Ouverture et optimisme marquent les années cinquante au Brésil, culminant par l’édification de Brasilia. Les arts se renouvellent sur l’axe de Rio de Janeiro et Sao Paolo, avec l’avènement de deux mouvances artistiques, le Concretismo et le Neoconcretismo. L’art concret s’édifie comme un système autoréférentiel, considéré par cet artifice comme universel, et devient le plus important mouvement artistique de l’époque. Lygia Pape prend part à la création de ces deux mouvements et à leur développement grâce à une riche production artistique. Elle est en contact direct avec Mário Pedrosa, théoricien qui oriente le groupe concret de Rio de Janeiro autour de l’empathie de la forme, sous l’influence des sciences cognitives, de la Gestalt et de la phénoménologie. Lygia Pape s’implique dans diverses manifestations artistiques, comme la peinture, la gravure, la poésie concrète, la danse, le cinéma et le happening. Elle s’abstrait progressivement d’un art universel et rationnel vers un art qui baigne dans l’individualité et la subjectivité. Sa production contrarie la rigueur concrète pour évoluer vers un art participatif engageant d’abord l’esprit, puis tout le corps. Ainsi, la figure, auparavant écartée, est réintroduite par l’inclusion de l’homme dans l’œuvre, passant de l’abstraction géométrique et des rigides règles du Concrétisme, vers la liberté de création introduite par le Néoconcrétisme. Traditionnellement envisagé comme une suite logique du Concrétisme, le Néoconcrétisme semble avoir toujours été présent dans l’œuvre de Pape. / Open-mindedness and optimism mark the fifties in Brazil, culminating with the construction of Brasilia. The arts undergo a renewal on an axis going from Rio de Janeiro to Sao Paulo, with the rise of two artistic avant-garde movements, Concretismo and Neoconcretismo. Concrete art is built as a self-referential system, considered by this artifice as universal, and becomes the most important artistic movement at that time. Lygia Pape participates actively in the creation and the development of both, thanks to a rich artistic production. She is in close contact with Mário Pedrosa, a theoretician steering the artists of the Rio de Janeiro concrete group towards the form empathy, under the influence of cognitive sciences, Gestalt, and phenomenology. Lygia Pape gets involved in various fields, such as painting, engraving, concrete poetry, dance, cinema, and happening. She progressively abstracts from a universal and rational art to an art diving into individuality and subjectivity. Her production contradicts the concrete rigor to move towards a participatory art engaging at first the mind, and then the whole body. Thus, the figure, previously discarded, is reintroduced by the inclusion of the man inside the work, moving from Concretism with its geometric abstraction and rigid rules towards Neoconcretismo and its creative freedom. Traditionally considered as a logical continuation of the Concretism, it seems that the Neoconcretism has been always present in Lygia’s work.

Les extraits naturels tels que les huiles essentielles, les absolues ou les résinoïdes utilisés en parfumerie, arômes et cosmétique sont produits à partir de matières premières naturelles. La culture de ces matières premières est souvent basée sur la monoculture et implique l'utilisation de pesticides. La réglementation pour les matières premières destinées à ces industries devient de plus en plus stricte en termes de niveaux résiduels autorisés de pesticides, en raison de leur impact sur la santé publique et sur l'environnement. Dans ce manuscrit, un état de l’art montrant la problématique pour l’analyse des pesticides dans les extraits naturels et les travaux dédiés à cette étude, est présenté. Une méthode d’analyse multi-résidus de pesticides a ensuite été mise au point dans les roses et les extraits (concrètes et absolues) issus de la rose. La préparation d’échantillon s’appuie sur l’approche QuEChERS utilisant l’extraction et la purification par SPE-dispersive. Les échantillons ont ensuite été analysés par GC-MS/MS. Les méthodes ainsi développées ont permis d’étudier les devenir des pesticides au cours du procédé d’extraction des roses. Le travail a été fait dans un premier temps sur des roses issues d’un champ bio puis dopées avec 57 pesticides. Chaque intermédiaire de transformation, excepté les cires, a été analysé mettant en évidence la répartition des pesticides. Il y est montré que les pesticides présents dans les roses sont co-extraits durant le procédé d’extraction et sont concentrés entre 100 et 300 fois dans l’absolue. Cette étude a ensuite été réalisée sur des roses et leurs extraits issus de champs avec des traitements phytosanitaires « classiques ». / Natural extracts in form of essential oils, concretes, resinoids, as well as absolutes used in perfume, aroma, and cosmetic industries are produced from natural raw materials. The cultivation of natural raw materials is often based on monoculture and involves the use of pesticides. Legal regulations for raw materials intended for these industries become increasingly stricter in terms of the allowed residual levels of chemicals used for treatment because of their impact on public health and on the environment. In this manuscript, a review showing pesticide analysis problems in natural extracts and works dedicated to this study, is presented. Next, a method for multi-residue pesticides analysis was developed in roses and extracts (concrete and absolute) from roses. The sample preparation is based on the QuEChERS approach using extraction and purification by SPE-dispersive. The samples were then analyzed by GC-MS / MS. Thus the developed methods were used to study pesticides behavior during the extraction process of the roses. In a first time, the work was done on roses from organic field and spiked with 57 pesticides. Each transformation intermediate, except waxes, was analyzed showing the distribution of pesticides. It showed that pesticides which were present in rose flowers were coextracted during extraction process and concentrated by factor between 100 and 300 in absolute. This study was then performed on roses and extracts from fields with pesticide "classic" phytosanitary treatments. The trend observed for these samples was the same as for the model: pesticides were concentrated in the absolute reaching concentrations of several milligrams per kilogram.

Cette thèse porte sur la relation entre travail et art dans la société contemporaine. Elle propose une analyse des procédés novateurs développés par le processus collaboratif cette méthodologie de création qui va de pair avec une organisation du travail spécifique dans le théâtre contemporain. Les caractéristiques du phénomène étudié nous orientent vers trois approches à la fois distinctes et liées entre elles. La première approche met en débat la capacité critique de l’art (BOURDIEU, 1996 ; CHIAPELLO, 1998) puis la possibilité de son renouvellement (BOLTANSKI et CHIAPELLO ; BOLTANSKI, 2015 ; MUNK, 2015). Cette discussion nous permet d’interpréter le processus collaboratif comme une possibilité renouvelée de la capacité critique de l'art qui, en cherchant à récupérer ce qui a été assimilé et instrumentalisé par le capitalisme, avance “l’idéal” du paradigme contemporain du travail par projets. La deuxième approche appréhende l’organisation du travail sur des bases collaboratives comme une dimension sous-jacente du mouvement de résistance et de lutte en faveur de politiques publiques de soutien direct au théâtre, mouvement qui s’est développé en réponse au processus de privatisation de la culture (WU, 2005). Cette vision est cohérente avec la théorie de Touraine (1998, 2007), selon laquelle nous assisterions à l’affaiblissement voire à la disparition des institutions sociales qui soutiennent les individus, ce qui marquerait pour cet auteur le passage à un nouveau paradigme du point de vue de notre interprétation de la réalité sociale. Ce mouvement collectif organisé par des artistes et des groupes exclus des mécanismes de mécénat entrepreneurial via des exonérations fiscales, est emblématique des actions d’un sujet émergeant du centre du nouveau paradigme culturel – celui qui, ne voulant pas se soumettre à la logique du marché et de la consommation, cherche à définir son propre destin en articulant droit personnel et organisation collective. La troisième approche aborde enfin l’organisation du travail et la gestion collective sur des bases collaboratives que mettent en oeuvre les cinq collectifs de l’Occupation Immeuble Scénique Hôpital Psychiatrique São Pedro comme la réalisation d’une utopie concrète, une nouvelle grammaire de vie commune qui unit travail et projet de vie en communauté (LALLEMENT, 2015). Les théories mobilisées pour comprendre le phénomène analysé dans cette étude – le travail organisé de façon collaborative – renvoient ainsi à une seule et même question : la capacité d’action des acteurs dans le contexte des transformations récentes qui modèlent la société capitaliste contemporaine. / Esta tese versa sobre a relação entre trabalho e arte na sociedade contemporânea. Para tanto, dedicou-se a analise dos procedimentos de inovação desenvolvidos pela metodologia de criação e a correlata organização do trabalho em teatro contemporâneo, conhecida como processo colaborativo. As características apresentadas pelo fenômeno analisado nos apontam para três abordagens distintas, porém, inter-relacionadas. A primeira, discute a capacidade crítica da arte (BOURDIEU, 1996; CHIAPELLO, 1998) e, em seguida, a potencialidade de sua renovação (BOLTANSKI e CHIAPELLO; BOLTANSKI, 2015; MUNK, 2015). Tal discussão nos permitiu entender o processo colaborativo como uma possibilidade renovada da capacidade crítica da arte que, ao buscar resgatar o que foi apropriado e instrumentalizado pelo capitalismo, faz avançar o “ideal” do paradigma contemporâneo do trabalho, por projetos. A segunda, toma a organização do trabalho em moldes colaborativos como subjacente ao movimento de resistência e de lutas por políticas públicas de fomento direto ao teatro, surgido a partir do processo de privatização da cultura (WU, 2006). Situação esta que, em seu conjunto, vem ao encontro da teoria de Touraine (2007), segundo a qual estaríamos vivenciando o enfraquecimento, ou até mesmo, o desaparecimento das instituições sociais que dão suporte aos indivíduos, condição esta que sinaliza o que o autor entende ser a passagem de um paradigma a outro em nossa interpretação da realidade social Tomamos esse movimento coletivo organizado por artistas e grupos, alijados dos mecanismos de patrocínio empresarial via incentivo fiscal, como emblemático das ações do sujeito que emerge do centro do novo paradigma cultural - aquele que não querendo se subter à lógica do mercado e do consumo, busca definir seu próprio destino articulando direito pessoal e organização coletiva. E a terceira, aborda a organização do trabalho e a gestão coletiva em moldes colaborativos, mantidas pelos cinco coletivos que fazem parte da Ocupação Condomínio Cênico Hospital Psiquiátrico São Pedro, como a realização de uma utopia concreta, na medida em que se apresenta como uma nova gramática de convivência, que une trabalho e projeto de vida em comum (LALLEMENT, 2015). De forma que as teorias mobilizadas para a compreensão do fenômeno avaliado neste estudo - o trabalho que se realiza em moldes colaborativos - dizem respeito a uma única questão: a capacidade de ação dos atores no contexto das recentes transformações que configuraram a sociedade capitalista contemporânea.

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In the summer of 1953, Karlheinz Stockhausen began composing his first piece of elektronische Musik at the Westdeutscher Rundfunk Studio for Electronic Music in Cologne. Up to that point, Stockhausen's only experience with electroacoustic music was his time spent at the Radiodiffusion-Télévision Française the previous year, where he assisted Pierre Schaeffer and composed a piece of musique concrète. An early case study in the marriage of serial aesthetics and electroacoustic techniques, Studie I is a rigorously organized work that reflects Stockhausen's compositional philosophy of a unified structural principle in which all musical materials and parametric values are generated by and arranged according to a single governing series. In spite of this meticulously wrought serial structure, Studie I displays features that are the consequences of the realities of electronic sound production either imposing on the sonic result, or altering the compositional plan entirely. I use a three-part approach to my analysis of Studie I by examining Stockhausen's serial system, the electroacoustic studio techniques in use in 1953, and the original recorded realization through spectrographic analysis. Using this methodology, I expose the blurring of the supposed divide between elektronische Musik and musique concrète by exploring the features that lie between the serial plan and the technical processes Stockhausen used to realize Studie I.

Le travail de Willem Boshoff s'articule autour de la date charnière d'avril 1994, les premières élections démocratiques en Afrique du Sud. Il fait des sculptures en granite et des installations de matériaux accumulés. L'artiste revendique son attachement à un art basé sur le langage, il est écrivain de dictionnaires. En revisitant les questions posées par les artistes du XXème siècle, textes et œuvres produits en Europe sont systématiquement vérifiés au regard de leur contrepartie sud-africaine. L'attitude de Boshoff, une mélancolique interrogation de son rôle de créateur, s'explique par les conditions politiques et son milieu culturel. L'artiste découvre des façons plus dynamiques de faire geste quand il adopte ce persona du druide. Lors de son objection de conscience au service militaire il avait appris qu'il est mieux de cacher la véritable signification d'un signe ou d'inventer des façons de disqualifier les textes. Les "Notes pour une esthétique aveugle" où l'essentiel n'est pas visible, inventent un dictionnaire à être lu avec les mains. Boshoff interroge ici les théories de perception qui munissent l'artiste sud-africain d'une façon de faire basculer le monde occidental vers une pensée qu'il peut réclamer sienne. La multiplicité des langues en Afrique du Sud s'ouvre à des questions de mémoire, d'écologie, de disparition, d'espace mental, des limites de la ficticité. Boshoff incite son spectateur à une opération de traduction qui peut être envisagée de façon tangible dans des œuvres tels que "Writing in the Sand" et les "Jardins de mots". Le druide est le berger des mots et des plantes en danger d'oubli. Par le même geste il les protège contre la possibilité d'être pétrifiés ou fossilisés dans une théorie ou dans un dogme. Un champ d'intelligibilité du travail de Boshoff est créé à l'aide d'esprits apparentés: Sarkis, Mofokeng, Baumgarten, Gette, Mudzunga, Ulrichs, Zulu, Kosuth, Wafer, Bochner, Filliou, Darboven, Alÿs, Acconci, Langa, Marshall McLuhan, Ivan Vladislavić.

En ingénierie dirigée par les modèles, les langages spécifiques au domaine (DSL) offrent des notations adaptées à un domaine précis pour représenter ses différents concepts. De nombreux outils permettent la définition de DSLs en explicitant les relations entre un concept et ses représentations. En fonction de la sémantique du domaine, l’ingénieur du langage peut choisir entre des notations textuelles ou graphiques. Les langages de modélisation graphique nécessitent une gestion de la position, la taille et la disposition des éléments visuels afin de maximiser leur expressivité visuelle. La plupart des éditeurs de modélisation manquent de support automatique pour gérer ces propriétés de la syntaxe concrète. Les éditeurs projectionnels permettent aux utilisateurs de se concentrer sur la conception de leur modèle en limitant les modifications de la syntaxe concrète. Cependant, bien qu’ils offrent de multiples notations, ces éditeurs ne permettent pas la création de langage graphique. Dans ce mémoire, nous proposons une nouvelle approche pour concevoir des éditeurs graphiques et projectionnels. Nous avons créé une extension d’un éditeur projectionnel orienté vers le web, Gentleman, qui nous a permis d’extraire différentes exigences. Au cours du mémoire, nous décrivons leurs impacts sur les projections et proposons des lignes directrices ainsi que des exemples d’implémentation. Comme l’édition projectionnelle demande une gestion spécifique de l’interaction, nous présentons différentes approches pour interagir avec les représentations graphiques utilisant les nouvelles informations disponibles dans les projections. Étant donné que la plupart des exigences se concentrent sur la disposition des projections, nous avons défini plusieurs algorithmes simples de disposition qui couvrent une large gamme de structures pouvant être retrouvées dans un éditeur graphique. Enfin, afin d’évaluer cette approche, nous avons exploré la génération de trois éditeurs graphiques et projectionnels pour différents domaines: les machines d’états, les diagrammes de séquences et les partitions de musique. / In model-driven engineering, domain specific-languages (DSL) provide tailored notations towards a specific problem domain to represent its different concepts. Multiple tools allow the definition of DSL by specifying the relations between a concept and its representations. Depending on the semantics of the domain, the language engineer can choose between textual or graphical notations. Graphical modeling languages require proper management of position, size, and layout to maximize their visual expressiveness. Most modeling editors lack automated support to manage these graphical concrete syntax properties. It is a time-consuming effort that affects the understandability of the model. Projectional editors prevent end-users from modifying the concrete syntax so they can focus on the modeling task. However, while they offer multiple notations, these editors lack support for graphical languages. During this thesis, we propose a new approach to design graphical and projectional editors. We created an extension of a web-oriented projectional editor, Gentleman, that allowed us to extract different requirements. During the thesis, we describe their impact on the projections and propose guidelines and examples of implementation. Because projectional editing requires specific management of the interaction, we present multiple approaches to interact with the graphical representations, using the new information available in the graphics. Since most of the requirements were focusing on the disposition of the projection, we define multiple simple layout algorithms that cover a large range of structures that can be found in a graphical editor. Finally, we explore the generation of three graphical and projectional editors for different domains: statecharts, sequence diagrams, and music sheet.

La lecture est fréquemment associée dans la modernité à un exercice de l’esprit vers l’acquisition des informations et de savoir. Cette façon de concevoir l’acte de lire comme une action centrée majoritairement sur le mental, toutefois, cache une tradition de lecture amplement corporelle pratiquée entre la basse Antiquité et la fin de la période médiévale. Cette thèse s’occupe d’examiner alors une rupture historique entre corps et lecture, un processus qui sous-tend l’avènement de la façon moderne de lire, c’est-à-dire d’un modèle qui est enraciné dans la vision et dans les fonctions intellectuelles. Ce travail s’appuie sur les études des théoriciens de l’histoire de la lecture, ainsi que sur une ample réflexion sur la sagesse émanée du corps dans le but de récupérer une lecture associée à la pratique synesthésique. Pour accomplir cette tâche, l’on cherche à l’intégration de perspectives historique, analytique et pratique pour discuter et mettre en action une lecture de teneur corporelle. Ceci implique une pratique qui entre aussi dans la dynamique de la thèse. Ainsi, on part de l’analyse de la Poésie Concrète majoritairement brésilienne pour atteindre à deux objectifs à la fois : tout d’abord, on caractérise ce mouvement poétique qui est une référence dans le contexte de la poésie visuelle, ce qui corroborait à l’importance de la vue dans le contexte de l’histoire de la lecture. D’un autre point de vue, le travail de cette thèse avec la Poésie Concrète rend tangible aussi la démonstration d’une force corporelle dans la lecture en action qu’on y apporte. Ainsi, comptant sur une approche de lecture qui est aussi pratique, la thèse vise à démontrer qu’il y a une implication inexorable du corps dans l’acte de lire. / Reading is frequently associated in modernity with a mental practice seeking to acquire knowledge and information. Nevertheless, this way of conceiving reading as an act focused mainly on intellectuality conceals a vast tradition of bodily reading practiced from late Antiquity up to the end of the medieval period. This dissertation thus aims to examine the historical rupture between the body and the reading process underlying the emergence of our modern way of reading, which emphasizes the sense of sight and purely intellectual functions. This research is grounded on theoretical studies of the history of reading, as well as on a broad reflection on knowledge emanating from the body, and thus proposes recovering a reading model associated with synesthetic practice. To accomplish this task, this study seeks to integrate historical, analytical and practical perspectives as a way to discuss and enact a reading method conscious of the body's existence; the role of the body in the act of reading is part and parcel of the dissertation’s dynamic. The analysis of Brazilian Concrete Poetry allows for achieving two objectives at once: first, a characterization of this poetic movement, considered exemplary of visual poetry, corroborates the singular importance of sight in the history of reading in modernity. In addition, however, working with the Concrete Poetry offers a tangible demonstration of the body’s force in the context of interactive reading. In other words, in endorsing an understanding of reading based on practice, the dissertation strives to show how the act of reading implies the irrepressible presence of the body.

Cette version de la thèse a été tronquée des certains éléments protégés par le droit d’auteur. Une version plus complète est disponible en ligne pour les membres de la communauté de l’Université de Montréal et peut aussi être consultée dans une des bibliothèques UdeM. / Si Norman McLaren (1914-1987) œuvre principalement dans le domaine onirique de l’animation, David Cronenberg (1943-), parfois surnommé « The Baron of Blood », réalise des films de fiction appartenant à un genre singulier qu’il a lui-même développé, celui de « l’horreur intérieure ». Que peuvent donc partager ces deux cinéastes aux univers a priori si distincts ? Chacun a construit une relation à long terme avec un compositeur : Maurice Blackburn (1914-1988) pour le premier, Howard Shore (1946-) pour le second. Mais si les univers des deux réalisateurs ont été maintes fois investigués, l’apport de leurs compositeurs respectifs demeure peu examiné. Or, d’un univers à l’autre, la musique semble jouer un rôle de toute première importance, chacun des compositeurs étant impliqué très tôt dans le processus cinématographique. Cette implication précoce dans la création collective est indicatrice de la place et du rôle centraux qu’occupent Blackburn et Shore et leur musique au sein de l’œuvre de McLaren, d’une part, et de Cronenberg, de l’autre. De la sorte, les partitions semblent ne pouvoir être considérées comme une simple illustration sonore des films, mais comme une composante tout à fait fondamentale, relançant dès lors la question du rôle de la musique au cinéma : comment le définir ? En outre, au fil de la rencontre continue sur plusieurs films, musique et cinéma en sont venus à un entrelacement tel qu’un style singulier de musicalisation des images se serait développé : quels sont les traits qui définissent ce style ? D’une collaboration à l’autre, cette thèse cherche à établir une poïétique de la création musico-filmique ; elle cherche à décrire et à comprendre les processus créateurs filmique et musical qui déterminent la composition d’une musique de film et, plus encore, une musicalité de tout le complexe audio-visuel. À travers des portraits examinant la pratique et le discours des créateurs et quatre analyses de bandes sonores (A Phantasy de Norman McLaren, Jour après jour de Clément Perron, Crash et A Dangerous Method de David Cronenberg), des liens se tissent peu à peu entre les pensées et les pratiques des deux compositeurs qui développent des stratégies similaires et originales face aux problèmes que leur posent les œuvres de McLaren (l’indissociabilité de la musique et de l’image) et de Cronenberg (la « transformation de l’esthétique humaine »). D’un binôme à l’autre, le cinéma se transforme en un laboratoire musico-filmique où chacun élabore une « méthode dangereuse » qui force l’analyste à explorer de nouvelles avenues méthodologiques. / Norman McLaren’s (1914-1987) animation work evokes a primarily dream-like world. David Cronenberg (1943-), also sometimes known as the “Baron of Blood,” makes fiction films that belong to a singular genre he developed: the “inner horror.” So what can these two filmmakers possibly have in common? They both built a long-term relationship with composers: Maurice Blackburn (1914-1988) for the former and Howard Shore (1946-) for the latter. Though the distinct approaches of these two directors have been widely studied, the weight of the contributions of their respective composers remains largely unmeasured. And this, despite the fact that music seems to play a primary role in these two directors’ process since, in each instance, the composer is involved very early on. This unusually early involvement of the composer, and the ongoing collaboration it entails, are indicative of the central place and role held by Blackburn and Shore’s music in McLaren’s work on the one hand, and Cronenberg’s on the other. This considered, their scores must no longer be seen as direct sound illustration of the films, but rather as essential components of the films, even though such a stance forces us to rethink how we define the role of music in film. Furthermore, from film to film, music and cinema become so intertwined that a singular style of musicalization of the image develops, begging the question: what are the characteristics of this style? From one collaboration to the other, this thesis seeks to establish a poietic of film-music creation; it looks to describe the cinematic and musical creative processes that determine the composition of film music and, beyond that, the musicality of the entire audio-visual complex. Through portraits that investigate the practice and discourse of creators and through the analysis of four soundtracks (A Phantasy by Norman McLaren, Day After Day by Clément Perron, Crash and A Dangerous Method by David Cronenberg), the thoughts and practices of the two composers, who develop similar innovative strategies to solve the problems posed by the works of McLaren (the inseparability of music and image) and Cronenberg (the “transformation of human aesthetics”), are gradually connected. From one duo to another, cinema becomes a musical and cinematic laboratory where each develops a “dangerous method” which forces the analyst to explore new methodological avenues.

Les poésies concrète, visuelle, sonore, apparues au début des années 1950 dans une vingtaine de pays du monde, dont l’Allemagne, la Suisse et l’Autriche, et les pièces radiophoniques expérimentales ont, jusqu’à présent, été perçues comme jeux formels avec le matériau verbal épargnant à leurs auteurs une prise de position politique par rapport au réel. Face à la réception réductrice du concept sartrien de « littérature engagée », les poétiques expérimentales apparaissent comme « désengagées ». Or, les auteurs invoquent la portée politique de leur déconstruction de poétiques traditionnelles, de normes linguistiques et de modes de pensée de la culture occidentale. Les formes d’écriture expérimentale ne seraient-elles pas alors des choix politiques au sens où elles ébranlent des visions et expériences du monde? Cette mise à distance du réel provoquerait ce que Rancière appelle la « subjectivation politique », c'est-à-dire l’émancipation du citoyen par rapport à son identité sociale figée par des manières de dire et de penser. Montrant l’intention politique immanente à certains choix poétiques cette étude aborde la notion d’engagement sous un angle poétologique / Concrete, visual and sound poetry, as well as experimental radio plays, appearing in the early 1950s in Germany, Switzerland and Austria specifically, have until now been perceived as formal games with language, sparing their authors from taking any political position with regards to reality. Given this narrow understanding of the sartrian concept of “engaged literature”, experimental poetry hence appeared as “disengaged.” And yet, authors insist on the deconstruction of traditional poetry, of linguistic norms and of the Occidental vision of culture. As a consequence, shouldn’t we also understand experimental literary forms as political in the sense that they shatter our traditional vision and experience of the world? The distance taken from reality leads to what Rancière calls “political subjectivity”, by which he means the emancipation of the individual from a fixed social identity through news ways of saying and thinking. Analyzing the political intention inherent to specific poetical choices, this study offers a poetic approach of literary political engagement