This research project is focused on the considerations of the separated people from art systems in artistic process. The inhabitants of the Arquipélago neighborhood located in the city of Porto Alegre, Brazil were addressed with PAPC (Artistic Practices of Community Participation) between 2014 and 2017. The argumentation constructed through this thesis is about PAPC established as work strategy and a community organization allowing collectively constructions, specifically, an artwork that involves all the contributions, knowledge and effort of the different groups and social networks of the community. Therefore, Colombian and Mexican PAPC and PAPCol (Artistic Practices of Community Collaboration) experiences, between 1978 and 2014, were presented. The Anthropocene notion is also considered, due to the visible and palpable actual climate change effects on the community contexts, allowing us to question the social function of art facing this contextual reality. The creation laboratories are described, and were carried out in three different educational centers located in La Pintada Island, which resulted in two events called “Noite das Lanternas Flutuantes” on December 16th of 2015 and “Vagalumes no Jacuí” on June 29th of 2016, and finally a third event with the community called “Mboitatá no río Jacuí” on December 18th of 2016 The methodological strategy carried out during the research development, consisted on a series of activities based on horizontal dialogical relationships between the artist and the community, allowing knowledge exchange and collective synergies through which an eventhappening was created as an artwork. The fieldwork evidenced the need for the artist to develop an availability condition to know about the different historical, social, economic, political, cultural and environmental aspects characteristic of the community, through which the artist serves as facilitator on the development of network tissue and organizational processes which supported the realization of the event. In conclusion, the island community to whom the work was carried out, was able to consolidate interpersonal and group interaction relationships which allow them to establish cooperation networks, with a significant level of autonomy, to achieve the proposed objective and the availability to project action towards the future. / Este trabajo de investigación tiene como eje central una reflexión sobre la participación de personas distanciadas de los sistemas de arte en procesos artísticos. Son tratadas PAPC (Prácticas Artísticas de Participación Comunitaria) con habitantes del barrio Arquipélago en la ciudad de Porto Alegre, Brasil, entre los años 2014 y 2017. La argumentación que se trata de construir a lo largo de la tesis es que las PAPC se constituyen en una estrategia de trabajo y organización comunitaria que permite construir colectivamente, en este caso específico, una obra de arte que envuelve todos los aportes, conocimientos, esfuerzos de los distintos grupos y redes sociales que constituyen la comunidad. Para eso, se presentan algunas experiencias de PAPC y PAPCol (Prácticas Artísticas de participación Colaborativas) realizadas en Colombia y México entre los años de 1978 y 2014. Se aborda también la noción de Antropoceno, ya que en el contexto de la comunidad con la que se realiza el proyecto son visibles y palpables los efectos del cambio climático actual que nos lleva a plantearnos cuál es la función social del arte frente a estas realidades contextuales. Se describen los laboratorios de creación realizados en tres centros educativos distintos que están establecidos en la Isla de la Pintada, que resultaron en dos eventos acontecimientos intitulados “Noite das Lanternas Flutuantes” el 16 de diciembre del 2015 y “Vagalumes no Jacuí” el 29 de junio del 2016. Se trata finalmente un tercer evento acontecimiento realizado con la Comunidad, intitulado: “Mboitatá no río Jacuí” el 18 de diciembre del 2016. La estrategia metodológica que se realizó para el desarrollo de la investigación consistió en la puesta en práctica de una serie de actividades basadas en relaciones dialógicas horizontales entre el artista y la comunidad, a través de las cuales se logra un intercambio de conocimientos y de sinergia que permiten la creación de un evento-acontecimiento como obra de arte. El trabajo de campo puso en evidencia la necesidad de que el artista desarrolle una condición de disponibilidad para conocer sobre los distintos aspectos históricos, sociales, económicos, políticos, culturales y ambientales característicos de la comunidad, a través de la cual el artista funge como facilitador en el desarrollo del tejido de redes y procesos organizativos para la realización del evento. Como conclusión se puede decir que la comunidad de las islas con las que se realizó el trabajo logró consolidar relaciones de interacción interpersonales y grupal que les permitió establecer redes de cooperación con un nivel de autonomía importante para lograr el objetivo propuesto y posiblemente para proyectar acciones hacia el futuro.

O pressuposto teórico dessa investigação é que a imagem constitui a célula ou singularidade que aciona as políticas cognitivas de subjetivação e alteridade. Por meio das práticas artísticas e da percepção estética, ela concede sentido ao corpo da educação pela arte. Isso posto, o objetivo teórico da pesquisa foi contribuir para a compreensão dos modos de produção da imagem nas poéticas contemporâneas nas artes visuais e seu papel na experiência estética, examinando sua relação e seus efeitos sobre os processos mediados pelo ensino da arte, a partir da prática de artistas educadores. Entende-se que esse seja um objeto que aborda um fenômeno de caráter contemporâneo, sobre o qual o pesquisador possui pouca ou nenhuma influência, o que justificou a utilização do método de estudo de caso. Para sua efetivação foi definido um ator chave, unidade de análise do estudo de caso. Definiu-se pelo foco no trabalho da pesquisadora, professora e artista contemporânea Lucimar Bello Frange, cuja trajetória destaca-se como referência no contexto artístico e educacional nos últimos 30 anos. A execução da pesquisa de campo foi guiada por três objetivos específicos, todos eles relacionados ao trabalho do ator chave, sendo eles: refletir sobre sua trajetória, no âmbito das poéticas contemporâneas, desde os anos 1990; compreender como a experiência da, e com a imagem se realiza; analisar como são ativadas as políticas cognitivas por meio da experiência com a imagem, com ênfase no projeto/performance intitulado \"Desenhos de Comer\". A pesquisa assumiu a perspectiva qualitativa e exploratória, suportada por três métodos considerados os mais adequados para abordagem do objeto: pesquisa documental, análise de entrevistas e observação direta participante. Desses métodos foram derivados procedimentos que produziram os dados que foram triangulados por meio de três categorias de pesquisa: prática artística, experiência da, e com a imagem, e, processos pedagógicos. A interpretação dos resultados permitiu organizar os resultados em 3 capítulos: no primeiro deles são discutidos os fundamentos teóricos e realizados diálogos com artistas contemporâneos, o que permitiu sustentar a pesquisa em termos de conceitos e linhas de pensamento; o segundo é dedicado à apresentação do procedimento metodológico utilizado para a execução da pesquisa; o último capítulo apresenta os resultados do estudo de caso e está subdividido em quatro sessões, que apresentam os resultados conforme cada método escolhido, para a seguir realizar o processo de triangulação. / The theoretical assumption of this investigation is that the image constitutes the cell or singularity that triggers the cognitive policies of subjectivation and otherness. Through artistic practices and aesthetic perception, it gives meaning to the body of education through art. Thus, the theoretical objective of the research was to contribute to the understanding of the modes of image production in contemporary poetics in the visual arts and its role in aesthetic experience, examining their relation and its effects on the processes mediated by the teaching of art, from the Practice of educating artists. It is understood that this is an object that addresses a phenomenon of contemporary character, about which the researcher has little or no influence, which justified the use of the case study method. For its effectiveness, a key actor, unit of analysis of the case study was defined. It was defined by the focus on the work of the researcher, teacher and contemporary artist Lucimar Bello Frange, whose trajectory stands out as a reference in the artistic and educational context in the last 30 years. The execution of the field research was guided by three specific objectives, all of them related to the work of the key actor: to reflect on his trajectory, in the context of contemporary poetics, since the 1990s; Understand how the experience of and with the image is realized; To analyze how cognitive policies are activated through experience with the image, with emphasis on the project / performance entitled \"Desenhos de Comer.\" The research assumed the qualitative and exploratory perspective, supported by three methods considered the most appropriate to approach the object: documentary research, analysis of interviews and participant direct observation. From these methods were derived procedures that produced the data that were triangulated through three categories of research: artistic practice, experience of and with the image, and, pedagogical processes. The interpretation of the results allowed us to organize the results into three chapters: the first one discusses the theoretical foundations and the dialogues with contemporary artists that allowed to support the research in terms of concepts and lines of thought; The second is dedicated to the presentation of the methodological procedure used for the execution of the research; The last chapter presents the results of the case study and is subdivided into four sessions, which present the results according to each chosen method, to carry out the triangulation process

Det här är en kvalitativ studie vars syfte är att synliggöra huruvida bild och designpraktiker kan skapa förutsättningar för mellanrumskunskaper som undersöker, leker och plockar upp meningar i ett icke-vetande. Syftet är också att synliggöra elevernas uppfattning av hur bild- och design praktiker skulle kunna vara demokratiserande som arbetsmetod för kunskapande. Jag har arbetat efter studiens frågeställningar: Hur synliggörs och värderas bild- och designämnet genom praktiskt skapande i kursen estetisk kommunikation av elever? På vilka sätt kan bild- och designpraktiker verka demokratiserande i elevernas egen uppfattning?Det empiriska materialet består utav lermonument och tillhörande dokumentationer genom “minnesanteckningar” som eleverna utfört genom att fotografera och reflektera kring några korta frågor som rör deras praktiska arbete. Empirin utgörs också utav två stycken gruppintervjuer med eleverna. Materialet är analyserat med hjälp utav kvalitativa och visuella metoder för att sortera och förstå materialet. Materialet förstås ur ett A/r/tografiskt perspektiv samt teoretiska begrepp som rör frågeställningarna som formuleras genom kunskapsfilosofi, socialsemiotik och estetiska lärprocesser. Bakgrunden till studien är det begränsade utbudet av bildämneskurser på landets gymnasieskolor och ett intresse att undersöka elevernas uppfattning om vad de tror att det har för användning av bildämnet. Jag intresserar mig för hur eleverna reflekterar kring bild- och designpraktiker under tiden de arbetar praktiskt. I analysen kommer jag fram till flera tematiker som elevernas värderingar kring bild- och designpraktikerna kan sorteras under. De teman som jag kommer fram till är elevernas värderingar av det visuella, elevernas värderingar av de praktiska samt samarbete och elevernas värderingar av den konceptuella idén. I studien framkommer det även att eleverna skapar mening och kunskapande genom det praktiska arbetet där minnesanteckningarna fungerar som instrument för deras reflektioner och formuleringar. Eleverna reflekterar och formulerar demokratiska aspekter, slutligen framkommer intressanta begrepp som eleverna använder när de formulerar sina praktiska arbeten så som känslor och konst som är en del utav ett värdefullt resultat.Arbetet har kommunicerats genom en uppsats och som en gestaltande del på Konstfacks vårutställning.

On appelle installation sonore une forme d'art multimédia dans laquelle l'accent est mis en particulier sur l’aspect sonore, sans pour autant ignorer toutes les autres composantes qui constituent l’installation. Bien qu’elle soit une forme classée parmi les arts plastiques, l’installation sonore se rapporte plutôt à l’art sonore. En effet, l’art sonore se caractérise par la prééminence de l’usage du son comme moyen d’expression et comme préoccupation artistique (le grand nombre de manifestations, de blogs et de festivals d’art sonore en témoignent). Parmi les pratiques expérimentales ayant trait à l’art sonore, une nette préférence va à l’installation sonore et il semblerait qu’elle devienne une forme d’art en soi. On peut s’interroger sur la possibilité d’envisager ceci de cette manière. Dans cette thèse, il faut comprendre l’installation sonore comme une pratique artistique hétérogène, interdisciplinaire, expérimentale et hybride, pratique qu’on retrouve dans l’installation artistique en général. Cependant, on peut constater que des préoccupations reviennent souvent : la visualisation du son, la perception de l’espace à travers le sonore, l’écoute et sa relation avec la position et le déplacement du corps de l’auditeur. Afin de contribuer à une plus grande compréhension d’une culture sonore contemporaine qui est largement partagée, le propos de cette thèse est d’étudier les divers domaines auxquels l’installation sonore appartient et ceci à partir de plusieurs points de vue : historique, esthétique, culturel et médiatique. / Sound installation is an inter media-based art form that draws particular attention to the component of sound, although not at the expense of its visual underpinnings. Considering that it is a form of art, sound installation refers to sound art, an area that requires separate recognition and independence among existing art forms, due to the use of sound as a means of expression as well as the current artistic preoccupation with it (as reflected in the growing number of sound art demonstrations, blogs and festivals).Among the different experimental practices within sound art, sound installation is clearly favored, thus it would appear that it is becoming an art form in itself. Could it be seen in this way? In this thesis, Sound Installation is viewed as a current art form connected to “Art installation”, a field with its own characteristics: heterogeneous, multi-disciplinary, experimental and hybrid. However, as a singular art form, it is a source of insight, which emerges repeatedly and is amplified by the exploration of both sound and sound perception; for example, sound imaging, the perception of space through sound, listening and its relationship to the position of the listener’s body in space. The purpose of this thesis is to approach the field in which Sound Installation belongs from different perspectives such as history, aesthetics, culture and media. With the question of how to conceptualize sound components always in mind, we intend to contribute to the understanding of an ever –growing contemporary culture of sound.

Submitted by LARA JATKOSKE LAZO (larajlazo@yahoo.com) on 2018-10-19T18:27:17Z No. of bitstreams: 1 Definitiva Texto Dissertação.pdf: 2169042 bytes, checksum: 0852a551f61bb30892f3ffa8cca26bd8 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Aparecida Puerta null (dripuerta@rc.unesp.br) on 2018-10-19T19:01:23Z (GMT) No. of bitstreams: 1 lazo_lj_me_rcla.pdf: 2013779 bytes, checksum: b66d1d28ea8901b028df045516b50452 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-10-19T19:01:23Z (GMT). No. of bitstreams: 1 lazo_lj_me_rcla.pdf: 2013779 bytes, checksum: b66d1d28ea8901b028df045516b50452 (MD5) Previous issue date: 2018-08-27 / A presente dissertação traz observações e elaborações teóricas da experiência de uma professora com a Literatura Clássica. Apresenta reflexões sobre a interseção entre leitura, escrita e práticas artísticas na formação e constituição do espaço subjetivo fronteiriço entre essas práticas, na formação do aluno adolescente leitor. De abordagem qualitativa, apresenta- se como uma pesquisa narrativa e autobiográfica (ARFUCH, 2002). A professora parte de observações ao longo de alguns anos de experiências realizadas em uma escola pública agrícola de período integral de um município de São Paulo. Das colocações discursivas, “Amo ler” e “Odeio ler", identificam-se três tipos de leitores: o que ama, o que odeia ler e o indiferente; dois níveis de leitura: o narrativo ("Tempo Relativo") e o atemporal ("Tempo Absoluto"), que se interligam pela "Ponte de Einstein-Rosen", processo pelo qual se dá a diluição e reconstituição do eu no ato de ler. Outras elaborações teóricas, que possibilitam outras relações do aluno com o ato de ler, também foram desenvolvidas. O'Sullivan et al., (2015) e Calvino (2007) embasam o porquê da proposta da Literatura Clássica. E a partir das ideias de Barthes (1987) e Proust (2003), observou-se que, e como, os espaços físico e psicológico influenciam o “espaço psicológico” da leitura. No âmbito artístico, com Chekhov (2015), na representação teatral, e Vigotski ([1999?]), na valorização do social, as práticas artísticas tornaram o contexto de ler um ambiente criativo de liberdade, de releitura e recriação da literatura e de si, em que a construção dialógica polifônica (BAKHTIN, 2015) assumiu destaque e potência. A pesquisa identificou elementos cognitivos, psicológicos, sociais e concretos importantes no processo de formação de alunos leitores adolescentes, e constatou a importância e a efetivação da leitura coletiva de clássicos na escola pública em que foi experimentada, a sua não efetivação nas práticas individuais e a importância das atividades artísticas no processo de ler. Valorizou-se a experiência do discurso num espaço enunciativo criativo. / The present dissertation brings one teacher’s theoretical observations and elaborations from experiencing Classic Literature. It is a compilation of reflections on the co-interactions among practices of reading, writing and artistic tasks, as well on their influence on adolescent-student-reader’s formation and constitution. Findings, obtained from qualitative approach, are presented as a narrative and autobiographical research (ARFUCH, 2002). Observations were conducted, experiences gathered over several years at a public agricultural school in Sao Paulo city (Brazil). Based on statement positions: "I love to read" and "I hate read", three types of readers were identified: “loves reading”, “hates reading” and “indifferent”. Adjacently defined two levels of reading: the narrative -"Relative Time" and the timeless and continuous time -"Absolute Time", which are interconnected by an "Einstein- Rosen Bridge”. This is a process by which the "I" is diluted and reconstituted in the act of reading. Other theoretical elaborations that enabled other student relations with the act of reading were also developed. O'Sullivan et al. (2015) e Calvino (2007) substantiate the proposal of Classical Literature reasoning. Barthes (1987) and Proust (2003) ideas supported observations of physical and psychological spaces influence on the reading "psychological space". Chekhov (2015)’s theatrical performance along with Vygotsky ([1999?])’s social valorization transformed the context of reading in a creative environment of freedom, of re- reading and re-creation of the “literature” and “self”. In this context the polyphonic dialogic construction (BAKHTIN, 2015) got emphasis and power. This research project identified important cognitive, psychological, social and concrete elements in the process of training adolescent students. It was verified the importance and the effectiveness of the collective reading of classics in the public school where the observation was conducted. Classics individual reading failed to deliver effectiveness reinforcing the importance of artistic activities in the reading process. Discourse experience was valued in a creative enunciate space, making representation also a reinvention.

This research project is focused on the considerations of the separated people from art systems in artistic process. The inhabitants of the Arquipélago neighborhood located in the city of Porto Alegre, Brazil were addressed with PAPC (Artistic Practices of Community Participation) between 2014 and 2017. The argumentation constructed through this thesis is about PAPC established as work strategy and a community organization allowing collectively constructions, specifically, an artwork that involves all the contributions, knowledge and effort of the different groups and social networks of the community. Therefore, Colombian and Mexican PAPC and PAPCol (Artistic Practices of Community Collaboration) experiences, between 1978 and 2014, were presented. The Anthropocene notion is also considered, due to the visible and palpable actual climate change effects on the community contexts, allowing us to question the social function of art facing this contextual reality. The creation laboratories are described, and were carried out in three different educational centers located in La Pintada Island, which resulted in two events called “Noite das Lanternas Flutuantes” on December 16th of 2015 and “Vagalumes no Jacuí” on June 29th of 2016, and finally a third event with the community called “Mboitatá no río Jacuí” on December 18th of 2016 The methodological strategy carried out during the research development, consisted on a series of activities based on horizontal dialogical relationships between the artist and the community, allowing knowledge exchange and collective synergies through which an eventhappening was created as an artwork. The fieldwork evidenced the need for the artist to develop an availability condition to know about the different historical, social, economic, political, cultural and environmental aspects characteristic of the community, through which the artist serves as facilitator on the development of network tissue and organizational processes which supported the realization of the event. In conclusion, the island community to whom the work was carried out, was able to consolidate interpersonal and group interaction relationships which allow them to establish cooperation networks, with a significant level of autonomy, to achieve the proposed objective and the availability to project action towards the future. / Este trabajo de investigación tiene como eje central una reflexión sobre la participación de personas distanciadas de los sistemas de arte en procesos artísticos. Son tratadas PAPC (Prácticas Artísticas de Participación Comunitaria) con habitantes del barrio Arquipélago en la ciudad de Porto Alegre, Brasil, entre los años 2014 y 2017. La argumentación que se trata de construir a lo largo de la tesis es que las PAPC se constituyen en una estrategia de trabajo y organización comunitaria que permite construir colectivamente, en este caso específico, una obra de arte que envuelve todos los aportes, conocimientos, esfuerzos de los distintos grupos y redes sociales que constituyen la comunidad. Para eso, se presentan algunas experiencias de PAPC y PAPCol (Prácticas Artísticas de participación Colaborativas) realizadas en Colombia y México entre los años de 1978 y 2014. Se aborda también la noción de Antropoceno, ya que en el contexto de la comunidad con la que se realiza el proyecto son visibles y palpables los efectos del cambio climático actual que nos lleva a plantearnos cuál es la función social del arte frente a estas realidades contextuales. Se describen los laboratorios de creación realizados en tres centros educativos distintos que están establecidos en la Isla de la Pintada, que resultaron en dos eventos acontecimientos intitulados “Noite das Lanternas Flutuantes” el 16 de diciembre del 2015 y “Vagalumes no Jacuí” el 29 de junio del 2016. Se trata finalmente un tercer evento acontecimiento realizado con la Comunidad, intitulado: “Mboitatá no río Jacuí” el 18 de diciembre del 2016. La estrategia metodológica que se realizó para el desarrollo de la investigación consistió en la puesta en práctica de una serie de actividades basadas en relaciones dialógicas horizontales entre el artista y la comunidad, a través de las cuales se logra un intercambio de conocimientos y de sinergia que permiten la creación de un evento-acontecimiento como obra de arte. El trabajo de campo puso en evidencia la necesidad de que el artista desarrolle una condición de disponibilidad para conocer sobre los distintos aspectos históricos, sociales, económicos, políticos, culturales y ambientales característicos de la comunidad, a través de la cual el artista funge como facilitador en el desarrollo del tejido de redes y procesos organizativos para la realización del evento. Como conclusión se puede decir que la comunidad de las islas con las que se realizó el trabajo logró consolidar relaciones de interacción interpersonales y grupal que les permitió establecer redes de cooperación con un nivel de autonomía importante para lograr el objetivo propuesto y posiblemente para proyectar acciones hacia el futuro.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tatiana.pdf: 7009154 bytes, checksum: b5507230d1f7a855054a4651643fba2b (MD5) Previous issue date: 2010-12-20 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / During the1960 s and 1970 s, the Museum of Contemporary Art of São Paulo (MAC/USP), directed by Prof. Walter Zanini worked as a space for experimentation of various artistic languages. Among the numerous activities carried out by the director Walter Zanini, was his participation in the International Conference of Museums and Collections of Modern Art in 1972, in Krakow, Poland, where he discussed the role of a museum and the permanent contact with various art institutions outside Brazil, promoting the production of video art when portable cameras were not yet commercially available in Brazil and, especially the various exhibitions that he encouraged and supported in the years of his administration, such as the JACs Jovem Arte Contemporânea (Young Contemporary Art). These series of exhibitions, remarkably the VI JAC in 1972, established a period of changes in the MAC/USP, where the director and teacher Walter Zanini, together with the artists and his students from ECA/USP, had the opportunity to collectively reflect upon the production processes developed in that space. Besides the VI JAC, other exhibitions such as Prospectiva 74 (Prospective, 1974), Poéticas Visuais (Visual Poetics, 1977) and 07/04/1972 Acontecimentos (Happenings, 1972) marked the 1970 s, especially at the MAC/USP, by an intense exploration of the multiple channels of communication technology. Art became a vehicle above its aesthetic function during the period of military dictatorship, and the institution became a reference place for artists from Latin America and Eastern Europe, as well as Europe and the United States. Outside Brazil, other museum directors also had been turning art institutions in experimentation laboratories, as was the case of the Swedish Pontus Hulten in Poetry Must Be Made By All (1969) and Utopians and Visionaries 1970-1981 (1971) and the Swiss Harald Szeemann in When Attitudes Become Form (1969). In order to bring up the current issues that relate to the availability of art institutions in rethinking and restructuring their businesses to receive processual artistic practices, we present some proposals from artists and curators which reflect the function of the museums today. The approach of the concept of white cube of Brian O Doherty was here opposed to the idea of a museum equipped to suit experimental art practices. Live Archive , place lab , other spaces as extensions of the museum and collaboration spaces are names that were developed upon the reflection and analysis of the artistic and curatorial processes presented in this work, and tend to redefine the role of art institutions. Among the practices addressed nowadays in Brazil we highlight the work carried out by Martin Grossmann, director of Centro Cultural São Paulo (CCSP), from 2006 to 2010, as well as the creation and coordination of the Permanent Forum: Museums: between public and private . Both spaces reflect an attempt to expand the concept of the museum as a laboratory of experiences, meetings, discussion and socialization of art / Durante as décadas de 1960 70, o Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP), sob a direção do prof. Walter Zanini, serviu de espaço para a experimentação de diversas linguagens artísticas. Entre as inúmeras atividades realizadas pelo diretor Walter Zanini, está a sua participação na Conferência Internacional de Museus e Coleções de Arte Moderna no Colóquio Brasileiro de História da Arte, em 1972, em Krakow, Polônia, onde debateu sobre a função de um museu; o contato permanente com diversas instituições de arte fora de nosso país; o incentivo na produção de videoarte num período em que ainda não havia câmeras portáteis disponíveis no mercado brasileiro e, sem dúvida, a série de exposições que incentivou e apoiou nos anos de sua gestão, destacando-se as JACs Jovem Arte Contemporânea . Esta série de exposições, principalmente a VI JAC, em 1972, funda um período de mudanças no MAC/USP, onde o diretor e professor Walter Zanini, os artistas e seus alunos da ECA/USP tiveram a oportunidade de refletir coletivamente os processos de produção desenvolvidos naquele espaço. Além da VI JAC e outras exposições como Prospectiva 74 (1974), Poéticas Visuais (1977) e 7/4/1972 Acontecimentos, a década de 1970 foi marcada, sobretudo no MAC/USP, por intensa exploração dos múltiplos canais de comunicação tecnológica. A arte transformou-se em um veículo acima de sua função estética durante o período da ditadura militar, e esta instituição se tornou um lugar de referência para artistas da América Latina e do Leste Europeu, assim como da Europa e dos Estados Unidos. Fora do Brasil, outros diretores e curadores de museus também estiveram transformando o espaço de instituições de arte em um laboratório de experimentações, como foi o caso do sueco Pontus Hulten em Poetry Must Be Made By All (1969) e Utopians e Visionaries 1970 1981 (1971), e do suíço Harald Szeemann em When Attitude Become Form (1969). No intuito de trazer para a atualidade questões que são referentes à disponibilidade de instituições de arte em repensarem e reestruturarem-se para receberem práticas artísticas processuais, apresentamos algumas propostas de artistas e de curadores refletindo a função do museu hoje. A abordagem do conceito de cubo branco de Brian O Doherty foi aqui contraposta à ideia de um museu equipado , que atende às práticas artísticas experimentais. Arquivo vivo , Lugar laboratório , Outros espaços como extensão do museu e Espaços de colaboração são denominações que foram desenvolvidas a partir da reflexão e análise dos processos artísticos e curatoriais presentes neste trabalho, e que tendem a redimensionar o papel que uma instituição de arte deveria desempenhar. Entre as práticas abordadas atualmente, no Brasil, ressaltamos o trabalho que foi desenvolvido no período de 2006 a 2010 pelo diretor do Centro Cultural São Paulo (CCSP), Martin Grossmann, bem como a criação e coordenação do Fórum Permanente: Museus de arte: entre o público e o privado , ambos, iniciativas que buscam ampliar o conceito de museu como laboratório de experiências, encontro, debate e socialização da arte

This research project is focused on the considerations of the separated people from art systems in artistic process. The inhabitants of the Arquipélago neighborhood located in the city of Porto Alegre, Brazil were addressed with PAPC (Artistic Practices of Community Participation) between 2014 and 2017. The argumentation constructed through this thesis is about PAPC established as work strategy and a community organization allowing collectively constructions, specifically, an artwork that involves all the contributions, knowledge and effort of the different groups and social networks of the community. Therefore, Colombian and Mexican PAPC and PAPCol (Artistic Practices of Community Collaboration) experiences, between 1978 and 2014, were presented. The Anthropocene notion is also considered, due to the visible and palpable actual climate change effects on the community contexts, allowing us to question the social function of art facing this contextual reality. The creation laboratories are described, and were carried out in three different educational centers located in La Pintada Island, which resulted in two events called “Noite das Lanternas Flutuantes” on December 16th of 2015 and “Vagalumes no Jacuí” on June 29th of 2016, and finally a third event with the community called “Mboitatá no río Jacuí” on December 18th of 2016 The methodological strategy carried out during the research development, consisted on a series of activities based on horizontal dialogical relationships between the artist and the community, allowing knowledge exchange and collective synergies through which an eventhappening was created as an artwork. The fieldwork evidenced the need for the artist to develop an availability condition to know about the different historical, social, economic, political, cultural and environmental aspects characteristic of the community, through which the artist serves as facilitator on the development of network tissue and organizational processes which supported the realization of the event. In conclusion, the island community to whom the work was carried out, was able to consolidate interpersonal and group interaction relationships which allow them to establish cooperation networks, with a significant level of autonomy, to achieve the proposed objective and the availability to project action towards the future. / Este trabajo de investigación tiene como eje central una reflexión sobre la participación de personas distanciadas de los sistemas de arte en procesos artísticos. Son tratadas PAPC (Prácticas Artísticas de Participación Comunitaria) con habitantes del barrio Arquipélago en la ciudad de Porto Alegre, Brasil, entre los años 2014 y 2017. La argumentación que se trata de construir a lo largo de la tesis es que las PAPC se constituyen en una estrategia de trabajo y organización comunitaria que permite construir colectivamente, en este caso específico, una obra de arte que envuelve todos los aportes, conocimientos, esfuerzos de los distintos grupos y redes sociales que constituyen la comunidad. Para eso, se presentan algunas experiencias de PAPC y PAPCol (Prácticas Artísticas de participación Colaborativas) realizadas en Colombia y México entre los años de 1978 y 2014. Se aborda también la noción de Antropoceno, ya que en el contexto de la comunidad con la que se realiza el proyecto son visibles y palpables los efectos del cambio climático actual que nos lleva a plantearnos cuál es la función social del arte frente a estas realidades contextuales. Se describen los laboratorios de creación realizados en tres centros educativos distintos que están establecidos en la Isla de la Pintada, que resultaron en dos eventos acontecimientos intitulados “Noite das Lanternas Flutuantes” el 16 de diciembre del 2015 y “Vagalumes no Jacuí” el 29 de junio del 2016. Se trata finalmente un tercer evento acontecimiento realizado con la Comunidad, intitulado: “Mboitatá no río Jacuí” el 18 de diciembre del 2016. La estrategia metodológica que se realizó para el desarrollo de la investigación consistió en la puesta en práctica de una serie de actividades basadas en relaciones dialógicas horizontales entre el artista y la comunidad, a través de las cuales se logra un intercambio de conocimientos y de sinergia que permiten la creación de un evento-acontecimiento como obra de arte. El trabajo de campo puso en evidencia la necesidad de que el artista desarrolle una condición de disponibilidad para conocer sobre los distintos aspectos históricos, sociales, económicos, políticos, culturales y ambientales característicos de la comunidad, a través de la cual el artista funge como facilitador en el desarrollo del tejido de redes y procesos organizativos para la realización del evento. Como conclusión se puede decir que la comunidad de las islas con las que se realizó el trabajo logró consolidar relaciones de interacción interpersonales y grupal que les permitió establecer redes de cooperación con un nivel de autonomía importante para lograr el objetivo propuesto y posiblemente para proyectar acciones hacia el futuro.

O pressuposto teórico dessa investigação é que a imagem constitui a célula ou singularidade que aciona as políticas cognitivas de subjetivação e alteridade. Por meio das práticas artísticas e da percepção estética, ela concede sentido ao corpo da educação pela arte. Isso posto, o objetivo teórico da pesquisa foi contribuir para a compreensão dos modos de produção da imagem nas poéticas contemporâneas nas artes visuais e seu papel na experiência estética, examinando sua relação e seus efeitos sobre os processos mediados pelo ensino da arte, a partir da prática de artistas educadores. Entende-se que esse seja um objeto que aborda um fenômeno de caráter contemporâneo, sobre o qual o pesquisador possui pouca ou nenhuma influência, o que justificou a utilização do método de estudo de caso. Para sua efetivação foi definido um ator chave, unidade de análise do estudo de caso. Definiu-se pelo foco no trabalho da pesquisadora, professora e artista contemporânea Lucimar Bello Frange, cuja trajetória destaca-se como referência no contexto artístico e educacional nos últimos 30 anos. A execução da pesquisa de campo foi guiada por três objetivos específicos, todos eles relacionados ao trabalho do ator chave, sendo eles: refletir sobre sua trajetória, no âmbito das poéticas contemporâneas, desde os anos 1990; compreender como a experiência da, e com a imagem se realiza; analisar como são ativadas as políticas cognitivas por meio da experiência com a imagem, com ênfase no projeto/performance intitulado \"Desenhos de Comer\". A pesquisa assumiu a perspectiva qualitativa e exploratória, suportada por três métodos considerados os mais adequados para abordagem do objeto: pesquisa documental, análise de entrevistas e observação direta participante. Desses métodos foram derivados procedimentos que produziram os dados que foram triangulados por meio de três categorias de pesquisa: prática artística, experiência da, e com a imagem, e, processos pedagógicos. A interpretação dos resultados permitiu organizar os resultados em 3 capítulos: no primeiro deles são discutidos os fundamentos teóricos e realizados diálogos com artistas contemporâneos, o que permitiu sustentar a pesquisa em termos de conceitos e linhas de pensamento; o segundo é dedicado à apresentação do procedimento metodológico utilizado para a execução da pesquisa; o último capítulo apresenta os resultados do estudo de caso e está subdividido em quatro sessões, que apresentam os resultados conforme cada método escolhido, para a seguir realizar o processo de triangulação. / The theoretical assumption of this investigation is that the image constitutes the cell or singularity that triggers the cognitive policies of subjectivation and otherness. Through artistic practices and aesthetic perception, it gives meaning to the body of education through art. Thus, the theoretical objective of the research was to contribute to the understanding of the modes of image production in contemporary poetics in the visual arts and its role in aesthetic experience, examining their relation and its effects on the processes mediated by the teaching of art, from the Practice of educating artists. It is understood that this is an object that addresses a phenomenon of contemporary character, about which the researcher has little or no influence, which justified the use of the case study method. For its effectiveness, a key actor, unit of analysis of the case study was defined. It was defined by the focus on the work of the researcher, teacher and contemporary artist Lucimar Bello Frange, whose trajectory stands out as a reference in the artistic and educational context in the last 30 years. The execution of the field research was guided by three specific objectives, all of them related to the work of the key actor: to reflect on his trajectory, in the context of contemporary poetics, since the 1990s; Understand how the experience of and with the image is realized; To analyze how cognitive policies are activated through experience with the image, with emphasis on the project / performance entitled \"Desenhos de Comer.\" The research assumed the qualitative and exploratory perspective, supported by three methods considered the most appropriate to approach the object: documentary research, analysis of interviews and participant direct observation. From these methods were derived procedures that produced the data that were triangulated through three categories of research: artistic practice, experience of and with the image, and, pedagogical processes. The interpretation of the results allowed us to organize the results into three chapters: the first one discusses the theoretical foundations and the dialogues with contemporary artists that allowed to support the research in terms of concepts and lines of thought; The second is dedicated to the presentation of the methodological procedure used for the execution of the research; The last chapter presents the results of the case study and is subdivided into four sessions, which present the results according to each chosen method, to carry out the triangulation process

A travers le parcours de dix rappeurs en France dans les années 2000, cette thèse se propose de renseigner des pratiques artistiques « critiques » ainsi que des pratiques d'engagement politique des artistes. Ce travail de recherche a été effectué à partir d'une enquête de terrain de six années mêlant des entretiens semi- directifs, des observations de type ethnographique, des recueils de données journalistiques et des analyses sociologiques d’œuvres. Il s'intéresse aux manières dont les processus de socialisation influencent les œuvres, les discours et les pratiques. Dans le cadre d'une sociologie de la critique, il cherche à identifier des discours et des manières de faire de la musique rap particulièrement contestataires. Il observe également les modes de valorisation et de mises en scène de ces postures singulières. Les pratiques d'engagement politique, qui voient les rappeurs impliquer leurs ressources artistiques, leurs ressources liées à leur notoriété ou leur individualité « anonyme » dans un travail conjoint avec certaines structures des mouvements sociaux et politiques, sont interrogées. En saisissant les nombreux enjeux qui résident dans l’émergence de ces activités artistiques, la thèse dresse un panorama des constructions sociales des pratiques des rappeurs tout en examinant les façons dont ils souhaitent, à leur tour, construire le social. L’ensemble de ces problématiques permet de proposer un regard sur les apports et les transformations d'une parole artistique et politique, historiquement et socialement située du côté des luttes de l'immigration et du postcolonialisme. / Through an examination of the trajectory of ten French rappers during the 2000s, the present PhD thesis aims to shed light on artists' « critical » artistic practices as well as on their practices of political commitment. The research for this thesis was carried out on the basis of a six-year field investigation, involving semi-structured interviews, ethnographic observation, assembling of data from the press and sociological analysis of works of art. It develops a particular interest for the ways in which socialisation processes influence works of art, discourses and practices. Within the framework of a sociology of critique, it aims to identify discourses and ways of producing rap music in which the protest element is particularly strong. It also observes the modes of valorisation and presenting of these singular attitudes. Practices of political commitment, where the rappers implicate their artistic ressources, their fame or their « anonymous » individuality in common work with certain structures of social and political movements, are examined. By grasping the manifold stakes involved in the emergence of these artistic activities, the thesis attempts to produce an overview of the social construction of the rappers' practices while at the same time it examines the ways in which they aim to construct the social. This set of questions enables us to develop an analysis of the contribution and the transformations of an artistic and political discourse, historically and socially anchored in the struggle postcolonial migrants and its political legacy.