Esta tesis reflexiona sobre la dimensión crítica del trailer cinematográfico enmarcado en una lógica cultural del capitalismo en cuyo seno, como fórmula de fragmentación, compresión y seducción, puede ser leído como una expresión radicalizada de la sociedad contemporánea optimizada por los medios de comunicación. Para ello, y con el fin de analizar su incidencia social, se relacionan el trailer y las representaciones sociales con el objetivo de indagar sobre la dimensión imaginaria del lenguaje verbal y no-verbal para acceder a su dimensión instituyente que normaliza, naturaliza y legitima los imaginarios. Para ello, se analiza la metáfora como un elemento concreto del lenguaje artístico y también publicitario, observando las estrategias y los conflictos de los sujetos que la construyen o utilizan. En este caso, se analizan diez trailers de películas de cine de temáticas medioambientales, de distintas épocas, para conocer las metáforas poéticas que nos permiten acceder a los imaginarios ecologistas a los que hacen referencia. Un proceso que frente al contexto de vértigo, velocidad y seducción al que el trailer está sometido, se caracteriza por la potenciación de la metáfora poética con el fin de establecer el tema. Este proceso puede ser leído como una estrategia creativa que busca impactar e involucrar al espectador mediante una nueva inteligibilidad acerca del tema del film, que entre otras experiencias también contribuye a la fluidez y direccionamiento del proceso interpretativo.

La cuestión del realismo cinematográfico caracteriza un campo de particular interés para el estudio de la estética fílmica, dado que su carácter poderosamente realista ha puesto en juego aspectos ligados a su específica discursividad, pero también, a diversas maneras de negociar con una concepción de arte que, de modo fundamental, implicaba la diferencia entre copia y creación. En tal sentido, el presente trabajo parte del análisis de las poéticas fundacionales del cine, y propone una suerte de cartografía de las posiciones realistas cinematográficas dadas por el modo en que resuelven la relación dada entre la impresión de realidad del film y una cierta exigencia estética (un deber ser como arte), distinguiendo entre el realismo diegético, el realismo empirista ingenuo, el realismo ontológico y el realismo constructivista.

Submitted by Pós-Com Pós-Com (pos-com@ufba.br) on 2015-04-17T14:16:09Z No. of bitstreams: 1 Inara de Amorim Rosas - Dissertação.pdf: 5929921 bytes, checksum: 1312d8fde8255f745fe216f29e4edede (MD5) / Approved for entry into archive by Vania Magalhaes (magal@ufba.br) on 2017-09-29T16:20:56Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Inara de Amorim Rosas - Dissertação.pdf: 5929921 bytes, checksum: 1312d8fde8255f745fe216f29e4edede (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-29T16:20:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Inara de Amorim Rosas - Dissertação.pdf: 5929921 bytes, checksum: 1312d8fde8255f745fe216f29e4edede (MD5) / CNPQ / Essa dissertação teve como objetivo empreender uma análise e interpretação dos filmes Kamchatka (Argentina, 2002), Machuca (Chile, 2004) e O ano em que meus pais saíram de férias (Brasil, 2006), tendo como ponto de partida sua classificação enquanto gênero de filme de ambientação histórica ou filme histórico. Compreendendo que a noção de gênero cinematográfico é permeável às tensões históricas e sociais, acreditamos que os filmes estudados ressignificam o gênero em questão ao utilizar uma criança como agente motor da narrativa. Esses filmes acabam por tratar os fatos históricos de forma mais amena, arejada, muitas vezes evitando estereótipos e maniqueísmos. Nossa análise e interpretação foi desempenhada a partir da análise narrativa dos filmes. A narratologia é um campo fecundo da linguagem audiovisual, já que desde sua origem o cinema foi designado a ser uma arte capaz de contar histórias. No entanto, essa tendência acaba adquirindo diferentes configurações que vão desde o contexto de produção às diversas formas de articulação da linguagem cinematográfica. Nos filmes que estudamos, a criança-protagonista é enxergada como uma estratégia do gênero para trazer um tratamento narrativo e estético muitas vezes mais sutil e mais propenso a uma maior adesão do espectador. A partir das categorias da análise narrativa propostas por Gérard Genette (1995), vimos nos filmes a questão da perspectiva narrativa, do foco narrativo e do papel das personagens. Aliamos às questões narrativas aos elementos próprios da linguagem audiovisual através de autores como Gérard Betton (1987), João Batista de Brito (1995), Robert Stam (2003), René Gardies (2008) e Jacques Aumont (2011; 2012). Em se tratando de filmes de ambientação histórica procuramos também observar como os fatos históricos são tratados nos filmes que estudamos. Observamos que em Kamchatka, mesmo a ditadura não sendo mostrada em cenas explícitas de violência, ela está presente no cotidiano de uma família escondida, através de sua angústia e solidão, demonstrado através dos silêncios dos planos cinematográficos, dos rostos de seus atores e dos jogos e metáforas em torno do protagonista Harry. Em Machuca, vemos representada a cidade de Santiago no ano de 1970 especialmente pelos olhos de Gonzalo, numa experiência que o toca e o machuca, numa relação entre a personagem e seu desenvolvimento no espaço narrativo. Em O ano em que meus pais saíram de férias se passa em um dos piores anos do regime militar brasileiro e o vemos pelos olhos de Mauro, que se encontrava numa espécie de exílio particular esperando ansioso chegada dos seus pais e da Copa do Mundo. A solidão e os aprendizados de Mauro acabam por nos contar uma história bonita e que quebra estereótipos dentro de alguns dos filmes de ditadura da nossa cinematografia no Brasil.

Made available in DSpace on 2015-06-17T19:34:23Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-02-25. Added 1 bitstream(s) on 2015-06-18T12:48:57Z : No. of bitstreams: 1 000830845.pdf: 995151 bytes, checksum: 5545c45a36a93dcf65ce6d1fac6a1eb7 (MD5) / Este trabalho é uma tentativa de aproximação, por várias frentes diferentes, de Agripina é Roma Manhattan, curta-metragem no formato super-8 realizado por Hélio Oiticica em 1972, durante sua estadia em Nova Iorque. Consequentemente, este trabalho se aproxima de outras produções cinematográficas do universo rico e singular do artista. / This work is an attempt to approach, by several different ways; to Agripina is Rome-Manhattan, shortcut super-8 movie made by Hélio Oiticica in 1972, along his stay in New York City. Consequently, this work also takes a closer look to other cinematographic productions in the rich and unique Oiticica's universe.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, 2017. / Submitted by Raquel Almeida (raquel.df13@gmail.com) on 2017-07-14T18:26:36Z No. of bitstreams: 1 2017_CamillaVidalShinoda.pdf: 3293676 bytes, checksum: 3f1a8a2066b3499f83bb17c3e4f955da (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2017-07-31T17:21:18Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_CamillaVidalShinoda.pdf: 3293676 bytes, checksum: 3f1a8a2066b3499f83bb17c3e4f955da (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-31T17:21:18Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_CamillaVidalShinoda.pdf: 3293676 bytes, checksum: 3f1a8a2066b3499f83bb17c3e4f955da (MD5) Previous issue date: 2017-07-31 / Esta pesquisa investigou a linguagem cinematográfica denominada híbrida, que mistura de maneira consciente elementos do documentário e da ficção no contexto da produção nacional e contemporânea. Considerou-se também um foco temático em obras que retratam o relacionamento amoroso. O principal objetivo do estudo foi identificar quais dispositivos fílmicos e estratégias os diretores utilizaram para criar a tensão entre os elementos do documentário e da ficção em cada uma das quatro obras selecionadas para o corpus desse trabalho: o curta Pouco mais de um mês(2013), de André Novais; e os longas Ela volta na quinta(2014), também de André Novais; Amor?(2010), de João Jardim; e Viajo porque preciso volto porque te amo(2009), de Karim Aïnouz e Marcelo Gomes. A pesquisa também buscou perceber como essa fatia da produção representou os relacionamentos amorosos dos dias de hoje. Para cumprir esses objetivos, o estudo combinou o uso da análise de conteúdo com a análise fílmica. Assim, foi possível perceber as diferentes formas de construção cinematográfica a partir da linguagem híbrida, percebendo as inovações que cada diretor trouxe para acessar o real. A pesquisa também identificou representações das relações amorosas mais calcadas no cotidiano do que na idealização do sentimento amoroso. / This research investigates the cinematographic language that consciously mixes elements of documentary and fiction in Brazilian contemporary productions. In addition, a thematic focus was given to films that address love relationship. By means of film analysis of four works –the feature films Ela volta na quinta(2014), by André Novais; Amor?(2010), by João Jardim; and Viajo porque preciso volto porque te amo(2009), by KarimAïnouz and Marcelo Gomes; and the short film Pouco mais de um mês(2013), also by André Novais –the study identifies which filmic devices and strategies directors have used to take advantage of this hybrid language. The analysis also investigates how these film productions portray contemporary love relationships. At the end, this research could perceive the different forms of cinematographic construction that uses hybrid language, realizing the innovations that each director brought to access reality. Theresearch also identified representations of love relationships more based in a daily life than in the idealization of the loving feeling.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-05-29Bitstream added on 2014-06-13T19:48:46Z : No. of bitstreams: 1 farias_ds_me_ia.pdf: 3149410 bytes, checksum: 5f4f71cfbe4345cc4461b576afca02d1 (MD5) / Esta dissertação tem por objetivo a análise e a investigação acerca da hipótese de convergência de linguagens nas artes visuais: cinema, vídeo, teatro, por meio de suportes orgânicos e tecnológicos com o uso da internet ou não. Foram apresentados e analisados obras de teatro como, a Companhia Phila7, Teatro Para Alguém, La Fura dels Baus, a peça teatral Descrição de Imagem - DDI de Heiner Müller, o Cinema Vivo do cineasta Alexandre Carvalho, o filme SuperBarroco da cineasta Renata Pinheiro, o filme Lixo de Cabeceira de Peter Greenaway, o docmentário 33 de Kiko Goifman, o filme a Bruxa de Blair dos diretores Daniel Myrick, Eduardo Sánchez, a Shadow Art de Tim Noble e Sue Webster, A Câmera Obscura de Abelardo Morell e a Ópera Dido e Aeneas de Henry Purcell. Para o embasamento teórico, foram resgatadas considerações a respeito do pensamento complexo, a questão do dispositivo, da convergência, do hipertexto, do rizoma, a questão do virtual, do hibridismo, com o intuito de demonstrar a confluência existente entre diferentes linguagens. Por isso, recoremos às ideias de Edgar Morin, Arlindo Machado, Lúcia Santaella, George Landow, Pierre Lévy, Gilles Deleuze, Felix Guattari, Heiner Müller, Henry Jenkins, Serguei Eisenstein, Umberto Eco, Katia Maciel, Urbano Nobre Nojosa, Pollyana Ferrari, Agnus Valente, entre outros. O trabalho: Convergência de linguagens nas artes visuais: cinema, vídeo e internet, evidencia as modificações ocorridas no campo dos dispositivos de comunicação e das linguagens aqui abordadas, e suas repercussões no âmbito das artes e no espaço sócio cultural da contemporaneidade / Esta disertación tiene como objetivo el análisis y la investigación sobre la hipótesis de la convergencia de las lenguajes en las artes visuales: cine, video, teatro a través de soportes orgánicos y tenológicos que utilizan Internet o no. Fueron analisados y presentados como obras de teatro, la Compañía Phila7, Teatro Para Alguém, La Fura dels Baus, la obra Descripción Imagen - DDI Heiner Müller, Live Cinema cineasta Alexandre Carvalho, la película SuperBarroco cineasta Renata Pinheiro, la película The Pillow Book de Peter Greenaway. el documental 33 Kiko Goifman la película The Blair Witch directores Daniel Myrik, Eduardo Sánchez, Shadow Art - Arte Sombra de Tim Noble y Sue Webster, la cámara oscura de Abelardo Morell, la Ópera Dido y Eneas de Henry Purcell. Por los antecedentes teóricos, fueron rescatados consideraciones sobre el pensamiento complejo, la cuestión de la convergencia, dispositivo, el hipertexto, la rizoma, la cuestión de la hibridación virtual para demonstrar la confluencia entre diferentes lenguajes. Por lo tanto, utilizamos las ideas de Edgar Morin, Arlindo Machado, Lucia Santaella, George Landow, Pierre Lévy, Gilles Deleuze, Félix Guattari, Heiner Müller, Henry Jenkins, Sergei Eisenstein, Umberto Eco, Katia Maciel, Urbano Nobre Nojosa, Pollyana Ferrari, Agnus Valente entre otros. Trabajo: La convergencia de las lenguajes en las artes visuales: cine, video, teatro y internet, evidencia los cambios en el campo de los dispositivos de comunicación y lenguajes dicutidos aquí, y sus repercusiones en las artes y el espacio socio-cultural contemporáneo

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:28Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-08-22Bitstream added on 2014-06-13T19:27:48Z : No. of bitstreams: 1 gallep_lt_me_ia.pdf: 1157277 bytes, checksum: b706aed8e8a39902338d9b0401639ea1 (MD5) / Universidade Estadual Paulista (UNESP) / Com esta pesquisa a minha intenção foi a de realizar uma investigação do filme/documentário russo Anna dos 6 aos 18 e como ele expõe os momentos históricos do fim dos anos 1980 e começo dos 1990, com a queda da União Soviética e o surgimento da Perestroika. Tentei aqui apresentar uma análise de como esta obra, enquanto objeto de arte e documento histórico, se relaciona com as transformações e o discurso oficial do final da URSS. Foram analisadas as diferentes formas de articulação entre os elementos verbais e sonoros, mas com foco nos elementos estético-visuais (signos, ícones, sinais, movimentos de câmera, composições cênicas) e principalmente a montagem. O trabalho aqui aprestado é um estudo sobre o papel da montagem, do filme documentário enquanto documento histórico e do papel do diretor enquanto ―escultor do tempo‖. Para a realização deste trabalho foram realizadas entrevistas com profissionais desta área, bem como pesquisa e observação de diferentes obras cinematográficas e de artes plásticas que abordam a montagem. Também realizo a minha análise sobre algumas imagens escolhidas pelo diretor Nikita Mikhalkov que contam uma visão sobre este período da história russa vivenciada por ele juntamente com o crescimento de sua filha Anna, a heroína do filme objeto do nosso estudo / With this research the intention was to investigate the russian documentary film called Anna from 6 to 18 and how he exposes historic moments in the late 1980s and beggining of 1990s among the Soviet Union fall and the emergence of Perestroyka. We try to present how this work, as art object and historic document, relates itself with the changes and the official version about the end of URSS. We analyzed the different forms of articulation between the verbal elements and sound, but with a focus on aesthetic and visual elements (signs, icons, signs, camera movements, scenic compositions) and especially the assembly. The study presented here is a study on the role of the assembly, the documentary film as a historical document and the role of director as sculptor of the time. For this study, interviews were conducted with experts in this area as well as research and observation of different films and visual arts that address the assembly. Also realize my analysis on some images chosen by director Nikita Mikhalkov who have a vision about this period of Russian history experienced by him along with the growth of his daughter Anna, the heroine of the film object of our study

Submitted by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-06-27T21:37:30Z No. of bitstreams: 1 Leandro Aparecido de Moura.pdf: 8175183 bytes, checksum: 24711db1eaf2c7c847c7c9bfb7f2e76d (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-07-03T21:59:09Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Leandro Aparecido de Moura.pdf: 8175183 bytes, checksum: 24711db1eaf2c7c847c7c9bfb7f2e76d (MD5) / Approved for entry into archive by Patricia Figuti Venturini (pfiguti@anhembi.br) on 2017-07-03T22:01:36Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Leandro Aparecido de Moura.pdf: 8175183 bytes, checksum: 24711db1eaf2c7c847c7c9bfb7f2e76d (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-03T22:01:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Leandro Aparecido de Moura.pdf: 8175183 bytes, checksum: 24711db1eaf2c7c847c7c9bfb7f2e76d (MD5) Previous issue date: 2016-06-24 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / La aparición del melodrama género en el teatro francés de finales del siglo XVIII hasta la invención del cine en el siglo XIX, estamos interesados en el estudio de la forma contemporánea los miembros género melodramático fueron en las películas. Sobrevive en el trabajo de varios directores, pero en particular interesado en el análisis de cómo el director español Pedro Almodóvar utiliza el género para componer sus historias. Vamos a estudiar la forma en que el melodrama tomó en películas Matador (1985-1986 ) , La ley del deseo (1986 ) , Carne trémula (1997 ) , Todo sobre mi madre (1999 ) Hable con ella ( 2002) y La mala educación (2004 ) . Analizaremos a través del decoupage de las seis películas que aquí se presentan, las posibilidades actuales de la utilización de elementos que forman el melodrama y como Almodóvar se apropia de la misma, principalmente a través del uso del plan de detalle con el fin de componer sus narrativas . Estas son las preguntas que guiarán esta investigación. / Do surgimento do gênero melodrama no teatro francês do final do século XVIII até a invenção do cinema no século XIX, interessa-nos estudar a forma contemporânea que os elementos do gênero melodrama tomaram no cinema. Ele sobrevive no trabalho de diversos diretores, mas pretendemos particularmente analisar como o diretor espanhol Pedro Almodóvar se utiliza do gênero para compor suas histórias. Estudaremos a forma que o melodrama tomou nos filmes Matador (1985-1986), A Lei do Desejo (1986), Carne Trêmula (1997), Tudo Sobre Minha Mãe (1999), Fale com Ela (2002) e Má Educação (2004). Analisaremos, por meio da decoupagem dos seis filmes aqui apresentados, as possibilidades atuais do uso dos elementos que dão forma ao melodrama e como Almodóvar se apropria dos mesmos, principalmente através do uso do plano detalhe, a fim de compor suas narrativas. Estes são os questionamentos que nortearão esta pesquisa.

Cette thèse de master propose la construction dramaturgique d\'une série télévisée qui parle de questions de genre et de race liées à la représentation audiovisuel brésilien du peuple noir. Menina Mulher da Pele Preta est le nom de cette série télévisée et elle développe cinq histoires de cinq protagonistes femmes noires de différents âges avec ses cinq différentes réalités sociales et contextes. La référence pour le titre de cette série télévisée est la chanson titre Essa Menina Mulher da Pele Preta écrit par le chanteur / compositeur Jorge Ben, un musicien noir de grande référence pour la culture brésilienne. J\'introduis dans le cadre de la thèse, l\'épisode pilote Jennifer sur le DVD ci-joint. Ce chapitre raconte l\'histoire de Jennifer, une fille adolescente d\'une mère noire et père blanc (fille de mère célibataire) qui vit dans un banlieu nord de la ville de São Paulo. Les scénarios des cinq épisodes comprenent la première partie de la dissertation. La création de la série part de ma évaluation critique des productions audiovisuelles contemporaines qui dépeint très visible les espaces périphériques. Cet analyse comprend également mes situations biographiques dans la relation entre la périphérie et l\'université. Ainsi, avec un essai présentés dans la seconde partie de cette thèse, je me situe dans le débat contemporain sur la politique et poétique audio-visuel des expressions périphériques des Noirs, pour les Noirs et sur les Noirs,. Cette thèse repond à deux récents documents universitaires: La thèse Da política e poética de certas formas audiovisuais, écrit par la professeur resident Esther Império Hamburger, et la thèse de master La périphérie dans séries télévisées Cité d\'hommes et Antonia, de la Maîtrise en Sciences de la communication Ananda Stücker. Ils partent d\'un large débat sur la nécessité de projets audiovisuels conscients du dilemme de la représentation de l\'autre dans la périphérie. / Esta dissertação em mestrado consiste na construção dramatúrgica de um projeto de série televisiva que dialoga questões de gênero e raça atrelados a representação da pessoa negra no audiovisual brasileiro. \"Menina Mulher da Pele Preta\" é o nome desta série e ela desenvolve cinco histórias de cinco mulheres negras protagonistas de diferentes idades com suas cinco diferentes realidades sociais e contextos. Seu título dialoga com a música \"Essa Menina Mulher da Pele Preta\" composta pelo cantor/compositor Jorge Ben, músico negro de grande referência para cultura brasileira. Apresento como parte da dissertação, o episódio piloto \"Jennifer\" no DVD em anexo. Neste capítulo, conta-se a história de uma adolescente filha de mãe negra e pai branco (filha de mãe solteira) moradora de uma região periférica da Zona Norte de São Paulo. Os roteiros dos cinco episódios compõem a primeira parte da dissertação. A criação da série parte de minha avaliação crítica sobre produções audiovisuais contemporâneas de grande visibilidade que retrataram espaços periféricos. Esta análise também compreende situações biográficas ocorridas comigo na relação entre periferia e universidade. Assim, com um texto ensaístico apresentado na segunda parte desta dissertação, eu me situo no debate contemporâneo sobre a política e a poética das expressões audiovisuais da periferia, de negros, para negros e sobre negros. Esta dissertação dialoga com dois textos acadêmicos recentes: Da política a poética de certas formas audiovisuais, livre docência da Professora Livre Docente Esther Império Hamburger e A Periferia nas Séries Televisivas Cidade dos Homens e Antônia, dissertação da Cientista Social e Mestre em Ciências da Comunicação Ananda Stücker. Eles se inserem num amplo debate acerca da necessidade de projetos audiovisuais atentos ao dilema da representação do outro na periferia.

Este trabalho relata aspectos do processo criativo da redação de um roteiro cinematográfico de longa metragem. Procurou-se investigar, durante o fazer do roteiro, o modo como a narrativa pode ser utilizada para despertar emoções e interesse no espectador. Através da revisão de obras de teóricos cognitivistas do cinema e de manuais de roteiro, levanta-se considerações sobre possíveis estratégias para se envolver emocionalmente o espectador. Para ilustrar estas estratégias, é apresentada uma análise da obra Aconteceu naquela Noite (1934). A partir destas considerações, realiza-se a descrição do processo de escrita do roteiro, procurando demonstrar de que forma as considerações teóricas influenciaram neste processo e no produto final, o roteiro completo. / This dissertation reports some aspects of the creative process on writing a feature movie script. During the screenwriting, it was attempted to investigate how the narrative can be used to elicit emotions and interest in the spectatorship. Through the review of Cognitivist Film Theory Scholars and Screenwriting Guides, considerations were raised on possible strategies to emotionally involve the viewer while telling the story. To elucidate these strategies, the analysis of the movie It happened one night (1934) follows. Having reached these considerations, the script is presented along with the trajectory of its writing.