Esta pesquisa tem como ponto central da discussão a relação existente entre a atuação e a iluminação cênica, direcionada para cenas em que, a partir da troca entre ator e profissionais da iluminação, é possível desenvolver situações cômicas. A particularidade dessas cenas é o envolvimento da iluminação como recurso de presentificação de um personagem na cena, possibilitada pelo jogo criado com o ator. A fim de desenvolver essa discussão, o autor divide o texto em três capítulos, sendo o primeiro um memorial sobre seu percurso artístico e seus processos criativos, possibilitando ao leitor se situar nos caminhos tomados pelo autor para a pesquisa. Em seguida, discute sobre possíveis relações existentes entre atuação e iluminação, apontando situações em que as duas estão diretamente relacionadas. Para finalizar, faz uma análise e comparação de duas cenas cômicas em que o jogo do ator com a iluminação sugere um personagem através da presentificação da iluminação em cena. Leva a discussão para a conclusão, onde propõe o termo Luz-personagem para definir o recurso da iluminação, sugerindo personagens em cena. / This research has as a central point of discussion the relationship between the action and the stage lighting, directed to scenes in which, from the exchange between actor and professional lighting, you can develop comic situations. The particularity of these scenes is the involvement of lighting as presentification feature a character in the scene, made possible by game created with the actor. In order to develop this discussion, the author divides the text into three chapters, the first being a memorial of his artistic career and his creative processes, enabling the reader to situate the paths taken by the author for the study. Then discusses possible relationship between performance and lighting, pointing situations where the two are directly related. Finally, an analysis and comparison of two comic scenes in which the actor play with the lighting suggests a character through presentification lighting on the scene. Leads the discussion to the conclusion, proposing the term light-character to set the lighting feature, suggesting characters in the scene. / Dissertação (Mestrado)

Esta dissertação de mestrado aborda dois espetáculos: “Moleque tão Grande Otelo” e “Água Suja”, em que ambos tiveram minha participação como produtora e atriz. O espetáculo “Moleque tão Grande Otelo” revela as questões étnico-raciais que envolvem a peça e permearam a vida do artista de mesmo nome. A peça processa como os acontecimentos da vida do ator Grande Otelo tiveram implicações em sua arte, os fatos que marcaram sua carreira e que são mostrados no espetáculo, por isso faz-se necessário articular: arte, vida, fantasia e realidade. Com intuito de desvendar o ator, faço referência a minha história enquanto atriz e a similaridade das raízes com as de Sebastião Bernardes de Souza Prata que se tornou para o mundo o Grande Otelo. Na encenação de “Água Suja”, expomos também memórias e vivências familiares e religiosas de um povo que transborda fé num espetáculo real, que acontece todos os anos, durante os meses de agosto em nossa região, mais especificamente na cidade de Romaria/MG. No caminho da criação de “Água Suja”, experienciamos a ação de pagar promessa e acreditar no milagre da santa, sendo essa experiência contada no espetáculo e investigada nesta dissertação. / This thesis addresses two spectacles: “Moleque tão Grande Otelo” and “Água Suja”, in which both have had my participation as producer and actress. The spectacle “Moleque tão Grande Otelo” reveals the racial-ethnic questions that surrounds the play and permeates the artist’s life whose name is the same. The play deals how the actor Grande Otelo life events’ had implied in his art, the facts that marked his career and they are shown at the spectacle, the reason why to articulate: art, life, fantasy and reality. Aiming to unveil the actor, I refer it to my history as an actress and the roots’ similarity to Sebastião Bernardes de Souza Prata, who became Grande Otelo to the world. In the staging of “Água Suja”, we also expose familial and religious memories and experiences of a people that overflow faith in a real spectacle, which takes place every year, in August, in our region, more specifically in Romaria – MG. While creating “Água Suja”, we experienced the act of keeping a promise and believing in the saint’s miracle, thus this experience is told in the spectacle and investigated in this study. / Dissertação (Mestrado)

O presente trabalho tem por objetivo identificar as singularidades do gesto de três obras coreográficas da Eduardo Severino Cia. de Dança, das quais participo: IN/Compatível? (2005), IN/Compatível (2016) e Tempostepegoquedelícia (2012). Esse estudo busca tornar visíveis os processos de criação e recriação desses espetáculos, bem como analisar suas diferenças poéticas/gestuais. Para tanto, faço uso dos estudos de Jorge Dubatti (2008) e de algumas perspectivas conceituais a respeito da poética e do gesto, tais como: Langer (1980), Dantas (1999), Louppe (2012), Passeron (1997), Dubatti (2016), Valery (2011), Godard ([2003]), Roquet (2013) e Nóbrega (2013). As micropoéticas e as macropoéticas presentes no trabalho de Dubatti apresentam os acontecimentos cênicos a cena a partir desses tópicos e conduzem as descrições dos espetáculos referidos cada espetáculo sob a ótica do humor com Alderti (1999) e Sampaio (2006). A inspiração metodológica mobiliza algumas noções vindas da etnografia em que observo, descrevo e reflito sobre essas criações no campo de criação. No que tange à análise comparativa dos registros audiovisuais, essa pesquisa tratou dos gestos ligados às práticas corporais, às relações e aos contextos sociais, dos inúmeros fatos que influenciam e nutrem nossos comportamentos corporais e coletivos. Em que as criações analisadas através do humor, ironia, crítica e sensualidade conseguem arejar, propor, fortalecer outras alternativas frente a normatividade do corpo, valendo-se de autoras que tratam de questões de gênero e sexualidade como Butler (2003), Preciado (2002, 2008), Bento (2003). / El presente trabajo tiene el objetivo identificar las singularidades del gesto de tres creaciones coreográficas de la Eduardo Severino Cia. de Dança, de las cuales el participo: IN/compatível? (2005), IN/Compatível (2016) y Tempostepegoquedelícia (2012). Ese estudio busca tornar visible los procesos de creación y recreación de eses espectáculos, así como analizar sus diferencias poéticas/gestuales. Para lo tanto, hago el uso de los estudios de Jorge Dubatti (2008) y de algunas perspectivas conceptuales al respeto de la poética y el gesto tales como: Langer (1980), Dantas (1999), Louppe (2012), Passeron (1997), Dubatti (2016), Valery (2011), Godard ([2003]), Roquet (2013) y Nóbrega (2013). Las micropoéticas y las macropoéticas presentes en la obra de Dubatti presentan los acontecimientos escénicos a partir de eses temas y conducen las descripciones de cada espectáculo sobre el punto de vista del humor con Alderti (1999), Sampaio (2006). La inspiración metodológica moviliza algunas nociones de la etnografía en que observo, reflejo y describo sobre esas creaciones en el campo de creación. En lo que toca al análisis comparativo de los registros audiovisuales, esa investigación ha tratado de los gestos ligados a las prácticas corporales, a las relaciones y a los contextos sociales, de los innumerables hechos que influencian y nutren nuestros comportamientos corporales y colectivos. Las creaciones analizadas a través del humor, crítica y sensualidad logran airear, proponer, fortalecer otras alternativas frente a la normatividad del cuerpo, valiéndose de autoras que tratan de cuestiones de género y sexualidad como Butler (2003), Preciado (2002, 2008), Bento (2003).

Este estudo apresenta traços cartográficos da dança em Porto Alegre, através de uma análise da mídia impressa. Partindo de duas propostas de estudo comparado de Jorge Dubatti, em “Cartografía Teatral”, recepção comparada e cartografia, foi realizada uma pesquisa sobre dança cênica, no jornal Zero Hora, considerando as matérias publicadas no ano de 2011, no Segundo Caderno e TV+Show, tendo como metodologia a análise de conteúdo. Conceitos de territorialidade, supraterritorialidade, cartografia, arquipoética e acontecimento teatral, de Jorge Dubatti; e campo, habitus e capital cultural, de Pierre Bourdieu, direcionam a análise do material. A pesquisa explora cinco categorias de análise: grupos/companhias, temática, arquipoéticas, capital cultural e bailarino. Em grupos/companhias, constata-se que as companhias nacionais e internacionais recebem maior destaque em relação a grupos locais. Em temáticas, o “corpo” é o tema mais coreografado no ano de 2011. Quanto a arquipoéticas, a dança contemporânea apresenta-se de forma predominante no cenário de propostas artísticas. O capital cultural verifica-se na sua capacidade para determinar espaços destinados às noticias sobre dança, aliado a outros fatores, como ineditismo e propostas alternativas. Em bailarino, o profissional figura nos textos jornalísticos como parte funcional da obra cênica, com pouco crédito sobre seu desempenho. Além da análise das categorias, realiza-se também um exame dos textos, considerando capas e matérias internas publicadas. A partir dos dados analisados, são propostas reflexões que buscam delinear traços de mapas possíveis da dança em Porto Alegre, tais como predominância de linguagens e de arquipoéticas, dentro de uma perspectiva supraterritorial. / Este estudio presenta trazos cartográficos de la danza, en Porto Alegre, a través de un análisis de la prensa escrita. A partir de dos propuestas de estudio comparado de Jorge Dubatti, en "Cartografía Teatral", recepción comparada y cartografía, fue realizada una investigación sobre danza escénica, en el periódico Zero Hora, considerando los artículos publicados en el año de 2011, en el Segundo Cuaderno y en el cuaderno TV+Show, utilizando como metodología el análisis de contenido. Conceptos de territorialidad, supraterritorialid, cartografía, archipoética y acontecimiento teatral, de Jorge Dubatti; y campo, habitus y capital cultural, de Pierre Bourdieu, orientan el análisis del material. La investigación explora cinco categorías de análisis: grupos/compañías, temática, archipoéticas, capital cultural y bailarin. En grupos/compañías se constata que las compañías nacionales e internacionales tienen mayor destaque en relación a los grupos locales. En temáticas el cuerpo es el tema más coreografado en el año de 2011. En relación a archipoéticas, la danza contemporánea se presenta de forma predominante en el abánico de propuestas artísticas. El capital cultural se verifica en su capacidad para determinar espacios destinados a las noticias sobre danza, junto com otros factores como originalidad y propuestas alternativas. En bailarin, el profesional aparece en los textos de la prensa escrita como parte funcional de la obra en escena, con poco crédito en relación a su desempeño. Además del análisis de las categorías, se realiza un examen de los textos, considerando portadas y artículos internos publicados. A partir de los datos analizados, se proponen reflexiones que buscan diseñar trazos de mapas posibles de la danza en Porto Alegre, tales como el predomínio de lenguajes y archipoéticas, dentro de una perspectiva supraterritorial.

Este estudo apresenta traços cartográficos da dança em Porto Alegre, através de uma análise da mídia impressa. Partindo de duas propostas de estudo comparado de Jorge Dubatti, em “Cartografía Teatral”, recepção comparada e cartografia, foi realizada uma pesquisa sobre dança cênica, no jornal Zero Hora, considerando as matérias publicadas no ano de 2011, no Segundo Caderno e TV+Show, tendo como metodologia a análise de conteúdo. Conceitos de territorialidade, supraterritorialidade, cartografia, arquipoética e acontecimento teatral, de Jorge Dubatti; e campo, habitus e capital cultural, de Pierre Bourdieu, direcionam a análise do material. A pesquisa explora cinco categorias de análise: grupos/companhias, temática, arquipoéticas, capital cultural e bailarino. Em grupos/companhias, constata-se que as companhias nacionais e internacionais recebem maior destaque em relação a grupos locais. Em temáticas, o “corpo” é o tema mais coreografado no ano de 2011. Quanto a arquipoéticas, a dança contemporânea apresenta-se de forma predominante no cenário de propostas artísticas. O capital cultural verifica-se na sua capacidade para determinar espaços destinados às noticias sobre dança, aliado a outros fatores, como ineditismo e propostas alternativas. Em bailarino, o profissional figura nos textos jornalísticos como parte funcional da obra cênica, com pouco crédito sobre seu desempenho. Além da análise das categorias, realiza-se também um exame dos textos, considerando capas e matérias internas publicadas. A partir dos dados analisados, são propostas reflexões que buscam delinear traços de mapas possíveis da dança em Porto Alegre, tais como predominância de linguagens e de arquipoéticas, dentro de uma perspectiva supraterritorial. / Este estudio presenta trazos cartográficos de la danza, en Porto Alegre, a través de un análisis de la prensa escrita. A partir de dos propuestas de estudio comparado de Jorge Dubatti, en "Cartografía Teatral", recepción comparada y cartografía, fue realizada una investigación sobre danza escénica, en el periódico Zero Hora, considerando los artículos publicados en el año de 2011, en el Segundo Cuaderno y en el cuaderno TV+Show, utilizando como metodología el análisis de contenido. Conceptos de territorialidad, supraterritorialid, cartografía, archipoética y acontecimiento teatral, de Jorge Dubatti; y campo, habitus y capital cultural, de Pierre Bourdieu, orientan el análisis del material. La investigación explora cinco categorías de análisis: grupos/compañías, temática, archipoéticas, capital cultural y bailarin. En grupos/compañías se constata que las compañías nacionales e internacionales tienen mayor destaque en relación a los grupos locales. En temáticas el cuerpo es el tema más coreografado en el año de 2011. En relación a archipoéticas, la danza contemporánea se presenta de forma predominante en el abánico de propuestas artísticas. El capital cultural se verifica en su capacidad para determinar espacios destinados a las noticias sobre danza, junto com otros factores como originalidad y propuestas alternativas. En bailarin, el profesional aparece en los textos de la prensa escrita como parte funcional de la obra en escena, con poco crédito en relación a su desempeño. Además del análisis de las categorías, se realiza un examen de los textos, considerando portadas y artículos internos publicados. A partir de los datos analizados, se proponen reflexiones que buscan diseñar trazos de mapas posibles de la danza en Porto Alegre, tales como el predomínio de lenguajes y archipoéticas, dentro de una perspectiva supraterritorial.

Orientador: Cassia Navas Alves de Castro / Acompanha 2 DVD-R: Celia Gouvea e Sonia Mota. / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T16:38:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Geraldi_SilviaMaria_D.pdf: 2308557 bytes, checksum: dcdf2a268a48eafa5e180b2f1934b55c (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Essa pesquisa teve como finalidades principais: a reconstituição e registro documental da produção realizada pelas coreógrafas paulistanas Célia Gouvêa e Sônia Mota durante as décadas de 70 e 80; a apreciação dessa produção de modo a refletir sobre as raízes da teatralidade na dança cênica do período. A fim de alcançar-se uma compreensão das vias de teatralização utilizadas por cada artista, buscou-se reconhecer em seus espetáculos quais foram os modos de gestão da corporeidade dançante, as principais estratégias coreográficas empregadas e como foram manipulados os diferentes materiais cênicos. O recorte contextual escolhido para esse estudo vai de 1974 a 1993, demarcando dois momentos emblemáticos para a dança paulistana: a fundação do Teatro Galpão de São Paulo em dezembro de 1974; e a criação do MTD - Movimento Teatro-Dança 90 em 1993. A abordagem metodológica adotada foi de cunho qualitativo, valendo-se de depoimentos pessoais das coreógrafas e da reunião de documentos históricos de diversas espécies para realização das análises. Durante o processo de trabalho, buscou-se forjar instrumentos adequados à sistematização dos dados da pesquisa, resultando na elaboração de três categorias de análise: corpo cênico, princípios estruturais, estruturação da linguagem. A partir da definição de tais categorias, pôde-se realizar a apreciação da produção individual de cada criadora, bem como um estudo final comparativo de seus modos de produção cênicos, buscando-se capturar elementos elucidativos das tendências teatralizantes presentes nas danças de Célia Gouvêa e Sônia Mota. / Abstract: The main objectives of this study were: the reconstitution and documented registry of the production by São Paulo choreographers Célia Gouvêa and Sônia Mota in the 1970s and 1980s; an appreciation of this production to reflect on the roots of theatricality in scenic dance during that period. In order to understand the theatricality pathways used by each artist, an attempt was made to recognize the forms of dance corporeity management, the main choreographic strategies employed and how the different scenic materials were manipulated in their work. The contextual period chosen for this study goes from 1974 to 1993, delimiting two emblematic moments for São Paulo dance: the foundation of São Paulo's Teatro Galpão in December 1974; and the creation of the MTD - Theater-Dance Movement 90 in 1993. A qualitative methodological approach was adopted, making use of personal testimony from the choreographers and the gathering of several kinds of historical documents for analysis. Throughout the entire process, an attempt was made to forge appropriate instruments for the systematization of research data, resulting in the elaboration of three categories of analysis: scenic body, structural principles and language structuring. From the definition of these categories, it was possible to analyze the individual production of each creator, as well as make a final comparative study of their scenic productions, seeking to capture elucidative elements of theatrical trends present in the dances of Célia Gouvêa and Sônia Mota. / Doutorado / Doutor em Artes

Submitted by Cássia Santos (cassia.bcufg@gmail.com) on 2017-07-10T11:25:32Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Kemuel Kesley Ferreira dos Santos - 2017.pdf: 4826310 bytes, checksum: c4a950407440709a2b0b32e426350fb3 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2017-07-10T11:32:35Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Kemuel Kesley Ferreira dos Santos - 2017.pdf: 4826310 bytes, checksum: c4a950407440709a2b0b32e426350fb3 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-10T11:32:36Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Kemuel Kesley Ferreira dos Santos - 2017.pdf: 4826310 bytes, checksum: c4a950407440709a2b0b32e426350fb3 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2017-03-31 / Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq / This recheach deals with concepts and aesthetic characteristics of Scenic Music for Percussion. This is a look at performative possibilities in the performance of the contemporary percussionist, with regard to scenic musical works. One of the objectives of the work was to present and discuss concepts related to Scenic Music for Percussion, with the intention of contributing to a conceptual and performative understanding. As a methodology, a bibliographical research was carried out that helped us to construct our conceptual positioning, having as analogous references some aesthetic currents of avant-garde art from the 20th century. The research also resulted in the presentation and discussion of the concepts of Martins (2015), Serale (2011), Huang (2011) and Hansen (2014) about the theme and we propose a list with different nomenclatures used by several authors to designate Scenic Music. In this way, we present our positioning regarding the conceptualization and characterization of Scenic Music for Percussion. Finally, an interpretative analysis of Frederic Rzewski's Lost and Found (1985) was carried out, taking account all the discussion prior to this analysis. / Este trabalho aborda conceitos e características estéticas da Música Cênica para Percussão. Trata-se de um olhar sobre possibilidades performativas na atuação do percussionista contemporâneo, no que diz respeito a obras cênico musicais. Um dos objetivos do trabalho foi o de expor e discutir conceitos referentes à Música Cênica para Percussão, com a intenção de contribuir para um entendimento conceitual e performativo. Como metodologia realizou-se uma pesquisa bibliográfica que nos auxiliou a construir o nosso posicionamento conceitual tendo como referenciais análogos algumas correntes estéticas da arte de vanguarda do séc. XX. A pesquisa também resultou na apresentação e discussão dos conceitos de Martins (2015), Serale (2011), Huang (2011) e Hansen (2014) sobre o tema. Foi criado uma lista com diferentes nomenclaturas usadas por diversos autores para designar a Música Cênica, o que nos possibilitou embasamento para nosso posicionamento quanto à conceituação e caracterização da Música Cênica para Percussão. Finalmente, foi realizada uma análise interpretativa da obra Lost and Found (1985) de Frederic Rzewski (1938-), levando-se em consideração toda a discussão anterior a esta análise.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2017-04-18T12:12:21Z No. of bitstreams: 1 jeffersondasilvapontes.pdf: 2144736 bytes, checksum: 3ee731f9ffea64a6582c7401e4538761 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2017-04-18T13:53:46Z (GMT) No. of bitstreams: 1 jeffersondasilvapontes.pdf: 2144736 bytes, checksum: 3ee731f9ffea64a6582c7401e4538761 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2017-04-18T13:54:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 jeffersondasilvapontes.pdf: 2144736 bytes, checksum: 3ee731f9ffea64a6582c7401e4538761 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-04-18T13:54:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 jeffersondasilvapontes.pdf: 2144736 bytes, checksum: 3ee731f9ffea64a6582c7401e4538761 (MD5) Previous issue date: 2017-02-21 / FAPEMIG - Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Minas Gerais / Se o livro 11 da Institutio oratoria de Quintiliano tem sido considerado como um dos mais completos manuais de performance forense na Roma antiga, o livro 6, ao apresentar as instruções para uma peroração bem-feita, curiosamente aproxima a ação do orador à ação do ator de teatro na sofisticada arte de manipular as emoções do auditório. Esta dissertação tem por objetivo mostrar que a tradução completa do primeiro capítulo do sexto livro evidenciou similaridades entre bons atores e bons oradores quanto aos objetivos, às técnicas, e à própria atuação, além de um vasto vocabulário comum entre as duas artes. Pretende-se, de igual modo, trazer à discussão, através da tradução do undécimo capítulo do primeiro livro, o projeto educacional de Quintiliano para formar aquele que seria o uir bonus dicendi peritus fornecendo aos alunos não apenas conhecimentos técnicos e teóricos da oratória, mas, sobretudo, aspectos morais e práticos da atuação forense que construirão o êthos do orador. Preocupado com a atuação dos oradores de seu tempo e, particularmente, com certo excesso de dramaticidade que constatava nos discursos públicos, Quintiliano inaugura uma formação diferenciada ao oferecer um professor para cada uma das etapas que constituem o percurso escolar do futuro orador. Concomitantemente à formação na escola do grammaticus, em que os oradores aprendem, através da leitura dos textos literários, preceitos técnicos da arte retórica, Quintiliano propõe como parte de sua educação oratória a observação do ator dramático, etapa de aprendizado, até onde se sabe, instituída e discutida apenas na Institutio, uma dimensão prática daquelas instruções ensinadas pelo grammaticus, as quais também serão úteis última etapa da formação: a escola do rhétor, onde aprenderão os preceitos da retórica através de tarefas que os auxiliarão a desenvolver sua eloquência. Almeja-se, também, demarcar as fronteiras da atuação forense amparada muitas vezes por princípios da atuação cênica, investigando as referências teatrais presentes nos capítulos traduzidos da Instituio oratoria, tendo em vista as múltiplas similaridades entre as duas artes, as quais nos permitem estabelecer relações entre o palco e o fórum, bem como entre orador e ator quando o que está em jogo, durante a narração de um caso, é a persuasão da plateia. / If the 11th book of Quintilians Institutio oratoria has been considered one of the most complete manuals of forensic performance in Ancient Rome, the sixth book, by presenting the instructions for a well-made peroration performance, curiously approximates the orators action to the theatrical actors action in the sophisticated art of manipulating emotions of the audience. This dissertation aims to show that the complete translation of the first chapter of the sixth book has pointed out similarities between good actors and good orators regarding their objectives, techniques and performance itself, as well as a vast common vocabulary between the two arts. It is also intended to bring to discussion, by means of first books eleventh chapter translation, Quintilians educational project to rear the man that would become a uir bonus dicendi peritus, providing the students not only with technical and theoretical knowledge of oratory, but, especially, moral and practical aspects of the forensic practice that will build the orators Œthos. Concerned about performance of the orators of his time and, particularly, about a certain excess of drama that he observed in public speeches, Quintilian pioneers a distinct schooling formation by offering a teacher for each of the stages that would constitute the educational background of the future orator. Concomitantly with the formation of the grammaticus in which the orators learn, by reading literary texts, technical precepts of the rhetorical art Quintilian proposes as part of his oratory education the observation of dramatic actor, the stage of learning, as far as it is known, instituted and discussed only in the Institutio, a practical dimension for those instructions that were taught by the grammaticus. In the rhetors school, they would learn the precepts of rhetoric from tasks that would help them to develop their eloquence. It is also desired to demarcate the limits of forensic practice, which is often supported by principles of scenic performance, by investigating the theatrical references that are present in the translated chapters from the Institutio oratoria, in view of the multiple similarities between the two arts, which allow us to establish relations between the stage and the forum, as well as between the orator and the actor when what is being considered, during the narration of a case, is the persuasion of the audience.

Submitted by Leda Lopes (ledacplopes@hotmail.com) on 2017-02-14T18:55:41Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) ABAMBAÉ TERRA DOS HOMENS - SABRINA MANZKE.pdf: 13547674 bytes, checksum: 3c6da6faa534303defed1ed49a2a16d6 (MD5) / Approved for entry into archive by Aline Batista (alinehb.ufpel@gmail.com) on 2017-02-16T20:46:52Z (GMT) No. of bitstreams: 2 ABAMBAÉ TERRA DOS HOMENS - SABRINA MANZKE.pdf: 13547674 bytes, checksum: 3c6da6faa534303defed1ed49a2a16d6 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Aline Batista (alinehb.ufpel@gmail.com) on 2017-02-16T20:47:37Z (GMT) No. of bitstreams: 2 ABAMBAÉ TERRA DOS HOMENS - SABRINA MANZKE.pdf: 13547674 bytes, checksum: 3c6da6faa534303defed1ed49a2a16d6 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-02-16T20:47:48Z (GMT). No. of bitstreams: 2 ABAMBAÉ TERRA DOS HOMENS - SABRINA MANZKE.pdf: 13547674 bytes, checksum: 3c6da6faa534303defed1ed49a2a16d6 (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2016-10-10 / Sem bolsa / O papel que a arte tem exercido no cotidiano tem possibilitado uma renovação na forma de pensar os objetos e as manifestações culturais. O fazer artístico possibilita um novo fazer cultural que tem fixado parte de sua preocupação na dimensão estética. Tem estado em evidência à contribuição cultural exercida por grupos artísticos que buscam na performance cênica apresentar diferentes manifestações populares e tradicionais. Este trabalho aborda a apropriação da corporeidade do samba de roda do Recôncavo Baiano realizada pela Abambaé Companhia de Danças Brasileiras, da cidade de Pelotas/RS. Expressão esta reconhecida como Patrimônio Cultural Imaterial do Brasil em 2004 e posteriormente, em 2005, como Obra Prima do Patrimônio Oral e Imaterial da Humanidade pela UNESCO. Com foco na corporeidade e na criação coreográfica enquanto (re)significação cultural, na maneira como os atores expressam seus sentimentos através da dança, e, a partir de uma pesquisa embasada nos métodos da antropologia da dança e da etnomusicologia, busquei compreender os elementos técnico-expressivos desta tradição centenária que permeia ritual, religiosidade e sociabilidade, e o processo pelo qual eles se transformam através da composição coreográfica para a cena. A partir deste estudo pode-se perceber a apropriação do samba de roda e as reinscrições a partir do corpo e da poética empregada pelos bailarinos, compondo assim a estética desejada pelo grupo. No caso específico da Abambaé se evidenciou que a companhia através do seu trabalho acaba por “criativamente, inventar” um novo Brasil. Com um entendimento e estética próprio, o Brasil da Abambaé, diverso e alegre e que o samba de roda está diretamente ligado a esta representação de Brasil que a companhia busca mostrar tanto em nível nacional como, e principalmente, internacional. / The role that art has played on everyday life has enabled a renovation concerning the way of thinking cultural objects and manifestations. The artistic doing enables a new cultural doing that has fixed part of its contribution on the aesthetical dimension. The cultural contribution provided by artistic groups that seek to present different popular and traditional manifestations through scenic performances has been in evidence. This work approaches the corporeity appropriation of the samba de roda from the Recôncavo Baiano carried out by the Abambaé Companhia de Danças Brasileiras in the city of Pelotas/RS. This expression was recognized as part of the Brazilian Non-material Cultural Patrimony in 2004 and later, in 2005, it was considered a Masterpiece of the Oral and Intangible Heritage of Humanity by the UNESCO. Focusing on the corporeity and choreographic creation as cultural (re)signification, on the way actors express their feelings through dancing, and through a research based on methods of the anthropology of dancing and ethnomusicology, I sought to understand the technical-expressive elements of this centenary tradition that permeates ritual, religion and sociability, and the process by which they are transformed by the choreographic composition for the scene. From this study, it is possible to perceive the appropriation of the samba de roda and the reinscriptions through the body and the poetic movement employed by the dancers, composing the aesthetic element desired by the group. Concerning the Abambaé, specifically, it was possible to perceive that the company “creatively, invents” a new Brazil through its work. With its own comprehension and aesthetics, the Brazil from the Abambaé is diverse and joyful, and the samba de roda is directly associated with this representation of Brazil that the company seeks to present on a national and mainly international level.

A presente pesquisa, de cunho teórico-prático, apresenta o registro dos procedimentos de preparação técnica e montagem do diretor e atores do Odin Teatret segundo a ótica da Antropologia Teatral e persegue as noções de presença cênica e autonomia do ator. A partir da vivência da tradição de seus atores e documentação realizada em campo sobre treinamento e criação por eles difundidos, são selecionadas, descritas e experimentadas técnicas aplicadas na preparação pré-expressiva e em uma composição cênica pessoal. Na revisão de literatura, estabelece o diálogo com a linhagem de diretores-pedagogos do século XX, como Stanislavski e Grotowski e com estudiosos e críticos da Antropologia Teatral. Na aproximação com o conceito de presença, traz Hans Ulrich Gumbrecht para introduzir as noções de dramaturgia usadas por Eugenio Barba. Os registros e análises se valem de pressupostos da pesquisa qualitativa por meio da autoetnografia para sua organização. A identificação dos procedimentos mapeia as aplicações atualizadas das tradições do Odin Teatret. Por fim evidencia o percurso de personalização dos estímulos, sua aplicação pedagógica e o processo de montagem de materiais na dramaturgia da atriz-pesquisadora. Por meio de seus agentes, a pesquisa permitiu apurar as noções que perseguia sobre o trabalho técnico e o processo de autonomia do ator / This research, of a theoretical-practical nature, introduces the register of the technical preparations\' proceedings and production of the Odin Teatret director and actors, from the viewpoint of the Theatre Anthropology, and it pursuits the notions of scenic presence and the actors\' autonomy. Based on the experience of its actors\' tradition, and on a documentation held in fieldwork, about training and creation widespread by them, applied techniques are selected, described and experimented in the pre-expressive preparation and in a personal-scenic composition. In the literature review, it establishes a dialogue with the lineage of directors-pedagogues from the 20th Century, such as Stanislavski and Grotowski, and with scholars and critics of the Theatre Anthropology. In the approximation of the presence concept, it brings Hans Ulrich Gumbrecht to introduce dramaturgy notions used by Eugenio Barba. The registers and analysis rely on assumptions of the qualitative research using autoethnography to its organization. The identification of the proceedings maps the updated applications of the Odin Teatret\'s traditions. Lastly, it evidences the course of stimuli personalization, its pedagogical application and the material production process in the actress-researcher\'s dramaturgy. By its agents, the research allowed to ascertain the notions it searched about the technical work and the actor\'s autonomy process