Cette thèse part d’une constatation troublante : une œuvre littéraire et sa traduction sont deux textes différents. Comment deux textes différents peuvent-ils s’annuler, être indiscernables en tant qu’œuvre ? Y a-t-il une œuvre, deux œuvres distinctes, ou plutôt, comme nous le proposerons provisoirement, une œuvre relationnelle, la traduction littéraire. Cette relation est en fait une dépendance que nous théorisons, avant de proposer une théorie procéduraliste institutionnelle de l’œuvre et de montrer que les traductions littéraires ne sont pas des œuvres, mais des compositions substitutives, « œuvre » étant un statut qui chapeaute toutes les compositions qui la font fonctionner. Nous montrons en outre qu’elles appartiennent aux pratiques artistiques, qui regroupent un certain nombre d’activités et d’artefacts essentiels au fonctionnement des œuvres d’art. « Œuvre » étant un statut, cela a comme conséquence qu’« auteur » en est un aussi. Nous tentons ensuite de déterminer si le traduire s’étend à toutes les activités de compréhension, ou s’il y a une spécificité du traduire interlinguistique littéraire. Par la suite, nous étudions les deux principales attitudes qui s’offrent au traducteur au moment de traduire : les approches sourciste et cibliste. Après quoi nous examinons qui est le lecteur d’une traduction littéraire et dans quelle mesure il se distingue du lecteur de la composition en langue première. Après un examen de la compréhension d’un point de vue empirique, nous en venons à la conclusion que le critère de réussite pour la lecture est la compréhension. Cela nous permet de proposer une étude du critère de fidélité en fonction de la compréhension, tout en précisant qu’une œuvre, étant un statut, n’est jamais traduite. Pour finir, après avoir appliqué notre théorie aux traductions de Shakespeare réalisée par Voltaire, nous montrons que la pensée de la traduction est travaillée par une méprise ontologique qui confond fidélité sémantique et fidélité ontologique. / This dissertation starts from a troubling observation: a literary work and its translation are two different texts. How can two different texts cancel each other out, be indiscernible? Is there one work, two distinct works, or rather, as we will provisionally propose, a relational work, the literary translation. This relation is in fact a dependence that we theorize, before proposing an institutional proceduralist theory of the work and showing that literary translations are not works, but substitute compositions, "work" being a status that encompasses all the compositions that make it work. We further show that literary translations belong to artistic practices, which bring together a number of activities and artefacts essential to the functioning of works of art. "Work" being a status, the consequence is that "author" is also one. We then attempt to determine whether translating extends to all the activities related to understanding, or whether there is a specificity to literary interlinguistic translating. Next, we study the two main attitudes available to the translator when translating: the sourceand target-oriented approaches. We then consider who the reader of a literary translation is and how he differs from the reader of the first-language composition. After studying understanding from an empirical point of view, we come to the conclusion that a successful reading is one through which the read work is understood. This allows us to unfold a study of faithfulness according to understanding, before concluding that a work, being a status, is never translated. Finally, having applied our theory to the Voltaire’s translations of Shakespeare, we show that the theory of translation is dominated by an ontological misunderstanding which confuses semantic and ontological faithfulness.

Cotutelle / La présente thèse propose de traverser l’ensemble de l’œuvre cinématographique de Johan van der Keuken (1938-2001) en suivant le fil de la collection. Partant d’une reconnaissance de curieuses configurations d’objets et de corps rappelant les chambres de merveilles de la Renaissance et les entresorts du 19ème siècle, elle élabore un cadre théorique original fondé sur des travaux de Stanley Cavell, Gilles Deleuze et Siegfried Kracauer, afin d’analyser ce qui dans ce cinéma réfléchit le devenir filmique d’objets et d’êtres vivants saisis à même la vie ordinaire. Cette analyse s’enracine dans la pratique d’une forme d’ekphrasis qui veut épouser les rythmes, mouvements et inflexions de ce cinéma et de ses personnages, dont l’écriture répète les collections musicales. La thèse expose ainsi les responsabilités du cinéaste aux prises avec diverses formes de difformités, de marginalité et d’exclusion dues au colonialisme et à la logique réifiante du monde capitaliste, et montre comment les images qu’il réalise par les moyens propres au médium cinématographique manifestent un regard qui à la fois assume la violence inhérente à ce médium et parvient à en faire un instrument d’émerveillement. Ce regard collectionneur et merveillant affronte résolument l’exhibition, le voyeurisme, la stigmatisation, le sensationnalisme, l’accumulation, l’abstraction, la dispersion, la réification, pour en dégager une ligne de fuite au lieu d’en reconduire la violence. Tout en les heurtant, il suscite dans notre regard et notre écoute un amour du monde tel qu’il est. Van der Keuken met ainsi en œuvre, jusque dans le dernier film qu’il réalise alors qu’il est mis devant l’inévitabilité de sa propre mort, une éthique du cinéma dans l’oscillation entre merveille monstrueuse et merveille merveilleuse. / This dissertation offers a path through the complete œuvre of filmmaker Johan van der Keuken (1938-2001), guided by the notion of collecting. Highlighting the curious configurations of objects and bodies that call to mind Renaissance-era Wunderkammern and nineteenth century freak shows, this dissertation formulates an original theoretical framework based on the works of Stanley Cavell, Gilles Deleuze and Siegfried Kracauer. This framework enables the dissertation to analyze how van der Keuken’s cinema thinks through the filmic becoming of objects and living beings plucked out of ordinary life. This analysis is rooted in an ekphrastic practice that seeks to mold itself to the rhythms, movements, and inflections of this filmic universe and its characters, whose composition repeats musical collections. The dissertation thus demonstrates the filmmaker’s responsibilities as he grapples with diverse forms of deformity, marginalization and exclusion due to colonialism and the objectifying logic of a capitalistic world, and shows how the images he creates through the means unique to the medium of cinema manifest a gaze that both acknowledges the inherent violence of the medium and manages to turn it into an instrument of wonder. This collecting and wondering gaze resolutely confronts the risks of exhibition, voyeurism, stigmatization, sensationalism, accumulation, abstraction, dispersion, and objectification, in order to open a line of flight rather than reproducing violence. Even while shocking our eyes and ears, van der Keuken elicits in our gaze and in our listening a love of the world just as it exists. He thus experiments, up through his final film, directed as he faces his inevitable death, a film ethics that oscillates between monstruous wonder and wonderous wonder.

Notre étude analyse les liens que l’industrie américaine des cosmétiques établit entre la beauté et la citoyenneté féminines dans les pages des magazines Vogue et Ladies’Home Journal entre 1937 et 1946. Elle suit un plan chronologique afin de saisir l’évolution de ces liens en fonction du contexte historique. Ainsi, de 1937 à décembre 1941, ces liens sont d’abord établis de manière relativement indirecte. Ils visent surtout à promouvoir des idéaux américains de beauté et de maternité ainsi que la consommation de cosmétiques produits aux États-Unis. De l’entrée des États-Unis dans la Seconde Guerre mondiale en 1941 jusqu’en 1945, l’industrie des cosmétiques renforce ces liens de manière à ce que beauté et citoyenneté deviennent pratiquement synonymes. « L’acte de beauté » est alors présenté dans les deux magazines comme un véritable devoir citoyen pour les Américaines. La fin du conflit, quant à elle, reformule les termes de l’équation. Tout en articulant à nouveau les impératifs de beauté et de citoyenneté autour des rôles féminins « traditionnels » au nom du retour à la « vie normale », l’industrie des cosmétiques utilise les publicités et les articles qu’elle publie dans Vogue et dans le Ladies’Home Journal pour affirmer le « American Way of Life » dans le contexte de la guerre froide. / Our study analyzes the links that the American cosmetics industry established between feminine beauty and female citizenship in the magazines Vogue and Ladies’ Home Journal from 1937 to 1946. It follows a chronological plan to capture the evolution of these trends according to the historical context. Thus, from 1937 until December 1941, these links were first established in an indirect way. They aimed to promote American ideals of beauty and maternity as well as the consumption of cosmetics produced in the United States. From the entry of the United States into the Second World War in 1941 until 1945, the cosmetics industry strengthened these ties so that beauty and citizenship became virtually synonymous. During this period "the act of beauty" was then presented in the pages of the two magazines as a real civic duty for the Americans. The end of the conflict, for its part, restated the terms of the equation. While disassociating the beauty and citizenship imperatives in the name of a return to "normal life" and revaluing "traditional" women's roles, the cosmetics industry used the advertisements and articles it published in Vogue and the Ladies'Home Journal to counter Communism. / Résumé en espagnol

L'exposition FORME ET AFFECT DANS LA CIRCULARITÉ NATURE/ART/NATURE présente un parcours sculptural par le biais de formes directement inspirées de la nature. Cette inspiration de la nature découle de la circularité nature/art/nature, plus spécifiquement du passage effectué d'un univers à l'autre. U s'agit du passage de la nature à l'art et du passage de l'art à la nature. Ce retour vers la nature est en soi le cadre de ma problématique qui se veut un questionnement à savoir s'il est possible par l'activation des sens de l'homme, lors de la stimulation visuelle découlant de l'observation des formes naturelles, de réaliser un retour vers la nature par une expérience proposée dans un espace qualifié de non naturel. Il est question également dans cette exposition d'un processus sensible vers le parcours suggéré via la proposition d'un jeu de mise en espace. Le spectateur sera donc invité à prendre part à ce jeu lors de son propre parcours formel dans cet univers naturel.

Ce mémoire se concentre sur la réception des personnages bibliques par le lecteur du roman L’Évangile selon Jésus-Christ (ESJC), de l’écrivain portugais José Saramago. L’étude dégage d’abord les spécificités de l’univers du roman, à partir duquel le lecteur perçoit les personnages. En fait, cet univers s’avère un espace « tridimensionnel », mixte de mythe, de fiction et d’Histoire. Ensuite, le statut et le sens des figures du récit sont analysés à travers une approche du personnage en termes d’effets. À cet égard, les théories de Vincent Jouve dans L’effet-personnage dans le roman et les différentes représentations des personnages dans l’ESJC et dans le Nouveau Testament orientent l’analyse. En ce sens, ce mémoire démontre un ensemble de mécanismes démystificateurs des personnages, grâce à leur humanisation. L’étude examine également un complexe système axiologique voué, sinon à la subversion du lecteur, du moins à sa réflexion sur les personnages qui intègrent le récit fondateur de la croyance religieuse en Occident. / This work focuses on the reception of biblical characters by the readers of the novel The Gospel According to Jesus Christ, written by the Portuguese author José Saramago. Firstly, this study extracts elements from the novel’s universe, from which readers perceive the characters. In fact, such universe integrates a tridimensional world, mixing myth, fiction and History. Secondly, the status and the sense of narrative figures are analyzed through a character approach based on reading effects. In this sense, Vincent Jouve’s theories from ‘L’effet-personnage dans le roman’ [The character-effect in the novel] and the different representations of novel and biblical characters from the New Testament are also compared. In this way, this work demonstrates several mechanisms that demystify the characters, due to their humanization. The present study also investigates a complex axiological system that aims, if not at readers’ subversion, at least at their exam about the characters that integrate Western’s original narrative of religious belief.

La société antillaise s'est construite à partir de la rencontre de peuples issus de différents lieux géographiques. Dès lors, la présence du divers a impliqué un métissage qui a créé une culture de la pluralité. Les auteurs antillais s'attachent à représenter ce réel composite. L'Isolé soleil de Daniel Maximin, roman hétérogène, n'échappe pas à ce désir de représenter la réalité plurielle telle qu'elle est aux Antilles. Nous croyons que L'Isolé soleil de Daniel Maximin est une mosaïque, figure esthétique décrite par Lucien Dâllenbach dans Mosaïques. Ce roman, alliant l'un et le multiple, nous semble en effet être une « mosaïque [qui] désigne un "tout en morceaux", un objet à facettes, ou encore un montage de pièces détachées¹». De plus, la mosaïque permet d'harmoniser ce divers, car elle a « l'intérêt de pousser en position centrale le problème névralgique de l'ordre et du désordre, et d'y apporter une solution²». Nous verrons que L'Isolé soleil permet de confronter ces antagonismes. Du point de vue formel, la mosaïque se retrouve dans L'Isolé soleil par des références constantes à plusieurs écrits provenant de différents lieux géographiques ainsi que par la présence de plusieurs langues et de divers genres littéraires tels le cahier, la lettre, le poème et le journal. Ces aspects du roman se rattachent à l'un des deux pôles de la mosaïque, soit « celui de la discontinuité de ses composants³». L'autre pôle, toujours en tension avec son envers, consiste en « celui de l'unité de l'ensemble⁴». Ce dernier est représenté, dans L'Isolé soleil, entre autres, par la présence de la poésie, non pas comme genre littéraire s'opposant à d'autres, mais, cette fois, en créant une nouvelle loi poétique qui crée le rythme et permet de lier les divers fragments. Cette poésie se retrouvant dans la prose de Maximin devient ce qui fonde l'unité dans l'hétérogénéité créée par les renvois à tous les textes liés à la poésie de résistance dans L'Isolé soleil. Ainsi, toute cette poésie de résistance (négro-renaissance américaine, négritude, surréalisme) et la poésie comme rythme permettent de régler le conflit de l'un et du multiple. L'Isolé soleil est donc une véritable mosaïque, un « tout en morceaux⁵».

Ce mémoire porte sur la production des significations par les adolescentes du contenu d’une série de fiction sur le suicide, dans un contexte de panique morale. Plus particulièrement, je traite du cas de la série 13 Reasons Why, diffusée en ligne sur Netflix. Ma recherche s’inscrit dans les études sur les filles, fondées sur l’écoute des voix des jeunes femmes. La méthodologie adoptée est qualitative et inductive. J’ai procédé à une analyse thématique des commentaires publiés par des adolescentes sur la page Facebook de la série, en vue de répondre à des questions portant sur quatre dimensions de la réception : l’expérience d’écoute, l’appropriation des contenus au quotidien, l’intervention du contexte de panique morale dans la production du sens et les transformations des significations. L’analyse a permis d’en savoir plus sur l’expérience de l’écoute en rafale. Pour ce qui est de l’appropriation des contenus, on a vu émerger des opinions variées et parfois contradictoires, surtout en ce qui concerne la représentation du suicide et de la violence sexuelle. La douleur exprimée à la vue des scènes difficiles va à l’encontre de l’avis des autorités interviewées dans les médias, selon lequel le suicide dans la série semble facile et indolore. Les commentaires des adolescentes laissent transparaître un esprit plus critique vis-à-vis du contenu de la série que le laissent croire ces autorités. Des formes d’appropriation typiques de l’éthique de la sollicitude ont aussi émergé des textes étudiés : énoncés sur l’importance de la gentillesse, offres de soutien moral et pistes de résolution de problèmes personnels. Peu d’adolescentes s’expriment sur le contexte de panique morale. Celles qui en traitent semblent accorder plus de crédibilité aux spécialistes qu’aux autorités scolaires. J’ai finalement noté que l’ouverture des adolescentes à la discussion ouvre la voie à la négociation et à la transformation des significations.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2015-2016 / Ce mémoire explore les stratégies corporelles des hommes gay, ainsi que leur rôle dans la construction, la négociation et l'affirmation de leur identité masculine, au quotidien. Il repose sur les concepts centraux d'identité incorporée et de performativité de l'identité de genre. Les données, qualitatives, ont été recueillies auprès de résidants de quatre métropoles états-uniennes qui s'investissent activement dans des projets corporels incluant la chirurgie esthétique, les rituels de grooming et les pratiques vestimentaires. Le mémoire met en évidence le rôle crucial du corps dans la création et la performance de l'identité masculine gay. Parfois transformé afin qu'il se conforme aux canons de beauté associés à la masculinité hégémonique, dans la communauté gay comme dans la société en général, le corps, nu ou habillé, apparaît dès lors comme le produit d'un travail, l'indicateur d'une volonté et le signe d'une compétence, car chacun est considéré responsable de l'image qu'il donne de lui-même. MOTS CLÉS: masculinité, gay, identité, corps, ville globale, apparence, chirurgie esthétique.

±Sous tous ces rapports, l'art reste pour nous, quant à sa suprême destination, une chose du passé¿ (HEGEL, G.W.F., Cours d'esthétique I, trad, de Jean-Pierre Lefebvre et Veronicka von Schenck, Paris : éd. Hotho, Aubier, 1995, p. 18). Voilà de quelle façon s'amorce le Cours d'esthétique de Hegel. D'emblée, le professeur y annonce la fin de l'art. L'allégation est brutale, voire polémique, mais somme toute délicate comparée aux suspicions passées de la philosophie à l'endroit de la forme artistique. La question que pose Hegel est la suivante : l'oeuvre d'art est-elle une force qui persiste à affirmer sa présence malgré les conditions défavorables des temps modernes? Avant tout, l'étude présentée a pour objectif de relater le passage de l'art religieux à l'art conceptuel à travers la déclaration de la fin de l'art du philosophe, mais aussi, elle propose quelques éclaircissements concernant la vie de la forme artistique contemporaine. Ce mémoire ne tente pas de circonscrire la modalité exacte de l'art, quoique bien délimitée par la philosophie de Hegel; plutôt, il demande si la thèse de la fin de l'art est un jugement justifiable à son époque, et s'il peut l'être encore aujourd'hui.

L’arrivée des nouvelles technologies dans notre mode de communication amène à elle seule le changement d’approche dans notre contact aux autres. Par mon travail photographique, je change mon propre rapport aux gens et au monde. La perception que nous avons du monde dépend de la lentille que nous adoptons. Mes photographies exposent un univers fantastiquement réel de corps fuyant et émergeant du monde expérimental. J’ai souhaité que ce travail en photo se profile à l’image d’une quête sur l’ouverture des principes établis du corps, du mouvement photographié et de la représentation physique du monde. Également, je questionne la temporalité du monde moderne en jouant avec le flou photographique. Je cherche tout ce qui m’échappe : je questionne cette zone grise intangible où un autre univers s’y illustre.