Muito além da delimitação de bordas para a ficção, o documentário, o filme-ensaio, o experimental e outros tantos, percebemos que há um amálgama entre esses territórios na linguagem audiovisual contemporânea. Esta pesquisa busca investigar espaços de hibridação, compreender suas aproximações e distanciamentos. Para isso, selecionamos como objetos de estudo dois filmes brasileiros, ambos dos diretores Karim Aïnouz e Marcelo Gomes: o curta documental Sertão de acrílico azul piscina (2004) e o longa ficcional Viajo porque preciso, volto porque te amo (2009). Na análise da tessitura narrativa das obras, pretendemos elaborar um espaço de intersecção, um entremeio narrativo a partir de suas camadas indexadoras, considerando a emissão e a produção das obras. Da mesma forma, na esfera da recepção discursiva, abordamos a necessidade da construção de um modo de leitura hibridizante, que dê conta das impressões e sensações percebidas pelo espectador em seu contato com esses filmes, compostos a partir de um entremeio, cujas fronteiras não podem ser delimitadas senão por um vasto espaço de intersecção. / Far beyond the delimitation of borders for fiction, documentary, essay film, experimental and so many, we realize that there is an amalgamation between these territories in contemporary audiovisual language. This research aims to investigate hybridization spaces, in order to understand their approximations and distances. With this purpose, we have selected as objects of study two Brazilian films, both directed by Karim Aïnouz and Marcelo Gomes: the documentary Sertão de acrílico azul piscina (2004) and the fiction I travel because I have to, I come back because I love you (Viajo porque preciso, volto porque te amo, 2009). In the analysis of the films narrative structure, we intend to elaborate a space of intersection, an intermediate narrative from its indexing layers, considering the emission and the production of the works. Similarly, in the sphere of discursive reception, we approach the need to construct a hybridized reading mode, sufficiency for the impressions and sensations perceived by the viewer in his or her contact with these films, composed of an intersection, which borders should not be bounded unless by a vast space of intersection.

Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2017-09-05T17:53:10Z No. of bitstreams: 1 damianneaparecidadesampaio.pdf: 1772469 bytes, checksum: 99b986234b5cc6dec230e3e22a4ca3d8 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2017-09-06T11:33:40Z (GMT) No. of bitstreams: 1 damianneaparecidadesampaio.pdf: 1772469 bytes, checksum: 99b986234b5cc6dec230e3e22a4ca3d8 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2017-09-06T11:34:01Z (GMT) No. of bitstreams: 1 damianneaparecidadesampaio.pdf: 1772469 bytes, checksum: 99b986234b5cc6dec230e3e22a4ca3d8 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-06T11:34:01Z (GMT). No. of bitstreams: 1 damianneaparecidadesampaio.pdf: 1772469 bytes, checksum: 99b986234b5cc6dec230e3e22a4ca3d8 (MD5) Previous issue date: 2017-03-28 / Nesta pesquisa procuro pensar acerca de uma certa maneira de estar na escola. Nela é possível que mundos sejam criados a partir da forma como é habitada por aqueles que lhe conferem vitalidade. Tal potência existe a partir do que a escola cria em um momento presente, permeado pela existência de um passado que não cessa de ser. Para levar a diante esta reflexão sobre o estar na escola, procurei explorar as formas de ver o mundo. Assim, encontro a obra do cineasta Cao Guimarães e sua particular maneira de se relacionar com a realidade, de pensá-la e posicionar-se em relação a ela. O mergulho sobre esta cinematografia implica pensar alguns elementos que a constituem, como o tempo, que se torna plástico na imagem. Para pensar este elemento, as contribuições de André Bazin e Henri Bergson foram fundamentais. Os movimentos do pensar implicaram também considerar o estatuto poético das obras de Cao Guimarães, e nesse aspecto, os constructos de Octávio Paz foram de grande valia. A pesquisa perpassa por um momento cuidadoso de análise do filme A Alma do Osso (2004), do próprio Cao Guimarães. A escolha recaiu sobre este documentário por apresentar alguns elementos que permitem dizer algo sobre o estar na escola, mesmo que o filme não se faça nela ou diga, por si mesmo, algo sobre ela. Outras categorias presentes no filme, como a de suspensão, discutida por Maarten Simons e Jan Masschelein para pensar a própria escola permitiram estabelecer uma ponte entre o filme e os modos de habitar a escola; nesse mesmo sentido, é também destacada a ideia de atenção, que aqui ganha centralidade a partir destes autores e de Jorge Larrosa. Todos estes elementos e outros pensados ao longo da pesquisa, abrem a possibilidade de afirmar certa forma de estar na escola e permitem pensar sua potência em relação ao agora, em contraposição à ideia de futuro que hoje parece tê-la cativa. / I want on this research to think about a certain some way to be on the school. Worlds be created, on it, is possible starting of the form that it is inhabited for those who impart vitality to it. This potency exists starting from what the school creates in a present moment permeated for the existence of a past that does not ceases to be. To carry forward this reflection about certain “be on the school”, I tried to explore form to see the world. Thus, I find the work on the film-maker Cao Guimarães, and his particular way of relating to reality. The diving about this cinematograph implicates to think about some elements what constitute it, like the form to make starting from the reality and of the time that becomes plastic on the image. To think these elements, the contribution of André Bazin and Henri Bergson were fundamental. The movements of to think also implied to considerer his poetical statute some works of Cao Guimarães. And, on this aspect, the constructs of Octávio Paz were of great value. After this, the research passes through a careful moment of analysis of the movie A Alma do Osso (2004), of the Cao Guimarães. The choose fell on this documentary because it contains elements what allow us to say something about to be on the school, same the movie does not be made on it or says, for itself, something about it. Others categories present in the film, such the suspension discussed for Maarten Simons and Jan Masschelein; to think the school itself. They made it possible to establish a bridge between the film and the ways of inhabiting the school. In this sense, the idea of the attention, that here gains centrality starting from theses authors and too from Jorge Larrosa. All these and others elements thought during the research, open the possibility of affirming a certain form of to be on the school. And, allows to think a potency to the now, in counterpoint to an idea of future that today seems to have captivate it.

Orientador: Antonio Fernando da Conceição Passos / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-21T11:37:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Nicoli_LetiziaOsorio_M.pdf: 7661641 bytes, checksum: 633e4ac6e10ee40dc80b4429e94644ef (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: O presente trabalho se propõe a abordar a expressão da criança no documentário cinematográfico contemporâneo, a partir do estudo de caso do filme Promessas de um Novo Mundo (Promises), de B.Z. Goldberg e Justine Shapiro, lançado em 2001. Situando o documentário em um contexto de produção documental dedicada ao tema da criança, a pesquisa ressalta o modo particular como os realizadores do filme analisado concebem a criança como sujeito em seu trabalho e, consequentemente, compreendem e interpretam sua fala, respeitando suas aptidões mentais e intelectuais. Uma vez que o interesse do estudo se volta para a enunciação da criança, sua prontidão ao se manifestar sobre questões concretas ou abstratas, bem como a forma como interage com os outros e com o diretor durante as tomadas, são vistas sob a luz da teoria piagetiana e dos estudos sobre desenvolvimento moral de Kohlberg e Habermas. Com essas reflexões, espera-se demonstrar o diferencial que Promessas de um Novo Mundo estabelece ao apresentar o discurso da criança como tão complexo e coerente quanto o de qualquer sujeito-enunciador adulto / Abstract: The present dissertation approaches the child's expression in the contemporary cinematographic documentary, through the case study of de film Promessas de um Novo Mundo (Promises), by B.Z. Goldberg and Justine Shapiro, launched in 2001. By situating the film in a context of documentary productions dedicated to the theme of the child, this reseach emphasizes the very particular way in which the filmmakers, in this documentary, perceive the child as a subject in their work, and consequently understand and interpret its speech, respecting its mental and intelectual aptitudes. Since this study's interest is predominantly focussed on the child's enunciation, its promptness in manifesting itself on concrete and Abstract matters, as well as its interaction with others and with the diretor during the shooting, are analysed under the lights of piagetian theory and the studies of moral development by Kohlberg and Habermas. With these reflections, the dissertation expects to demonstrate the differential established by Promessas de um Novo Mundo in presenting the child's speech as being as complex and coherent as the one of any adult enunciating subject / Mestrado / Multimeios / Mestre em Multimeios

Orientador: Wescesláo Machado de Oliveira Junior / Título do DVD: As Lágrimas Amargas de Petra von Kant (FASSBINDER, 1972) / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-08-21T00:07:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Pinto_BeatrizSampaio_M.pdf: 5747897 bytes, checksum: 5524678613b5b0a9be5cee22e28ed9e9 (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: No filme "Lágrimas Amargas de Petra von Kant" (1972), do cineasta alemão Rainer Werner Fassbinder, o apartamento é um local narrativo mutante. As expectativas e os sentidos construídos pelo espectador serão deslocados pelos sentimentos de estabilidade e de instabilidade despertados pelo cenário. Interessa-nos a forma como a linguagem cinematográfica - associada intimamente ao teatro - transformará nossa referência espacial e nossa percepção narrativa. / Abstract: In the movie "Bitter Tears of Petra von Kant" (1972), the German filmmaker Rainer Werner Fassbinder, the apartment is a changing place narrative. Expectations and meanings constructed by the viewer will be moved by feelings of stability and instability awakened by the scenery. We are interested in how the cinematic language - closely associated with the theater - will transform our perception of spatial reference and narrative. / Mestrado / Educação, Conhecimento, Linguagem e Arte / Mestre em Educação

Orientador: Marcelo Ramos Lazzaratto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-26T18:33:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bordinhon_EduardoMoraes_M.pdf: 3845537 bytes, checksum: 82fb436c7a3c64c012d0ee44bed936d6 (MD5) Previous issue date: 2015 / Resumo: Essa dissertação teve como objetivo estudar os procedimentos técnicos que envolvem o trabalho a interpretação para cinema. Para isso, tivemos como objeto de pesquisa a filmografia do ator Marlon Brando (1924 ¿ 2004), com enfoque nos filmes "Uma Rua Chamada Pecado" (Elia Kazan, 1951), "Sindicato de Ladrões" (Elia Kazan, 1954), "A Face Oculta" (Marlon Brando, 1961), "O Grande Motim" (Lewis Milestone, 1962), "O Poderoso Chefão" (Francis Ford Coppola, 1972) e "Apocalipse Now" (Francis Ford Coppola, 1979). Verificamos, ao longo desses filmes, os procedimentos de construção de cena e personagens apoiados nos escritos de Stella Adler (2002) e Constantin Stanislavski (2001) sobre o trabalho do ator, com enfoque nas ações físicas no uso da imaginação e observação. Além disso, analisamos os temas e personagens recorrentes na filmografia de Brando identificando uma padronização de seu aparecimento na tela. Tal padrão está intimamente ligado à própria personalidade do ator e chega em duas figuras essenciais: o "jovem rebelde", presente nos filmes dos anos 1950 e caracterizado por sua postura contra o sistema vigente e o "padrinho", consolidado nas obras da década de 1970, marcado por sua relação de mentor de um personagem ou grupo de personagens. Para investigarmos essa padronização, utilizamos o conceito de ator-autor proposto por Patrick McGuiligan (1975) e desenvolvido por Luc Moullet (1993) e Pedro Maciel Guimarães (2012), com o qual se analisa a filmografia de um ator em busca de aspectos formais e temáticos que o possam nomeá-lo como co-autor de um filme / Abstract: This dissertation aim was studying the technical procedures of acting in cinema. In order to do this, we took as research material the filmography of the actor Marlon Brando (1924 ¿ 2004), focusing in the films "A Streetcar Named Desire" (Elia Kazan, 1951), "On The Waterfront" (Elia Kazan, 1954), "One-Eyed Jacks" (Marlon Brando, 1961), "Moutiny on the Bouty" (Lewis Milestone, 1962), "The Godfather" (Francis Ford Coppola, 1972) and "Apocalipse Now" (Francis Ford Coppola, 1979). Through those movies, we verified the procedures of creating a scene and a character supported by the writings of Stella Adler (2002) and Constantin Stanislavski (2001) on acting, focusing on physical actions, imagination and observation. Furthermore, we analysed the recurrent themes and characters on Brando¿s filmography investigating a pattern in his appearance on screen which is linked with the personality of the actor himself. Thus, we find two essential figures, the "young rebel", in the movies of the 1950s and characterized by his position against the hegemonic system, and the "godfather", consolidated in the 1970s, characterized by his relation as a mentor of a character or a group of characters. To investigate this standardization, we used the concept of the actor-author, proposed by Patrick McGuiligan (1975) and further developed by Luc Moullet (1993) and Pedro Maciel Guimarães (2012), in which one analyses an actor¿s filmography searching thematic and formal aspects that can categorize the actor as a co-author of a film / Mestrado / Teatro, Dança e Performance / Mestre em Artes da Cena

Esta pesquisa tem por objetivo a comparação entre três sequências de uma obra cinematográfica adaptada de um romance e o texto original em língua espanhola, como estratégia para o ensino de língua estrangeira. Visando a esse objetivo foi selecionado como objeto de estudo comparativo o romance mexicano Como água para chocolate, de autoria de Laura Esquivel (1989), e sua adaptação para o cinema, de autoria de Alfonso Arau (1993). A proposta é a de apresentar um estudo comparativo entre os gêneros literário e cinematográfico e suas respectivas linguagens. Finalmente, em face da obra original e da adaptação do romance para o cinema, procedemos a um cotejamento do romance e dos diálogos do filme, em que foram observadas as aproximações e afastamentos entre a obra original e sua adaptação para o cinema. Para cumprir esta proposta, toma-se como referencial teórico a teoria dialógica da linguagem de Bakhtin e do Círculo. Primeiramente, nas reflexões de Bakhtin e do Círculo, além de nas de leitores críticos dessa teoria para tratar dos conceitos de enunciado, de gêneros discursivos, de axiologia, de signos ideológicos, de exotopia e de cronotopia, observando-se as relações dialógicas que se estabelecem entre o filme e a obra escrita. Em segundo, para tratar da linguagem verbo-audiovisual, recorre-se à leitura de Dondis (2000); para tratar da linguagem das cores, recorre-se à leitura de Guimarães (1998), entre outros. Este trabalho se justifica pela contribuição que pode dar a professores de línguas e a estudantes universitários e também pelo interesse e pela familiaridade dos jovens com a linguagem verbo-audiovisual na atualidade. Assim, o filme adaptado da obra possibilitaria despertar a leitura do original mexicano, aproximando os alunos da cultura e da língua espanhola, promovendo uma análise mais crítica acerca dos textos literários e suas adaptações para os textos cinematográficos e sobre a linguagem verbo-audiovisual. A metodologia empregada foi a da pesquisa bibliográfica e foi feita a análise da linguagem verbo-audiovisual. / This research aims the comparison among three sequences of cinematographic adapted novel and the original text in Spanish language, as a strategy to teach a foreign language. Aiming at this objective it was selected as the object of comparative study the Mexican novel called Como água para chocolate, by Laura Esquível (1989) and its adaptation to the cinema, written by Alfonso Arau (1993). The proposal is to present a comparative study between literary and cinematographic genres and their respective languages. Likewise, in face of the original work and the adaptation to the cinema, we have a mutual comparison of novel and the dialogues of the film in that the approximation and the distance were observed between the original work and film adaptation.To carry out this proposal, take reflections of language Bakthin and the Circle, in addition to the critical readers of this theory to treat the concepts of utterance discursive genres, axiology of the ideological signs, exotopy and chrnotherapy, observing the dialogical relationships which are established between film and written work. Second, to treat audiovisual-verb language refers to reading Dondis (2000): to treat the language of colors, turn to the reading of Guimarães (1998), among others. This work is justified by the contribution that it can give to language teachers and college students and also for the interest and the familiarity of young people with language audiovisual-verb these days. Thus, the film adapted work would awake the reading of the original Mexican, approaching the students of Spanish language and culture, put the analysis back in circulation, more critical about literary texts and their adaptations to the film texts.

El presente trabajo tiene como objetivo analizar la adaptación desde el lenguaje cinematográfico al teatro musical. Para este fin, se tomó Waitress como caso de estudio enfocado en los cambios estructurales de un género al otro. Se escogió esta obra, ya que se trata de un musical -basado en la película del mismo nombre- que ha pasado por las plazas teatrales más importantes a nivel mundial y ha tenido así un éxito superior al de la película. La pertinencia y relevancia del presente documento yace en el limitado contenido académico dedicado al género del teatro musical: a pesar de ser una disciplina que gana cada vez más espacio en la agenda cultural, la investigación académica no le ha dado la misma importancia. Siendo esta aseveración especialmente verdad en el ámbito peruano actual, este trabajo es una pieza de estudio que sumará a la creación de contenido académico específicamente dedicado a los musicales. El trabajo se basa en un análisis a nivel estructural dramático-narrativo. Para esto se contrastan ambos géneros a partir del modelo de estructura dramática de cine de Field (2005) y el modelo análogo para teatro musical de Castellanos (2013). La teoría de adaptaciones utilizada como base del análisis corresponde a Hutcheon y O’Flynn (2013): el análisis explora cinco dimensiones a fin de validar la hipótesis que dice que ambos lenguajes pueden generar equivalente efecto emocional en el espectador (identificación). La conclusión principal es que las modificaciones realizadas desde la versión de cine hacia la de teatro musical logran el objetivo de crear una identificación semejante entre ambos géneros. No obstante, el teatro musical lo consigue valiéndose de sus propios recursos, como la música y la comedia, y de la principal regla intrínseca al género: la convención de realismo coexistente con música.

El presente proyecto busca contar una historia que gira en torno a las consecuencias de la culpa y sus efectos a largo plazo, explorando formas poco convencionales y menos habituales para exponerla y abordarla. Para esto, se optó por la selección de tópicos puntuales y útiles que sirvieran como ejes para guiar la narrativa de manera en que ninguno de estos elementos se sintiera débil o colocado por una conveniencia representativa, buscando siempre que estos se encuentren estrechamente entrelazados entre ellos mismos y con el propio guión del proyecto. Los procesos de escritura empleados para la elaboración del guión siguen la propuesta de Panizza Montanari (2018), entendiendo al producto audiovisual como algo más que la realización de una historia escrita en papel, dando pase a la creación del cortometraje mediante el apoyo de imágenes y sonidos que remiten a los tópicos principales del proyecto. Sobre esto giran los procesos de investigación y las referencias históricas que fueron asociadas en beneficio de la historia, las cuales se detallan dentro de este trabajo escrito. Con la conclusión de este proyecto, se han explorado algunos métodos menos usuales que comprenden al guión como una herramienta flexible a la disposición del realizador más que un proceso fijo, inamovible y necesario para la realización de un proyecto audiovisual. Las imágenes, los sonidos y las metáforas visuales pueden muchas veces devenir en los elementos indispensables para una narración más sútil y interesante, nutriendo a su vez no solo al producto final, sino también el proceso de su concepción y desarrollo. / This project seeks to tell a story that revolves around the consequences of guilt and its long-term effects, exploring unconventional and less common ways to expose and address this illness. For this, we opted for the selection of specific and useful topics that would serve as axes to guide the narrative process so that none of these elements felt weak or placed in order to fulfill a flat convenience for representation, always seeking that they are closely intertwined with each other and with the project's own script. The writing processes used for the elaboration of the script follow the proposal of Panizza Montanari (2018), understanding the audiovisual product as something more than the realization of a story written on paper, giving way to the creation of the short film through the support of images and sounds that refer to the main topics of the project. On this revolve the research processes and the historical references that were associated for the benefit of history, which are detailed within this written work. With the conclusion of this project, some less usual methods have been explored that understand the script as a flexible tool at the disposal of the filmmaker rather than a fixed one, immovable and necessary process for the realization of an audiovisual project. Images, sounds and visual metaphors can often become the indispensable elements for a more subtle and interesting narrative, nourishing in turn not only the final product, but also the process of its conception and development. / Trabajo de investigación

El presente estudio propone la construcción de tramas cinematográficas a partir de la interacción del arco de personaje y la estructura narrativa con el propósito de ser un punto de referencia para guionistas, directores y productores cinematográficos, así como de los jurados de los concursos de cine promovidos por el Estado. Para ello se analiza la construcción de dos películas peruanas del género de thriller ganadoras de los fondos del Ministerio de Cultura peruano: Perro guardián (Caravedo & Higashionna, 2014) y Magallanes (Del Solar, 2015), dos relatos que coinciden temáticamente. Sus protagonistas son dos exmilitares que luchan por reinsertarse en la sociedad y buscan redimir los delitos de sus pasados traumáticos. La metodología empleada tiene un paradigma interpretativo basada en la hermenéutica de Paul Ricoeur. El enfoque es cualitativo y emplea la técnica del análisis diegético narrativo en ambas películas. Para la selección de la muestra, se han utilizado las principales inflexiones del relato, identificadas con la técnica del análisis semiótico de Claude Bremond y el análisis estructural de los relatos de Roland Barthes. Los principales resultados identifican las fallas estructurales del film Perro guardián, cuya trama prioriza su carácter dimensional y retórico, que se apoya en las convenciones del género del thriller psicológico, en desmedro del impulso dramático. En el caso de Magallanes, la trama presenta un balance entre su carácter dimensional y direccional, es decir, la acción está motivada por los conflictos internos del protagonista, lo que genera una mayor unidad interna en su trama. A partir de los hallazgos, es importante comprobar si este patrón de construcción de tramas se replica en otras películas nacionales. Su comprensión puede dar luces de cómo construir tramas que conecten emocionalmente con las audiencias, algo que necesita con urgencia la cinematografía local para generar una industria sólida. / The present study proposes the construction of film plots from the interaction of character arc and narrative structure with the purpose of being a point of reference for screenwriters, directors and film producers, as well as juries of film contests promoted by the state. To this end, the construction of two Peruvian films of the thriller genre, winners of funds from the Peruvian Ministry of Culture, are analyzed: Perro guardián (Caravedo & Higashionna, 2014) and Magallanes (Del Solar, 2015), two stories that coincide thematically Its protagonists are two former military men who struggle to reintegrate into society and seek to redeem the crimes of their traumatic pasts. The methodology used has an interpretive paradigm based on the hermeneutics of Paul Ricoeur, the approach is qualitative and employ the technique of narrative diegetic analysis in both films. For the selection of the sample, we have used the main inflections of the story, identified with the technique of semiotic analysis of Claude Bremond and the structural analysis of the stories of Roland Barthes. The main results identify the structural flaws of the film Perro guardián whose plot prioritizes its dimensional and rhetorical nature that relies on the conventions of the psychological thriller genre to the detriment of the dramatic impulse. In the case of Magallanes, the plot presents a balance between its dimensional and directional nature, that is, the action is motivated by the internal conflicts of the protagonist, which generates a greater internal unity in its plot. Based on the findings, it is important to see if this pattern of plot construction is replicated in other national films; understanding it can shed light on how to build plots that connect emotionally with audiences, something that local filmmaking urgently needs to generate a solid industry.

Esta dissertação consiste em uma investigação sociológica do cinema de Amácio Mazzaropi (1912-1981). Para realizá-la, foram estabelecidos alguns passos. Primeiramente, procurei reconstituir a trajetória social e a formação artística de Mazzaropi, figura de origens sociais desprivilegiadas, migrante, com passagens por teatro popular, rádio, televisão e cinema. Em um momento decisivo de implantação da indústria cultural no Brasil, entre as décadas de 1940 e 1980, com a importação de tecnologias, profissionais e linguagens dos centros estrangeiros, ele apresentou as credenciais necessárias para constituir-se em figura de destaque na estruturação da indústria cultural nacional. Em seguida, por meio de um exercício de reconstituição das condições do campo cinematográfico brasileiro de 1950 a 1980, procurei encontrar os fundamentos da formação dos juízos críticos relativos à filmografia de Mazzaropi. Seu cinema popular-massivo, composto por uma hibridação de elementos da cultura popular regional e da cultura de massa, não teria aceitação entre os agrupamentos críticos estabelecidos de seu tempo (independentes, esteticistas, cinemanovistas, marginais, entre outros), interessados em projetos políticos e estéticos distintos para o país, que vivia os intensos anos do nacional-desenvolvimentismo. Na sequência, proponho uma análise de diferentes momentos da filmografia de Mazzaropi, interessado em identificar as escolhas estéticas (formais, narrativas, conteudísticas) que estariam na base de um estilo particular de se fazer cinema. Para além do estigma da redundância que envolve os filmes do cineasta, acredito ser possível encontrar variações significativas ao longo do tempo em sua obra, possivelmente relacionadas às mudanças históricas vivenciadas por ele e as frações de público que lhe eram leais naquele momento. E por fim, procurei fornecer uma contribuição ao entendimento do notório sucesso de público do cineasta durante todos seus anos de atividade. Lotando anualmente as salas de cinema, ele fazia com que os críticos replicassem na mesma toada os questionamentos em relação às motivações de seus espectadores. Por meio de depoimentos colhidos de idosos que assistiram a seus filmes naqueles anos, esbocei algumas interpretações possíveis, tendo em vista a compreensão da relação particular que o cineasta teria estabelecido com seu devotado público. / This dissertation consists in a sociological investigation of Amácio Mazzaropis (1912-1981) cinema. To carry it out, some steps were stablished. First, I managed to reconstitute Mazzaropis social trajectory and artistic formation, character of undeprivileged social origins, migrant, with experiences in popular theatre, radio, television and cinema. In a decisive moment of the implantation of the cultural industry in Brazil, between the 1940s and the 1980s, with the importation of technologies, professionals and languages of foreign centres, he presented the credencials needed to stand out during the structuration of the national cultural industry. Secondly, through an exercise of reconstitution of the conditions of the brazilian cinematographic field between 1950 and 1980, I sought to analyse the fundaments of the formation of the critical reception of Mazzaropis filmography. His popular-massive cinema, consisting of a hybridisition between elements of the regional popular culture and of the mass culture, wouldnt be accepted between the established critical groupings of his time (independentes, esteticistas, cinemanovistas, marginais, among others), interested in distinct political and aesthetical projects for the country, that experienced the intense years of the national-developmentism. Next, I suggest an analysis of different moments of Mazzaropis filmography, interested in identifying the aesthetical choices (form, narrative, content) that would be the basis of a particular style of making movies. Besides the stigma of redundancy attached to the filmmakers movies, I believe it is possible to find meaningful variations throughout the years in his work, possibly related to the historical changes experienced by him and the audiences fractions that were loyal to him at that time. Finally, I tried to offer a contribution to the understanding of the filmmakers major public success throughout all his years of activity. Filling anually the movie theaters, he made the critics repeat at the same pace the interrogations regarding the motivations of his spectators. Through testimonies gathered from aged people that have watched his movies in those years, I sketched some possible interpretations bearing in mind the comprehension of the particular relationship that the filmmaker has established with his loyal audience.