Ces dix dernières années, de nombreux rapports et études comparatives ont mis en évidence l'impact des arts et de la culture sur le comportement des jeunes. La valeur de l'éducation artistique ainsi que son impact positif sur les élèves ont été étudiés, analysés et justifiés par des groupes de recherches, des organismes de direction et de gestion. Nous partons de ce constat pour essayer au travers de l'étude comparative des curricula relatifs à l'éducation artistique (arts plastiques et visuels) d'aller au-delà de la simple mise en parallèle entre les textes et les pratiques de chaque pays relatifs à cette matière pour tenter d'en dégager les points forts à travers une synthèse qui serait le reflet des enseignements positifs.L'étude a mis en valeur quelques points communs. Mais ce qui sera souligné est l'évolution différente de la conception des curricula scolaires. La spécialisation des enseignants libanais en matière d'arts plastiques diverge avec le cas français où les maîtres sont polyvalents à l'école élémentaire. Notre problématique consiste à explorer les raisons de cette évolution divergente dans la conception des textes officiels ainsi que dans la pratique malgré une histoire commune. Quels sont les facteurs qui expliquent cette évolution ? Résulte-t-elle a fortiori d'une divergence de conception de la politique culturelle ? / In the last 10 years, many reports and comparative studies highlighted the impact of art and culture on youth behavior. The value of art education and its positive impact on students have been studied, analyzed andjustified by research and management groups. Considering this fact, we will try, through a comparative study of curricula relative to art education (visual arts), togo beyond the simple putting in parallel texts and practice of each country and try to bring out key points through a synthesis that would be the reflection of positive teaching . The study showed sorne common points and underlined the different conception of school curricula. The specialization of Lebanese teachers in visual arts diverge with the French case where teachers are multi-purpose in elementary school. Our problem consisted in exploring the reasons of this divergent evolution in the conception of official texts and in practice despite a common history. What are the factors that could explain this evolution? Does it result all the more from a divergent conception of cultural policy?

Cette analyse chronologique permet de revoir la séquence des événements qui façonnent les programmes de formation et qui décrivent les tensions constantes entre la pratique artistique, la technique et la communication qui sont au coeur de la formation et de la pratique du design graphique. Dans un premier temps, cette recherche propose d'évaluer les caractéristiques de la formation en art publicitaire dans les écoles des Beaux-Arts et les écoles techniques du Québec depuis le début du xxe siècle. Ensuite, l'étude des rapports Parent et Rioux démontre que les bouleversements amenés par la Révolution tranquille transforment littéralement l'éducation artistique et technique par la création de nouvelles institutions. Enfin, à la lumière du développement des études collégiales et universitaires qui débutent a partir de 1969, comment évolue la profession et la formation en design graphique dans ce contexte?Cette contribution constitue une première analyse systématique sur l'historique de la formation en design graphique au Québec. Elle offre une vue d'ensemble sur les programmes et les discours d'institutions et de professionnels qui ont marqué l'histoire du design graphique au Québec.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

[néant] / [no summary]

La libre disposition de soi doit-elle accueillir des limites imposées par le Droit ? Une première approche, instinctive,est de répondre par la négative car le Droit n’aurait pas vocation à s’ingérer dans les rapports intimes que l’on entretient avec soi et qui ne concernent en conséquence pas la société. Il faut pourtant se rendre à l’évidence : le Droit est légitime à intervenir dans la libre disposition de soi car l’intimité est poreuse, et laisse passer entre ses mailles la présence d’autrui, ce qui autorise les pouvoirs publics à intervenir ponctuellement dans ce domaine a priori dédié à la vie privée. C’est à l’aune de l’ordre public que le législateur ou les juges déterminent si la libre disposition de soi peut s’épanouir sans danger pour autrui ou pour l’intérêt général. Cet ordre public, dans ses composantes classiques de direction et de protection, paraît néanmoins actuellement à la peine pour contenir les volontés individuelles qui s’expriment avec force conviction. Tant le juge que le législateur se sont en conséquence tournés vers un autre instrument juridique de nature à encadrer la libre disposition de soi. De facture plus récente, la dignité de la personne humaine vient soit protéger la libre disposition d’individus en situation de faiblesse ; soit au contraire limiter la libre disposition de soi, protégeant la personne contre son gré. La deuxième acception de la dignité est celle qui prédomine entre les mains du législateur et des juges, laissant la libre disposition de soi à la merci d’un instrument peu nuancé.Il faut donc rechercher un instrument juridique qui permette d’assurer la cohésion sociale sans pour autant éteindre les aspirations individuelles. C’est un équilibre particulièrement délicat à trouver en ce que ces deux objectifs sont le plus souvent diamétralement opposés. La recherche doit s’orienter vers l’ordre public car celui-ci est un concept éminemment évolutif. C’est un ordre public qui doit être de direction, eu égard aux faits qu’il accompagne, avec toute la fermeté requise, les individus dans la découverte des options qui leur sont les plus favorables et qu’il n’a pas vocation à protéger à tout prix la libre disposition de soi. Son adaptabilité aux circonstances de l’espèce est rendue possible grâce à l’application du principe de proportionnalité in concreto. Ce nouvel ordre public ne serait enfin qu’une coquille vide, sans l’objectif du Bien commun, qui permet de discriminer entre les usages licites et illicites de la libre disposition de soi. Encadrée par l’ordre public de direction de la personne, cette dernière peut s’exprimer sans verser dans des extrêmes dommageables à l’individu ou à la société. / Must free self-determination accept limits imposed by law? A first approach, instinctive, is to answer in the negative because the Law would not have vocation to interfere in the intimate relations that one maintains with oneself and which consequently does not concern the society. However, we must face the obvious: the law is legitimate to intervene in the free disposition of oneself because the intimacy is porous, and leaves between the meshes the presence of others, which authorizes the public authorities to intervene punctually in this area a priori dedicated to privacy. It is on the basis of public order that the legislator or judges determine whether free self-determination can flourish without danger for others or for the general interest. This public order, in its classical components ofleadership and protection, nevertheless appears to be struggling to contain the individual wishes that express themselves with conviction. Both the judge and the legislator have accordingly turned to another legal instrument ofa nature to regulate the free disposition of oneself. More recent, the dignity of the human person comes to protect thefree disposition of individuals in situation of weakness; or on the contrary, to limit the free disposition of oneself,protecting the person against his will. The second meaning of dignity is the one that predominates in the hands of thelegislator and the judges, leaving the free disposition of oneself at the mercy of a little nuanced instrument. We musttherefore look for a legal instrument that will ensure social cohesion without extinguishing individual aspirations. Itis a particularly delicate balance to find in that these two objectives are most often diametrically opposed. Research must be oriented towards public order because it is an eminently evolving concept. It is a public order that must beof direction, given the facts that it accompanies, with all the firmness required, individuals in the discovery of the options that are most favorable to them and that it is not intended to to protect at all costs the free disposition ofoneself. Its adaptability to the circumstances of the case is made possible by the application of the principle of proportionality in concreto. This new public order would finally be nothing but an empty shell, without the objectiveof the common good, which makes it possible to discriminate between the licit and unlawful uses of free self determination.Framed by the public order of direction of the person, the latter can express himself without endangering the individual or the society.

Ce mémoire de recherche en enseignement des arts porte sur l'identification de méthodes pédagogiques et de stratégies d'intervention qui aident les étudiants à mieux arrimer les savoir-faire liés à la pratique de la sérigraphie à une démarche de création plus ouverte. Le projet de recherche puise aux sources mêmes de mes expériences professionnelles en tant qu'artiste et pédagogue. L'objectif de cette exploration est d'améliorer mon enseignement de la sérigraphie auprès d'étudiants de premier cycle à l'université. Le cadre théorique sur lequel s'appuie la recherche est axé principalement sur deux concepts: d'une part, le paradigme apprentissage, centré sur l'étudiant et sur le rôle respectif des partenaires, l'enseignant et l'étudiant, dans la formation artistique, d'autre part, la création, concept priorisé dans mon enseignement de l'estampe. La recherche qualitative et l'approche heuristique sont les méthodes d'investigation utilisées pour effectuer ma recherche. Le cours de sérigraphie sert de terrain de recherche et la population ciblée est le groupe d'étudiants du cours de sérigraphie. Les outils de cueillette de données sont le journal de bord, la bande vidéographique, la photographie et les textes des étudiants. Les données recueillies ont été analysées qualitativement et la construction d'un arbre thématique a permis de retenir trois thèmes récurrents: l'engagement de l'étudiant, les besoins des étudiants et l'attitude de l'enseignant. Ces thèmes sont analysés de façon descriptive puis interprétative, accompagnés de citations provenant du journal de bord, des textes des étudiants ou de documents photographiques. En conclusion, ce mémoire identifie des modes d'intervention qui pourraient améliorer ma pratique de l'enseignement d'une discipline de l'estampe. Dans un plus large créneau, les résultats de cette recherche visent hypothétiquement l'amélioration de l'enseignement des arts au niveau universitaire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Paradigme apprentissage, Création, Estampe, Étudiant, Enseignement, Artiste et enseignant universitaire.

Ce mémoire présente une recherche exploratoire du processus créatif en pratique artistique multidisciplinaire. Il s'appuie principalement sur l'expérience personnelle de l'artiste chercheur engagé dans le processus créatif d'une oeuvre intitulée Poesia y Flamenco. Toutefois, la recherche s'insère dans un a priori théorique relié à l'interrogation d'un lien existant entre le geste créateur et les fonctions psychologiques de l'être humain. Ainsi les chemins de la création s'inscrivent dans ce cadre précis. A l'origine des motivations de cette recherche se trouve le sentiment qu'il existe des outils privilégiés à développer permettant une certaine poïétique appliquée et comme l'être humain a la capacité de créer des oeuvres artistiques, il semble opportun d'observer les composantes psychiques de l'être humain afin de comprendre le processus créatif. La typologie développée par Carl Gustav Jung en 1920 éclaire d'une certaine manière mon questionnement. Par sa description des types psychologiques, il a mis en exergue quatre dimensions: la pensée, le sentiment, la sensation et l'intuition. En effet, l'être humain est le seul capable à la fois de raisonner, de ressentir, de sentir et d'être doué d'intuition. L'objet de la création s'est construit avec cette notion en arrière-plan. L'artiste chercheur reconnaît dans cette typologie, un moyen d'aborder la création en l'optimisant par cette structure précise, mais ouverte. L'architectonique de Poesia y Flamenco s'est construite avec les matériaux métissés du flamenco, de la poésie et de la musique; principalement la guitare et les palmas. Ces choix ont été faits en fonction de mes motivations profondes de créer dont, entre autres, celui de communiquer et de toucher. Ce projet de recherche m'a permis d'observer attentivement et en profondeur la relation existante entre le créateur et le processus dans une situation réelle, celle de créer une oeuvre artistique multidisciplinaire. De ce rapport étroit, il en ressort manifestement une facilité à créer. En dépit des noeuds, des périodes de chaos toujours angoissantes pour le créateur, le travail est demeuré stimulant et inspirant. La prise de notes systématiques de la situation observée a été la principale forme de cueillette de données. Les résultats ouvrent la voie à des pistes vérificatives qui, par exemple, pourraient prendre la forme d'ateliers interactifs en création chorégraphique dans le cadre d'études universitaires. Les résultats de la recherche pourraient servir de cadre de référence pour les jeunes créateurs qui témoigneraient s'il y a lieu de l'apport constructif d'une connaissance des fonctions psychologiques. Cette source spécifique sur laquelle s'appuient mes réflexions peut possiblement conduire à un modèle personnel pragmatique de compréhension du processus créatif. Sans prétendre par cet éclairage nouveau, à la naissance d'une théorie générale explicative du processus créatif, cette recherche nous convie surtout à une compréhension approfondie du vécu d'un créateur chercheur explorant les éléments signifiants de la création. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Poésie, Flamenco, Processus créatif, Sensation, Sentiment, Pensée, Intuition.

Ce mémoire conçoit l'art comme rapport particulier au monde et mode de connaissance autre. Son objectif était de découvrir ce qui, dans la création comme dans la réception de l'oeuvre d'art, fait que nous sommes emportés ailleurs, que notre perception du monde s'en trouve ébranlée, et que son expérience provoque une transformation et un élargissement du sujet. Il visait à créer les conditions favorables à la réalisation d'un espace de liberté où nous pouvons enfin percevoir, éprouver, connaître le monde autrement. Liberté nécessitant une destruction et une reconstruction continuelle de soi: mouvement que produit le véritable rapport à l'altérité. Le premier chapitre ausculte quelques conditions artistiques essentielles à cette liberté telles qu'énoncées par le philosophe Theodor Adorno dans sa Théorie esthétique et auxquelles répondent certains artistes contemporains dans leurs pratiques artistiques respectives. Il circonscrit différents types de rapport à l'autre rendus possibles par l'art, notamment le rapport de l'art à la réalité empirique et à la rationalité, le processus de création de l'artiste ou l'artiste devant sa propre oeuvre, la confrontation acteur-spectateur, et la confrontation oeuvre-spectateur. La deuxième partie fait un retour sur la mise à l'épreuve scénique de cette réflexion. Elle relate, dans un premier temps, ses fondements, c'est-à-dire la praxis singulière des gens qui ont contribué à sa création, et donne un bref synopsis de la pièce créée. Elle expose, dans un deuxième temps, quelques méthodes de création utilisées au niveau de l'approche corporelle, musicale et symbolique, ainsi que les principes qui nous ont guidés et certaines problématiques soulevées par le processus. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art, Altérité, Rationalité, Mimésis, Création.

Tout objet a une histoire. Pourtant, nous regardons généralement les choses qui nous entourent comme si elles avaient toujours été là, telles qu'on les voit, hors du temps. Tout objet a une histoire qui peut, bien souvent, nous révéler beaucoup plus qu'il n'y paraît. Dans ce travail, nous nous proposons de faire l'analyse de deux objets de notre quotidien qui nous sont familiers et que nous regardons bien souvent sans les voir: la fenêtre et le journalisme. En remontant dans le temps, en allant observer comment la fenêtre d'architecture est devenue non seulement le lieu mais aussi l'origine du regard moderne, nous chercherons à retracer certains des paradigmes qui constituent notre « manière de voir » contemporaine. L'hypothèse est que la fenêtre, qui est née de la peinture renaissante, peut s'avérer un excellent révélateur pour réfléchir au journalisme contemporain. Le journalisme sera ainsi envisagé comme une fenêtre ouverte sur le monde. À la lumière de la peinture, nous établirons une relation entre la fenêtre, telle que le peintre et architecte italien Alberti en a fait l'esquisse, et la manière dont le journalisme cherche à nous faire voir la réalité. En nous inspirant fortement du travail de Gérard Wajcman, nous observerons comment le journalisme s'est institué au coeur des démocraties modernes comme un des lieux de représentation nécessaires à la constitution d'une société et comment il est venu, par le fait même, transformer notre rapport au monde. De la peinture renaissante à l'idéal d'objectivité et de transparence, ce mémoire s'efforcera de poser un regard original et sensible sur ces fenêtres à travers lesquelles « nous prenons des nouvelles du monde ». Si la fenêtre a institué le sujet moderne en regardeur, quel est le sujet dont témoigne aujourd'hui le journalisme? ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Journalisme, Fenêtre, Peinture, Objectivité, Transparence, Perspective, Cadre, Paysage, Histoire, Réalité, Modernité, Sujet.

Ce mémoire est composé en trois parties. Les deux premières présentent un récit hybride, entre le roman et la nouvelle. Il relate l'histoire d'une photographe qui, après avoir vu un homme de dos, dans un autobus, demeure hantée par son image et les réflexions qui ont été suscitées à sa vue. À travers son récit et ses notes de carnet -réflexions sur des enjeux soulevés par la pratique de la photographie -, une représentation du processus de création est développée, du germe de l'idée à la réalisation du projet artistique. La seconde partie de la création présente la réalisation de ce projet, c'est-à-dire une exposition imaginaire, sous forme de courts textes écrits par la photographe, dont le sujet est la vie de l'homme vu dans l'autobus. Ces textes sont accompagnés des descriptions des photographies utilisées par la photographe comme inspiration de départ. La troisième partie est elle-même divisée en trois chapitres, qui suivent la trajectoire d'une réflexion dont le point de départ pose philosophiquement la question de la perception en se fondant sur Die, une oeuvre du sculpteur américain Tony Smith. C'est en réfléchissant aux théories développées, entre autres, par Georges Didi-Huberman que finit par se poser la question de la représentation, qui est développée dans le second chapitre, et qui s'appuie sur Tank Man, une photographie de Jeff Widener. Concentrée sur l'image photographique en tant que représentation, la voix de l'auteure commence à prendre une plus grande autorité et à cibler des problématiques précises concernant le pouvoir de l'image. Dans le dernier chapitre, qui peut être lu comme une conclusion, l'auteure tente de prendre la mesure de son expérience d'écriture à travers la réflexion théorique. Le dialogue entre les niveaux expérimental et réflexif permet le développement d'une réflexion rigoureuse et lucide sur le processus de création dans le projet d'écriture. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Aveugle, Photographie, Perception, Représentation, Écriture.