L'art du cinéma, depuis son arrivée en Iran et dans l'enceinte de la cour royale en 1900, a été d'emblée l'objet de contrôles émanant du pouvoir e place, pétri de croyances religieuses traditionnelles. Son étendue à la société iranienne, quatre ans plus tard, résulte des efforts des intellectuels du pays Mais, dès sa mise en présence avec le public, l'art cinématographique a dû faire face à deux antagonismes très forts dans la société: la religion et la morale; car ce média -élément patent de la modernité- était considéré par l'une et l'autre comme une source de corruption. Le cinéma, pour sa part, n'a jamais abandonné la partie. Dès les premières productions nationales et graduellement, on constate l'émergence d'œuvres qui prennent en compte l'impératif de la censure pour mieux le contourner, afin d'exprimer, de façon déguisée, au moyen de métaphores essentiellement, leurs préoccupations. Ce qui particularise le cinéma iranien comme à part dans le monde de la création cinématographique, c'est la tendance à développer un langage métaphorique provenant de son passé historique. Le cinéma iranien, en effet, a puisé son inspiration et ses fondements dans la poésie persane. Au fil de l'histoire, ses poètes -les premiers- ont appris à utiliser le biais de la métaphore pour exprimer leurs idées malgré les restrictions. Ce regard et ce caractère se sont ensuite intensifiés et ont imprégné petit à petit la société iranienne en général et les artistes en particulier. Cette façon de réagir est devenue ensuite tellement habituelle que Je peuple iranien, aussi, a commencé à l'utiliser à son tour, souvent pour exprimer ses pensées de façon indirecte et emblématique. Il sait décoder instantanément ce langage et en découvrir le message ou les messages. C'est dans ce contexte que les cinéastes iraniens sont parvenus à construire une méthode adéquate pour passer les bornes de la censure, critiquer la société iranienne à la faveur de cette transposition poétique et créer une interaction vive avec le public. Ce cheminement, qui a commencé dès la production nationale au début des années trente, s'est fortifié vers la fin des années cinquante pour se cristalliser à la fin de la décennie suivante. / The art of cinema since its emergence in Iran and on the grounds of the Royal Court in 1900 was immediately subject to censorship from the administration in power, attached to traditional religious beliefs. Its extension to Iranian society, four years later, was the result of the country intellectuals' efforts. But as soon as it was presented to the public, film art has had to face two very strong antagonisms in the society: religion and morality; because this media -major element of modernity -was considered by both as a source of corruption. The cinema, for its part, never gave up. From the first national productions, and gradually. we see the emergence of works that take into account the constraint of censorship in trying to bypass it, by expressing their concerns in disguised form essentially through metaphors. What distinguish Iranian cinema as apart from the world of filmmaking, is the tendency to develop a metaphorical language that emanate from its historical past. Iranian cinema, indeed, drew its inspiration and foundations in Persian poetry. Throughout history, poets -the first- have learned to usi metaphor to express their ideas despite the prohibition. This look and dimension are then intensified and gradually impregnated the Iranian society in general and artists in particular. This way of reacting became later so usual that the Iranian people, too, began to use it in tum often to express his thoughts through an indirect and symbolic way. He knows instantly how to decode the language and to receive the message or messages. It is in this context that Iranian filmmakers have managed to build an adequate method to pass the bounds of censorship. criticize Iranian society through this poetic transposition and create a lively interaction with the audience. This evolution. which began with the national production in the early thirties, was reinforced in the late fifties to crystallize at the end of the next decade.

La littérature caribéenne d’expression anglaise et française se caractérise aujourd’hui par une véritable remise en question voire une déconstruction des normes occidentales imposées. Née dans un contexte de violence et de dénigrement de l’être noir, cette littérature est marquée par une forme de résistance qui s’enracine dans le marronnage historique. Ainsi, l’objectif général de cette étude est de montrer que les processus de créativité contemporains font usage du passé, notamment du marronnage, comme démarche émancipatrice de l’art et de la littérature caribéenne. Il conviendra de présenter le phénomène du marronnage dans la Caraïbe comme une dynamique discursive dans trois romans d’Earl Lovelace The Schoolmaster, The Dragon Can’t Dance et The Wine of Astonishment, auquel s’ajoute le roman Abeng de Michelle Cliff et Un dimanche au cachot de Patrick Chamoiseau.Ces fictions s’inscrivent dans un mouvement de résistance à l’occident et d’agentivité du personnage afro-descendant qui se manifeste par un renouvellement des tactiques et des stratégies crées par l’esclave fugitif : le nègre marron. Ainsi, la structure narrative déconstruit, la langue d’écriture subvertit, les thématiques liées à la résistance et la rébellion symbolisent la présence d’un marronnage littéraire. Ces récits plongent le lecteur dans une atmosphère chaotique où l’Afro-descendant doit lutter pour s’affranchir des griffes du colonialisme. C’est ainsi que les auteurs ont choisi de mettre en scène des personnages contemporains nourris de l’esprit de résistance et de rébellion qu’ils opposent à la politique coloniale. De plus, l’esthétique marronne permet aux écrivains du corpus de sortir de l’emprise occidentale et d’exprimer une certaine autonomie discursive. / Nowadays, Caribbean literature in English and French language challenges imposed Western norms. Originated from a context of violence and inferiority of black people, this literature is marked by a form of resistance that is rooted in historical marronnage. Thus, the general objective of this study is to show that contemporary creative practices use the past as an emancipatory approach to Caribbean art and literature. It presents the phenomenon of marronnage in the Caribbean as a discursive dynamics in three novels by Earl Lovelace The Schoolmaster, The Dragon Can’t Dance and The Wine of Astonishment, Abeng by Michelle Cliff and Un dimanche au cachot by Patrick Chamoiseau.These fictions are part of a resistance movement against Western codes. It deals with Black characters agentivity expressed by a renewal of maroon tactics and strategies in the novel. Thus, the deconstruction of the narrative structure, subverted written language as well as topics related to resistance and rebellion symbolize the presence of a literary marronnage. These stories bring the reader deeply into a chaotic atmosphere where the Afro-descendant struggles to free himself from colonial power. The authors have chosen to present contemporary characters fed by the spirit of resistance and rebellion thay they oppose to colonial policy. Moreover, marroon aesthetic allows writers to get away from Western influences and expresses a certain autonomy.

De plus en plus d'organisations se tournent aujourd'hui vers des activités de conception collectives pour concevoir de nouveaux produits, services, processus ou politiques publiques avec les usagers, employés, citoyens et autres parties prenantes. Résultat, nous savons organiser sous plusieurs formes l'innovation collective : généralement de l'innovation modérée avec des acteurs qui fonctionnent bien ensemble, au sein de collectifs qui fonctionnent également bien.Or, avant de traiter d'interactions au service de l'innovation, il faut reconnaitre que l'on ne perçoit pas toujours comment ces collectifs créatifs émergent. Pourquoi tel mutisme sur le temps zéro ? On dénote aussi un antagonisme en matière de pilotage de communautés, lequel est souvent mal perçu et potentiellement fatal. Nous sommes donc confrontés à une double ignorance : 1) sur l'émergence des communautés créatives, et de facto 2) sur le management de l'émergence de ces collectifs. Comment peut-on gérer sans être intrusif dans des contextes où il n'y a rien? Est-ce que l'innovation peut être une ressource dans ce processus et non pas seulement un effet? Si tel est le cas, alors il faudra comprendre comment et pour quelles raisons. Or, le problème est que la littérature a tendance à séparer les deux dimensions. On parle d'innovation, mais on pense souvent qu'elle est réservée aux collectifs « bien constitués » ; de l'autre on parle de collectifs, mais on ne pense pas que l'innovation puisse aider à l'émergence de nouveaux collectifs. La thèse démontre plutôt qu'il y a un lien très intime et profond entre les aspects « communautés » (relations) et l'action d'innover (car c'est de communautés créatives qu'il s'agit). Que l'action d'innover (la conception) renforce le collectif et que le collectif renforce la capacité de conception.Nous montrons que c'est précisément de cette question que traite le co-design. L'approche de conception se pose en effet comme un formidable espace de création de collectifs, là où d'autres méthodes échouent. Elle enclenche la mise en route de communautés créatives là où l'on n'attendait plus la moindre action collective. Plus précisément, la thèse aborde les trois questions suivantes : 1) Quelles sont les caractéristiques des collectifs et des contextes « pré »-communauté? 2) Quel est le rôle de la conception dans l'émergence de communautés créatives? 3) Comment piloter des communautés créatives dans la durée ? Par une approche qualitative et constructiviste, elle mobilise une foule de méthodologies : l'étude de cas multiples, la modélisation et l'expérimentation, ainsi que la recherche-intervention.L'axe I se penche sur des rapports interpersonnels encore plus déstructurés et des contextes d'innovation encore moins fertiles qu'anticipés. De ces rapports initiaux antagonistes émerge pourtant une capacité à se projeter collectivement dans l'inconnu grâce la mise en place d'espaces de conception. Le premier acte managérial de la genèse d'une communauté créative tient dans la capacité à transformer, par un espace de conception, des conflits en indécidables communs, sans forcément les résoudre.L'axe II démontre que les liens relationnels se renforcent dès que l'on parvient à pousser les acteurs à générer des concepts; à faire circuler les connaissances et à favoriser leur combinaison. Mais une fois cette transformation effectuée, la communauté doit se doter de ressources externes pour poursuivre son expansion. Le deuxième acte managérial consiste donc à remettre la communauté sous tension en ramenant des connaissances indépendantes pour préserver la part d'indécidable.Finalement, le pilotage de l'axe III offre des pistes de solutions aux différents enjeux intra et inter séances de co-design relevés en cours de route. Il identifie aussi deux actes managériaux supplémentaires : la consolidation de la valeur et de la communauté, ainsi que la résolution des propositions collectives et l'ouverture de nouvelles explorations. / More and more organizations turn to collective activities to design new products, services, processes or public policies with users, employees, citizens and other stakeholders. As a result, we know how to organize collective innovation under several forms : generally for moderated innovation with actors who work well together, within collectives who also function well. Yet, before discussing interactions for the purpose of innovating, we must recognize that we do not always perceive how these creative collectives emerge. Little is known about the moment it emerges. We also denote an antagonism regarding the management of communities, which is often badly perceived and potentially fatal. But then again, how can one stay on the touchlines when all the proper conditions are not in place a priori and when everything remains to be built?Thus, we are faced with a double unknown: 1) on the emergence of the creative communities, and de facto 2) on the management of the emergence of these collectives. How can we manage without being intrusive in contexts where there is nothing? Can innovation be a resource in this process and not only an effect? If that is the case, then we must understand how and for which reasons. Yet, the literature tends to separate both dimensions. It discusses innovation, but often portrays it as if it was reserved for "established" collectives ; or, on the other side, it discusses collectives, but it does not show how innovation can help in their development. Rather, the thesis demonstrates that there is a strong link between communities (relations) and innovation (for we are dealing with creative communities). That engaging in innovation (to design) strengthens the collective and that the collective strengthens the capacity of to innovate.We argue that co-design deals preciscly with this question. That this type of design poses as a tremendous space for the creation of collectives, where other methods fail, and that it gives way to creative communities where collective action was the least expected. More precisely, the thesis adresses the following three questions: 1) What are the characteristics of the collectives and the contexts "pre" community? 2) What is the role of design in the emergence of creative communities?; and 3) How to manage creative communities on the long run? By a qualitative and constructivist approach, it mobilizes a range of methodologies: multiple cases study, modelling and experimentation, as well as intervention research.Axis I deals with unstructured interpersonal relationships and contexts of innovation even less fertile than anticipated. Nevertheless, these conflicting initial relationships give way to a collective capacity to explore the unknown by the fact of engaging in co-design. The first managerial act of the genesis of a creative community lies in the capacity to transform, through a collective design activity, conflicts in common "undecidables", without solving them necessarily.Axis II demonstrates that the relational links strengthen as soon as actors engage in the generation of concepts; when they get to share and combine their knowledge in new ways. However, once this transformation has occured, communities need external resources to pursue their expansion. Thus, the second managerial act consists in putting back communities under tension by bringing in independent knowledge.Finally, the management of more elaborate and longer co-design initiatives in the third axis offers solutions to the various intra and inter sessions issues uncovered along the way. It also identifies two additional managerial acts: the consolidation of value and of the creative community, as well as the resolution collective proposals and the opening of new explorations.

Cette thèse se penche sur la gouvernance des politiques régionales de la science en France dans le contexte de l'Espace Européen de la Science. Nous proposons donc une typologie des régions européennes qui vise à offrir un regard différent sur ces espaces de collaborations, en considérant les connectivités locales-globales dans la théorie des Systèmes Régionaux d'Innovation. Puis au travers d'un modèle gravitaire nous mobilisons plusieurs formes de proximités pour expliquer ces collaborations, en introduisant des proximités culturelles à l'échelle régionale. Cette thèse questionne à la fois la place des autorités régionales dans les politiques scientifiques en régions ou des régions, mais aussi la vision de la science de ces régions (à travers de l'analyse des CPER et de comptes Twitter). Nos travaux préconisent une meilleure compréhension des acteurs dans le cadre cognitif où les liens entre Science et Innovation sont trop souvent supposés. Cette dernière approche est également l'occasion de mettre en avant l'insuffisante prise en compte des logiques des différents acteurs de l'innovation (au sens large) et la nécessaire coordination des politiques des différents niveaux impliqués. L'analyse du mode de gouvernance des politiques de soutien aux activités créatives dans l'espace transfrontalier du Rhin Supérieur, permettra d'illustrer ce cadre cognitif nouveau. / This thesis addresses the issue of governance of the regional science policies in France, in the context of the European Science Area. We propose a typology of European regions that offer a new point of view on collaborations spaces (better considerations of local vs global connectivity). Then we go through this issue by proposing a gravity model incorporating diverse forms of proximities to explain scientific collaboration in Europe (detailed analysis on cultural proximity at the regional level). We raise the issue of scientific policies made in regions or by regions in France (context of decentralization) and ask the view of these regions of science (through the analysis of CPER and Twitter). Finally we propose to go ahead with the cognitive framework (expectation on the effectiveness of the links between Science & Innovation) by analyzing the governance of creative industries policies in the Upper-Rhine region (using a failure story). This last approach will again raise the insufficient consideration of each actor’s motivations in the innovation process (in a broad sense) and the need for coordination of economic policies between each level involved.

Depuis les dernières décennies, le monde du travail a subi des transformations importantes. Elles doivent, aujourd’hui plus que jamais, optimiser leur efficacité et leur efficience, dans un contexte en constante évolution. En conséquence, l’innovation peut devenir un levier fort avantageux sur lequel les organisations peuvent créer, produire et offrir de nouveaux produits ou services. En d’autres mots, les organisations ont tout intérêt à faire de l’innovation une priorité stratégique. Cependant, l’innovation soulève également quelques enjeux non négligeables. Nonobstant les attentes envers les retombées positives, qui sont suscitées par les investissements parfois majeurs, il devient familier de constater une augmentation des stresseurs en entreprise. Afin de minimiser les effets pervers de ces stresseurs, accroitre notre compréhension de leurs effets sur le processus d’innovation est devenu une des clés essentielles. Les études empiriques étant plus nombreuses sur le sujet, il semble toutefois persister quelques contradictions qui méritent l’étude intégrée et pratique des connaissances sur le sujet de l’innovation. C’est dans cette perspective d’intégration que s’inscrit la présente thèse. Celle-ci est constituée de deux articles. Le premier article vise spécifiquement à faire une recension des écrits sur le lien entre les stresseurs et l’innovation au travail. S’adressant au monde scientifique et articulé autour de trois défis principaux, celui-ci présente d’abord le concept de l’innovation, souvent confondu avec le concept de créativité. Ensuite, la définition des stresseurs, les principaux constats et les limites qui sous-tendent la relation entre les stresseurs et l’innovation sont discutés. Le deuxième article, de nature empirique, s’adresse encore une fois à la communauté scientifique. Il a pour objectif de valider un modèle identifiant différentes variables afin de soutenir l’émergence de conduites innovantes en présence de stresseurs de type challenge et menace. Pour tester le modèle, des analyses de régressions multiples ont été réalisées, lors d’une étude longitudinale, auprès de 198 travailleurs québécois d’entreprises privées. L’interprétation générale des résultats tend à montrer que le comportement innovant est impacté de manière différenciée selon la nature des stresseurs en cause. Il semble donc opportun de les considérer et de proposer des stratégies d’intervention adaptées afin de minimiser l’impact des stresseurs. Par ailleurs, le facteur motivationnel, mesuré par l’implication au travail, semble influencer positivement l’innovation, sans oublier la justice interactionnelle, qui semble être une ressource intéressante à considérer. Ces résultats apportent donc des appuis empiriques aux théories existantes sur le sujet. Ils encouragent également une meilleure gestion des stresseurs au travail, aident à mieux impliquer les gens, et favorisent des relations interpersonnelles justes et équitables en milieu de travail. En somme, l’intégration de ces deux articles permet d’enrichir la documentation scientifique actuelle, tant sur les plans des connaissances théoriques que de la pratique professionnelle en psychologie organisationnelle. Ainsi, cette présente thèse constitue une source importante d’informations permettant de suggérer des pistes d’intervention, basées sur des fondements théoriques, afin de protéger le potentiel innovant des travailleurs.

La créativité s’exprime dans tous les domaines de l'activité humaine et devrait êtreparticulièrement utile pour faciliter les transitions psychologiques de la période del’adolescence. Après avoir examiné les principaux travaux actuels sur l’adolescence, lasocialisation et la créativité, cette recherche s’engage sur l’étude des relations entre créativitéet socialisation au moment de l’adolescence. 149 adolescents français et 173 adolescentssyriens ont répondu à un questionnaire comportant : des items adaptés des tests de Torrance,des questions originales permettant d’apprécier la socialisation scolaire, la perception de laréussite scolaire, la socialisation extra-Scolaire, et certaines caractéristiques familiales.L’objectif était d’apprécier si les relations entre créativité et socialisation sont analogues dansles deux contextes culturels, pas de comparer les performances créatives des deux groupesd’adolescents, et d’évaluer séparément le développement de la pensée créative dans les deuxpopulations.Les données ont été analysées principalement en repérant les corrélations significativesentre les divers indices de créativité et de socialisation. Une analyse qualitative desproductions créatives a également été menée. Dans l’ensemble, contrairement à noshypothèses, les corrélations entre créativité et socialisation se sont révélées plutôt faibles saufpour la perception de la réussite scolaire, et pour la pratique des activités extrascolaire. Ellessont également peu systématiques et diffèrent sur de nombreux points quand on compare lesdonnées françaises et syriennes. L’analyse qualitative permet également de montrer quel’évaluation de la créativité dépend des représentations culturelles et de l’expérience acquise. / Creativity is apparent in every domain of human activity. In particular, it should beespecially useful to facilitate the psychological transitions in the adolescent period. Followingan examination of main present studies on adolescence, socialization, and creativity, thisresearch contributes to investigate the relations between creativity and socialization duringadolescence. 149 French adolescents and 173 Syrian adolescents completed a questionnaireincluding items adapted from Torrance tests, original questions on school socialization,perception of school achievement, out of school socialization, and some family features. Theaim was to understand if the relations between creativity and socialization are analogous inthe two cultural contexts, not to compare the performance on creativity between the twoadolescent groups, and to evaluate independently the development of the creative thinking inboth samples.Data were mainly analyzed by stressing the significant correlations between the variousindex of creativity and socialization. A qualitative analysis of creative products was alsoconducted. As a whole, contrary to our hypothesis, the correlation between creativity andsocialization were quite low except for the perception of school achievement and the practiceof extracurricular activities. They were also not systematic and they differed in numerousaspects when French data and Syrian data were compared. Besides, the qualitative analysis letto show how creativity assessment depends on cultural representations and learnedexperiences.

Cette recherche est une comparaison des métaphysiques de Deleuze et de Whitehead. Deleuze et Whitehead ont en commun une approche philosophique où un certain empirisme, qu’il soit « transcendantal » ou « spéculatif », cherche à élucider la nature de l’expérience en tant que telle. Dans les deux cas il s’agit de rendre compte de l’expérience réelle en elle-même, pas seulement de ses conditions de possibilité. Les tâches de l’empirisme transcendantal comme de l’empirisme spéculatif peuvent être définies comme un essai pour expliquer la genèse de l’expérience ou d’une nouvelle sorte de subjectivité, qui remonterait bien plus haut et qui serait bien plus universelle que celle du sujet kantien. Ainsi, dans les philosophies de Deleuze et de Whitehead, ce n’est pas plus un sujet transcendantal et conscient qui est placé au fondement ou au commencement de toute expérience réelle, car chez l’un comme chez l’autre l’expérience humaine n’est plus qu’un cas qui peut être dérivé d’un processus beaucoup plus général, qui est le processus de la réalité elle-même. Pour Deleuze et Whitehead, ce qui est important devient alors d’expliquer la genèse ou l’individuation, par laquelle une expérience se produit. Empirisme transcendantal et empirisme spéculatif peuvent être caractérisés tous deux, chacun à sa façon, d’ « ontologies univoques », où l’intensité est liée à l’individuation / This research is a comparative study of the metaphysics of Deleuze and Whitehead. Deleuze and Whitehead share a common philosophical approach in which a certain empiricism, whether "transcendental" or "speculative", tries to elucidate the nature of experience as such. In both cases what matters is to explain the real experience for itself, not its conditions of possibility. The tasks of their empiricism, be it transcendental or speculative, may be defined as an essay to explain the genesis of experience or of a new kind of subjectivity which could be traced back to a much higher and universal stand than the Kantian subject’s one. Thus, in the philosophies of Deleuze and Whitehead, neither are a transcendental subject nor a conscious subject which is situated at the foundation or the start of any real experience, since, for both of them as well human experience is but a case or a result which can be derived from a much more general process, which is the very process of reality itself. For Deleuze as well as Whitehead, what was thus important was to explain the genesis or the process of individuation, by which experience is produced. Both transcendental empiricism and speculative empiricism can be characterized, each one in its own way, as "univocal ontologies", wherein intensity is linked to individuation.

Quand en 2006, Camille de Peretti, la jeune écrivaine de vingt-six ans, décide de donner une nouvelle version d’un livre qui date, elle remonte loin dans le temps : deux-cent-vingt-quatre ans précisément. Elle opte pour Les Liaisons dangereuses de Choderlos de Laclos, roman épistolaire paru en 1782. Les Liaisons se caractérisent par l’ambiguïté aujourd’hui encore présente de leur enseignement moral ; et surtout par la justesse analytique dont est doté leur auteur lors de la peinture du mal. Elles sont une décomposition détaillée des stratégies de la perversion en leurs techniques efficaces par surcroît. C. de Peretti puise, dans le palimpseste, ses intrigues d’amour couplées à la vengeance, ainsi que les stratégies érudites de séduction. Elle prend possession de l’œuvre source pour créer son œuvre. Elle fait mieux : elle dialogue, par là-même, avec l’écrivain originel. La communion intellectuelle est telle que l’écrivain et la récrivaine écriraient à quatre mains le même ouvrage si la possibilité leur en était donnée [...] / When in 2006, Camille de Peretti, the twenty-six-year-old young writer, decides to give a new version of an old novel, she goes far back in time : two hundred and twenty-four years ago. She opted for The Dangerous Liaisons by Choderlos de Laclos, an epistolary novel issued in 1782.The Liaisons are characterized by the ambiguity still present today of their moral teaching; and above all by the analytical accuracy with which the author is endowed when depicting evil. In addition, they are a detailed decomposition of the strategies of perversion in their efficient techniques.C. de Peretti draws, in the palimpsest, its love intrigues coupled with vengeance, as well as the erudite strategies of seduction. She takes possession of the source work to create her own. She does better : she dialogues, in this way, with the original writer. The intellectual communion is such that the writer and the rewriter would write the same work in four hands if given the opportunity [...]

Les graphistes utilisent des propriétés visuelles comme la couleur, la police de caractères typographiques, la taille ou la position pour construire et communiquer leurs concepts visuels. La plupart des outils numériques de composition considèrent les propriétés visuelles comme simples attributs. Ces propriétés sont accessibles, quand l’objet est sélectionné,via des boîtes de dialogue, sans êtres considérées comme objets indépendants dans l’interface. Cette thèse porte sur la réification des propriétés visuelles des objets graphiques pour les tâches de composition.Je soutiens l’importance de créer des outils de composition qui permettent de manipuler les propriétés visuelles directement, sans passer par des menus ou des boîtes de dialogue.La manipulation des propriétés visuelles dépend de la perception des propriétés, de l’expertise de l’utilisateur et de leur représentations sur l’interface.Elle dépend également des outils existants pour manipuler les propriétés visuelles dans le contexte de travail. Les outils numériques de composition utilisent principalement des boîtes de dialogue. Certains travaux de recherche soutiennent l’importance de faire évoluer les boîtes de dialogues, et proposent des boîtes de dialogues plus interactives. D’autres travaux proposent de nouvelles manières de représenter et de manipuler les propriétés visuelles.Les graphistes préfèrent les outils qui agissent directement sur les propriétés visuelles. Ils adaptent ces propriétés, pour les utiliser comme outils leur permettant de compléter des tâches comme l’alignement et l’espacement.Les artistes et les designers travaillent en développant leurs propres représentations des espaces de couleur. Ils manipulent chaque couleur, dans le contexte des autres couleurs utilisées dans le même document.Leurs choix de couleur dépendent également d’autres propriétés visuelles comme la texture, la matière, ou la luminosité. En créant leurs mise en page, les graphistes établissent des liens entre les propriétés spatiales comme la position, la taille, et la superposition des éléments graphiques. Ils créent des règles pour définir comment ces liens évoluent dans un même document, ou entre différents documents.Deux groupes d’outils proposent des exemples de la réification des propriétés visuelles pour des tâches de composition. Deux études avec des designers présentent différentes utilisations envisagées pour ces outils.Chaque utilisateur présente des exemples de projets spécifiques dans lesquels ces outils faciliteront leurs tâches de composition, et comment ils leur permettront d’obtenir les rendus recherchés. / In this dissertation, I argue that visual composition tools should reify visual properties— that is, create them into first-class, interactive objects that designers can manipulate, directly in the document. Artists and designers use visual properties such as color, typography,size, and position to create novel composition concepts. Most visual composition tools treat graphical elements as objects— but not their visual properties. The latter are simply attributes of graphical elements, usually accessible on demand, through property sheets or dialog boxes, rather than as independen tinteractive objects.I begin with an introduction, where I outline the dissertation and summarise the main contributions.Then, I present a conceptual overview, where I argue that perception, expertise, theories and existing representations of visual properties affect how designers manipulate them in their work. In the related worksection, I identify the main approaches visual composition tools propose to manipulate visual properties.I explain the advantages and limitations of these approaches.I present a comparative structured observation study (Chapter 4) where graphic designers perform visual composition tasks in Adobe Illustrator. Designers preferred tools that provide direct access to visual properties.They use these visual properties to complete visual composition tasks such as alignment and distribution.I then present two interview studies (Chapter5, Chapter 6) that examined artists’ and designers’practices as they manipulate color and create layouts in their projects. Artists and designers create personal color representations. They manipulate each color in the context of its surrounding graphical elements,and combine it with other visual properties such as texture. As they create their layouts, designers establish links among visual properties such as size,position, and layering of graphical elements. They define rules for how these properties change in space,across instances of the same composition, or in time,across related compositions.Based on these observations, two groups of prototypes (Chapter 7) demonstrate how we can reify visual properties into first-class graphical objects. ColorPartner supports creating personal representations of the color manipulation process. Color Revealer permits creating informative color representations of how a process evolves. Palette Explorer supports manipulatingvisual properties of color swatches, such as size, position and layering, in the context of surrounding colors. Color Compositor supports manipulating the combination of colors and textures. Linkify supports linking visual properties directly in the documentand defining rules for how these links evolve as the content changes. Contextify supports creating rules that define how visual properties change across instances of a composition. In two follow up studies,designers explain how they intend to use these tools in their current projects..I conclude with a summary of the contributions(Chapter 8) and a discussions of the limitations and future work.

Les outils de design graphique traditionnels n’ont que peu évolué depuis leur création, il y a plus de 25 ans. Dans cette thèse, je m’intéresse à deux questions principales: Comment les designers travaillent-ils avec leurs outils de design numériques? Comment peut-on créer de nouveaux outils numériques pour le design qui supportent les pratiques existantes? J’étudie en premier lieu quatre pratiques de design. Celles-ci s'échelonnent depuis des opérations spécifiques telles que la sélection de couleurs, l’alignement et la distribution d’objets graphiques vers des pratiques plus complexes telles que la structuration de la mise en page et la collaboration avec des développeurs pour créer de nouvelles interactions. Dans ces quatre études empiriques, je caractérise le décalage existant entre les outils numériques actuels et les pratiques des designers. Je montre comment les outils du design numérique actuels détachent la créativité de l’utilisation des outils en donnant la priorité à des valeurs telles que l’efficacité et la facilité d’utilisation. Je propose un nouveau type d’outil de design nommé “Substrats Graphiques”, fondé sur les résultats empiriques de mes quatre études et qui combine la souplesse et l'expressivité de la programmation avec la manipulation directe permise par les interfaces graphiques traditionnelles. Je conçois neuf outils différents qui répondent aux attentes identifiées dans mes études empiriques en réifiant (transformant en objets concrets) les processus spécifiques des designers en tant que Substrats Graphiques. À travers quatre observations structurées, je montre comment les designers s’approprient ces substrats dans leurs propres termes. Dans cette thèse, je soutiens que les Substrats Graphiques ouvrent l’espace des possibles des outils pour les designers en permettant de combler l’écart entre la programmation et les interfaces graphiques. / Mainstream digital graphic design tools seldom evolved since their creation, more than 25 years ago. In this dissertation, I address the following questions: How do designers work with design software? And how can we design novel design tools that better support designer practices? Using StoryPortraits, a method designed to capture rich qualitative insight, I first study four designer practices, ranging from specific design operations such as color selection, alignment and distribution, to more complex endeavors such as layout structuring and collaboration with developers. In these empirical studies, I characterize the existing mismatch between current digital design tools and designers practices. I show how design tools, because they decouple creativity from tool use, prioritize values such as efficiency and user-friendliness. Based on my empirical findings, I propose a new type of design tools, Graphical Substrates that combine the strengths of both programming and traditional Graphical User Interfaces. I design nine different tools that address the needs identified in the four empirical studies by reifying specific user process into Graphical Substrates probes. In four structured observation studies, I show how designers can appropriate these probes in their own terms. In this thesis, I argue that Graphical Substrates open the design space of designers' tools by bridging the gap between programming and graphical user interface to better support the wealth of designers' practices.