Throughout the twentieth century, the relationship between representation and abstraction has been regarded predominantly in terms of opposition. One of the prominent early twentieth-century defenders of this approach is Wilhelm Worringer (1881-1965), who introduces representation and abstraction as antithetic modes of art-making in Abstraction and Empathy. A Contribution to the Psychology of Style (1908). However, while he distinguishes between abstraction and representation on theoretical grounds, Worringer also observes that, in the history of art, these modes of art-making coexist. The current thesis examines Worringer’s approach to the writing of art history and theory, inquiring into his perspective on the personal responses of viewers and artists to the world, and the manifestations of these responses in art. Abstraction and Empathy addresses issues of empathy, form, and will, in aesthetics and art-making; it discusses and extends the writings of Theodor Lipps, Immanuel Kant, Arthur Schopenhauer, and Alois Riegl. At the beginning of the twentieth century, Worringer’s book attracted much attention: like its sequel, Form in Gothic (1910), it was often associated with the rise to prominence of Expressionism in Germany. Later in the twentieth century, Worringer’s thought came under the scrutiny of Rudolf Arnheim, who criticized Worringer’s emphasis on abstract-representational opposition. Gilles Deleuze and Félix Guattari praised Worringer’s approach to antithesis, yet questioned the terms Worringer proposed as opposites. For Arnheim, Deleuze and Guattari, alternatives to the antithesis between abstraction and representation became visible. Indeed, in Worringer’s time, artists such as Adolf Hildebrand, Ferdinand Hodler, Paul Cézanne, Claude Monet and Wassily Kandinsky underscored the common grounds between representation and abstraction. Exploring Worringer’s Abstraction and Empathy and Form in Gothic, as well as the words and works of Hildebrand, Hodler, Cézanne, Monet and Kandinsky, this thesis aims to highlight abstract-representational interplay as observable in early twentieth-century writing and art-making.

Nous proposons une méthodologie de conception pour les systèmes de commande tolérants aux fautes en partant d’un modèle de base exhaustif pour le système complexe à superviser. En pratique, la modélisation exhaustive est réalisée grâce à un automate hybride enrichi par des paramètres quantifiant les défaillances possibles. Ceci permet de modéliser les défaillances partielles. Dans la phase hors ligne, ce système complexe est transformé en un système discret abstrait et exploitable selon des techniques dédiées. Un superviseur est alors construit selon les objectifs de fonctionnement.Lors du fonctionnement du système, l’occurrence d’une défaillance se traduit par l’invalidation de plusieurs comportements dans le modèle abstrait et l’introduction d’incertitudes. Par la suite, les modules de diagnostic et d’identification (qui ne rentrent pas dans l’objet de notre thèse) réduisent de façon progressive le modèle hybride au cours du temps. Afin de pouvoir mettre à jour le modèle discret abstrait, on a développé des algorithmes de calcul d’atteignabilité, de vérification et de génération de régions stabilisées.Pour pouvoir superviser un tel système, l’utilisation de méthodologies d’abstraction est nécessaire afin de transformer le modèle bas niveau exhaustif en un modèle discret approprié. Nous réalisons cette abstraction en proposant des algorithmes qui tiennent compte du contexte d’utilisation (objectifs, contraintes…). Lorsqu’une défaillance est détectée, la reconfiguration est déclenchée en essayant, au fur et à mesure de l’enrichissement du modèle abstrait, de réduire le fonctionnement du système défaillant dans un des schémas prédéfinis / We propose a methodology for the design of fault tolerant control systems for the supervision of complex systems. First, the system is exhaustively described through a hybrid automaton which is enriched with parameters that quantifies the possible complete or partial faults. In the offline stage, the complex system is abstracted into a useful discrete event system with dedicated approaches. After, a supervisor is designed according to the standard objectives.In the online stage, fault detection can be interpreted by prohibiting some behaviours and introducing uncertainties. Thereafter, the diagnosis and identification modules (that are not treated in this work) reduce progressively the hybrid system. In order to update the abstract model, we developed some algorithms for reachability calculus, verification and generation of stabilized regions.In order to supervise the faulty system, the use of abstraction methodologies is necessary in order to transform the low level exhaustive model into an abstract and appropriate model. This abstraction is realized through algorithms that takes into account the abstraction context (objectives, constraints…). When a fault is detected, the reconfiguration is triggered by trying, as the abstract model is enriched, to reduce the behaviour of the faulty system into a preconceived model

L’œuvre d’Antonioni constitue un champ privilégié pour initier une étude du paysage dans l’art cinématographique. Notre étude se focalise sur le dépaysement cinématographique d’Antonioni, de Blow up (1966) à son retour en Italie avec Identification d’une femme (1982). Notre étude vise à marquer l’importance d’une conception mouvante et cinéplastique du paysage, intégrant la question du montage, du mouvement (de l’image et dans l’image), pour dégager les forces rythmiques, métamorphiques et plastiques de l’image-paysage au cinéma. A partir de ces forces, nous souhaitons ouvrir la question du paysage à l’aune de la notion de dépaysement. Le dépaysement constitue un matériau opérant pour penser l’image cinématographique, sa déterritorialisation, son mouvement. Dépayser le paysage entraîne chez Antonioni un dialogue avec l’Histoire de l’art qui implique de repenser les questions esthétiques majeures du XXème siècle (de l’abstraction à l’art informel, en passant par le Land Art et la performance) dans le champ d’une étude cinématographique. La question du dépaysement nécessite de proposer de nouveaux outils pour penser le paysage au cinéma. Nous proposons de nommer « entre-paysage » la constitution d’un paysage qui intègre les processus propres à l’image cinématographique dans sa plastique, en nous appuyant sur les notions d’intervalle et d’entre-image. Un « entre-paysage » cinématographique, tel qu’il est possible de le définir dans l’œuvre d’Antonioni, ouvre une mobilisation plastique de l’image-paysage qui nous permet d’interroger en retour la pratique artistique contemporaine. / The work of Antonioni is a fertile field to study landscape in cinematographic art. This study focuses on Antonioni's cinematographic disorientation, from Blow up (1966) to its come-back in Italy with Identification of a woman (1982). My work aims at showing the importance of a changing and cineplastic vision of landscape which integrates the question of editing, motion (of image and inside the image itself), in order to highlight the rhythmic, metamorphic and plastic strenghts of the image-landscape in the cinema. Having shown these strenghts, I intend to interrogate the question of landscape from the notion of disorientation. Disorientation represents an operating materiel to think the cinematographic image, its deterritorialisation, its motion. Disorientating landscape in Antonioni's work leads to a dialogue with art history, which implies to rethink the major aesthethic questions of the 20th century (from abstraction to informal art, by Land-Art and performance) in the context of a cinematographic study. The question of disorientation requires new tools to rethink landscape in the cinema. I suggest to name « inter-landscape » the constitution of a landscape which integrates peculiar to image in its plastic processes relying on notions suchs as interval and inter-images. A cinematographic « inter-landscape », as can be define from the work of Antonioni, offers a plastic mobilisation of the image-landscape which allows to interrogate, in turn, contemporary artistic practice.

Dans cette thèse, nous analysons l’œuvre de la maturité de Marx, spécialement en ce qui concerne la théorie de la valeur, du point de vue des catégories et de la méthode, et à partir d’une perspective qui conçoit les aspects théoriques et méthodologiques comme subordonnés à l’analyse du contenu ou de l’objet de la recherche. Nous approfondissons notamment, dans la formulation des abstractions qui apparaissent dans la première Section du Capital, le rôle de la découverte de la catégorie de force de travail, où, d’une manière non pas explicitée par la forme d’exposition des premiers chapitres, se trouvent inclus les rapports historiques dans lesquels les abstractions de Marx se concrétisent. Ensuite, nous mettons à l’épreuve les résultats analytiques ainsi obtenus, en questionnant, entre les interprétations de la pensée de Marx, surtout celles qui partent d’une perspective épistémologique et qui conçoivent la méthode comme construction ou logique régentant les phénomènes. Pour cette tâche nous avons recours aux derniers écrits de Lukács, spécialement ceux sur l’ontologie de l’être social, qui, tout en échappant à la démarche d’Engels qui valorise la dialectique comme méthode ou logique, permettent de saisir le caractère réel des abstractions marxiennes sans tomber, pour autant, dans une conception philosophique de type empiriste ou mécaniste. / In this thesis we analyse Marx’s work of maturity, especially his theory of value, from the point of view of the categories and of the method, and starting from a perspective which considers the theoretical and methodological aspects as dependent from the analysis of the content or of the object of research. In the formulation of the abstractions that appear in the first section of Capital, we study in detail particularly the role of the discovery of the category of labour force, that, in a way not made clear by the form of exposition of the first chapters, includes the historical relationships inside which Marx’s abstractions made themselves concrete. Afterwards we test the analytical results we achieved, examining, among the interpretations of Marx’s thought, especially those which start from an epistemological point of view and conceive the method as a construction or as a logic ruling the phenomena. To fulfil this task, we turned to Lukács’ last works, especially the ones on the ontology of the social being, that, avoiding Engels’ procedure of bringing out dialectic as a method or as a logic, make understandable the real nature of Marx’s abstractions without ending nevertheless in an empiristic or mechanistic philosophical conception.

Les écrits sur l’art forment une partie très importante de l’œuvre de Dominique Fourcade : une cinquantaine de textes publiés en préface dans des catalogues d’exposition ou dans des revues, principalement entre 1971 et 1990. Beaucoup d’entre eux sont consacrés à l’œuvre de Matisse, dont Dominique Fourcade est un spécialiste éminent. D’autres examinent la création française contemporaine, en particulier les productions des plasticiens proches du galeriste parisien Jean Fournier. Certains étudient, enfin, le travail des artistes anglo-saxons, essentiellement celui des sculpteurs, mais aussi celui des peintres du mouvement expressionniste abstrait. La plupart de ces textes sont majoritairement méconnus même par des spécialistes de la poésie contemporaine. Or, ils sont le lieu où se forge véritablement la vision poétique de l’auteur, car c’est sur les arts plastiques que Dominique Fourcade prend appui pour penser le monde et trouver la modernité. Dans son travail critique le poète réunit deux approches habituellement opposées : d’un côté, la théorie formaliste qui met en valeur les matériaux et les procédés plastiques, de l’autre, la recherche d’un profond message spirituel des œuvres. Ainsi, les aspects formels (le rythme, la structure, la surface, la lumière, la couleur et d’autres encore) comprennent de multiples implications poétiques, dans leurs valeurs éthique, politique ou gnoséologique. Dans ses écrits sur l’art, Dominique Fourcade met en place une poétique complexe dans laquelle la sagesse est inséparable de la beauté et l’esthétique de l’éthique. C’est cette même poétique qui réside au cœur de ses poèmes des années 1980-2010. / Art publications are an important part of Dominique Fourcade’s writing: representing about 50 texts published as prefaces for exhibition catalogues or in the magazines, mainly between 1971 and 1990. A large number of these publications are dedicated to Matisse’s work, Dominique Fourcade being an eminent specialist of his work. Others examine contemporary French creation, and especially plastic artists close to Parisian art dealer Jean Fournier. Finally, some of them study Anglo-Saxon artists work, especially that of sculptors, but also of painters belonging to the abstract expressionist movement. The majority of these texts remain unknown, even by the specialists of contemporary poetry. Though, they are the place where the author’s poetic vision has been build up, as Dominique Fourcade bases his ideas on plastic art in order to think about world and find modernity. In his critical work, the poet gets together two usually opposite approaches: on the one hand, a formalist theory highlighting materials and plastic methods, on the other, a search for the profound spiritual message of works. Thus, formal aspects (such as rhythm, structure, surface, light, color and others) include multiple poetic implications in their ethical, political or epistemological values. In his art essays, Dominique Fourcade puts in place an intricate poesy where wisdom is inseparable from beauty and aesthetics from ethics. The same poetic language lies in the heart of his poems dating from 1980-2010.

Cette thèse se propose de rendre compte de l’articulation qui est opérée dans l’œuvre de Theodor W. Adorno entre critique de l’idéalisme et critique de la société. Ceci en confrontant deux figures que nous considérons comme centrales pour son dispositif : celle de principe d’identité et celle de société d’échange. Car il s’agit pour Adorno de déterminer la manière dont la logique de le pensée identifiante peut rencontrer celle de l’abstraction marchande : une même tendance à la mutilation de l’hétérogène y serait repérable. La question étant ici celle d’analyser comment ces deux modalités peuvent se médiatiser, de comprendre comment une philosophie orientée en direction du primat de la non-identité peut aussi dans le même temps se déployer comme théorie critique. En d’autres termes, saisir une contrainte objective dans et par le concept implique chez Adorno de rendre compte de l’imbrication entre idéalisme et domination sociale : de la critique de la logique conceptuelle identificatoire à celle de l’immanence du monde devenu système, en passant par celle de la subjectivité constituante ou des formes d’abstraction sociales fétichistes et réifiées. Tout l’enjeu de notre travail sera de ce fait de reconstruire les principales modalités d’une telle problématique, nous concentrant sur la discussion par Adorno des thèses d’Alfred Sohn-Rethel dans un premier temps, pour ensuite étudier selon deux grands moments le statut du principe d’échange et sa liaison avec la rationalité identificatoire ‒ celui de la Dialectique de la Raison (1944-47) et celui de la Dialectique négative (1966). / The aim of this dissertation is to account for the articulation between the critique of idealism and the critique of society operated in Theodor W. Adorno’s work. In order to do so, I compare two figures which I consider central in his conceptual apparatus : the identity principle and the exchange society. For Adorno’s goal is to determine the way the logic of identificatory thought meets the logic of commodity abstraction, where a same tendency towards the mutilation of the heterogeneous is at work. The question is thus to analyse how these two modalities can mediate each other and to understand how a philosophy which is guided by the primacy of non-identity can, at the same time, deploy itself as a critical theory. In other words, to grasp conceptually an objective constraint means for Adorno to account for the interweaving of idealism and social domination : from the critique of the indentificatory conceptual logic to the critique of the immancence of a now system-like world, through the critique of constitutive subjectivity and of forms of social, fetishistic and reified abstractions. The aim of this study is to reconstruct the main modalities of this problematic, focusing on Adorno’s dicussion of Alfred Sohn-Rethel first, and then on the status of the exchange principle and its connection witch identificatory rationality in Dialectic of Enlightenment (19944-47) and in Negative Dialectic (1966).

L'image-espace constitue un concept pour l'exploration d'une qualité-puissance du cinéma jusqu'ici peu prise en compte. L'espace n'est plus seulement considéré comme un fond, un motif ou un actant, mais, à la fois, comme un problème existentiel primordial et un matériau essentiel de la composition filmique. Il faut pour cela concevoir de nouveaux outils théoriques, moins dépendants de l'héritage pictural ou scénographique comme de la syntaxe propre au découpage classique, et plus étroitement accordés aux puissances fondamentales – cinéplastiques et rythmiques – de l'image filmique. Ce paradigme phénoménologique du film en fonctionnement a pour conséquence que l'espace cinématographique n'est jamais donné comme un objet stable, une forme arrêtée, et qu'il fait au contraire l'objet d'un modelage perpétuel. Cette étude est donc conçue comme une invitation à appréhender autrement les images de films, en fonction d'une construction esthétique dont le principe s'accorderait le mieux possible avec le mode d'être de son objet : c'est-à-dire avec la spécificité du cinéma en tant que mode d'approfondissement sensible de la spatialité de notre existence. Notre proposition de re-spatialisation des procédés expressifs du cinéma sera l'occasion d'articuler un questionnement esthétique (sur la spécificité du médium) à un problème philosophique né de l'expérience sensible (la structure spatiale de l'être-dans-le-monde). La "géopoétique" du film constitue justement une proposition particulière de mobilisation du matériau plastique de l'image-espace en direction d‟une intensification du rapport primordial de l'homme à la Terre qu'il habite et qu'il parcourt. / The issue of space constitutes a fertile starting point for exploring a power of film so far neglected by the classical theory. It seems indeed that one of the major current tasks of film Aesthetics is to construct new concepts in order to think an "image-espace cinema": a cinema that would make the space not just a background, a pattern or an actant, but at the same time, an important existential issue and a critical material of its plastic composition. This requires developing new theoretical tools, less dependent on the pictorial or theatrical categories as on the "grammar" specific to the classic narrative and editing, and more closely linked to the basic powers – cineplastic and rhythmic – of moving pictures. This new paradigm has the consequence that the space film has no permanent substance: it is never given as a fixed form. On the contrary, space is the subject of constant shaping. Therefore this study is designed as an invitation to a different understanding of moving pictures, based on an aesthetic construction whose principle would accord the best with the "mode of being" of its object: that is to say with the specificity of film as a way of deepening our understanding of the spatiality of existence. Our proposition to re-spatialize the traditional means of film expression will just constitute the opportunity to articulate an aesthetic question (on the specificity of film) to a philosophical issue derived of sensory experience (the spatial structure of being-in-the-world). A geopoetic of film consists precisely of a particular way to engage the plastic material of image-espace towards an intensification of the relationship between man and Earth that he roams.

Deux représentations du territoire sont majoritairement proposées pour être covisualisées de multiples façons (loupe, curseurs, vues asservies, etc.) : la carte topographique et l'orthophotographie. Ces deux représentations apportent une vision complémentaire du territoire : la carte topographique est l'archétype même de l'abstraction et l'orthophotographie renvoie une perception réaliste du territoire. Pour permettre à l'utilisateur de covisualiser ces deux types de représentations, nous préconisons de ne pas chercher un mélange graphique idéal mais plutôt de produire un continuum cartographique formé d'un ensemble continu de représentations intermédiaires mixant données topographiques et orthophotographie. Notre objectif est de permettre à l'utilisateur de choisir sa position entre les deux extrémités en contrôlant le degré de réalisme et d'abstraction tout au long du continuum. Notre approche se fonde sur la nécessité d'adaptation locale de la symbolisation des données topographiques pour assurer la lisibilité de chaque représentation intermédiaire, la création de transitions graphiques pour établir une continuité entre ces représentations, et la synchronisation des symbolisations visant à garantir une homogénéité visuelle de ces représentations mixtes. Nous proposons une méthode de conception reposant sur la combinaison de briques de symbolisation élémentaires. Le premier type de brique consiste à interpoler les paramètres de symbolisation de la norme SLD tels que la couleur, la transparence ou la texture (procédurale, naturelle, ou mixée) entre deux symbolisations données. Le second type de brique analyse le contexte graphique des objets à mettre en valeur afin de déterminer localement une symbolisation adaptée et lisible. Ces briques sont combinées pour chaque thème et coordonnées entre les différents thèmes. Nous émettons des préconisations de paramétrage de ces étapes de conception à partir des résultats de notre test utilisateur visant à estimer le degré de réalisme et d'abstraction des symbolisations cartographiques. Enfin, nous mettons en œuvre cette méthode de conception au sein de la plateforme de recherche GeOxygene sous la forme d'un outil permettant de naviguer dans un continuum cartographique entre réalisme et abstraction / Two representations of the territory are widely provided simultaneously to the user through interactive tools (such as magnifiers, sliders or swipes): topographic maps and orthoimages. They provide complementary visions of the territory because of abstraction steps used to design maps and the intrisic perceived photorealism power of orthoimages. Aiming at providing efficient covisualizations of these two representations to the user, we advise not to search for an ideal graphic mix, but to produce a cartographic continuum composed of in-between representations mixing topographic data and orthoimagery. Our objective is to provide interactive tools allowing to choose an intermediate step within the continuum by controling the realism and abstraction levels. Our approach is based on three principles: first, the need for local adaptation of vector data symbolisation to preserve their readability, second, the call for graphic transitions to establish a continuity through in-between cartographic representations, and third the required control over realism level in order to ensure a visual consistency of hybrid visualisations. We provide elementary symbolisation methods to be combined in a global design process. The first one aims at interpolating SLD symbolisation parameters such as color, opacity or texturing between two symbolisations. The second one aims at defining a local symbolisation depending on the graphic context of objects to be highlighted. Those symbolisations are combined for each theme and synchronized for all themes. For these design steps, we provide guidelines based on the evaluation of the realism level coming from our user test. Finally we build a prototype software allowing to test our propositions and browse in-between representations from abstraction to realism through an interactive slider

Étude de la notion documentaire et artistique dans l’oeuvre des Becher. Évolution de leurs élèves, Thomas Ruff, Andreas Gursky, Thomas Struth, Candida Höfer vers une photographie picturale et abstraite. Influence de la peinture, liée à l’enseignement de Gerhard Richter. La photo comme source d’information pour créer des images picturales chez Ruff et Richter. Utilisation du travail numérique pour s’orienter vers desimages picturales et abstraites chez Ruff et Gursky. Dimension sociologique du rapport photographie/peinture dans l’oeuvre de Thomas Struth, travail sur notre façon d’être dans le monde. Entre documentation et abstraction également, le travail de Candida Höfer sur l’espace vital, sur la structure de l’objet, évolution vers le détail, l’abstraction. Abstraction, experimentation, tendance de l’archive, axes essentiels en photographie / Study of documentary and artistic notion in the work of the Becher. Evolution of of their students, Thomas Ruff, Andreas Gursky, Thomas Strth, Candida Höfer towards a picturial and abstract photography. Pictorial influence, linked with Gerhard Richter’s teaching. Photography as source of information to create pictorial pictures by Ruff and Richter. Use of digital work by Ruff and Gursky to go towards picturealand abstract pictures. Sociological aspect in the link photography/painting in Struth’s work, on our way to exist in the world. Between documentation and abstraction too, the photographic work of Candida Höfer on vital space. Evolution on the structure of the object, on the detail, towards abstraction. Abstraction, experimentation, archival tendance, essential directions in photography

Doctorat en sciences psychologiques / info:eu-repo/semantics/nonPublished