, and we have discovered that it does not follow a linear path. The evolution of the institution was influenced by economic, aesthetic, and political upheavals. Our current study attempts to show how a museum, created by a naturalist and dedicated to technical knowledge, evolved to what it is now, an institution focused on the art and history of ceramics, with a lesser emphasis on collectibles. Many factors shape the museum in this XIXth century, including; the legacy and donations of amateurs, the management of collector Champfleury, and historical research on the art of ceramics. Our approach will be to study the role of the museum in the context of industrial development, and a renewed interest in the “minor arts”. Through this study, we aim to show the interactions between art and the industry.

La présente étude se propose d’éclairer la signification du corps chez Rimbaud par le biais de son combat spirituel contre le christianisme. Sa méthode pour devenir poète, le « dérèglement de tous les sens » et la richesse des descriptions et des évocations du corps montrent l’importance du corps dans sa poésie. Rares sont les études qui se sont interrogées sur la thématique du corps en relation avec la morale chrétienne. Pourtant, chez Rimbaud, la description du corps est un moyen essentiel d’exprimer sa révolte contre la religion catholique. Notre thèseexamine en premier lieu l’idée du corps selon la morale religieuse de l’époque à travers des documents relatifs à l’enseignement religieux. Elle aborde ensuite les textes de Rimbaud en suivant l’ordre chronologique. Dès ses premiers poèmes en vers, la beauté et l’amour sont définis comme deux valeurs principales du corps, alors que Rimbaud n’hésite pas à fouiller la réalité du corps laid et grotesque placé sous le joug de la morale religieuse et bourgeoise. Il découvre ainsi la force subversive dans la violence de l’énergie physique. Le lien entre sa poétiquedu corps et la religion chrétienne se manifeste dans la richesse poétique de la figure de Jésus, être ambivalent, à la fois spirituel et physique, ainsi que dans la redécouverte de la réalité sensuelle à travers le parcours métaphysique à rebours des valeurs chrétiennes dans Une saison en enfer. Dans les Illuminations, le corps est fragmenté et libéré de la raison par la passion amoureuse pour renaître, même si cet état frénétique de renaissance n’est pas éternel. / The present study aims at clarifying the meaning of the body in Rimbaud’s works through his spiritual battle against Christianity. His method to become poet, "the derangement of all senses" and the affluence of descriptions and evocations of the body demonstrate the importance of the body in his poetry. Few studies analyze the theme of the body in relation to Christian morality. The description of the body is an essential way for Rimbaud to express his revolt against the Catholic religion. This work first examines the idea of the body according to religiousmorality during Rimbaud’s era through documents on religious education. It then analyses the texts of Rimbaud in chronological order. From his earliest poems, beauty and love are defined as two main values of the body, while Rimbaud does not hesitate to explore the reality of the body under the restraint of religious and bourgeois morality. He discovers the subversive force in the violence of physical energy. The link between his poetic of the body and the Christian religion is also proved by the poetic richness of the figure of Jesus in his works, his ambivalentexistence, both spiritual and physical, as well as the rediscovery of a sensual reality in the metaphysical journey against Christian values in A Season in Hell. In the Illuminations, the body is fragmented and liberated from the reason by the passion of love, to reborn, although this frenetic time of rebirth does not last forever.

Au XIXe siècle, la photographie est vue comme une image vraie. Produite mécaniquement, elle serait la copie fidèle de la réalité, ce qui justifie la croyance en la vérité de ses images. Dès les premiers discours tenus à son égard, la photographie apparaît comme une image transparente, ne donnant rien d’autre à voir que la réalité, ce qui explique notamment les postures de rejet généralement adoptées par les écrivains et les artistes face à cette image, antithèse de l’art. Notre travail s’efforce de montrer comment, à l’inverse, la photographie a été, dans les textes littéraires en particulier, rendue à sa visibilité, c’est-à-dire à sa nature de vraie image. Pour cela, nous déterminons comment le phénomène optique de l’aberration, qui suppose une déformation de l’image plus ou moins visible, rend compte d’une pensée s’attachant à concevoir la photographie comme vectrice de troubles dans sa représentation. Nous examinons alors différentes manifestations de ces phénomènes dans la littérature, qui sont liées à une conscience de la matérialité des images, de leur mode de fabrication particulier, mais aussi de leurs défauts, opacifiant ce qu’elles représentent. L’attention de certains écrivains portée à ce que nous appelons la dimension photographique des photographies ouvre des pistes multiples sur la poétique des textes et situe le modèle photographique dans un ailleurs du réalisme. La réflexion sur la photographie dans les textes permet également de mesurer les conséquences d’une croyance en la vérité des images, croyance qui se révèle, à différents niveaux, comme aberrante. En effet, le fantasme d’une visibilité parfaite n’a pas seulement été appréhendé comme un moyen de mesure rationnelle du monde. La visibilité accrue et excessive de la photographie révèle au contraire ce que la réalité a de plus étrange et de plus inquiétant. Dans les textes, le modèle photographique éclaire alors une représentation fantastique du monde, lorsque celui-ci s’ouvre aux fantasmes et aux hallucinations. Nous tentons de cerner, à travers des œuvres littéraires et photographiques variées (Nerval, Champfleury, Nadar, Maupassant, Geffroy, Rachilde, Bonnetain, etc…) les différents phénomènes qui apparaissent comme les principaux agents de déréalisation de l’image photographique. / In the nineteenth century, photographs are first seen as true images. Produced mechanically, they would be the faithful copy of reality. This justified the belief in the truth of photographic images. From the earliest speeches made about it, photographs appeared as transparent images, giving nothing more to see than reality. This explains the postures of rejection generally adopted by writers and artists in the face of the photographic image, seen as the antithesis of art. Our work tries to show how, on the contrary, photography has been rendered in literary texts, to its visibility, that is, to its nature as a true image. To do this, we determine how the optical phenomenon of aberration, which is a deformation of the image, accounts for a line of thought which tries to conceive of photography as a vector of disturbances in its representation of reality. We then examine different manifestations of this phenomenon in literature. They are linked to a growing awareness of the materiality of the images and their particular mode of manufacture, but also of the defects opacifying what they represent. The attention given by certain writers to what we call the “photographic dimension” of photographs opens up multiple avenues to the poetics of texts and situates the photographic model beyond realism. The inquiry on photography in texts also makes it possible to measure the consequences of a belief in the truth of images, a belief that reveals itself, at different levels, as aberrant. Indeed, the fantasy of perfect visibility has not been apprehended only as a means of rational measurement of the world. The increased and excessive visibility of photography reveals, on the contrary, what is strangest and most disturbing in reality. The photographic model illuminates a fantastical representation of the world’s fantasies and hallucinations. The different phenomena studied then appear as the principal agents of derealization of the photographic image.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Ce document traite de l'introduction et de l'impact du mélodrame français au Brésil au XIXe siècle. Cherchant à clarifier la trajectoire de cette forme théâtrale dans le pays, l'étude veut recueillir et systématiser des diverses informations, à partir de la récupération de sources historiques et matériel théorique, publiée dans le pays et à l'étranger, notamment en France, où le mélodrame est né. À cette fin, une série de recherches ont été faites dans les catalogues des bibliothèques nationales et étrangères, permettant d'organiser des références bibliographiques, consulter les ouvrages originaux dramaturgiques et effectuer des recherches à propos de l'utilisation du terme mélodrame et à propos de la mise en scène de pièces mélodramatiques écrites par des auteurs français de mélodrames du XIXe siècle. Les résultats sous-tendent l'élaboration du texte de la thèse, qui compare des différents systèmes culturels (France et Brésil) et veut comprendre les implications de la mise en place de cette forme théâtrale dans le domaine social et dans le domaine littéraire, selon la compréhension que la littérature dramatique ne se limite pas au langage verbal enregistré dans les pièces. En ce sens, cette étude présente un aperçu de l'art dramatique, spectacles, public et commentaires sur pièces et esthétique mélodramatique, présente dans les discours régulièrement parus dans la presse, comme un registre de l imaginaire collectif de la population. Ainsi, il est prévu de contribuer à la compréhension de ce phénomène associé avec le contexte particulier de sa réception au Brésil, dans cette importante période historique du développement social dans le pays. / Este trabalho trata da introdução e da repercussão do melodrama francês no Brasil, no século XIX. Visando elucidar a trajetória dessa forma teatral no contexto brasileiro, o estudo concentrou-se em reunir e sistematizar informações diversas e originais, provenientes da recuperação de fontes históricas e de material teórico publicado no país e no exterior, especialmente na França, berço do melodrama. Para tanto, foi realizada uma série de pesquisas em catálogos de bibliotecas nacionais e estrangeiras, que possibilitaram a organização de referenciais bibliográficos, a consulta de obras dramatúrgicas originais e levantamentos, em periódicos brasileiros do século XIX, acerca do uso do termo melodrama e acerca da encenação, em nossos palcos, de peças melodramáticas escritas pelos principais autores franceses de melodramas dos Oitocentos. Os resultados obtidos com essas pesquisas orientaram a comparação entre sistemas culturais distintos (França e Brasil) e a análise das implicações do estabelecimento dessa forma teatral no campo social e no campo literário, conforme o entendimento de que a literatura dramática não se limita à linguagem verbal registrada nas peças. Nesse sentido, o presente estudo apresenta um panorama sobre dramaturgia, espetáculos, público e comentários em relação às peças e à estética melodramática, presentes em discursos regularmente veiculados pela imprensa, como um registro do imaginário coletivo da população. Desse modo, espera-se contribuir para a compreensão deste fenômeno, associado ao contexto peculiar de sua recepção no Brasil, tendo em vista que a relação entre as obras encenadas nos palcos brasileiros e seu público acompanha e reflete a produção artística neste importante período histórico de transformação social no país.

Résumé Ce mémoire de master II se concentre sur le régionalisme breton de la fin du XIXe siècle jusqu'à la Première Guerre mondiale représenté par deux organisations régionalistes, l'Union régionaliste bretonne (URB) fondée en 1898 et la Fédération régionaliste de Bretagne (FRB) créée suite à la scission de l'URB en 1911. Au-delà de leurs activités régionalistes visant à acquérir des droits d'autonomie de la Bretagne à l'égard de l'Etat français, leurs membres menaient des activités communes avec les élites galloises sur la base du passé commun « celtique » supposé et de l'existence des langues « celtiques » similaires parlées dans les deux pays. Cela nous a amené à nous interroger sur le rapport de ces activités « celtiques » avec le mouvement régionaliste breton, et ainsi sur la manière dont les régionalistes voulaient que les Bretons et la Bretagne soient perçus et pourquoi. Bref, notre recherche consiste en une étude de l'ensemble des caractéristiques de ce qu'on appelle ici l'auto-représentation des Bretons dans le discours régionaliste afin de découvrir les formes des stratégies discursives que les régionalistes utilisaient pour atteindre leur but d'autonomie. Cette recherche s'appuie sur l'analyse du discours dans les bulletins officiels de l'URB et de la FRB. Pour les besoins du contexte et en étant...

Notre thèse, La polyphonie de Rimbaud, a pour but d’analyser les œuvres d’Arthur Rimbaud sous l’angle de la polyphonie. De « Premiers vers » jusqu’aux Illuminations, le poète renouvelle sans cesse sa poésie et, en même temps, celle-ci devient de plus en plus compliquée et abstraite. Cette tendance provient de plusieurs logiques différentes qui apparaissent dans un même texte. En effet, dans Une saison en enfer, Rimbaud construit une narration très complexe en mélangeant plusieurs discours différents. Afin de dévoiler la structure polyphonique fondée sur plusieurs voix et sa fonction, nous analysons donc les textes du poète en appliquant quatre modèles de la polyphonies, liés à l’énonciation, à l’intertextualité, aux genres littéraires et au discours social. Selon nous, Rimbaud dépasse la limite de la poésie romantique, fondée sur le sujet empirique. Sa polyphonie contribue à l’universalisation du sujet poétique et de son abandon du privilège de l’auteur. C’est ainsi que le poète met en scène une multiplication des voix, pour inventer une nouvelle langue poétique. / The aim of my doctoral dissertation is to discuss Rimbaud’s poems, focusing on their various voices (polyphony). From “Premiers vers” to the prose poems, Illuminations, the poetry of Rimbaud never turns back on its tracks, and, at the same time, it shows an increasing tendency towards complication and abstraction. This tendency results from different logics at work in his poems. In fact, Rimbaud constructed a complex narrative structure for Une saison en enfer in 1873, by entwining many voices that have different tones. Therefore, I analyse this frequently contradictory principle of multilogic, adapting a stylistic and intertextual approach, and research Rimbaud’s method of polyphonic demonstration and its functions. His polyphony results in the universalization of his poetry and the loss of the author’s privilege which then encourages autonomous voices to form a new poetic language.