En la provincia de Alicante se han rodado más de 400 producciones cinematográficas de ficción. En este trabajo, se hace un inventario de estos rodajes y sus localizaciones, se analizan las causas por las qué Alicante, habiendo contado con este importante bagaje fílmico, variedad de paisajes, un clima excepcional, buenas comunicaciones, ha dejado pasar muchas oportunidades en cuanto a la creación de productos de turismo cinematográfico. También, a la falta de promoción de sus destinos vinculados a estos rodajes, que hubieran contribuido, sin duda, a posicionar una marca territorial aprovechando a su vez los recursos e identidad territorial. Además, con la inauguración de los estudios de Ciudad de la Luz, y una red de más de 20 film offices, no se ha logrado consolidar una industria cinematográfica de empresas y profesionales de la producción audiovisual. Esto, hubiera supuesto también, la creación de sinergias con otros sectores productivos, de ocio y de servicios. En esta investigación, se analizan las causas del porqué esto ha sucedido, y se establece una comparativa con el territorio de Almería. Además de la observación participativa y la consulta de fuentes primarias y secundarias, también se han realizado entrevistas semiestructuradas con agentes del sector audiovisual. Finalmente se hace una descripción de la oferta turística que ofrece la provincia de Alicante relacionada con los rodajes, estableciendo una serie de propuestas para la creación de futuras rutas.

Los estudios tradicionales sobre la música en el cine no han abordado de una forma exhaustiva la decisiva aportación de las músicas populares en la conformación de la música cinematográfica. El planteamiento de estos textos ha estado, en gran medida, condicionado por una visión cultural eurocentrista que intentaba vincular la música sinfónica del cine clásico norteamericano (un cine que aspiraba a una narración realista y a una consideración artística) con la tradición musical culta europea, sin valorar adecuadamente la importancia de otras manifestaciones musicales norteamericanas de raíz popular, más fantasiosas y más imprevisibles a nivel narrativo. En este sentido, la trayectoria profesional de los hermanos Marx se revela como un medio óptimo para estudiar estas influencias musicales. Así, antes de su debut cinematográfico con The Cocoanuts (1929), los Marx habían atesorado una experiencia de más de veinte años en los escenarios del vaudeville y de la comedia musical. Sin embargo, las investigaciones realizadas hasta ahora sobre el cine marxiano han priorizado la etapa más exitosa de nuestros protagonistas (a partir de A Night at the Opera, 1935), una etapa censurada por el código Hays y controlada desde la producción de la Metro Goldwyn Mayer, descuidando sus primeros films donde la influencia musical popular vaudevillesque es mucho más notoria. Además, estos estudios sólo han abordado los contenidos musicales de una forma tangencial (a modo de inventario), separándolos de su contexto expresivo, e infravalorándolos artísticamente (desde una perspectiva etnocéntrica) debido a su sentido cómico y popular. Desde esta perspectiva, el propósito de nuestro trabajo ha sido constatar (o refutar) la siguiente hipótesis: los hermanos Marx utilizan las músicas populares en su cine, integrándolas en la representación según los recursos expresivos propios del vaudeville y es necesario conocer estos recursos para comprender la verdadera función expresiva y significación de esas músicas. Para ello, tras una semblanza biográfico-artística (Gehring, Louvish y Marx), hemos realizado una revisión exhaustiva del contenido musical de los espectáculos de vaudeville presentados por los Marx antes de llegar al cine, relacionándolos con la práctica habitual de la época (Snyder y Lott). Igualmente, hemos investigado las temáticas y las músicas (incidiendo en los aspectos sociológicos de una época muy convulsa) propias del cine de la época (Altman), así como del teatro musical de Broadway (Bordman y Jones) en el que también trabajaron los Marx. Por último, hemos realizado un análisis exhaustivo, desde una perspectiva musical (pero también social y cultural), de las siete primeras películas de los hermanos Marx, constatando, así, la importancia de los contenidos musicales populares en la construcción del significado expresivo. Además, hemos advertido la utilización de estas músicas como una reivindicación de las raíces populares de la identidad cultural, frente a la irrupción de la tradición musical europea en el cine clásico norteamericano. / Sanjuan Mínguez, R. (2014). La música en el primer cine de los hermanos Marx [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/38861

O argumento cinematográfico para um filme de longa-metragem ficcional é tema central da presente dissertação. Para tal, foi realizada uma pesquisa baseada em dois eixos. O primeiro, o tema do filme (a relação entre os universos feminino e masculino na faixa de meia-idade no Brasil urbano contemporâneo); o segundo, a abordagem cinematográfica (representações da subjetividade no cinema). No século XX, enormes transformações colocaram a mulher em um novo lugar no tecido social. O homem contemporâneo viu seu lugar histórico ser abalado por essas transformações e ainda não se reposicionou. O descompasso entre feminino e masculino colocou num terreno de imensa dificuldade o relacionamento de casal, hoje pouco normatizado por regras sociais. Este tema é tratado em Joana do ponto de vista subjetivo da personagem principal. Na linguagem cinematográfica, a subjetividade, concebida como um nível específico da narração, compartilha com o espectador os olhos e ouvidos do personagem, e/ou o mergulho em sua mente. Algo para além do formal é necessário para que um filme expresse alto grau de subjetividade do personagem. Esta pesquisa examina alguns longa-metragens contemporâneos, localizando como é representada a subjetividade: o ponto de vista ótico, o comportamento do personagem, a expressão do mundo interno, a linguagem. É realizada uma incursão na literatura que compara o monólogo interior à voz dos pensamentos dos personagens no cinema e discrimina outras atividades mentais que no cinema podem ter outras representações além da palavra. As necessidades específicas de expressão dessa história, focalizada pela personagem principal, provoca a discussão sobre a forma da escrita do argumento e roteiro cinematográfico. São examinados textos de Sergei Eisenstein que tratam de estratégias para escrever roteiros, em que a emoção é privilegiada. Busca-se um formato específico para o argumento cinematográfico desta história. Circunscreve-se um campo de representações da subjetividade para o argumento em questão. Apresenta-se o argumento em seu sétimo tratamento. / Treatment for a fictional long-feature film is the central theme of the present dissertation. Research was conducted based on two axes: the first on film theme (the relation between middle-aged males and females living in urban areas of Brazil nowadays); the second on film language (representations of subjectivity in film). The 20th Century saw huge changes with women taking a new place in social life. As a result, contemporary men saw their historic place unsettled and have not yet repositioned themselves. The mismatch between the new male and female social positions brought great difficulties to relationships, which nowadays are regulated by very few social standards. This theme comes up in Joana through the main characters subjective point of view. In film language, subjectivity, conceived as a specific level of narration shares with the viewer the characters eyes and ears, and/or allows the viewer to get right inside the characters mind. Something beyond the merely formal is required for a film to express high levels of character subjectivity. This research examines some contemporary fiction films, analyzing how subjectivity is represented: the optical point-of-view, characters behavior, expressions of characters inner world, characters speech. A literature review compares inner monologue to how characters thoughts are depicted in film. It also discriminates between other mental activities that can be better expressed in film by different representations other than words. The specific expression needs of this story, based on the focal character, bring on the discussion of script and film treatment writing formats. Sergei Eisensteins writings dealing with screenwriting strategies to privilege emotion are examined. A specific format for the film treatment of this story is searched. A range of representation of subjectivity for this film treatment is defined. The seventh draft of the film treatment is presented.

São Paulo na década de 1920 passou por mudanças de natureza econômica, social, administrativa e cultural que transformaram sobremaneira os modos de percepção do tempo e do espaço de seus habitantes. Tais mudanças interferiram diretamente nos processos de interpretação e reelaboração dos signos que constituíam o repertório léxico-cultural daquela sociedade. O semblante da cidade ia se definindo apoiado, por um lado, nas influências socioculturais externas e num cenário urbano forjado à imagem e semelhança das grandes cidades européias e, por outro, numa sólida herança cultural advinda das nossas raízes coloniais. Ela se constituía em um espaço onde inúmeras etnias e vários grupos sociais conviviam, não sem tensões, imprimindo-lhe diferentes ritmos e temporalidades. Em meio a esse cenário caótico, fluido e transitório que constituía a cidade de São Paulo, entre as últimas décadas do século XIX e as primeiras do século XX, consolidou-se, juntamente com o início da industrialização, da implementação do comércio e do aparecimento de novos artefatos tecnológicos, um mercado consumidor em potencial. A consolidação desse mercado engendrou novas redes de sociabilidade, proporcionadas em grande medida pelo aparecimento de novos espaços públicos e pela implementação de novas tecnologias de lazer, especialmente o cinema. É nesse contexto que nos interessa estudar a relação entre a formação e consolidação do mercado cinematográfico na cidade de São Paulo, na década de 1920, e do aparato que constituía o negócio do cinema - as salas de exibição, os periódicos especializados, as críticas cinematográficas, as revistas sobre a vida das estrelas - e as mudanças ocorridas na vida cotidiana dos habitantes da cidade, configurando novas formas de sociabilidade, consumo e comportamentos; nos âmbitos público e privado / São Paulo passed in the 1920 for changes of economic, social, administrative and cultural character that greatly transformed the ways its inhabitants\' perception of time and space. Such changes had directly interfered in the processes of signs interpretation and reworking that constituted the lexical-cultural repertoire of that society. The city\'s air was defining itself supported, on the one hand, by the external sociocultural influences and an urban scene forged to the image and similarity of great European cities and, on the other hand, in a solid cultural inheritance stemming from our colonial roots. It was forging itself as a space where innumerable ethnies and some social groups coexisted, not without tensions, imposing different rhythms and temporalities. In this chaotic, fluid and transitory scenery that constituted São Paulo city from the last decades of the nineteenth century and the first decades of the twentieth century, a potential consumer market was consolidated, together with the beginning of industrialization, the implementation of commerce and the emergence of new technological devices. The consolidation of this production and consumption mass market produced new networks of sociability, made possible in great measure by the emergence of new public spaces and by the implementation of new leisure technologies, especially cinema. This is the context in which we are interested in studying the relationships between the formation and consolidation of the cinematographic market in São Paulo city, in the decade of 1920, and the apparatus that constituted the movies business -exhibition rooms, specialized periodic publications, cinematographic critiques, the magazines on the lives of movie stars - and the changes produced in the city inhabitants\' daily life, configuring new forms of sociability, consumption and behavior both in public and private domains

A partir del estudio de la filosofía del cine de Gilles Deleuze, y, principalmente, de sus dos libros sobre cine (“La imagen-movimiento” y “La imagen-tiempo”), el trabajo se propone profundizar, sobre todo, en la experiencia que, para el pensamiento, supone la “imagen-tiempo”. Luego de exponer la concepción del pensamiento de la “imagen-movimiento”, se analiza la génesis y problemática de la “imagen-tiempo”. Esto permite explicar la transición entre un paradigma y otro, la importancia de las formas “mixtas” en una visión no-historicista de los libros sobre cine de Deleuze, y cómo las cuestiones del “tópico” y la “videncia” son fundamentales para entender dilemas existenciales y éticos que pueden entenderse como parte de un diagnóstico de la modernidad. En el tercer capítulo, se abordan las implicancias que la presentación del tiempo (“la imagen-tiempo”) tiene sobre el pensamiento. En ese sentido, se profundizará en lo que Deleuze –apoyándose en Artaud– denomina como una “impotencia” del pensamiento, y se pondrán en relación las consideraciones de Agamben sobre el concepto de potencia y su co-pertenencia con el de impotencia. Luego, se interpretará la relación de esta “(im)potencia” con un “afuera en la imagen”, “afuera” que debe entenderse como un nuevo componente en la captura o relación con las imágenes que las estructuras del régimen de la “imagen-tiempo” llevan consigo. Por último, se explica que esta formulación del pensamiento implica, en realidad, más que una co-relación entre una “(im)potencia” y un “afuera en la imagen”; ya que la “(im)potencia” del pensamiento supone, también, una función de videncia, y, finalmente, una necesidad de creencia en el mundo o la vida. De esta forma, el trabajo se propone mostrar la complejidad de relaciones entre estos cuatro hitos conceptuales que determinarían lo específico de la experiencia de la “imagen-tiempo”: "impotencia", “afuera en la imagen”, "videncia", y "creencia". / Tesis

Muito além da delimitação de bordas para a ficção, o documentário, o filme-ensaio, o experimental e outros tantos, percebemos que há um amálgama entre esses territórios na linguagem audiovisual contemporânea. Esta pesquisa busca investigar espaços de hibridação, compreender suas aproximações e distanciamentos. Para isso, selecionamos como objetos de estudo dois filmes brasileiros, ambos dos diretores Karim Aïnouz e Marcelo Gomes: o curta documental Sertão de acrílico azul piscina (2004) e o longa ficcional Viajo porque preciso, volto porque te amo (2009). Na análise da tessitura narrativa das obras, pretendemos elaborar um espaço de intersecção, um entremeio narrativo a partir de suas camadas indexadoras, considerando a emissão e a produção das obras. Da mesma forma, na esfera da recepção discursiva, abordamos a necessidade da construção de um modo de leitura hibridizante, que dê conta das impressões e sensações percebidas pelo espectador em seu contato com esses filmes, compostos a partir de um entremeio, cujas fronteiras não podem ser delimitadas senão por um vasto espaço de intersecção. / Far beyond the delimitation of borders for fiction, documentary, essay film, experimental and so many, we realize that there is an amalgamation between these territories in contemporary audiovisual language. This research aims to investigate hybridization spaces, in order to understand their approximations and distances. With this purpose, we have selected as objects of study two Brazilian films, both directed by Karim Aïnouz and Marcelo Gomes: the documentary Sertão de acrílico azul piscina (2004) and the fiction I travel because I have to, I come back because I love you (Viajo porque preciso, volto porque te amo, 2009). In the analysis of the films narrative structure, we intend to elaborate a space of intersection, an intermediate narrative from its indexing layers, considering the emission and the production of the works. Similarly, in the sphere of discursive reception, we approach the need to construct a hybridized reading mode, sufficiency for the impressions and sensations perceived by the viewer in his or her contact with these films, composed of an intersection, which borders should not be bounded unless by a vast space of intersection.

São Paulo na década de 1920 passou por mudanças de natureza econômica, social, administrativa e cultural que transformaram sobremaneira os modos de percepção do tempo e do espaço de seus habitantes. Tais mudanças interferiram diretamente nos processos de interpretação e reelaboração dos signos que constituíam o repertório léxico-cultural daquela sociedade. O semblante da cidade ia se definindo apoiado, por um lado, nas influências socioculturais externas e num cenário urbano forjado à imagem e semelhança das grandes cidades européias e, por outro, numa sólida herança cultural advinda das nossas raízes coloniais. Ela se constituía em um espaço onde inúmeras etnias e vários grupos sociais conviviam, não sem tensões, imprimindo-lhe diferentes ritmos e temporalidades. Em meio a esse cenário caótico, fluido e transitório que constituía a cidade de São Paulo, entre as últimas décadas do século XIX e as primeiras do século XX, consolidou-se, juntamente com o início da industrialização, da implementação do comércio e do aparecimento de novos artefatos tecnológicos, um mercado consumidor em potencial. A consolidação desse mercado engendrou novas redes de sociabilidade, proporcionadas em grande medida pelo aparecimento de novos espaços públicos e pela implementação de novas tecnologias de lazer, especialmente o cinema. É nesse contexto que nos interessa estudar a relação entre a formação e consolidação do mercado cinematográfico na cidade de São Paulo, na década de 1920, e do aparato que constituía o negócio do cinema - as salas de exibição, os periódicos especializados, as críticas cinematográficas, as revistas sobre a vida das estrelas - e as mudanças ocorridas na vida cotidiana dos habitantes da cidade, configurando novas formas de sociabilidade, consumo e comportamentos; nos âmbitos público e privado / São Paulo passed in the 1920 for changes of economic, social, administrative and cultural character that greatly transformed the ways its inhabitants\' perception of time and space. Such changes had directly interfered in the processes of signs interpretation and reworking that constituted the lexical-cultural repertoire of that society. The city\'s air was defining itself supported, on the one hand, by the external sociocultural influences and an urban scene forged to the image and similarity of great European cities and, on the other hand, in a solid cultural inheritance stemming from our colonial roots. It was forging itself as a space where innumerable ethnies and some social groups coexisted, not without tensions, imposing different rhythms and temporalities. In this chaotic, fluid and transitory scenery that constituted São Paulo city from the last decades of the nineteenth century and the first decades of the twentieth century, a potential consumer market was consolidated, together with the beginning of industrialization, the implementation of commerce and the emergence of new technological devices. The consolidation of this production and consumption mass market produced new networks of sociability, made possible in great measure by the emergence of new public spaces and by the implementation of new leisure technologies, especially cinema. This is the context in which we are interested in studying the relationships between the formation and consolidation of the cinematographic market in São Paulo city, in the decade of 1920, and the apparatus that constituted the movies business -exhibition rooms, specialized periodic publications, cinematographic critiques, the magazines on the lives of movie stars - and the changes produced in the city inhabitants\' daily life, configuring new forms of sociability, consumption and behavior both in public and private domains

Submitted by Rosivalda Pereira (mrs.pereira@ufma.br) on 2017-08-10T14:42:55Z No. of bitstreams: 1 IgorNascimento.pdf: 6114466 bytes, checksum: 6d32a6f98d460521f80bd02e567afc17 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-08-10T14:42:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 IgorNascimento.pdf: 6114466 bytes, checksum: 6d32a6f98d460521f80bd02e567afc17 (MD5) Previous issue date: 2017-01-16 / Fundação de Amparo à Pesquisa e ao Desenvolvimento Científico e Tecnológico do Maranhão (FAPEMA) / Structuration of the creation process of the text of the play “The Three Thread Makers”. The theme is the artistic making of actresses-storytellers, the lace makers of bilro (a Brazilian kind of artisanal bobbin), the legends of the town of Raposa from the metropolitan area of São Luís-MA, and the three Moiras of Greek mythology: Atropos, Láquesis and Clotho. The process of creation took place through collaborative theater with the playwright present in the rehearsals, in the assembly process and in the presentations, with no hierarchies of functions between the professionals involved. This process lasted about three years, from 2012 to 2015, with its debut in March 2015. The study is divided into three chapters in which the process of costume making, weaving, cutting, sewing and adjusting are used as metaphors to signal each stage of the text making: the research, the construction of the fable, the treatment of the text and the changes in the text throughout rehearsals, assembly and presentation. Interdisciplinary research promotes a dialogue between cinema (script and editing) and theater, with a greater emphasis on dramaturgy, also covering acting, direction and set design. Then it is highlightened the figure of the playwright as a writer-rhapsode, who works with junctions and disjunctions of textual forms, and also - extending the concept coined by Sarrazac (1981) -, who writes on the basis of multiple informations, propositions and discoveries from the creation process. / A dissertação aqui apresentada tem como objetivo principal estruturar o processo de criação do texto do espetáculo As Três Fiandeiras. A obra tem como tema o fazer artístico de atrizes-contadoras de história, as rendeiras de Bilro, as lendas da cidade da Raposa pertencente à zona metropolitana de São Luís-MA e as três Moiras da mitologia grega: Átropos, Láquesis e Cloto. O processo de criação se deu por via do teatro colaborativo com o dramaturgo presente nos ensaios, no processo de montagem e nas apresentações, não havendo hierarquias das funções entre o profissionais envolvidos. Esse processo durou cerca de três anos, de 2012 até 2015, com estreia em março de 2015. O estudo se divide em três capítulos nos quais o processo de confecção da roupa, a tecelagem, o corte, a costura e o ajustes são utilizados como metáforas para sinalizar cada etapa da confecção do texto: a pesquisa, a construção da fábula, o tratamento do texto e as mudanças do texto ao longo dos ensaios, montagem e apresentação. A pesquisa interdisciplinar promove um diálogo entre o cinema (roteiro e montagem) e o teatro, com tônica maior na dramaturgia, abrangendo também a atuação, a direção e a cenografia. Destaca-se então a figura do dramaturgo como escritor-rapsodo, que trabalha com junções e disjunções de formas textuais e, também - estendendo o conceito cunhado por Sarrazac (1981) -, que escreve a partir de múltiplas informações, proposições e descobertas provindas do processo de criação.

Submitted by Nathalya Silva (nathyjf033@gmail.com) on 2017-06-06T18:04:17Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CinemaEducacaoTransitos.pdf: 1712104 bytes, checksum: 5f3fd6bec14ad18393fff89dfb4a9a2a (MD5) / Approved for entry into archive by Edisangela Bastos (edisangela@ufpa.br) on 2017-06-09T16:45:14Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CinemaEducacaoTransitos.pdf: 1712104 bytes, checksum: 5f3fd6bec14ad18393fff89dfb4a9a2a (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-09T16:45:14Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Dissertacao_CinemaEducacaoTransitos.pdf: 1712104 bytes, checksum: 5f3fd6bec14ad18393fff89dfb4a9a2a (MD5) Previous issue date: 2016-06-16 / Esta pesquisa teve como objetivo fazer o estudo da concepção musical de videoaulas a partir dos usos musicais do cinema, utilizando-se como referência principal os conhecimentos de Michel Chion, por meio das obras “A audiovisão” (2011) e “La música en el cine” (2014). Embasaram também este estudo, no que se refere: à estrutura da linguagem cinematográfica, Martin (2013) e Mascelli (2010); à semiótica discursiva, Barros (2005) e Souza (2015, 2008, 2006); à arte e educação, Duarte (2000); à educação a distância, Litto (2010), Santos, Fassbender e Evangelista (2015) e Moran (2002); à videoaula, Santos, Fassbender e Evangelista (2015), Moran (1995, 2009, 2015), Anderson e Dron (2011, tradução 2012), Mattar (2014), Filatro (2009), Silva (2015), Spanhol e Spanhol (2009), Vargas, Rocha e Freire (2007). A presente pesquisa se justificou pela mudança que vem ocorrendo no âmbito da educação, fortemente influenciada e dinamizada pelas tecnologias da informação e da comunicação, e ainda pela necessidade de unir a estética à educação, em busca de processos de ensino-aprendizagem que considerem as particularidades humanas, incluindo a dimensão do sentir nesse processo. Para a análise realizada foi utilizado o percurso gerativo de sentido, conforme a semiótica discursiva, e dois instrumentos criados pela pesquisadora que foram o Mapa sonoro/musical e a Lista sintética dos usos musicais. O Mapa sonoro/musical procurou identificar de um modo geral o discurso e questões didáticas, e de um modo específico, aspectos musicais como a questão das dominantes sonoras, dos usos musicais e dos pontos de utilização e sincronização da música na produção de sentido. Na Lista sintética dos usos musicais foram apresentados os usos musicais segundo Chion, a descrição e a exemplificação respectiva, inclusive com indicação de links na internet. Também para auxílio na análise foi definida uma tipologia de videoaulas em que foram identificadas semelhanças nas estruturas das videoaulas disponíveis na internet, chegando-se à seguinte classificação: videoaula informativa/ instrutiva, videoaula educativa modelo presencial e videoaula educativa com recursos de pós-produção. Mediante esses conhecimentos buscou-se esclarecer a questão de “Como a música pode ser utilizada na concepção de videoaulas, a partir dos seus usos no cinema?”. Percebeu-se após as análises que a presença da música varia conforme o tipo de videoaula e o seu momento de utilização. Assim, nas videoaulas com maior variedade de recursos discursivos, como os tipos videoaula informativa/ instrutiva e videoaula educativa com recursos de pós-produção, notou-se maior presença da música para a materialização do discurso. Inversamente, nas videoaulas com menor variedade desses recursos, notou-se uma menor presença musical, como no tipo videoaula educativa modelo presencial. Quando a música é pensada na concepção da videoaula, de um modo geral, também é maior sua possibilidade de uso do que quando trabalhada na videoaula já gravada. Esses são processos de trabalho distintos, mas que deverão ter em vista o uso da música para reiteração e materialização do discurso. Os usos musicais mais frequentes foram: continuidade e fluência do filme; representação simbólica; continuidade e descontinuidade dos planos sonoros; sincronização; temporalização da imagem; coestruturação e coirrigação; e movimentação das imagens. Diante do exposto, concluiu-se que a música é um recurso pedagógico, um componente discursivo da videoaula que pode ser utilizado para a sua coestruturação e para questões audiovisuais fundamentais, possibilitando uma educação estética. / This research aims to study the musical conception of video lessons from the musical movie uses, using as main reference the knowledge of Michel Chion , through the works "The audiovision" (2011) and "La music en el cine" (2014). Also underlie this study, with regard to: the structure of film language, Martin (2013) e Mascelli (2010); the discursive semiotics, Barros (2005) e Souza (2015, 2008, 2006); the art and education, Duarte (2000); the distance education, Litto (2010), Santos, Fassbender e Evangelista (2015) e Moran (2002); the video lesson, Santos, Fassbender e Evangelista (2015), Moran (1995, 2009, 2015), Anderson e Dron (2011, tradução 2012), Mattar (2014), Filatro (2009), Silva (2015), Spanhol e Spanhol (2009), Vargas, Rocha e Freire (2007). This research may be justified by the change that occurred in education, strongly influenced and energized by information and communication technologies, and also the need to unite the aesthetic education in search of teaching- learning processes that consider the human particularities, including the size of the feeling within this process. For the analysis, the researcher used the generative course of meaning, as the discursive semiotics, and two instruments created by the researcher, the sound / musical map and synthetic list of musical uses. In general, the sound`s/music`s Map sought to identify its discourse and educational issues. In a specific way, musical aspects such as the question of sound dominant, the musical uses and points of use, and synchronization of music in the production of meaning. In the synthetic list of musical uses, the investigator presented musical uses second Chion, the description and their exemplification, including referral links on the internet. Also, the investigator aided in the analysis a set of video classes typology, where similarities were identified in the video classes of structures available on the internet, coming to the following classification: informative video lesson/instructional, educational video lesson classroom model and educational video lesson with post- production capabilities. Through this knowledge we sought to clarify the issue of "How music can be used in the design of video classes, from its uses in the movies”? After the analysis, the investigator noticed that the presence of music varies according to the type of video lesson and its time of use. Thus, in the video classes with greater variety of discursive resources, such as the types video lesson informative/instructive and educational video lesson with post-production resources, the investigator noticed a greater presence of music for the materialization of speech. Conversely, the video classes with less variety of these resources, there have been a minor musical presence, as the educational video lesson type classroom model. In general, when the music is designed in the design of video lesson, there ia also a greater possibility of use than when worked into video lesson already recorded. These are working processes differences, but that should be directed to the use of music for reiteration and materialization of speech. The most common musical uses were: continuity e movie streaming; symbolic representation; continuity and discontinuity of sound plans; synchronization; temporality of the image; coestruturação and coirrigação; and moving images. Given the above, the investigator concluded that music is an educational resource. Also, a discursive feature video lesson that can be used for its coestruturação and fundamental audiovisual issues, providing an aesthetic education.

Este trabalho apresenta o roteiro do longa-metragem Uma Bicicleta, Minha Mãe e Dois Cinemas, que aborda o cotidiano de uma família que mora e trabalha em um cinema de bairro em Curitiba. Paralelamente ao roteiro, foi desenvolvida uma pesquisa sobre a história dos cinemas de rua de Curitiba, privilegiando depoimentos de profissionais que trabalharam na atividade exibidora. Os relatos influenciaram o formato final da dramaturgia, fornecendo indicações para a criação de personagens e situações, delimitando ainda as épocas onde acontece a estória. O roteiro resulta, portanto, em um tratamento ficcional dos testemunhos obtidos, à medida do possível o mais próximo dos relatos obtidos. A dramaturgia é aplicada na transposição do relato para o universo ficcional. / This paper presents the script of the Uma Bicicleta, Minha Mãe e Dois Cinemas, which addresses the life of a family who lives and works in a cinema district in Curitiba. Parallel to the script, it was developed a research on the history of movie theaters of Curitiba, favoring testimony from professionals who worked in the exhibitor business. The reports influenced the final form of the drama, providing directions for creating characters and situations, limiting even the times where the story happens. The script is, therefore, a fictional treatment of the evidence obtained, the closest to the reports obtained. Dramaturgy is applied in the transposition of the report to the fictional universe.