Esta investigación tiene por objetivo comprender los espacios de congregación como los principales impulsores del afianzamiento de la escena del Rock Subterráneo de Lima entre los años 1983 a 1992. Sin embargo, para entender esta idea de espacio no vamos a analizar al espacio solamente como un lugar físico, sino entenderemos a éste como el lugar de las interacciones. Asimismo, lo que usualmente se ha conocido desde un principio como una movida juvenil y musical, en el presente trabajo será denominado “escena” y, en ese sentido, se analizarán sus implicancias tanto en las relaciones sociales como también en las musicales. Con esta investigación esperamos poder insertarnos dentro de los trabajos que han venido apareciendo en los últimos tiempos acerca del rock subterráneo y, de la misma manera, se espera contribuir con el debate sobre el concepto de “escena” al enfrentarnos a los espacios de congregación como un aspecto fundamental para el desarrollo del ámbito artístico y musical de la ciudad Lima.

La aparición de un nuevo tipo de negocio en el mercado peruano que logra permanecer en el tiempo a pesar de contextos adversos, atrayendo nuevos consumidores y aumentando así la adquisición de sus productos, resulta llamativa. Dicho lo anterior, es importante especificar que este nuevo tipo de negocio ha podido ser investigado en el presente estudio y es conocido como tienda de conveniencia coreana. Ahora, teniendo en cuenta lo comentado, es interesante conocer que las tiendas de conveniencia coreanas cuentan con un tipo de consumidores adeptos y afines a la cultura coreana llamados k-fans. Habiendo esclarecido lo mencionado, la presente investigación abarca un tipo de negocio reciente y actual como lo es la tienda de conveniencia coreana y se enfoca en hacer un análisis de los factores que influyen en la intención de compra de consumidores afines a la cultura coreana como lo son los k-fans de una de las tiendas de conveniencia coreanas en el Perú más longevas y conocidas como lo es Assi Market. De manera que lo que se busca es conocer qué factores del presente estudio influyen efectivamente en la intención de compra de los k-fans consumidores de Assi Market. Para esto, fue necesario examinar modelos de intención de compra del consumidor previamente estudiados y analizados. Luego y tomando en cuenta los modelos respectivos, se procedió a establecer el modelo propuesto para la presente investigación junto a sus variables e ítems. En consecuencia y con el fin de recolectar información para el análisis correspondiente, es relevante comentar que la investigación tiene un alcance descriptivocorrelacional y que el enfoque utilizado es el cuantitativo, ya que se realizaron encuestas a 180 k-fans consumidores de Assi Market. Finalmente, con la información recolectada, se realizó el análisis correspondiente que determinó la relación efectiva entre las variables independientes hacia la dependiente que en este caso es la Intención de Compra. A partir de todo lo mencionado, se finaliza con las conclusiones respectivas del estudio y las recomendaciones a 3 importantes ejes como lo son la tienda de conveniencia Assi Market con la que se trabajó, a las demás tiendas de conveniencia coreanas en el Perú y a futuras investigaciones.

En el presente trabajo se analiza de qué manera la relación entre la composición y la ejecución del saxofón ha construido el género musical llamado tunantada, el cual deriva de una danza tradicional jaujina del mismo nombre. Se ha escogido el estilo musical de la fiesta de Yauyos por ser el de mayor influencia en la actualidad y más difundido. Además, existen más evidencias fonográficas en este estilo, las cuales se utilizaron en esta investigación. Se propone que el posicionamiento del saxofón como sonido principal en la orquesta típica del Centro –a principios del siglo XX– ha convertido a este instrumento en el referente y soporte fundamental de la expresión del “sentimiento tunantero”. La tunantada y el saxofón están en una relación simbiótica que requiere el conocimiento de ciertas complejidades de su lenguaje musical por parte de instrumentistas que deseen ejecutar este género. En este trabajo se explica el contexto social y económico del Valle del Mantaro, el cual favoreció la constante innovación cultural y la incorporación de instrumentos foráneos a sus tradiciones locales hasta el punto de ser considerados como tradicionales. Luego se define tunantada a partir de diversos autores. Posteriormente, gracias a un minucioso trabajo de escucha y transcripción, se describen detalles técnicos de la ejecución del saxofón en esta música. Finalmente, se identifican cuatro etapas de corrientes estéticas que coexistieron dentro del desarrollo de la música de la tunantada desde 1940 hasta el 2017. / In this work it is analized how the relationship between the composition and the performance of the saxophone has built the musical genre called tunantada, which derives from a traditional dance of Jauja named the same. The musical style of the Yauyos festival has been chosen because it is the one with the greatest influence today and the most widespread. In addition, there is more phonographic evidence in this style, which was used in this research. It is proposed that the positioning of the saxophone as the main sound in the typical orchestra of the Center –at the beginning of the 20th century– has made this instrument the reference and fundamental support for the expression of the “tunantada feeling”. The tunantada and the saxophone are in a symbiotic relationship that requires knowledge of certain complexities of their musical language by instrumentalists who wish to perform this genre. This paper explains the social and economic context of the Mantaro Valley, which favored constant cultural innovation and the incorporation of foreign instruments to its local traditions to the point of being considered traditional. Then it is defined tunantada from various authors. Later, thanks to a meticulous listening and transcription work, technical details of the performance of the saxophone in this music are described. Finally, four stages of aesthetic currents that coexisted within the development of the music of the tunantada from 1940 to 2017 are identified.

La flor de Amancaes es una especie natural en peligro de extinción que representa a la capital peruana: la ciudad de Lima. Su reconocimiento, sin embargo, es escaso entre sus residentes puesto que en la actualidad no es una pieza de información que se difunda con frecuencia a través de los medios de comunicación. Las personas que conviven día a día con la cultura de la ciudad no son capaces de reconocer su figura y se está poniendo en peligro la conservación de la especie. La presente investigación expone la falta de una adecuada representación visual de la flor de Amancaes, advierte la pérdida del acervo cultural limeño y muestra la escasa difusión de la flora en Lima a través de la revisión de libros, revistas, medios web, entrevistas y encuestas a los actores relacionados con el problema. El documento se complementa con la opinión de un grupo de personas perteneciente al público objetivo y la revisión de profesionales a través de un juicio de pares. La solución planteada tras la evaluación de la información obtenida es el diseño de un juego de memoria ilustrado, con el cual se transmite información a través de las imágenes en las tarjetas y su campaña de comunicación por redes sociales. Se busca que tanto niños como adultos puedan acceder de forma directa a algunos datos relacionados al Amancaes, al mismo tiempo que comparten tiempo de calidad con su círculo social más cercano. / The Amancaes flower is a natural species in danger of extinction, representing the Peruvian capital, Lima. However, its recognition is scarce among residents, as it is not frequently disseminated through the media. As a result, people who live day-to-day with the city's culture cannot recognize its figure, putting the conservation of the species at risk. This research exposes the lack of adequate visual representation of the Amancaes flower, warns of the loss of Lima's cultural heritage, and shows the scarce diffusion of flora in Lima through a review of books, magazines, web media, interviews, and surveys of actors related to the problem. The document is complemented by the opinions of a group of people belonging to the target audience and the review of professionals through a peer review. After evaluating the obtained information, the proposed solution is designing an illustrated memory game. The game will transmit information through images on cards and its social media communication campaign. It seeks to allow children and adults to directly access some data related to Amancaes while sharing quality time with their closest social circle.

Hoy en día existe un interés manifiesto por producir diseños conidentidad, diseños que no sólo sean funcionales y estéticamente agradables, sino que además plasmen y sean transmisores de códigos de nuestra cultura. Un diseño con identidad no implica necesariamente hacer una réplica del carácter gráfico de la producción visual de nuestro pasado, sino mas bien detenernos y reconocer las manifestaciones gráficas producidas a lo largo de nuestra historia y actualidad como fuente de inspiración. Para hablar de identidad,en un país multicultural como el nuestro, debemos comenzar primero por entender los fenómenos sociales y culturales que contribuyeron a generar los signos y símbolos que hoy compartimos,cómo estos se han ido fusionando, desapareciendo, surgiendo o evolucionando a través del tiempo. Mirar nuestra ciudad y reconocer este repertorio de signos y símbolos gráficos que constituyen la manifestación de la identidad del nuevo limeño, nos permite a los diseñadores estudiarlos y revalorarlos, para integrarlos a nuestro lenguaje visual. Dando lugar a nueva imágenes que sean transmisoras de nuestra identidad grafica local que nos distinga de otras sociedades. Desde la creación grafica se generan una serie de signos identitarios que forman parte de un registro de la evolución de nuestra identidad cultural local y nacional. A lo largo de nuestra historia nacional y local estos signos se fusionaron, se transformaron y evolucionaron convirtiéndose en portadores de nuevos significados. Este proceso de sincretismo no se detiene hoy en día y vemos como nuestras manifestaciones graficas continúan transformándose. En la ciudad de Lima se integran las diferentes identidades que forman parte del Perú, lo andino-migrante y lo citadino. Con las migraciones a Lima, las persona trajeron sus signos y símbolos que se fusionaron con lo citadino para crear un nuevo lenguaje integrador. La gráfica popular limeña es una manifestación cultural de la identidad local del nuevo limeño, abarca aquella producción realizada de manera informal para satisfacer necesidades de comunicación asociadas al pequeño comercio, a la venta de un negocio o servicio y la promoción de eventos musicales. Es reconocida por la publicidad formal como una comunicación efectiva, integrando sus códigos visuales y estrategias de comunicación en las diferentes campañas para producir una publicidad inclusiva, continuando de este modo en proceso de sincretismo de los códigos y signos que van de lo popular a lo oficial y de lo local a lo global.

Esta investigación trata el caso de religiosidad popular de José Luis Tipacti Peñavásquez, un niño que falleció a los 9 años el 15 de agoto de 2007 durante el terremoto que azotó al sur del Perú. Hoy, este niño es conocido como “Chicho”, el niño milagroso de Ica y tiene miles de devotos que atribuyen su fe a los milagros concedidos al orar ante su estatua colocada en el lugar donde fue encontrado su cuerpo. Pero, ¿cómo el pequeño niño se convirtió en un santo popular y cómo se manifiesta este fervor religioso hacia él? Esta investigación expone, mediante la realización de un documental etnográfico, la conformación y manifestación de la devoción por “Chicho”, describe los espacios donde se manifiesta la devoción, explica cómo se conformaron y revela la relación entre la devoción por el niño y el terremoto. Para el cumplimento de los objetivos abordo tres campos teóricos: cultura material, memoria y performance. Esto, debido a que en las diversas formas de manifestación de la devoción por “Chicho”, sus fieles despliegan todo un universo de materialidad y para comprender cómo se crea, desarrolla y crece recurro a Tim Ingold (2013), y sus estudios sobre cultura material. Uno de los objetivos es conocer el origen de la devoción por “Chicho”, por ello es importante acudir a la memoria de los padres y de los mismos fieles para descubrir cómo se inicio; y, propongo los aportes teóricos de Valeria Durand (2006) y Diana Taylor (2000) para entender esta etapa. En las diferentes prácticas de petición de milagros o favores a “Chicho” y en las formas de agradecimiento que representan sus devotos, incluso su propia madre, observé, desde mi aproximación en el trabajo de campo, la existencia de una performance que amalgama emociones, ritualidad y costumbres relacionadas al catolicismo. Para el análisis en este tema, empleo las investigaciones de Richard Schechner (2000) y Erving Goffman (2001). En las variadas formas de manifestación de fe en “Chicho”, se emplean imágenes y objetos que implican todo un circuito de producción. El análisis de la conformación de este circuito, lo hago desde el planteamiento teórico de Deborah Pool (2000) sobre economía visual; que, plantea la organización de la producción, la circulación de las imágenes u objetos y cómo se les otorga valor en su consumo. El documental realizado es una simbiosis entre la modalidad de representación observacional y participativa desde la propuesta de Bill Nichols (1991) y Elisenda Ardévol (1997). Desde mi experiencia en el mundo audiovisual y periodístico hago una profunda y honesta reflexión que involucra desde las etapas de preproducción, realización y postproducción del documental etnográfico hasta la comprensión y aprendizaje de teorías y técnicas de la antropología visual. En tanto a los referentes documentales consultados están: “Sarita Colonia, la tregua moral” de Javier Ponce Gambirazio (2016), que trata un caso de religiosidad popular; “Forever” (Para siempre) de Heddy Honigmann (2006), que es un gran modelo del modo de representación interactivo o participativo; y “Forest of Bliss” (Bosque de dicha) de Robert Gardner (1986), que es, desde mi punto de vista, un deslumbrante ejemplo del modelo observacional o contemplativo. A partir de la investigación, pude apreciar que la devoción por el niño “Chicho” ha crecido enormemente y se ha extendido fuera de Ica gracias a diferentes factores como: el rol de la señora Edith Peñavásquez , madre de “Chicho”, como gestora de la devoción por su hijo; el papel de los devotos como expansores de la fe; la función de los medios de comunicación como difusores del caso de “Chicho”; y el desempeño como comercializadores de la devoción de las empresas y personas dedicadas al sector turístico en Ica.

[pt] A presente pesquisa tem como propósito examinar as obras de diversos artistas brasileiros que criam com fortes laços com a Cultura Pop Japonesa, e assim, refletirmos sobre novas possibilidades para o design. Para esse fim, a pesquisa aqui apresentada será composta de três movimentos: no primeiro olharemos para o design sob a luz da cosmotécnica de Yuk Hui, entendendo as relações entre o design e a sua conexão com seu trágico destino prometeico. Segundamente, a partir deste olhar, delinear parte das cosmotécnicas brasileiras em seu contexto antropofágico, hibridizante e hipercultural através da sua relação com a Cultura Pop Japonesa, revisando-a sob o olhar de autores e artistas que têm suas produções associadas aos resultados de tal relação. Finalmente, a partir do olhar do design, iremos refletir sobre estes modos de fazer brasileiros como maneira de vislumbrar uma saída para o destino trágico para o qual o design, e as outras técnicas prometeicas, se destinam. / [en] The purpose of this research is to examine the works of diverse brazilian artists that have strong bonds with Japanese Pop Culture, then examine those as a means to bring new possibilities for the design field. This will be done in three major steps: First we’ll analyze design under the optics of Yuk Hui s cosmothecnics, revealing its relations to a promethean tragic destiny. Secondly, we will do an analysis of the hybridizing, anthropophagic and hipercultural Brazilian context, focusing on its relation to Japanese Culture and Pop Culture. Interviewing artists that have their production based on such relation. Finally, through design s perspective, ponder about possibilities for design to escape its tragic destiny.

[pt] Esta pesquisa tem como objetivo realizar um estudo sobre os impressos religiosos conhecidos popularmente como santinhos. Com base na configuração gráfica tradicional desse material, ao que poderíamos considerar hoje como uma estrutura gráfica radicada à cultura popular e à cultura de massa, gostaríamos de gerar uma reflexão, para que possamos, eventualmente, reavaliar nossas convicções sobre os processos projetuais e metodológicos que compõem o exercício prático dessa atividade que reconhecemos como design gráfico. Esta pesquisa tem como enfoque apresentar de que maneira as diferentes estruturas sociais operaram na dimensão imaginária ou simbólica, de modo a exaltarem concretamente, através de suas produções materiais, representações sociais que traduzem valores e significados. Compreendemos que realidades sociais distintas podem assumir diferentes percepções e entendimentos sobre as coisas do mundo ao passo que a legitimação de bens (materiais ou simbólicos), bem como o julgamento de valor a eles atribuído por um determinado grupo social, poderiam variar igualmente. Portanto, argumentamos nesse trabalho que o significado de um artefato gráfico não seria definido por qualidades objetivas ou a partir de critérios formais, internos ao próprio objeto, mas, sobretudo, por intermédio de condições externas que permeiam sua produção. Nesse sentido, a pesquisa chama atenção para uma série de condições que devemos levar em conta antes de interpretar uma imagem como boa ou ruim, mostrando que até mesmo uma estampa religiosa pode revelar dimensões antes desconhecidas para alguém que não esteja familiarizado com seus códigos visuais e culturais. / [en] This dissertation aims at studying the religious prints generally known in Brazil as santinhos. Based on the traditional graphic configuration, to what one would consider today as a rooted structure to a popular and mass culture, one wishes to reflect, so to, eventually, revaluate the convictions upon the methodological and projective processes which compose the practical exercise in this activity which is known as graphic design. This research aims at presenting the way that different social structures work on the imaginary or symbolic dimension, as to exalt concretely, through its material productions, social representations that translate values and meanings. One comprehends that distinct social realities may take on different perceptions and understandings about things in the world, as to the probation of properties (material or symbolic), such as the value judment laid to it by a determined social group, may vary just the same. Thus, one discusses during this study that the meaning of a graphic artifact would not be defined by its objective qualities neither by its formal criteria, inner to the object itself, whereas, above all, by its external conditions that permeate its productions. By this way, this study focuses on an array of conditions which one must take into account before interpreting certain image as good or bad, showing that even a religious print may reveal previously unknown dimensions to someone that may not be familiar with its cultural and visual codes.

A definição mais imediata para canção de ninar, uma das várias denominações brasileiras para este gênero poético-musical, é estabelecida por sua finalidade: canção feita para adormecer criança pequena; uma definição funcional,portanto. A análise do conteúdo poético e da forma destas canções permite identificar os elementos imprescindíveis à sua composição e eficácia estética, ampliando tal conceito. Desta maneira, a canção de ninar pode ser considerada um dos primeiros objetos culturais a que o ser humano é exposto. O medo da morte (perdas, despedidas, separações), presente nos cuidados maternos, paternos e de outros adultos com as crianças pequenas, especialmente com os recém-nascidos, penetra as canções de ninar em diferentes culturas, expressando-se em vários elementos, inclusive em suas figuras de terror. A esta linha interpretativa, substancializada por constatações advindas de uma prática clínica de atendimento psicológico às famílias de recém-nascidos, foi acrescida outra de caráter mais sociológico: o estudo de alguns textos de canções de ninar tradicionais brasileiras revelou elementos dos encontros e desencontros étnico-culturais dos diferentes povos que formaram a nação brasileira. O traço de terror, geralmente compreendido como medida disciplinar para o sono, aparece acentuado nas nossas canções também porque se origina em um ambiente colonial, escravocrata, contaminado por ameaças e hostilidades. Junto a vestígios de horror apareceram também traços de resistência e preservação cultural das etnias indígenas e negras; como se as canções de ninar fossem veículos propícios ao transporte resguardado de elementos fundamentais da cultura dos grupos humanos colonizados ou escravizados. As pesquisas e reflexões de Mário de Andrade e o estudo de acalantos compostos por artistas brasileiros contemporâneos permitiram conhecer e delinear melhor este gênero: o contexto que o origina, seu tom melancólico, sua forma curta e repetitiva, o uso da sonoridade nasal hum e da vogal u. Por sua qualidade artística, o acalanto pode revigorar o ambiente cultural que cerca o nascimento e a infância. Neste sentido, ele é potencialmente humanizador. O ambiente cultural é tão fundamental e delimitador da experiência humana quanto o ambiente físico e emocional (familiar ou institucional). Cuidar do surgimento das palavras, da sua afinação com a experiência vivida, de seu vigor e sentido; cuidar da experiência inicial com a palavra é condição para o desenvolvimento pleno deste ser de linguagem que é o homem. Assim, redimensiona-se neste estudo o conceito de puericultura que passa a abranger também as ações de cultivo da palavra e da poesia com a criança pequena. / The most immediate definition of lullaby, only one among several Brazilian denominations for this poetic-musical genre, is determined by its main purpose: a song intended for little children to fall asleep, a functional definition, therefore. The analysis of the poetical content and of the form of these songs allows us to identify the essential elements of their aesthetic composition and effectiveness, broadening such concept. Thus, the lullaby may be considered one of the first cultural objects that the human being is exposed to. The fear of death (losses, farewells, separations), present in the cares given by mothers, fathers and other grown-ups to little children, especially newborn babies, permeates the lullabies in different cultures, expressing itself in many elements, including its terror figures. To this interpretative line, based on observations derived from the practice of psychological assistance to the families of newborn babies, another one of a more sociological nature has been added: the study of some texts extracted from traditional Brazilian lullabies has revealed elements of the ethnic-cultural matches and mismatches of the different cultures that shaped the Brazilian nation. The element of terror, generally understood as a disciplinary measure for sleeping, is highlighted in our songs because it also has its origin in a colonial slave-based environment, contaminated by threats and hostilities. Along with the vestiges of horror, there have arisen traces of resistance and cultural preservation of black and indigenous ethnic groups, as if the lullabies had been proper conducive vehicles to the hedged transportation of fundamental elements of the culture of the colonized or enslaved human groups. The researches carried out by Mario de Andrade, as well as his reflections, and the study of lullabies composed by contemporary Brazilian artists allowed the better understanding and outline of this genre: the context where it comes from, its melancholic tone, its short and repetitive form, the use of the nasal sonority \'hum\' and the vowel \'u\'. For its artistic value, the lullaby can be quite refreshing for the cultural environment surrounding birth and childhood. In this sense, it is potentially humanizing.The cultural environment is as important and delimiting for human experience as the physical and emotional environment (familiar or institutional). Caring about the arising of new words, their affinity to the life experience, their vitality and sense; caring about the initial experience with words is a condition for the full development of this language-based being, the man. Hence, in this study, the concept of childcare is resized so as also to include the actions of cultivation of word and poetry with the little child.

O fandango caiçara é uma expressão musical intimamente ligada ao modo de vida que se desenvolveu nas comunidades tradicionais do litoral sul de São Paulo e norte do Paraná. Partindo da unidade entre dança, música e poesia e entre trabalho, lazer e universo simbólico - unidades que historicamente caracterizam a prática do fandango - o objetivo desta pesquisa é buscar possíveis caminhos para uma compreensão crítica da modernização capitalista do território brasileiro no interior das formas musicais e narrativas populares. O trabalho articula as características e a trajetória do fandango para chegar à relação que a forma estabelece com os conteúdos sociais, procurando revelar contradições e rupturas de um processo estruturalmente desigual e violento, que altera, por completo, as condições de existência de transmissão das tradições orais. Ao mesmo tempo, procura-se inserir a temática da cultura popular no contexto histórico de formação do Brasil como um país periférico na divisão internacional do trabalho, onde a coexistência entre formas tradicionais e modernas implica numa série de questões contemporâneas, por exemplo, o meio-ambiente, o patrimônio imaterial, a relação campo-cidade, apenas para citar alguns. Espera-se, com isso, construir uma visão dialética entre modernidade e tradição, na qual resistência e hegemonia são entendidas como partes de uma mesma totalidade. / \'Fandango\' is a musical expression intimately connected to the ways of life developed by traditional communities on the southeastern Brazilian coast. Beginning with the unity between dance, music, poetry and between labour, leisure and symbolic life - unities that have historically characterized this practice - the research aims to discover ways towards a critical comprehension of capitalist modernization of Brazilian territory within folk music. The paper draws upon the characteristics and the history of \'fandango\' in order to establish relations between social elements with musical forms and narratives, unveiling contradictions and disjunctions of a structurally uneven and violent process that completely alters the conditions of existence of oral traditions. At the same time, the theme of folk culture is inserted into the historical context of the formation of Brazil as a peripheral country within the international division of labour, where the coexistence of ancient and modern forms leads to a number of contemporary issues- i.e. environmental degradation, cultural heritage, the urban-rural relation, to name a few. The main objective is to build a dialectical approach towards the study of modernity and tradition, in which resistance and hegemony are seen as parts of the same totality.