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La communauté de singularités : réinventer le commun dans l’art participatif britannique (1997-2015) / The community of singularities : reinventing communality in British participatory art (1997-2015)Zhong Mengual, Estelle 04 December 2015 (has links)
Au début des années 1990, apparaît une nouvelle pratique contemporaine : l’art participatif. Celle-ci se caractérise d’abord par une création hors-atelier : la création s’inscrit dans l’espace social. Elle se distingue ensuite par le fait qu’elle n’est pas le fruit du travail de l’artiste seul, mais celui d’une collaboration en présence entre artiste et participants. Notre thèse constitue une enquête sur les enjeux à la fois artistiques et politiques de cette pratique. Nous inscrivons ainsi l’art participatif dans une histoire artistique de la participation sur le XXème siècle, afin de comprendre les problèmes communs justifiant la mobilisation d’un tel dispositif de création, et la spécificité de ce dernier en art participatif ; mais aussi dans une histoire esthétique permettant d’éclairer la façon dont la participation remet en question nos préconceptions les plus profondes sur l’art. Une deuxième partie de notre travail consiste à étudier le développement de cette pratique, en relation avec la politique, au Royaume-Uni de 1997 à 2015. Les gouvernements successifs promeuvent la participation au rang de valeur, et multiplient la mise en place de dispositifs de participatory democracy. Avoir recours à un dispositif de création participatif acquiert, dans ce contexte, une autre dimension et signification. Nous étudions également l’art participatif en rapport avec le politique, que nous analysons comme la tentative de réinventer de nouvelles formes du commun et de la communauté. Nous faisons l’hypothèse que le processus de collaboration entre artiste et participants fait émerger une forme d’association politique nouvelle : la communauté de singularités. / In the early 1990’s emerged a new artistic practice: participatory art. This post-studio practice is characterized by an embodied collaboration between the artist and the participants. Our thesis is an investigation on the artistic and political stakes of this practice. We inscribe participatory art in an artistic history of participation, in order to understand the shared problems encountered by artists along the 20th century calling for the mobilization of this creative device, and also its specific use and functioning in participatory art. We also inscribe this practice in an aesthetic history which enlightens how participation questions our most rooted preconceptions about art. A second part of our work is dedicated to the study of the development of participatory art in relationship to politics (understood here as policies) in the UK from 1997 to 2015. Participation is promoted as a value in itself by the successive governments and participatory democracy is said to be developed by various kinds of public consultations. Participatory art acquires in this context a different meaning and dimension. Finally we intend to show how participatory art can be interpreted as an attempt to create new forms of communality and community. We suggest the idea that the collaborative process between the artist and the participants produces a new kind of political association: the community of singularities.
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La participation du spectateur à l'oeuvre d'art de 1950 à nos jours / The participation of the spectator in the work of art of 1950 and todayGélis, Aurélie 11 June 2014 (has links)
Notre recherche se fonde sur une forme de relation particulière entre lʼœuvre et le spectateur, lorsque la participation de ce dernier est interactive, cʼest-à-dire physique, active et effective. Or, à partir de 1950, de nouvelles formes artistiques apparaissent et de nombreuses œuvres partent, en quelque sorte, à la recherche du spectateur. Cʼest en les parcourant que le premier chapitre pose les bases dʼune participation interactive. Nous avons aussi choisi de réordonner ces œuvres ou mouvements selon des catégories qui échappent aux classifications standards en les groupant selon leur modalité de participation : regarder, entrer, ressentir, assister. Le second chapitre est ensuite consacré aux œuvres les plus participatives qu'il puisse exister, cʼest-à-dire, des œuvres qui ont réellement besoin du spectateur pour exister, dont la forme est tout autant définie par le spectateur que par lʼartiste, voir même davantage par le spectateur. Quatre nouvelles catégories sont alors dégagées : figurer, agiter, expérimenter, partager. Lʼobjectif de cette classification typologique est dʼoffrir une vue dʼensemble qui soit claire et qui permette de mieux comprendre le vaste panorama des œuvres dʼart participatives. Notre réflexion se construit aussi à lʼaide de ces deux questions successives : de quelle façon le spectateur a-t-il la possibilité de participer ? Quel est le but recherché par lʼartiste ? Nous prenons aussi la mesure de la contribution du ou des spectateurs dʼune part, évaluons les valeurs éthiques que tendent à véhiculer certains projets artistiques de lʼautre, et nous décelons un certain nombre de pièges et de dérives qui semblent guetter ces œuvres, tantôt faisant lʼobjet de banales animations culturelles, réduites au divertissement, tantôt se perdant au sein de luttes sociales et politiques. Analysant les critiques formées à leur encontre, en formulant dʼautres, puisant dans les domaines de la philosophie, de la sociologie ou de lʼanthropologie, nous cherchons donc à cerner les enjeux spécifiques de chaque forme de participation. Lʼœuvre dʼart participative révèle alors sa pleine ambivalence, une nature ambiguë qui constitue sa force comme sa faiblesse. De même, lʼacte participatif, entre action et passivité, proximité et distance, dessine la figure nouvelle dʼun spectacteur. / Our research bases on a particular form of relationship between the work of art and the spectator, when the participation of the latter is interactive, that is to say, physical, active and effective. However, since 1950, new art forms appear and many works go, somehow, in search of the spectator. It is by reviewing them that the first chapter thus lays the foundation of an interactive participation. We also chose to reorder these works or movements in categories beyond the standard classifications by grouping them according to their modality of participation : look, enter, feel, attend. The second chapter is then dedicated to the most participatory works that can exist, that is to say, works that really need the spectator to exist, whose shape is as much defined by the spectator by the artist, and even more by the spectator. Four new categories are then identified : figure, shake, experiment, share. The objective of this typological classification is to offer an overview which is clear and which allows to understand better the vast panorama of the participatory art works. Our thought also builds using these two successive questions : how has the spectator the possibility to participate ? What is the purpose looked for by the artist ? We also take the measure of the contribution of one or several spectators on one hand, estimate the ethical values which tend to convey some artistic projects on the other, and we detect a number of pitfalls and deviations that seem to watch for these works, sometimes being the object of commonplace cultural activities, reduced to the entertainment, sometimes getting lost in social and political struggles. Analyzing the criticisms formed against them, by formulating others, drawing from the fields of philosophy, sociology or anthropology, we identify the specific issues of each form of participation. The participatory artwork reveals then its full ambivalence, an ambiguous nature that is its strength as its weakness. Similarly, the participative act, between action and passivity, proximity and distance, draws the new figure of a spectactor.
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Fred Forest: catalogue raisonné (1963-2008)Lassignardie, Isabelle 26 March 2010 (has links) (PDF)
Cette thèse est une étude de l'œuvre de l'artiste Fred Forest à travers le catalogue raisonné de ses travaux réalisés entre 1963 à 2008. Il s'agit de saisir les divers aspects pratiques et théoriques déployés par l'artiste : dans le cadre d'un art dit sociologique prenant le quotidien et l'ordinaire comme matériau d'observation, terrains d'action et d'animation ; par la formulation d'une esthétique de la communication dont l'objectif est la mise en évidence des médiums et technologies employées ; dans l'usage des médias de masse et des moyens de communication et de diffusion de l'information comme supports des œuvres ; de l'événement et de la communication comme parties intégrantes de la démarche artistique ; à travers les notions de participation et d'implication des récepteurs dans les dispositifs des œuvres.
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Du concrétisme au néoconcrétisme dans l’œuvre de Lygia Pape / From Concretism to Neoconcretism in the art of Lygia PapeTriani Gomes de Knegt Brière, Manuela 18 March 2017 (has links)
Ouverture et optimisme marquent les années cinquante au Brésil, culminant par l’édification de Brasilia. Les arts se renouvellent sur l’axe de Rio de Janeiro et Sao Paolo, avec l’avènement de deux mouvances artistiques, le Concretismo et le Neoconcretismo. L’art concret s’édifie comme un système autoréférentiel, considéré par cet artifice comme universel, et devient le plus important mouvement artistique de l’époque. Lygia Pape prend part à la création de ces deux mouvements et à leur développement grâce à une riche production artistique. Elle est en contact direct avec Mário Pedrosa, théoricien qui oriente le groupe concret de Rio de Janeiro autour de l’empathie de la forme, sous l’influence des sciences cognitives, de la Gestalt et de la phénoménologie. Lygia Pape s’implique dans diverses manifestations artistiques, comme la peinture, la gravure, la poésie concrète, la danse, le cinéma et le happening. Elle s’abstrait progressivement d’un art universel et rationnel vers un art qui baigne dans l’individualité et la subjectivité. Sa production contrarie la rigueur concrète pour évoluer vers un art participatif engageant d’abord l’esprit, puis tout le corps. Ainsi, la figure, auparavant écartée, est réintroduite par l’inclusion de l’homme dans l’œuvre, passant de l’abstraction géométrique et des rigides règles du Concrétisme, vers la liberté de création introduite par le Néoconcrétisme. Traditionnellement envisagé comme une suite logique du Concrétisme, le Néoconcrétisme semble avoir toujours été présent dans l’œuvre de Pape. / Open-mindedness and optimism mark the fifties in Brazil, culminating with the construction of Brasilia. The arts undergo a renewal on an axis going from Rio de Janeiro to Sao Paulo, with the rise of two artistic avant-garde movements, Concretismo and Neoconcretismo. Concrete art is built as a self-referential system, considered by this artifice as universal, and becomes the most important artistic movement at that time. Lygia Pape participates actively in the creation and the development of both, thanks to a rich artistic production. She is in close contact with Mário Pedrosa, a theoretician steering the artists of the Rio de Janeiro concrete group towards the form empathy, under the influence of cognitive sciences, Gestalt, and phenomenology. Lygia Pape gets involved in various fields, such as painting, engraving, concrete poetry, dance, cinema, and happening. She progressively abstracts from a universal and rational art to an art diving into individuality and subjectivity. Her production contradicts the concrete rigor to move towards a participatory art engaging at first the mind, and then the whole body. Thus, the figure, previously discarded, is reintroduced by the inclusion of the man inside the work, moving from Concretism with its geometric abstraction and rigid rules towards Neoconcretismo and its creative freedom. Traditionally considered as a logical continuation of the Concretism, it seems that the Neoconcretism has been always present in Lygia’s work.
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D’où l’hospitalité. Étude du privilège dans l’accueil en dialogue avec l’art participatifChartré-Lefebvre, Félix 08 1900 (has links)
La crise des États-nations face aux migrant·e·s, comme la réactivité publique par rapport aux enjeux de justice sociale concernant les groupes minoritaires, participe à faire de l’hospitalité un sujet criant. Pourtant, la notion ne génère en elle-même aucune polémique et ne fait que rarement l’objet de remises en cause. Ce mémoire apporte un regard critique sur ce qu’est l’hospitalité et sur les manières dont elle est pratiquée. À cet effet, l’étude du phénomène est menée à partir du point de vue des privilèges des hôtes plutôt que de celui de la vulnérabilité des personnes accueillies. D’abord, il s’agit de mettre en perspective les acceptions vertueuse et principielle de l’hospitalité. Comprise en tant que pratique de l’accueil, l’hospitalité est ensuite redéfinie selon trois modalités (spatiale, sociale et procédurale) en réponse aux façons dont l’hospitalité est la plus fréquemment problématisée dans les discours savants (autour du chez-soi, de la figure de l’étranger et de l’invitation par exemple). Puis, il est question des manières d’accueillir spécifiques relatives à la frontière, au seuil, au camp et au refuge. Avec l’œuvre Las reglas del juego / The Rules of the Game (2000 ‒ 2001) de Gustavo Artigas, il apparaît que penser l’hospitalité par ses limites renvoie à l’idée d’accessibilité. L’accueil y représente une admission conditionnelle et une régulation des admis·es (frontière) ou un enjeu d’adaptation à autrui (seuil). Le projet État d’Urgence (1998 ‒ 2010) de l’ATSA permet quant à lui d’interroger l’accueil sous l’angle de l’inclusion sociale. Tantôt, l’hospitalité devient synonyme de mise à l’écart d’un régime d’oppression (camp), tantôt du refus de collaborer au dit régime en son sein même (refuge). En somme, le dialogue entre les écrits savants et les œuvres d’art participatif dévoile les relations de pouvoir dans l’accueil qui sont à même de définir l’hospitalité, sa visée opportuniste et ses effets incertains. / The crisis of nation-states regarding migration and public responsiveness to issues concerning minority groups contribute to make hospitality a topic of the hour. However, the concept in of itself does not rise any polemic and appear to be rarely challenged. This paper therefore seeks to provide a critical look at what hospitality actually is and at how it is practiced. The phenomenon was studied from the perspective of the hosts and their privileges rather than the vulnerability of the people welcomed. In the first chapter, the meaning of hospitality as a virtue, as a principle and as a practice, which are common modes of defining the subject in the scholarly publications, was put into perspective. A new definition of hospitality was then proposed drawing on the three modalities of its practice (spatial, social and procedural). This definition respond to the ways in which hospitality is most frequently problematized in the literature (around the home, the figure of the stranger and the multiple actions supposed to provide hospitality such as invitation, accommodation, care, etc.). In the second chapter, each specific way of welcoming that implies the border, the threshold, the camp and the refuge is discussed. Thereon, Gustavo Artigas' Las reglas del juego / The Rules of the Game (2000 ‒ 2001) reveals that the limits of hospitality represent a matter of conditional admission and control (border) or of adaptation to others (threshold). Also, ATSA's État d'Urgence (1998 ‒ 2010) allows to examine hospitality under the paradigm of social inclusion. From this angle, welcoming becomes synonymous either with taking a population aside from an oppressive regime (camp), or with a refusal to collaborate with the regime from the inside (refuge). In short, the dialogue between scholarly literature and participatory art uncovers the power relations that define hospitality, its opportunistic goals and its ambiguous effects.
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Aporie du second degré : la forme à la quête d'une nouvelle autonomie : réflexions sur le rôle et le statut de la discursivité théorique dans l'art contemporain de la fin des années soixante à nos jours / Aporia of the second degree : the form in search of a new autonomy : reflections on the role and the status of theoretical discourse in contemporary art since the late sixties to the presentSarcevic, Lara 08 November 2014 (has links)
Qu’elle soit le fait des artistes, des institutions muséales ou des acteurs économiques, désormais une nouvelle discursivité s’ajoute à la production critique traditionnelle des historiens, théoriciens et philosophes de l’art, et accompagne de manière quasi systématique les propositions plastiques des artistes contemporains. A cet accroissement discursif correspond aussi une démultiplication des fonctions du discours théorique qui se trouve parfois être utilisé comme le matériau plastique même des œuvres. Empreintes d’une plasticité toute singulière, les œuvres contemporaines étendent les possibles, au point de pouvoir se manifester sous n’importe quelle forme, voire de complètement disparaître. Cette extrême diversité résulte de l’adhésion à un nouveau principe artistique, le « second degré », ou l’auto-réflexivité de l’œuvre d’art, qui attribue à l'idée de l’œuvre une importance aussi grande qu'à la formulation matérielle de celle-ci. Ce qui est devenu indéterminé dans la forme plastique semble être compensé, en retour, par l'exigence d'une détermination conceptuelle accrue. Nous nous sommes attachés, dans notre recherche, à mettre en lumière l’origine du primat discursif dans la nouvelle situation paradigmatique des arts plastiques. Ne se limitant pas à la seule logique de médiation et de légitimation sociale des œuvres, la discursivité ouvre aussi un espace créatif et herméneutique nouveau impliquant le discours théorique comme geste créatif complémentaire à la forme plastique. / Whether by artists, museums or economic actors, now a new discursivity is added to the traditional critical production of historians, theoreticians and philosophers of art, and accompanies almost systematically the plastics works of contemporary artists. This discursive growth answers also to a proliferation of functions of the theoretical discourse, which is used, in some contemporary artistic practices, as the very plastic material of the work. Marked by a singular plasticity, contemporary art works extend the expressive possibilities to the point that the work can manifest itself in any form, and even completely disappear. This extreme diversity results from the adherence to a new artistic principle, the "second degree", or the self-reflexivity of the artwork, which attributes to the idea of the work, the same importance as its’ very material formulation. What became undetermined in the plastic form seems, in return, to be offset by the requirement for greater conceptual determination. We were committed, in our research, to highlight the origin of this discursive primacy in the new paradigmatic situation of visual arts. Not being limited only to the purpose of mediation and social legitimization of the art works, discursivity opens also a new creative and hermeneutic space, involving theoretical discourse as a creative act complementary to plastic form.
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Poésie de l'ADN : portraits audiovisuels poétiques de l'identité biologique et ésotérique de l’être humainFinck-Beccafico, Barbara 08 1900 (has links)
Le projet artistique Poésie de l’ADN prend source dans une démarche interdisciplinaire, en associant la programmation, la biotechnologie, la création sonore et visuelle, l’ésotérisme ainsi que l’art participatif et performatif. Ce mémoire passe en revue les différentes étapes de réflexion et création autour de ce projet, tout d’abord en le replaçant dans son contexte historique et artistique, à la fois au niveau du courant bioart, puis plus précisément dans l’utilisation de l’acide désoxyribonucléique1 (ADN) en arts. Nous verrons comment s’inscrit Poésie de l’ADN aux côtés des oeuvres d’art génétiques visuelles et sonores, ainsi que de portraiture, tout en présentant les influences artistiques et esthétiques qui inspirent mon travail. Ensuite, ce mémoire aborde trois questionnements qui sont au coeur du développement conceptuel de ce projet : 1) les tensions entre l’aléatoire et la subjectivité, c’est-à-dire la constante négociation entre le contrôle de l’artiste et l’autonomie de la machine; 2) l’interprétation des données afin d’établir la signification que l’on reçoit et apporte à la matière; 3) ainsi que les considérations bioéthiques que soulève ce projet. Puis, le mémoire détaille le processus technique et les outils utilisés, ainsi que le processus créatif au sein duquel l’approche ésotérique est fondamentale. Enfin, nous verrons l’impact des critères ADN sur les oeuvres, ainsi que les portraits qui en découlent. Poésie de l’ADN est un projet artistique qui réunit à la fois le développement d’une application dont l’algorithme et les paramétrages permettent de générer des matières audio-visuelles à partir de données ADN, ainsi que la composition de portraits, à travers l’interprétation artistique, ésotérique et humaine de cette matière, pour créer des vidéomusiques individuelles. / DNA Poetry is an artistic project rooted in an interdisciplinary approach, combining programming, biotechnology, sound and visual creation, esotericism as well as participatory and performative art. This thesis reviews the different stages of reflection and creation around this project, first of all by placing it in its historical and artistic context, first off within the bioart artistic movement, then more precisely within the use of deoxyribonucleic acid (DNA) in the arts. We'll see how DNA Poetry fits alongside visual and audio genetic artworks, as well as portraiture, while showcasing the artistic and aesthetic influences that inspire my work. Then, this thesis addresses three questions which are at the heart of the conceptual development of this project: 1) the tensions between algorithm and subjectivity, that is to say the constant negotiation between the artist's control and autonomy of the machine; 2) data interpretation, in order to establish meaning in what is received and brought to the material; 3) and finally the bioethical considerations raised by this project. Then, the thesis details the technical process and the tools used, as well as the creative process in which the esoteric approach is fundamental. Finally, we will see the impact of DNA data on the audio and visual outcome, as well as the portraits that result from them. DNA Poetry is an artistic project that brings together both the development of an application whose algorithm and mappings make it possible to generate audiovisual material from DNA data, as well as the composition of portraits, through the human, esoteric and artistic interpretation of this material, in order to create individual videomusic art pieces.
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