Depuis la fin du XXe siècle, notre monde a été affecté par une grande mutation des activités humaines. Dans cette mutation, les sciences de la cognition jouent sans doute un rôle central. Le développement des sciences cognitives, surtout depuis sa phase de Seconde Cybernétique, fait émerger de nouveaux paradigmes et offrent au monde humain la nouvelle génération des technologies de l'informatique – le numérique. En parallèle avec les technologies numériques qui ont profondément transformé le rapport sensible de l’être humain au monde, les dispositifs scientifiques et conceptuels mis en œuvre dans la Seconde Cybernétique ont également provoqué un grand retentissement dans tous les domaines scientifiques et philosophiques occidentaux. Ces dispositifs nous conduisent à ré-évaluer les connaissances déjà modélisé dans le cadre de la modernité à partir d’une approche totalement nouvelle, celle du système évolutif. Le retentissement de la Seconde Cybernétique a un impact fort dans le domaine de l'art. D'une part, les technologies numériques offrent à la création artistique de nouveaux moyens techniques de modélisation de l'œuvre d'art en s'accompagnant de l'apparition de nouvelles expressions artistiques, de nouvelles esthétiques et de nouveaux enjeux pour les représentations artistiques. D'autre part, les dispositifs conceptuels et scientifiques mis en place par la Seconde Cybernétique ont conduit les théoriciens de l'art et les esthéticiens à réévaluer les phénomènes artistiques (l’œuvre d’art, l’activité artistique, la perception esthétique, l’évolution culturelle de l’art, etc.) dans une perspective totalement nouvelle de l’esprit : le naturalisme de l’esprit. Mes travaux tentent de proposer une réflexion sur l’œuvre d’art en relation avec la cognition à partir des dispositifs scientifiques, technologiques et conceptuels constitués dans le cadre de la Seconde Cybernétique, mais aussi à partir des dispositifs conceptuels issus de l’art lettré traditionnel chinois. Les deux paradigmes de pensées du réel, tout en étant à l'origine de deux cultures très éloignées et très différentes, révèlent par contre un même principe de l'appréhension du monde. À partir de ce principe, la réalité doit être analysée en tant que phénomène d’émergence en cours relevant d'un rapport d'interaction ; le monde se définirait comme réseau des relations dynamiques capables de s'auto-organiser pour l’émergence de nouvelles structures. Cette approche du réel nous conduit à reposer la question de l’œuvre d’art, à la fois en tant qu’objet de création et en tant qu’objet de réception esthétique, à partir des nouveaux paradigmes liés aux processus d’émergence comme processus biologiques ou processus numériques. Cette thèse peut être résumée par les quatre points suivants : 1. L’art relève d’une capacité cognitive créatrice qui résulte de la phylogenèse de l’espèce humaine et qui est individualisé par le développement ontologique de chaque personne. 2. L’art, comme culture, relève d’un système d’appréhensions cognitives du réel ; ce système s’organise dans le même principe que l’algorithme évolutionniste basé sur la variation, l’accumulation, la sélection darwinienne et l’hérédité. 3. L’œuvre d’art relève d’une extériorisation expressive de l’artiste, de ses états mentaux, de son imaginaire du réel se produisant dans son cerveau ; la création de l’œuvre d’art s’inscrit dans un processus d’émergence qui relève d’un rapport dialectique s’effectuant entre un schéma mental se produisant dans le cerveau de l’artiste et son extériorisation progressive en œuvre d’art par les actions. 4. Les systèmes numériques, à la fois en tant qu’outils technologiques autant que paradigme de représentations du monde, constituent une interface d’interaction entre les différentes cultures dans le cadre de la création artistique. / Since the end of 20th century, our world has been affected by a grand mutation of human activities. The cognitive science plays the central role without any doubt in this mutation. The development of the cognition science, especially since its second cybernetic phase, does emerge new paradigms and offers a new computer science generation, digitization, to the world. In parallel with the digital technologies that has profoundly transformed human senses to the world, the scientific and conceptual devices implemented in the second cybernetics have also caused a great impact in almost all scientific and occidental philosophic aspects. These devices made determinant concepts for all contemporary theories of evaluative system in the world. We propose to, based on this concept, revaluate all modelled knowledge in the context of modernity. The impact of the second cybernetics has a strong impact in the art’s field, as well as in the theoretical studies of the art in the creation of art’s works. On one hand, digital technology, especially the artificial intelligence systems and devices from the second cybernetics, provides the artistic creation of new techniques for modelling the artwork accompanied by the emergence of new arts, new look and new challenges for the performing arts. On the other hand, conceptual and scientific arrangements put in place by the second cybernetics, led the art theorists and designers to evaluate the artistic phenomena (the work of art, the artistic aesthetic perception, cultural evolution, art, etc.) in a totally new perspective in mind: naturalism of spirits. My work attempts to propose a reflection on the work of art related to cognition which based on scientific, technological and conceptual devices, set up within the framework of the second network device, but also from the ancient chinese concept from the mind, especially taoist and chinese lettered thoughts.The two paradigms of thinking, while the origin of the two cultures are very remote and different, but released from the same principle of the understanding of the world. Based on this principle, the reality must be analysed as a phenomenon of the emergence ; the world would be defined as a network of relationships and self organize to the emergence of new structures.This approach leads us to raise the question on the issue of work of art, at the same time as a subject of creation, as an object of esthetic reception and an artifact which is a network of intersubjective relations (culture), based on the new paradigms associated with processes of emergence like biological processes or digital processes. This thesis can be conclute by the four following points: 1. art is a creative cognitive ability, which is the result of the phylogeny of human beings and is tailored to the ontological development of each individual. 2. Art, like culture, releases a real concern cognitive system. this system is on the same principle as the evolutionary algorithm based on the change, the accumulation, darwinian selection and heredity. 3. the work of art is an representation of the artist's expression, of his mental states, of his imagination of the real occurring in his brain; the creation of a work of art is a part of the process of development which releases a dialectical relationship between a mental pattern produced in artist’s brain and his progressive expression of work of art. 4. the digital systems, at the same time as technological tools as well as the paradigm of representations of the world, build up an interface of interaction between different cultures in the context of artistic creation.

La folie dans la dramaturgie québécoise est davantage une métaphore méta-théâtrale qu’une qualité liée à la maladie mentale. Certes, avec la naissance des sciences humaines, les dramaturges occidentaux ont progressivement fait disparaître les personnages iconographiques au profit de patients (Smadja, 2009). Il n’en demeure pas moins que les manifestations contemporaines de ce « type » de personnage ne cessent de se multiplier, particulièrement dans le corpus dramaturgique québécois. En explorant le traitement réservé aux « fous » de ce même corpus, on découvre une série de chantiers exploratoires voués autant à la remise en question de la structure linéaire ou réaliste qu’à la réflexion ontologique. Ces questionnements quant à l’identité du personnage permettent de les cerner en tant que « figures », la conséquence d’une reconceptualisation du personnage théâtral, tributaire, quant à elle, d’un nouvel ordre dramaturgique (Ryngaert, 2008). Qui plus est, ces figures rappellent explicitement – et parfois ironiquement –, par leur lucidité et leur regard philosophique porté sur l’existence humaine, le traitement dramaturgique que Shakespeare réserve à Macbeth, Hamlet et Lear. Cette thèse propose d’étudier trois personnages de la dramaturgie québécoise – soit Mycroft Mixeudeim (La charge de l’orignal épormyable de Claude Gauvreau), Charles Charles (Provincetown Playhouse, juillet 1919, j’avais 19 ans de Normand Chaurette) et Miriam (Ce que nous avons fait de Pascal Brullemans) –, dans le but de dresser un portrait, aussi sommaire soit-il, des multiples déclinaisons de la figure du fou dans le théâtre québécois depuis les années 60. Cette analyse permettra de nuancer le point de vue de Foucault selon lequel la notion de folie s’est normalisée jusqu’à perdre son caractère a priori imagé ou iconographique (Foucault, 1964). Pour ce faire, elle s’articulera autour de grilles esthétiques empruntées à des courants des arts visuels, soit respectivement le romantisme, l’expressionnisme et le déconstructivisme. En repérant les ressemblances et les dissemblances dans le traitement esthétique des trois figures, nous serons en mesure de prouver que la figure du fou dans le théâtre québécois se veut plutôt un creuset pour se questionner sur l’Art, le langage et le théâtre comme moyens de mieux cerner la réalité.

Le désir de changer la vie, de s'accomplir et de s’émanciper dans les années 1830 trouve, pour se concrétiser, une expression artistique qui se poursuit aujourd’hui sous d'autres formes. Les prolétaires du XIXe siècle décident de ne plus vivre l’insupportable. Ils prennent des heures sur leur temps de repos, pour se cultiver, se former. Ils fondent des journaux, composent des chansons, des poèmes, des pamphlets, lisent les textes des penseurs Saint-simoniens et Fouriéristes. Leur lutte emprunte les voies du régime esthétique. Cette expérience d’émancipation fait le lien, à travers le temps, avec les multiples tentatives qui se sont poursuivies pour transformer la société, avec des temps forts en 1936, 1968, 1995. Lors du mouvement social de 1995, les grévistes ont choisi l’expression cinématographique pour relater leur lutte. Un flot d’images a accompagné les grèves, tout au long des manifestations et des Assemblées Générales. Ces films aboutissent à donner une autre vision des grèves et à construire une mémoire ouvrière par les travailleurs eux-mêmes. Ils sont un contrepoint aux images et commentaires proposés par la majorité des médias. Ce sont aussi des expériences esthétiques. Cette prise de caméra par les travailleurs n’est pas nouvelle. Elle s’inscrit dans l’histoire du cinéma militant pour créer une représentation sociale du monde du travail. Il est nécessaire, pour comprendre ces différentes périodes d’émancipation, de construire et analyser les figures de cette Histoire de l’irruption de l’esthétique dans le champ de l’Histoire ouvrière. Il faut aussi s’interroger sur les significations politiques et anthropologiques de ces temps de rupture où le désir d'émancipation et d'accomplissement s'inscrit dans une dimension esthétique Au moment où la classe ouvrière est en pleine refonte de son identité, où l’on évoque la disparition de ses valeurs, il est indispensable de montrer sa combativité et les luttes qui continuent de jalonner son histoire. / The desire to change life, to be accomplished and emancipated in the 1830s was found through artistic expression. This continues today in other forms. The proletariat of the nineteenth century decided to no longer live the unbearable. They took hours on their free time, to educate and cultivate themselves. They founded newspapers, composed songs, poems, pamphlets, read the texts of thinkers like Saint-Simonian and Fourierists. Their struggle followed the routes of the aesthetic regime. This experience of emancipation is the link, through time, with other multiple attempts that continue to transform society, with highlights in 1936, 1968, 1995. During the social movements in 1995, the strikers chose cinematic expression to recount their struggle. A flood of images followed the strikers throughout demonstrations and General meetings. These films led to creating a different vision of strikes and to building a working memory by the workers themselves. They are a counterpoint to the images and comments offered by most of the media. They are also aesthetic experiences. This very use of the camera by workers is not new. It is part of the history of militant cinema that creates a social representation of the working world. It is necessary to understand these different periods of emancipation, to build and to analyze the figures in this history of the emergence of aesthetics in the field of working history. We must also question the political and anthropological significance of these breaking points where the desire for emancipation and fulfillment is part of an aesthetic dimension When the working class is being overhauled its identity, when the disappearance of its values is evoked, it is essential to show its fight and struggles that continue to stake its history.

Brian Castro, écrivain australien contemporain d’origine chinoise, auteur de dix romans, a été souvent appréhendé par la critique littéraire par le seul biais de ses origines. La lecture de son oeuvre, pourtant, révèle une esthétique et une puissance poétique qui dépassent largement cette catégorie réductrice.Afin d’établir les contours de cette esthétique, le présent travail s’est intéressé à quatre romans qui synthétisent un travail d’écriture de trente années : Birds of Passage (1989), After China (1992), The Garden Book (2005) et The Bath Fugues (2009). Nous brossons tout d’abord un historique de la littérature australienne et des enjeux sociétaux et culturels qui la sous-tendent pour déterminer quelles stratégies l’auteur met en oeuvre pour affirmer une identité littéraire singulière, ni totalement nationale, multiculturelle, ou (post)moderne.Cette singularité posée, nous avons recours à des outils d’analyse empruntant à divers courants de critique littéraire pour dégager les lignes de force esthétiques de l’oeuvre de Castro. La forme musicale de la fugue est en ce sens une clé d’entrée essentielle en ce qu’elle structure autant qu’elle inspire l’écriture de l’auteur, tant au niveau de la caractérisation, du récit ou encore de la diégèse, donnant ainsi naissance à une prose dont la force créatrice n’a rien à envier à la poésie. Pour le lecteur, le résultat en est une expérience de déstabilisation qui vise à l’amener à se questionner sur la perméabilité et la futilité des préjugés et catégories, qu’ils soient sociétaux, culturels ou littéraires / Australian writer Brian Castro is the author of ten novels, among which Birds of Passage (1989), After China (1992), The Garden Book (2005) and The Bath Fugues (2009) – the four works at the core of the present study. Owing to his Chinese origins and his elaborate style, literary criticism in Australia has labelled him an ethnic writer whose novels are deemed overly – and overtly – complex and opaque.Our thesis aims at establishing why Castro’s works, precisely because of their sophistication, deserve an alternate approach. We start with a historical survey of Australia’s “national” and “multicultural” literature. This will bring to light how Castro, being well aware of his nation’s love for social, cultural and literary categorizations, strives to break free from them.This desire permeates the whole of his literary endeavour, and our analysis borrows from several traditions of literary criticism to determine the characteristics of Castro’s unique aesthetics. To achieve this, the musical form of the fugue is a particularly powerful analytic tool, in that this musical genre allows us to better understand the elaborate mechanisms at work in the way the author approaches, among others, characterization, plot and diegesis.Far from the easy reads that Australia’s literature market promotes, Brian Castro’s unique works of fiction are an invitation to embrace destabilization in order to examine a prose whose poetic force will help the reader liberate themselves from established racial, cultural and literary categories.

Les images exposées sous l’appellation de photographie latino-américaine varient selon les expositions où commissaires et critiques déterminent les critères qui légitiment la sélection et l’organisation des images. Seuls des partis pris curatoriaux semblent ainsi gouverner des choix dont les enjeux éthiques et esthétiques diffèrent et découper les expositions par des catégories thématiques et des textes exégétiques des œuvres où, depuis les années 1990, l’usage récurrent des termes « histoire », « mémoire » et « identité » contribue à attribuer des significations moins géographiques qu’historiques à l’adjectif latino-américain. Nous nous proposons de montrer comment des expériences du temps sont configurées par les artistes dans leurs images par bien des modalités plastiques, comment les images sont capables d’établir, depuis et en fonction du présent, des rapports avec le passé. Selon une approche sémantico-pragmatique, nous analysons les références employées dans les images et dans les textes pour mesurer les implications contextuelles des rapports temporels, tandis que les modalités plastiques qui les traduisent nous permettent d’en interpréter le sens. / During an exhibition, images displayed under the rubric of Latin-American photography vary according to the criteria retained by both curators and critics who legitimate their selection as well as their organisation. Curatorial biases can on their own determine choices with changing ethical and aesthetic implications and thus influence the shape taken on by exhibitions according to the thematic categories retained and the textual commentaries proposed for works whose Latin-American meanings, ever since the 1990s, are less affected by geographical considerations than by historical ones. In this thesis, it is our intention to show, first, how artists, using a plethora of plastic means, impart shape and form to experiences of time and, second, how images, through and according to the present moment, can establish various relationships with the past. Enlisting a semantic-pragmatic approach, we analyse the references established by images and texts in order to measure the contextual implications borne by their temporal relations; at the same time, the plastic modalities given to these temporalities allow us to interpret their meaning.

Il existe deux approches, culturelle et cinématographique, dans les recherches sur Ozu. En réponse au conflit entre les deux, nous proposons de retourner plus profondément aux idées essentielles du bouddhisme Zen qui affectent la culture et l’esthétique traditionnelles japonaises, pour obtenir un nouveau regard sur la richesse et la profondeur de son cinéma. Le style du « ni s’attacher ni quitter » d’Ozu vient de la pensée bouddhiste « La couleur même est la vacuité. » « Couleur » signifie « phénomène », le bouddhisme affirme que dans l’univers de vacuité, tout phénomène est changeant et temporaire, à savoir impermanent. Dans notre recherche, nous analyserons comment Ozu nous permet d’apercevoir et de comprendre la réalité de l’impermanence de l’univers et de la vie, à travers l’arrangement d’éléments du vide et du plein, et nous inspire à chérir la compagnie des émotions humaines dans la vie impermanente. Nous constaterons que c’est juste l’interpénétration entre le vide et le plein, entre l’absence et la présence, qui fait naître dans le cinéma d’Ozu une tension qui nous touche. Et son cinéma est pour ainsi dire une manifestation de « la couleur de la vacuité ». / There are two approaches, cultural and cinematographic, in the study of Yasujiro Ozu’s films. In response to the conflict between the two, and to view the richness and depth of Ozu’s works from a new perspective, I propose to return to Zen Buddhism ideas, which are deeply rooted in Japanese culture and aethetics. Ozu’s style of “neither attaching nor quitting" comes from the Buddhist idea that "Color is Emptiness”. "Color" means "phenomenon"; Buddhism asserts that in the universe of Emptiness, all phenomena are changeable and temporary, namely, impermanent. In my research, I will analyze how Ozu, by arranging elements of emptiness and fullness, reveals to us that impermanence is the reality of universe and life, and inspires us to cherish our companies in the impermanent life. We will find that it is the interpenetration of emptiness and fullness, of absence and presence, which give rise to the tension in Ozu’s films. And these films are the manifestation of “the Color of Emptiness”.

Le dialogue du corps et de la mort chez jan Fabre est fondé sur un corpus de textes théâtraux. En ce qui concerne la démarche de mon travail, elle était principalement axée sur trois volets principaux d’abord les héritages et les inspirations artistiques et culturelles ensuite le rituel et le sacrifice dans sa dimension historique philosophique et artistique et enfin la fabrication du spectacle : de la genèse à la représentation scénique. L’objectif de ma thèse est de démontrer la volonté de l’artiste d’affranchir les limites, de violer les codes de la société et de créer un langage artistique authentique inspiré de toute matière possible pour toucher à la vulnérabilité de l’homme contemporain. Pour ce faire Jan Fabre a élaboré une méthode de travail qui fait redécouvrir un corps brut et instinctif, un corps générant une énergie vitale résultant ainsi à des sensations fortes. Dans ce processus de travail j’ai remarqué que pour Fabre la notion de recherche a une place primordiale en se basant sur une évolution conceptuelle, philosophique et historique. Jan Fabre construit ses spectacles de sorte que tous les composants de la représentation s’entremêlent. Une écriture textuelle et visuelle singulière construit une sorte d’état post-mortem dans le sens où la logique est cédée à l’intuition, une écriture qui offre un univers scénique riche d’images et d’allégories. Une composition scénique où l’espace, le temps et le rythme se basent surtout sur la tension et l’élaboration d’une atmosphère rituelle. Finalement le corps et la mort dans son univers font unité et il manifeste un travail récurant entre l’apparition et la disparation. / Jan Fabre's dialogue of body and death is based on a body of theatrical texts. Regarding to the approach of my work, it was mainly focused on three main aspects, first the inheritances and the artistic and cultural inspirations, then the ritual and the sacrifice in its historical philosophical and artistic dimension, and finally the production of the performance: from genesis to scenic representation. The goal of my thesis is to demonstrate the artist's desire to overcome the limits, to violate the codes of society and to create an authentic artistic language inspired by all possible materials to touch the vulnerability of contemporary man. To do this Jan Fabre has developed a method of work that rediscover a body raw and instinctive, a body generating a vital energy and resulting in strong sensations. In this work process I noticed that for Fabre the notion of research has a primordial place based on a conceptual, philosophical and historical evolution. Jan Fabre builds his performances so that all the components of the performance interweave. A singular textual and visual writing constructs a sort of post-mortem state in the sense that logic is ceded to intuition, a writing that offers a scenic universe rich in images and allegories. A scenic composition where space, time and rhythm are based mainly on tension and the development of a ritual atmosphere. After all, the body and death in his universe are united and he manifests a recurring work between the appearance and the disappearance.

À travers l’analyse d’une quinzaine de pièces issues du répertoire contemporain (1991-2017), cette étude vise à penser la dynamique du ravissement à l’œuvre dans les écritures dramatiques pour rendre compte d’un réel catastrophique. Plutôt que déplier des situations par le biais d’outils de distanciation critiques, elles opèrent un mouvement qui suspend le sens des gestes des protagonistes, ravit la possibilité de leur compréhension pour mieux enchanter le réel. L’échappée s’opère par le négatif pour faire surgir l’espoir à partir du désespoir. Ce mouvement paradoxal qui fait de la défaite la brèche par laquelle inquiéter la tyrannie de la réalité peut se penser comme passage d’une situation de sidération à une fascination qui dessine une ligne de fuite vers un point d’utopie. Le ravissement, à partir notamment de la pensée de Maurice Blanchot, Georges Didi-Huberman et Roland Barthes, peut être conçu comme échappée d’un réel insaisissable qui fait de l’ignorance le site d’une réinvention du réel par le poétique. Dans les œuvres de Marguerite Duras et Didier-Georges Gabily, la ravissante opère une suspension de toute herméneutique et de toute résolution dramatique. Dans les œuvres d’Ivana Sajko, Dorothée Zumstein, Claudine Galea et Marie Ndiaye, la fascination implique une mise en crise du sujet fasciné. Dans une deuxième partie est explorée l’échappée du réel à partir du négatif. Les œuvres de Sarah Kane servent d’appui pour penser la tension vers un centre utopique, puis l’étude est étendue à des pièces du répertoire français contemporain, de Samuel Gallet, Magali Mougel, Lancelot Hamelin, Mariette Navarro et Philippe Malone. / Through the analysis of about fifteen contemporary plays (1991-2017), this thesis opens a reflexion on the dynamic of rapture in dramatic plays and how it reflects a catastrophic reality. Rather than developing dramatic situations by critical and distancing means, they procede in a movement that suspends the meaning of the gestures of the characters, and rapts the possibility of their comprehension to better enchant reality. Escape is depicted in a negative way to let merge hope from despair. This paradoxal movement transforms defeat into a breach through which the tyranny of reality is troubled, and is raised from a situation of sideration to one of fascination, thus pointing towards utopia. The notion of rapture is based in particular on the works of Maurice Blanchot, Georges Didi-Huberman and Roland Barthes. It can be seen as an escape from an elusive reality that transforms ignorance into the site of a reinvention of reality by poetic means. In the works of Marguerite Duras and Didier-Georges Gabily, the ravishing figure suspends hermeneutics and dramatic resolution. This study is extended to plays by Ivana Sajko, Dorothée Zumstein, Claudine Galea and Marie Ndiaye where fascination implies a situation of crisis for the fascinated subject. The second part is an exploration of how negativity can lead to escaping from reality. Sarah Kane plays are a support to consider the tension towards an utopic centre, and the study is developed to contemporary french plays by Samuel Gallet, Magali Mougel, Lancelot Hamelin, Mariette Navarro and Philippe Malone.

Aujourd’hui, la pratique des ateliers d’écriture créative a véritablement sa place dans les classes du Français Langue Étrangère. Mais force est de constater que les activités proposées dans ces ateliers portent principalement sur les apprentissages linguistiques et culturels de la langue. Cette recherche doctorale met en place une modalité originale de mise en œuvre de la perspective actionnelle préconisée par le CECR. Elle propose de croiser les champs de la didactique des langues, de la didactique de la littérature et de la didactique de la production de l’écrit en FLE pour tenter de déterminer la spécificité et l’impact de la pratique des ateliers d’écriture littéraire dans la construction des compétences linguistique, interculturelle et esthétique. Lors de l’expérimentation, l’analyse de productions écrites littéraires réalisées vise à observer comment les apprenants du FLE, considérés comme des acteurs sociaux qui utilisent leur répertoire langagier et culturel, manifestent leur créativité littéraire. Nous avons porté notre attention sur les stratégies qu’ils adoptent en s’appropriant les consignes d’écriture proposées et sur leurs choix stylistiques, qu’ils soient empruntés ou originaux. Nous montrons que des savoir-faire linguistiques limités ne sont pas forcément un obstacle à la créativité, et que les tâches d’écriture littéraire impliquent pour tout apprenant un travail sur la langue dont le but est l’expression de soi, de sa vision du monde, de l’évolution de son rapport à la langue acquise, à sa biographie langagière, et à la communication humaine. Un chapitre didactique conclusif propose des pistes de réflexion pour l’élaboration d’un cours de production écrite créative. / Today, the practice of creative writing workshops has its place in the classrooms of French Foreign Language (FFL). But it is clear that the activities proposed in these workshops focus mainly on linguistic and cultural learning.This PhD research sets up an original implementation of the action-oriented approach advocated by the CEFR. It proposes to intersect the fields of language teaching, literature teaching and didactics of the production of written FFL, in order to determine the specificity and the impact of literary writing workshops on building linguistic, cross-cultural and aesthetic skills.Through the analysis of literary productions written during the experiment, the study aims to observe how learners of FFL, considered as social actors who use their linguistic and cultural repertoire, show their literary creativity.We focus our attention on the strategies they adopt when appropriating the proposed writing protocols, and on their stylistic choices, whether borrowed or original. We show that limited linguistic knowledge and expertise is not necessarily an obstacle to creativity, and that literary writing tasks urge every learner to work on the language with the purpose of self-expression of his worldview, of the evolution of his relationship to the target foreign language, of its linguistic biography, and of human communication.A concluding chapter offers exploring resources for a course in creative writing and for teacher training.

Ce travail de recherche tend à la fois à développer une modélisation, ainsi qu’à mettre en évidence les effets psychiques thérapeutiques, d’un Dispositif d’accompagnement psychologique de groupe qui propose d’utiliser la médiation des soins socio-esthétiques dans la prise en charge de patientes rencontrées en oncologie gynécologique. C’est ainsi que nous proposons en premier lieu de développer la présentation du fil cosmétologique qui correspond au déroulement du dispositif de recherche, ainsi que celle du cosmétogramme qui est la grille d’observation construite afin de faciliter dans un deuxième temps le repérage des processus psychiques en jeu dans les ateliers. La présentation clinique de nos groupes de patientes nous permet d’illustrer à la fois le parcours des patientes dans le dispositif de recherche et l’utilisation du cosmétogramme.Nous soutenons que les spécificités de ce Dispositif original, dans le paysage des soins hospitaliers tels qu’ils sont proposés aux femmes atteintes d’un cancer féminin, sont source de restauration somato-psychique individuelle visant à une remobilisation psychocorporelle revivifiante. En effet, nous en avons recensé plusieurs (la multimodalité sensorielle, le groupe, les objets médiateurs et le binôme d’animatrice) qui permettraient la mise en œuvre d’un accompagnement psychodynamique de ré/investissement de soi par la mobilisation de processus psychiques particuliers pour des patientes encore sous l’impact d’effractions somatiques comme psychoaffectives générées et/ou réactivées par l’expérience maladive et celle des soins.L’aire d’expériences psycho-socio-esthétique mobiliserait particulièrement le processus de réflexivité psychique et proposerait un étayage intéressant pour la restauration des enveloppes psychiques des patientes bien mises à mal par la maladie et les soins. Nous avons aussi exploré la mise au travail du processus du féminin, en nous concentrant sur la dimension relationnelle du dispositif, plus spécifiquement sur ses enjeux identificatoires et transférentiels. Ainsi, à partir de cette clinique, nous nous sommes intéressée aux processus psychiques qui semblent favoriser une dynamique de réaménagements narcissiques-identitaires et libidinaux chez nos patientes et conduire à une relance du processus de subjectivation féminine et d’appropriation subjectivante de l’expérience du cancer. / This study aims both to develop a model, as well as to highlight the therapeutic psychic effects, of a psychological accompaniment set up group that proposes to use the mediation of socio-aesthetic care in the treatment in charge of patients met in gynaecological oncology.Thus, we propose, in the first place, to develop the presentation of the cosmetological thread which corresponds to the progress of the research set up, as well as that of the cosmetogram which is the observation grid constructed in order to facilitate in a second time the identification of the psychic processes running in the workshops. The clinical presentation of our patient groups allows us to illustrate at the same time the path of patients in the research set up and the use of the cosmetogram.We argue that the specificities of this original set up, in the hospital care landscape as it is proposed to women with female cancer, are source of individual somato-psychic restoration aimed at a revivifying psychocorporal remobilization. Indeed, we have identified several ones (sensory multimodality, the group, the mediating objects and the binomial animator) that would allow the implementation of a psychodynamic accompaniment of re / self-investment by the mobilization of particular psychic processes for patients still under the impact of somatic and psychoaffective break-ins generated and / or reactivated by the experience of disease and of medical care.The area of psycho-socio-aesthetic experiences would particularly mobilize the psychic reflexivity process and offer an interesting support for the restoration of the psychic envelopes of patients well harmed by disease and medical care. We also explored how the process of the feminine works, focusing on the relational dimension of the set up, more specifically on its identificatory and transferential issues. Thus, from this clinic, we have been interested in the psychic processes that seem to favor a dynamic of narcissistic-identity and libidinal readjustments in our patients and lead to a recovery of the process of female subjectivation and subjectivizing appropriation of the experience of cancer.