Ce mémoire explore la parenté qui existe entre le principe poétique de mezura (résistance à l’éros mélancolique) élaboré par les troubadours et l’expression du deuil présente dans Quelque chose noir (1986) de Jacques Roubaud. Le premier chapitre vise à cerner comment le rapport aux photographies laissées par Alix Cléo Roubaud, photographe et épouse décédée du poète, mobilise un imaginaire mélancolique propre à l’univers des troubadours. On verra que la contemplation des images permet d’enclencher la mise en mémoire de la disparue. Le deuxième chapitre s’intéresse au dialogue impossible, conçu en termes d’écriture autant que d’oralité, entretenu avec la défunte à travers la reprise de fragments du journal intime d’Alix Cléo Roubaud. En faisant de l’espace poétique un lieu mémoriel, l’inexprimable du deuil se fait paradoxalement source de transmission. Enfin, le dernier chapitre explore les liens qui unissent la structure formelle de Quelque chose noir et la forme médiévale du partimen, plus particulièrement de la « Tenson du néant ». Afin de nommer le rien, la disparition, Roubaud convoque une vaste mémoire littéraire organisée autour des principes du trobar. Ce sont les apories, les tensions maintenues entre des pôles contradictoires, explorées dans chacun des chapitres qui apparentent le dit du deuil à la mezura médiévale, lutte des poètes contre le « néant d’amour ». / This M. A. thesis explores the link between the poetic principle of mezura (resistance to melancholic erosion) elaborated by the troubadours and the expression of mourning presented in Jacques Roubaud’s Quelque chose noir (1986). The first chapter aims at identifying how the relation to the photographs left by Alix Cléo Roubaud, photographer and deceased wife of the poet, mobilizes a melancholic imagination peculiar to the universe of the troubadours. It will be seen that the contemplation of the images makes it possible to initiate the memory of the disappeared. The second chapter examines the impossible dialogue, conceived in terms of writing as much as of orality, maintained with the deceased through the reprise of fragments of the diary of Alix Cléo Roubaud. By making poetic space a memorial place, the inexpressible of mourning is paradoxically a source of transmission. Finally, the last chapter explores the links between the formal structure of Quelque chose noir and the medieval form of the partimen, more particularly the “Tenson du néant”. In order to name the nothing, the disappearance, Roubaud convenes a vast literary memory organized around the principles of the trobar. These are the aporias, the tensions maintained between contradictory poles, explored in each of the chapters that relate the said of mourning to the medieval mezura, struggle of the poets against the “nothingness of love”.

Objet d'étude pluridisciplinaire, la décoration théâtrale est un art éphémère ne vibrant que sous les projecteurs. Au début du XXe siècle, le rôle de l'élément visuel est sensiblement renforcé sur scène. Dans un contexte artistique parisien caractérisé par la variété des formes d'expression, la multitude des influences venant de l'étranger et les questionnements autour des relations possibles entre les arts ; une nouvelle approche de la scène se dessine et un autre regard se porte sur la conception des spectacles et sur la création de leurs éléments constitutifs tels que les décors et les costumes. Ces nouvelles considérations autour de l'esthétique de l'espace scénique mènent à de nouvelles théories et de nouvelles tendances de la décoration théâtrale. Centrée autour des maisons d'opéra parisiennes, notre étude propose une meilleure compréhension du processus de renouvellement de la décoration théâtrale sur les scènes de l'Opéra et de l'Opéra-Comique dans la première moitié du XXe siècle. Vitrines de l'Art français, les deux théâtres entretiennent depuis leur création des relations particulières entre rivalité et complémentarité. Notre thèse porte un éclairage nouveau sur la décoration théâtrale conçue pour les spectacles lyriques du début du XXe siècle en proposant de définir précisément le positionnement de l'Opéra et de l'Opéra-Comique. Par l'analyse de la confrontation entre le traditionalisme assujetti aux deux maisons et les nouvelles aspirations que connaît le monde du Théâtre, notre étude explore tout d'abord les prémices d'un renouveau du décor de scène et met en lumière les principaux acteurs du mouvement. Le recours systématique aux décorateurs professionnels héritiers des dynasties de la fin du XIXe siècle et à la technique du trompe-l'œil sont progressivement abandonnés par les maisons d'opéra. Aussi, de nouveaux collaborateurs du monde du Théâtre, peintres pour la plupart, se trouvent au cœur de la conception des spectacles. Notre thèse ouvre le champ d'étude et examine l'impact des mouvements artistiques venant de l'étranger. Dans une capitale française, siège d'une agitation artistique internationale, les influences et les collaborations avec les artistes étrangers se jouent aussi dans l'art du décor de scène. Le monde du spectacle des années 1920 est marqué par l'empreinte des Ballets russes et les créateurs de décors saisissent pleinement le modèle en l'adaptant aux œuvres et au goût français. Les directeurs de l'Opéra de l'Opéra-Comique secouent hardiment la routine décorative de leur théâtre en s'entourant d'artistes capables d'offrir une autre conception du décor d'opéra en créant des cadres propices au développement d'un nouvel imaginaire. Plus favorable aux expériences novatrices, le décor de ballet offre une grande liberté à ses créateurs. En abordant la question du renouvellement du décor de ballet à l'Opéra et à l'Opéra-Comique, notre thèse révèle leur ligne directrice et examine leur transformation en pôle de création et de modernité chorégraphique. La question du goût est au cœur du dernier volet de notre étude en dévoilant tout d'abord les réactions des maisons d'opéra face au succès du cinéma. Les directeurs des théâtres s'emparent de ses ressources techniques afin de moderniser la mise en scène et d'enrichir les procédés existants. En s'intéressant au rôle scénographique que peut assumer la lumière et au caractère de la projection cinématographique, les théâtres offrent une autre conception de la décoration théâtrale dans laquelle la toile peinte n'est plus exclusive. En s'interrogeant sur l'évolution du goût français, notre thèse offre un éclairage sur les relations entretenues entre les arts décoratifs et les arts de la scène et met en lumière le travail pour la scène des artistes qui conditionnent le goût français des années 1920 et 1930. Enfin l'étude des décors des spectacles des années 1930 cerne les accords et les limites entre le goût du public et les aspirations esthétiques... / Multidisciplinary object of study, the theatrical decoration is an ephemeral art that vibrates only in the spotlight. At the beginning of the 20th century, the role of the visual element is considerably enhanced on stage. In a Parisian artistic context characterized by the variety of forms of expression, the multitude of influences from abroad, and the questions surrounding the possible relationships between the arts; a new approach to the stage is emerging and another look is being taken at the design of shows and the creation of their constituent elements such as sets and costumes. These new considerations around the aesthetics of the stage space lead to new theories and trends in theatrical decoration. Focused on Parisian opera houses, our study offers a better understanding of the process of the renovation of theatrical decoration on stages of Opéra and Opéra-Comique in the first half of the 20th century. Showcases of French art, the two theatres have, since their creation, maintained special relationships between rivalry and complementarity. Our thesis sheds new light on theatrical decoration designed for early 20th century lyrical shows by proposing to precisely define the positioning of the Opéra and the Opéra-Comique. By analysing the confrontation between traditionalism subjected to the two theatres and the new aspirations of the world of theatre, our study first explores the beginnings of a renewal of the stage set and highlights the main actors of the movement. The systematic use of professional decorators, heirs of the dynasties of the late 19th century and the trompe-l'oeil technique were gradually abandoned by opera houses. As a result, new collaborators from the world of theatre, most of whom are painters, are at the heart of the creation of the shows. Our thesis opens the field of study and examines the impact of artistic movements from abroad. In a French capital, the headquarters of an international artistic unrest, influences and collaborations with foreign artists are also at stake in the art of stage set design. The 1920s theatre world was marked by the influence of the Ballets russes and the set designers fully grasped the model by adapting it to French creations and tastes. The directors of the Opéra de l'Opéra-Comique shake up the decorative routine of their theatre by surrounding themselves with artists capable of offering an alternative conception of the opera set by creating a setting that is conducive to the development of a new imagination. More favourable to innovative experiences, ballet set design offers great flexibility to its creators. By approaching the question of the renewal of ballet set design at the Opera and the Opéra-Comique, our thesis reveals their direction and examines their transformation into a pole of creation and choreographic modernity. The question of taste is at the heart of the last part of our study by first revealing the reactions of opera houses to the success of cinema.The directors of the theatres seize its technical resources in order to modernize the staging and enrich existing processes. By focusing on the scenographic role that light can play and the character of film projection, theatres offer another conception of theatrical decoration in which the painted canvas is no more exclusive. By questioning the evolution of French taste, our thesis offers a view on the relationship between the decorative and performing arts and highlights the work for the stage of the artists who condition the French taste of the 1920s and 1930s. Finally, the study of the sets of the 1930s shows identifies the harmony and limits between the public's taste and the aesthetic aspirations of the time.

Quel est le statut du corps aujourd’hui ? Quel est le rôle du sensible à une époque où la pensée de l’artificiel fait bouger les lignes de la communauté académique ? Cette thèse vise à déterminer comment les écrits de Proust ont pu contribuer à une culture contemporaine centrée autour du corps vécu et de ses modalités. L’écrivain, en tant que témoin privilégié de son époque, décrit la façon dont les dispositifs techniques affectent le « voir » du sujet à une époque d’urbanisation progressive des villes. Certains auteurs se sont intéressés à la dimension philosophique de la 'Recherche', la concevant successivement comme initiation (Deleuze, 1964), quête de vérité (Descombes, 1987) ou phénoménologie du sujet (Breeur, 2000). Si ces études ont le mérite d’explorer une « théorie du sujet qui articule de façon nouvelle et cohérente differents aspects de l’être-au-monde » (Leriche, 2004), elles se limitent néanmoins aux termes d’une identité impossible et semblent passer à côté de la présence d’un monde intracorporel si fondamentale dans l’écriture de la 'Recherche'. Ce projet entend interroger cet impensé, en partant de l’hypothèse selon laquelle nous assistons avec Proust à l’émergence d’une nouvelle pensée du corps. En s’appuyant sur les lectures successives du corps au XXe siècle (réflexion sur la technique à l’époque contemporaine, l’ontologie tardive de Merleau-Ponty, les sciences cognitives au début des années 1990), nos analyses s’inscrivent dans une histoire précise. Dans un premier chapitre, il sera montré comment la crise de la représentation contribue à l’émergence d’un espace corporel. Il s’agira ensuite de déterminer dans quelle mesure l’apport de la phénoménologie dans la France de l’après-guerre contribue à une refonte de l’expérience corporelle. Nous verrons en particulier comment certains détails sensibles (l’incarnat, le visage humain, la palpation tactile du regard) esquissent la voie d’une intercorporéité. Le troisième chapitre nous permettra d’intégrer différents corps de savoir dans nos analyses en soulignant comment l’opacité de l’expérience corporelle peut profiter d’un éclairage épistémologique. Enfin, il nous faudra dans un dernier temps élargir notre enquête au problème de l’expression et au rapport entre corps et énonciation. / What is the status of the body today ? What is the role of the sensible world at a time when the thought of the artificial is shifting the lines of the academic community ? This thesis aims to determine how Proust’s writings have contributed to a contemporary culture centred around the lived body and its modalities. The writer, as a privileged witness of his time, describes how technical devices affect the subject’s “seeing” in a period of overwhelming urbanization. Some authors have taken an interest in the philosophical dimension of 'Remembrance of Things Past', conceiving it successively as initiation (Deleuze, 1964), search for truth (Descombes, 1987) or phenomenology of the subject (Breeur, 2000). If these studies have the merit of exploring a “theory of the subject that articulates in a new and coherent way different aspects of being in the world” (Leriche, 2004), they are nevertheless limited to the terms of an impossible identity and seem to miss the presence of an intracorporeal world that is so fundamental in Proust’s writing. This project intends to question this unthought, based on the hypothesis that we are witnessing with Proust the emergence of a new way of thinking about the body. Building on the successive readings of the body in the 20th century (reflection on technique in the contemporary era, Merleau-Ponty’s late ontology, cognitive sciences in the early 1990s), our analyses have a precise history. In a first chapter, it will be shown how the crisis of representation contributes to the emergence of a corporeal space. It will then be a question of determining the extent to which phenomenology in post-war France contributes to a recasting of bodily experience. We will see in particular how certain sensitive details (incarnateness, the human face, the tactile palpation of the gaze) sketch the way to an intercorporeality. The third chapter will allow us to integrate different bodies of knowledge in our analyses by underlining how the opacity of body experience can benefit from an epistemological lighting. Finally, we will have to extend our investigation to the problem of expression and to the relationship between body and enunciation.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Le présent mémoire a pour but premier de réinscrire Simone Routier, écrivaine québécoise oubliée, dans l’histoire littéraire québécoise. Pour ce faire, cette étude s’appuiera sur les documents du fonds d’archives Simone-Routier conservé à Bibliothèque et Archives nationales du Québec : ils serviront à rendre compte des moments marquants de la vie et de la carrière d’écrivaine de Simone Routier. Il a comme deuxième objectif d’analyser l’écriture du deuil dans une œuvre diaristique, Adieu, Paris ! : journal d’une évacuée canadienne (10 mai–31 août 1940), et dans une œuvre poétique, Le long voyage, de l’écrivaine. Publiés à sept années d’intervalle, les deux textes rapportent le deuil que l’écrivaine fait de Paris, ville qu’elle a dû fuir durant la Seconde Guerre mondiale, et de son fiancé parisien, mort durant la guerre. L’œuvre diaristique est parcourue de deux récits de deuil : le récit de deuil intime, celui de Simone Routier, la fiancée endeuillée, et le récit de deuil collectif, celui des Canadiens français ayant dû fuir Paris. Ces deux récits, qui s’apparentent à des « lieux de mémoire », convoquent pour l’un la mémoire personnelle et, pour l’autre, la mémoire collective. Étant donné que la version finale du journal intime est constituée à partir de versions antérieures, cette étude s’interrogera également sur la fiabilité de la mémoire dans la transmission de récits historiques. L’œuvre poétique, pour sa part, reconduit le récit de deuil intime, celui du fiancé parisien, mais sublime l’amour que la poète ressent pour le fiancé dans son amour pour Dieu. Les poèmes traduisent ainsi le tiraillement que la poète ressent entre la figure du fiancé et la figure divine : la poète, sept ans après la mort du fiancé, continue à ressasser la mort de ce dernier. Cette recherche, par conséquent, tente de faire ressortir les particularités de l’écriture du deuil en lien avec la mémoire dans le journal intime et en lien avec le ressassement dans le recueil de poèmes. / This master’s thesis first aims at reinstituting Simone Routier, a forgotten French-Canadian female author, in Quebec’s literary history. In order to do so, this study will be based on the documents from the Simone-Routier archive collection of the Bibliothèque et Archives nationales du Québec: the documents will serve to present the highlights of Simone Routier’s personal life and writing career. Its second goal is to analyze the theme of mourning in a personal diary, Adieu, Paris ! : journal d’une évacuée canadienne (10 mai–31 août 1940), and in a poetry book, Le long voyage, of the writer. The works were published seven years apart and they establish the author’s mourning for Paris, the city she had to flee during World War II, and for her Parisian fiancé, who died during the War. In the personal diary, there are two mourning narratives: the intimate one, that of Simone Routier, the bereaved fiancée, and the collective one, that of the French Canadians who had to flee the war. These two narratives, which can be referred as “lieux de mémoire”, convene the personal memory for the former and the collective memory for the latter. Since the final version of the personal diary is the result of preliminary versions, this study will also examine the reliability of memory in the transmission of historical accounts. The author, in the collection of poems, writes about the intimate mourning narrative, the fiancé’s one, but also sublimates the love that she feels for the fiancé in her love for God. The poems thus illustrate the seesaw relationship between the fiancé and God: seven years after his death, the fiancé still turns over in Routier’s mind. This research project, therefore, seeks to bring out the main characteristics of the theme of mourning regarding memory in the personal diary and regarding the notion of rehashing in the collection of poems.

Le XXe siècle occidental est marqué par un recul de la religiosité, alors que le rationalisme hérité des Lumières, le positivisme et la justice sont des valeurs qui régissent et normalisent l’espace social. Pourtant, le sacrifice (dont l’étymologie sacrum facere signifie « faire un acte sacré »), même s’il est rendu inadmissible en raison de la violence gratuite qu’il suppose, continue de fasciner, et ce, malgré que les divinités n’aient plus de valeur de régulation sociale. Antonin Artaud, Laure (Colette Peignot), Michel Leiris et Unica Zürn ont une pratique d’écriture qui emprunte à l’imaginaire sacrificiel, peuplé de figures mythiques, en plus d’aspirer à l’efficacité de la performance rituelle. Ainsi, le sacrifice rituel offre un répertoire de figures et de motifs mythiques, d’une part, et propose des formes agissantes qui influencent les créateurs, d’autre part. Le champ de la poïétique invite à interroger les oeuvres littéraires en regard de leur processus créateur. Les oeuvres à l’étude se prêtent tout particulièrement à une étude poïétique en raison de leur nature processuelle, parfois inachevées, et de la présence de commentaires autoréflexifs sur la création. Si on considère que tout texte contient le récit de sa propre création, il est possible de penser les oeuvres littéraires comme des traces d’un processus créateur qui, lorsque lié au sacrifice rituel, cherche à défricher un espace sacré en même temps qu’il enclenche un processus éthopoïétique de dé-subjectivation. Sacrifice rituel et création sont deux moyens de « passer à l’acte » (l’acte d’écriture, l’acte de la mise à mort), permettant aux écrivaines et aux écrivains de soumettre leur existence à une forme signifiante. La poïétique, interrogée à l’aune du sacrifice rituel, permet de penser les continuités, les transvasements et les ruptures entre existence et écriture. / Western 20th century is characterized by a decline of religiosity, while modern societies are governed and normalized by rationalism, positivism and justice as guiding values. Sacrifice, of which latin etymology sacrum facere means “to do a sacred act”, implies a ritual act of violence. Even if sacrifice had become inacceptable because of the free violence on which it’s based on, and even if gods have lost their power of social regulation, sacrifice continues to fascinate. The writings of Antonin Artaud, Laure (Colette Peignot), Michel Leiris and Unica Zürn are inspired by sacrificial rituals : writers borrow mythological figures linked to sacrificial scenes and they are motivated by the efficiency of ritual performances. Ritual sacrifice offers multiple mythological figures and patterns, and proposes effective forms that impact writing. The field of “poïétique” investigates the creative path preceding published writings. The works studied in this thesis are particularly suited for a “poïetique” reading because of their processual character – some of them are considered unfinished – and because of the presence of self-reflective comments about the creative process. Considering that all texts contain the story of its own creation, it is possible to think of the works as tracks of the writing in process. When creation has to do with ritual sacrifice, it leads to the opening of sacred spaces and activates a process of de-subjectification. Ritual sacrifice and creation are two ways of taking action that allow writers to give their existence a meaningful shape. Thinking about the sacrifice through the field of “poïétique” is a way to reflect upon the continuum, the transfer or the disruption between existence and writing.

Les œuvres de Marie Noël (1883-1967) sont surtout lues pour leur dimension spirituelle, mais elles offrent également une réflexion sur le rôle du poète dans un contexte chrétien. Dans un dialogue avec la tradition culturelle et religieuse à laquelle elle appartient, l’auteure s’interroge sur la valeur de l’activité poétique en mettant en scène divers personnages féminins qui se caractérisent par leur faiblesse. Ces personnages se rejoignent par un sentiment d’inutilité qui les marginalisent, mais qui leur permet paradoxalement d’atteindre une vocation plus haute. Dans la présente analyse, nous nous concentrerons sur l’œuvre poétique, c’est-à-dire Les Chansons et les Heures, Les Chants de la Merci, les Chants et psaumes d’automne et les Chants d’arrière-saison. Ces recueils présentent une certaine cohésion en ce qu’ils sont presque entièrement écrits à la première personne. Alors que les analyses critiques publiées jusqu’ici s’appuient généralement sur la biographie de l’auteure, ce mémoire propose une analyse des différentes figures qu'emprunte le sujet lyrique afin de valoriser l'écriture féminine. Plus précisément, nous montrerons comment le personnage de la femme infertile se découvre une fécondité nouvelle et accède à une maternité spirituelle à travers son activité poétique. Nous verrons aussi comment le sujet lyrique légitime sa parole en se revendiquant de l'inspiration divine, ce qui le rapproche de l’écriture mystique. / Most readers of Marie Noël (1883-1967) are interested by the spiritual dimension of her work. Nonetheless, her writings also reflect upon the poet’s role in a Christian world. While dependent on her cultural and religious background, the author wonders about the value of poetry. She introduces various feminine characters who are defined by their inadequacy but are then transformed on their own paths as writers. The following analysis focuses on the lyrical works of Marie Noël, which are Les Chansons et les Heures, Les Chants de la Merci, Chants et psaumes d’automne and Chants d’arrière-saison. These volumes are mostly written from the first-person point of view. Because of this trait, essays previously published insist on the author’s biography. This analysis, however, studies the masks worn by the lyrical subject and its constant desire to highlight the importance of women’s writing. More precisely, we will demonstrate how the character of the barren woman discovers a new fecundity and reaches spiritual motherhood through her poetry. We will also show how the lyrical subject justifies its voice while claiming divine inspiration. In doing so, the female characters are brought closer to the tradition of mystical writing.

Le scandale est un concept qui suscite l’intérêt des chercheurs de plusieurs disciplines comme l’histoire de l’art, la sociologie ou la politique, mais moins ceux du domaine musical savant. Il s’agit d’une chose surprenante étant donné que certains des scandales les plus flamboyants ont pris place sur les scènes musicales. La période qui correspond à la IIIe République en France est remplie de ces œuvres célèbres qui ont suscité réactions violentes et négatives chez une grande partie de l’auditoire. Qu’est-ce qui a déclenché de telles passions? Quels sont les facteurs qui peuvent expliquer le rejet de ces œuvres au moment de leur présentation? L’objectif de ce mémoire est de présenter ces différents scandales d’envergure et de proposer une schématisation plus claire des actions des différents acteurs du champ sous la forme d’un système simple axé autour de la métaphore conceptuelle de l’opposition entre une force centrifuge, exercée par l’œuvre sur le champ, et une force centripète, exercée par le champ sur l’œuvre. Axée principalement autour de la lutte en constante évolution entre les traditionalistes et les modernes, la recherche réalisée présente sept cas particuliers entre 1902 et 1924 : Pelléas et Mélisande de Claude Debussy (1902), Le Sacre du Printemps d’Igor Stravinski (1913), Salomé de Richard Strauss (1907), les Histoires naturelles de Maurice Ravel (1907), le Pierrot Lunaire et la musique atonale d’Arnold Schoenberg à Paris (1922), Parade d’Érik Satie (1917) et 1finalement Relâche du même compositeur (1924). La question qui sera posée est la suivante : Comment les forces en action, qu’elles soient sociales, politiques, culturelles ou esthétiques, qui entourent la présentation d’une œuvre scandaleuse affectent-t-elles sa réception et son acceptation auprès du public et des acteurs du champ musical? / Scandal is a concept that attracts the interest of researchers in many disciplines, such as art history, sociology and politics, but less so in the field of scholarly music. This is surprising, given that some of the most flamboyant scandals have taken place on the musical stage. The period corresponding to the Third Republic in France is full of these famous works, which provoked violent and negative reactions from large sections of the audience. What triggered such passions? What factors might explain the rejection of these works at the time of their presentation? The aim of this dissertation is to present these various large-scale scandals and propose a clearer schematization of the actions of the various players in the field in the form of a simple system centered around the conceptual metaphor of the opposition between a centrifugal force, exerted by the work on the field, and a centripetal force, exerted by the field on the work. Focusing mainly on the constantly evolving struggle between traditionalists and moderns, the research carried out presents seven specific cases between 1902 and 1924: Claude Debussy's Pelléas et Mélisande (1902), Igor Stravinsky's Le Sacre du Printemps (1913), Richard Strauss's Salomé (1907), Maurice Ravel's Histoires naturelles (1907), Arnold Schoenberg's Pierrot Lunaire and atonal music in Paris (1922), Érik Satie's Parade (1917) and finally Relâche by the same composer (1924). The question that will be asked is: How do the social, political, cultural and aesthetic forces at work around the presentation of a scandalous work affect its reception and acceptance by the public and those involved in the musical field?

Cette étude examine l’expérience des hockeyeuses de l’Université McGill de 1894 à 1941 en considérant à la fois les conditions de pratique de ce sport par les jeunes femmes et les discours genrés concernant la présence des femmes à l’université et dans les sports, plus particulièrement en ce qui a trait au hockey. La première partie se penche sur les réactions des étudiants face à l’insertion des femmes à l’Université McGill, que ce soit dans la classe ou sur la glace. Une attention particulière a été accordée aux rapports genrés dans l’univers sportif tout en tenant compte du contexte des débuts de l’accès féminin aux études supérieures. En ce sens, la présence des étudiantes au hockey et à l’université, des sphères associées à la construction de la masculinité, orchestre plusieurs réflexions : engendre-t-elle des angoisses chez leurs camarades ? Celles-ci s’avèrent-elles similaires aux discours dominants de la société québécoise ? Comment le sexe et le genre modulent-ils l’expérience des étudiantes en classe et sur la glace au début du XXe siècle ? La deuxième partie du mémoire détaille l’évolution du hockey féminin à McGill depuis ses débuts jusqu’à la Seconde Guerre mondiale. Elle met en lumière les défis rencontrés par les joueuses en raison de leur genre. Ainsi, ce mémoire aspire à examiner les discours véhiculés par les universitaires mcgilliens envers leurs collègues féminines en tant que hockeyeuses et étudiantes. Il cherche également à donner une voix aux étudiantes dans leur quête d’égalité auprès de la communauté étudiante et à éclaircir les origines du hockey féminin au Québec. / This study examines the experience of female hockey players at McGill University from 1894 to 1941, considering both the conditions of practicing this sport by young women and the gendered discourses concerning the presence of women at the university and in sports, particularly in relation to hockey. The first part examines the reactions of students to the inclusion of women at McGill University, both in the classroom and on the ice. Special attention has been paid to gender relations in the sports world while considering the context of the early days of women's access to higher education. In this sense, the presence of female students in hockey and at the university, spheres associated with the construction of masculinity, raises several questions: Does it cause anxiety among their male peers? Are these similar to the dominant discourses of Quebec society? How do sex and gender influence the experiences of female students in class and on the ice at the beginning of the XXth century? The second part of the thesis details the evolution of women's hockey at McGill from its beginnings until World War II. It highlights the challenges faced by female players due to their gender. Thus, this thesis aims to examine the discourse conveyed by McGill students towards their female colleagues as hockey players and students. It also seeks to give a voice to female students in their quest for equality within the student community and to clarify the origins of women's hockey in Quebec.

Joseph Kampé de Fériet (1893–1982) est un mathématicien lillois, spécialiste international en mécanique des fluides et directeur de l'Institut de mécanique des fluides de Lille (IMFL) depuis sa création en 1929. En se familiarisant avec ce domaine et avec les questions expérimentales grâce à ses travaux de balistique pendant sa mobilisation scientifique à la Commission de Gâvre (1915-1919), ce savant a joué un triple rôle à l'institut. En tant que mathématicien, il a donné une contribution remarquable à la théorie statistique de la turbulence de Taylor-von Kármán à l'aide de la théorie des fonctions aléatoires de Kolmogorov, Khintchine, et Slutsky. En tant qu'expérimentateur, il a participé aux travaux expérimentaux de l'IMFL visant d'une part à étudier la turbulence atmosphérique et d’autre part à légitimer les idées de l'école de Philippe Wehrlé et Georges Dedebant, une école qui s'est constituée au sein de la Commission de la Turbulence Atmosphérique, créée par le ministère de l'Air en 1935. Enfin, en tant que directeur, il a valorisé les liens avec l'industrie et la société lilloise comme il a valorisé ses liens avec les officiers militaires pendant son expérience à Gâvre. Dans notre thèse, nous utiliserons le parcours scientifique et institutionnel de J. Kampé de Fériet - de sa mobilisation à Gâvre (1915) à l’année de sa démission de la direction de l’IMFL (1945) - en tant que prisme pour répondre à des questions plus générales concernant la mécanique des fluides en France pendant la première moitié du XXe siècle, dont certaines, mais pas toutes, apportent des éléments nouveaux qui sont communs à la balistique et aux autres domaines des mathématiques appliquées. / Joseph Kampé de Fériet (1893-1982), a French mathematician of Lille, was an international specialist in fluid mechanics and was director of the Institut de mécanique des fluides de Lille (IMFL) from its creation in 1929. By familiarizing himself with this field and by addressing questions of an experimental nature through his work on ballistics, during his scientific wartime service to the Gâvre Commission (1915-1919), this scientist played a triple role in the institute. As a mathematician, he made a remarkable contribution to Taylor-von Kármán's statistical theory of turbulence using the theory of random functions due to Kolmogorov, Khintchine, and Slutsky. As an experimental scientist, he took part in the experimental work of the IMFL aiming on one hand to study atmospheric turbulence and, on the other hand, to validate the ideas of the school of Philippe Wehrle and Georges Dedebant. This school was formed within the Atmospheric Turbulence Commission, created by the Minister of Air in 1935. Finally, as director of the institute, he strengthened links with industry and society in Lille, in the same way that he reinforced links with military officers during his work in Gâvre.In our thesis, we will use the scientific and institutional career path of J. Kampé de Fériet – from his service at Gâvre (1915) up until the year of his resignation as director of the IMFL (1945) - as a prism by which we will answer further questions of a more general nature regarding fluid mechanics in France during the first half of the twentieth century. Some but not all of these considerations bring to light new elements that are common to ballistics and to other areas of applied mathematics.