Submitted by Oliveira Santos Dilzaná (dilznana@yahoo.com.br) on 2016-04-12T14:49:52Z No. of bitstreams: 1 Dissertação de Anderson Eslie Leite de Oliveira.pdf: 12582030 bytes, checksum: 0663a2f13a1dc78ae025613091daa877 (MD5) / Approved for entry into archive by Ana Portela (anapoli@ufba.br) on 2016-04-28T18:12:13Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertação de Anderson Eslie Leite de Oliveira.pdf: 12582030 bytes, checksum: 0663a2f13a1dc78ae025613091daa877 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-04-28T18:12:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertação de Anderson Eslie Leite de Oliveira.pdf: 12582030 bytes, checksum: 0663a2f13a1dc78ae025613091daa877 (MD5) / A pichação, expressão forte, carregada de agressividade, mas ao mesmo tempo emotiva usada pelos jovens para as mais diferentes manifestações, tanto lúdicas quanto de protesto, transforma-se num meio de comunicação e numa forma de arte que revela uma visão de mundo que conflita diretamente com a sociedade que, por ora, os exclui, ignora e rejeita. Esta dissertação tem como objetivo fazer uma discussão sobre o papel da arte no contexto da cidade e ao papel do artista enquanto interventor na sociedade, além de entender como a criação artística empreende uma identidade forjada na resistência de grupos de pichadores na cidade de Salvador, suas características em relação a outras realidades, as redes de solidariedade entre os grupos, bem como suas tretas, além da sua relação com o grafite, que, de certa forma, foi levada para as galerias de arte. Para tanto, buscaremos compreender o conceito de juventude, identidade, e suas imbricações, como a relação com a violência e a discussão sobre invisibilidade social. Além disso, veremos a relação da pichação com o grafite, e uma breve ponderação sobre o Projeto Salvador Grafita, inaugurado em 2005 e que completou, nesse ano de 2012, sete anos de duração.Le spray graffiti, c´est une expression forte, pleine d'agression, émotionnel, utilisé par les jeunes pour de nombreuses manifestations, au même temps ludique et de protestation, devient un moyen de communication et une forme d'art qui révèle une vision du monde en conflit avec la société, parce que celle-ci ignore ou rejette les jeunes des banlieues de ville de Salvador. Ces rapports a pour but faire un débat sur le rôle de l'art et de l´artiste comme intervenant dans la société dans le contexte de la ville, et de comprendre comment la création artistique s'engage dans la formation des identités qui sont forgée a partir des résistances des groupes sociaux créateurs de spray graffiti, de leur caractéristiques par rapport à d'autres réalités, des réseaux de solidarité entre les groupes et leur bagarres, et sa relation avec le graffiti, qui, aujourd´hui est prise par les galeries d'art. Par ailleurs nous essayons de comprendre le concept de la jeunesse, de l'identité et de leur complexité par rapport à la violence et à la discussion de son invisibilité sociale. En outre, nous voyons la relation entre le spray graffiti avec les graffiti, et nos ferons un bref examen du Projeto Salvador Grafita.

Cette thèse souhaite rendre intelligibles les expériences esthétiques puissantes qu'on nomme duende dans le flamenco. D'une part, le topos veut que le duende, parce qu'irrationnel et idiosyncrasique, constituerait une réalité indicible transcrite par un terme intraduisible. D'autre part, le flamenco est un genre artistique hybride dont il est difficile de cerner les limites : il s'alimente aussi bien au chant qu'à la musique instrumentale et à la danse, mêle les cultures populaire et savante et fait intervenir la spontanéité au sein d'un système de communication pourtant très codifié. Il pose donc des questions esthétiques singulières portant tout à la fois sur sa nature en tant qu'art, sur ses enjeux identitaires, mais aussi sur ses représentations, lesquelles, par un phénomène de contamination réciproque, semblent tout autant s'alimenter aux pratiques que les influencer en retour. Nombre de mythes et de clichés informent le flamenco depuis ses débuts, qu'ils émanent de la pensée commune, de l'activité artistique ou de la flamencologie. L'image d'un art démesuré, dont l'authenticité serait liée au débridement des instincts, gage d'une hypothétique « pureté », a largement fait fortune. Or, cette image apparaît par excellence dans les usages liés au duende. Tout se passe donc comme si, à étudier le duende, on était inévitablement renvoyé au flamenco, et réciproquement, alors même qu'ils constituent l'un pour l'autre des impensés. Comment, dès lors, approcher le flamenco par l'intermédiaire d'un phénomène apparemment insaisissable, et comment, en retour, approcher le duende par l'intermédiaire d'un art aux contours indistincts ? On formule ici l'hypothèse qu'à la condition d'adopter une conception souple de la définition, le duende devient définissable, et que, de surcroît, il nous livre le concept unificateur de certains des enjeux majeurs du flamenco. / This dissertation aims to make intelligible the powerful aesthetic experience called duende in flamenco. On the one hand, its irrational and idiosyncratic nature is viewed as an inexpressible reality designated by a term beyond translation. On the other hand, flamenco is a hybrid genre of art with ill-defined boundaries. It thrives on singing, instrumental music and dance, mixing popular and scholarly cultures spontaneously within a highly codified framework of communication. This triggers questions on the nature of flamenco as an art form, such as how it defines a cultural identity as well as the relations between representation, norms and practices that mutually influence each other. Since the beginning, flamenco has suffered from numerous myths and stereotypes originating from collective common thought, artistic practice or flamencology. The representation of an intense, instinctive and wild art defined by its excessiveness has long been stamped in the common knowledge as a proof of “purity”. This short-sighted and simplistic perception has thus imposed serious limitations on a rational analysis of the duende. It appears that the study of duende leads to flamenco and vice versa even if both are, so far, rather poorly defined concepts. How, then, to approach the study of flamenco through a seemingly elusive phenomenon, and how, in return, to approach the duende through art with indistinct contours? The necessary working hypothesis is then to use a flexible definition of the concept of duende, which allows for the possibility of a unifying concept for some of the majors' stakes of the flamenco.

Entre la première thèse en informatique graphique (soutenue en 1968) et la première publicité entièrement synthétique diffusée à la télévision (en 1983), les images de synthèse se transforment en “nouvelles images”. Il ne s’agit pas d’évaluer ces prétendues images nouvelles en fonction de leurs qualités distinctives de rupture ou de continuité que l’expression a tendance à appeler, mais d’étudier leur mode de production et de représentation afin de déterminer ce qu’elles montrent des techniques employées, et les imaginaires que ces dernières véhiculent au moment d’émergence de l’image numérique, comme autant de propositions créatives mais aussi d’enjeux idéologiques. Étudiées d’un point de vue technique puis esthétique, grâce à l’étude croisée de témoignages, de littérature grise, et de l’analyse formelle des films, ces productions donnent à voir un processus de réappropriation du médium, avant et après l’image. Si elle définit une histoire « officielle » des images de synthèse en France, en replaçant aussi précisément que possible les productions dans leur environnement technique, politique et culturel, cette thèse a finalement mis en évidence les temps des images de synthèse en tant que produit innovant, depuis leurs lieux de fabrication jusqu’à leurs lieux de légitimation. Ses conclusions mettent en jeu les différentes circulations locales des hommes, des outils et des images, au moment où la politique culturelle de 1981 favorise la jonction art-ordinateur, et l’indiscipline des créations. / Between the first PhD in computer graphics (defended in 1968) and the first entirely synthetic advertisement broadcast on television (1983), computer-generated images became “new images”. The aim is not to assess these so-called new images according to their distinctive qualities of rupture or continuity, as the expression would suggest, but rather to study their mode of production and representation in order to determine what they show from the techniques employed, and the imaginative worlds that they convey at the time of the emergence of digital images, like so many creative suggestions but also ideological issues. Studied first from a technical, then from an aesthetic point of view, thanks to the cross-study of testimonies, grey literature and a formal analysis of the movies, these productions show a process of recovery of the medium, before and after the image. This PhD not only defines an “official” history of computer-generated images in France, replacing as precisely as possible the productions in their technical, political and cultural environment, but it also reveals when computer-generated images are innovating products, from their places of fabrication to their places of legitimacy. The conclusions question the different local circulations of people, tools and images, at a time when the cultural policies of the year 1981 promotes the bond between art and computer, and the indiscipline of creations.

Les classiques conçoivent le champ artistique pluriel comme un dense réseau de correspondances, en y décelant un potentiel d’une riche expérience de la culture du temps. En renonçant à chercher dans leurs textes les présages de la conception moderne de l’Art (le génie fulgurant, l’invention, la créativité, l’originalité), nous remettons l’accent sur un autre versant de l’esthétique classique, se focalisant sur la résistance de la matière à la forme, l’exécution, le faire et la durée. En concevant la mimésis comme une équivalence entre poiesis et aisthesis, les classiques affirment que l’expérience artistique doit son déroulement, ses inflexions et la qualité de sa richesse au(x) médium(s) engagé(s). Que ce soit potentiellement ou concrètement, la variété du champ des arts conditionne nécessairement toute expérience artistique. Stimulante ou dérangeante, l’intermédiation des registres allogènes dans la contemplation d’une œuvre ainsi que dans la définition d’un art devient un détour inévitable, un dispositif de cohérence, récalcitrant à toute systématisation. Cette vision des arts anime l’imaginaire depuis la Renaissance jusqu’à la fin du XVIIIe siècle, en trouvant dans la littérature jardinière un terreau particulièrement fécond. Au XVIIIe siècle, la tradition classique fait l’objet d’une importante pression : la nouvelle disposition épistémologique et la lente autonomisation de l’expérience esthétique incitent à l’organisation de relations interdisciplinaires jugées trop chaotiques. La réponse se montre ambiguë entre les constats, les impératifs et l’expérience relatée. La théorie du jardin restreint alors le cercle de ses références aux arts « libéraux », en assignant à chaque alliance interdisciplinaire une fonction particulière. L’entreprise remporte un certain succès : elle parvient à s’ancrer dans l’opinion publique et suscite un débat esthétique inédit dans l’histoire des jardins. Toutefois, la conceptualisation de la correspondance des arts se heurte à une difficulté : l’homogénéisation et l’unification du champ pluriel des arts. La déclaration du jardin en tant que foyer de « tous les arts » a pour but de prévenir le risque de sa monopolisation par un seul intermédiaire. En tout, suspendus entre les tendances du sujet unificateur et le désir de conserver la multiplicité des arts, les Lumières génèrent une forme de gestion de la pluralité que nous appelons une « dissipation contenue ». Les détours interdisciplinaires sont les chemins de la connaissance propres à la culture opérant dans le champ multiple des arts. Le contexte du jardin radicalise cette sémiose détournée. Les différences entre les objets acquièrent ici la valeur de simples différentiels. Dans une composition artistique qui fait de son exposition facteurs imprévisibles et contingents sa raison d’être, la logique fondée sur l’identité et l’opposition est inopérante. Par la voie de contigüité ou de similitude, les valeurs des arts se déplacent des objets à d’autres : la demeure principale rayonne et transmet son ordre architectural aux parterres environnants, le tableau imprime sa copie in situ de qualités picturales, la fabrique abritant une figure se pare de traits sculpturaux, etc. A réunir dans un enclos jardinier « tous » les arts, ses amateurs lui permettant de perpétuer cette sémiose potentiellement à l’infini. Les jardins des classiques ne sont pas conçus pour apporter de nouvelles connaissances, mais pour sonder l’expérience accompagnant son acquisition. L’enchaînement des dérapages disciplinaires « contenu » transforme la lecture du jardin en un « art de la promenade » érudit : une disposition cognitive constituée de comportements intellectuels et corporels étudiés, paradoxalement, dans le but d’atteindre le délassement et le naturel. / The art of gardens in France (1760-1808): Correspondence of arts in theory and practice. Classical thinkers understand the plural artistic realm to be a dense network of correspondences, where the rich experience of the culture of time (of cultivating time) yields a high potential. Having renounced to search through their works for harbingers of modern art (brilliant genius, invention, creativity, originality), we concentrate more on another aspect of classical aesthetics which focuses on the resistance of matter to form – execution, the act of doing and duration. Considering mimesis as an equivalence between poiesis and aisthesis, classical thinkers maintain that artistic experience owes its unfolding, its inflections and its quality to the chosen medium or media. Be it potentially or concretely, the diversity of the art realm necessarily conditions every artistic experience. Whether it be stimulating of disturbing, the intermediation of allogenic registers – as regards both the contemplation of an art work and the definition of an art form – becomes a necessary detour, a coherence mechanism, recalcitrant to any systemization. This view of the arts inspired public and artist imagination from the Renaissance to the end of the XVIIIth century, finding in garden literature a particularly fertile ground. During the XVIIIth century, classicism begins to be questioned : a new epistemological tendency, coupled with the growing autonomy of the aesthetic experience, results in the ordering of seemingly chaotic interdisciplinary relations. Assessments, imperatives and portrayed experience make for an ambiguous response. As a result, garden theory reduces the scope of its references to the “liberal” arts, ascribing to each interdisciplinary alliance a particular function. This new approach enjoys considerable success, permeating public opinion and triggering an aesthetic debate never before seen in garden history. Nevertheless, conceptualizing a correspondence between the arts meets with difficulty: homogenizing and the unifying the plural domain of the arts. Presenting the garden as the source of “all of the arts” aims to prevent one single discipline from monopolizing it. All in all, torn between the subject as unifier and the desire to retain the multiplicity of the arts, the enlightenment philosophers invent a way to manage plurality that we call “contained dissipation.” Interdisciplinary detours are paths to knowledge specific to culture, operating in the multiple realm of the arts. In the context of the garden, this indirect semiosis is radicalized. Differences between objects thus acquire simple differential values. In an artistic composition whose existence is defined by its display vis-à-vis unpredictable and contingent factors, logic based on identity and opposition is inoperable. Through contiguity and resemblance, art values are displaced form one object to another: the principal residence radiates, transmitting its architectural order to the surrounding beds, the painting transfers pictorial qualities to its in situ copy, the factory harboring a figure takes on its sculptural traits, and so on. By uniting "all" of the arts in a garden enclosure, enthusiasts of the latter endow it with a material which makes it possible to perpetuate this semiosis infinitely. Classical gardens are not conceived to contibute new knowledge, but rather to enquire into the experience brought about by its acquisition. The succession of "contained" disciplinary blunders transforms the reading of the garden into an erudite “art of promenading” : at work is a cognitive mindset composed of prepared intellectual and bodily comportments whose paradoxical goal is to achieve relaxation and naturalness.

Made available in DSpace on 2015-05-14T12:11:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 arquivototal.pdf: 1728635 bytes, checksum: 5b70f00835d0beed3f3f48bf337b3971 (MD5) Previous issue date: 2011-06-16 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Ce travail de réflexion apporte la pensée de Gaston Bachelard, penseur perspicace et infatigable dans ses recherches philosophiques. Il a vécu l'une des périodes les plus tumultueuses de la science, les années post-révolution einsteinienne. Cependant, Bachelard comprendre que cet événement représente un mouvement inhérent à la connaissance scientifique, qui doit être construit sur des corrections constantes et des approximations. Bachelard reconnaît que la connaissance est développé sous la dynamique de l imagination créatice, qui entraîne également la dynamique de la création artistique. Par conséquent, la pensée bachelardienne considère la vieille dichotomie entre la science et l'art manque de validité. L'activité scientifique et l'activité artistique peuvent harmoniser eux-mêmes, tout en préservant leurs différences constitutives, puisque les deux sont formées avec l'aide de la rêverie créatrice, la capacité originaire de dépasser et d élargir la realité, aussi bien, la possibilité de création radicalement nouvelle. Ainsi, par la lecture du travail philosophique de Bachelard, des écrits épistémologiques et des écrits de la poésie, on comprend comme l'imagination créatrice peut mantenir d'activité de l'homme diurne ou l'homme nocturne, un seul homme qui pense pendant qu il rêve et qui rêve pendant qu il pense. / Este trabalho reflexivo trata do pensamento de Gaston Bachelard, pensador arguto e incansável em suas investigações filosóficas. Ele viveu um dos períodos mais tumultuados para a ciência, os anos pós-revolução einsteiniana. Bachelard, porém, compreende que este evento representa um movimento inerente ao próprio conhecimento científico, que deve ser construído mediante constantes retificações e aproximações. Bachelard reconhece que o conhecimento se desenvolve sob a dinâmica originária da imaginação criadora, dinamicidade que também anima a criação artística. Nesse sentido, o pensamento bachelardiano considera a antiga dicotomia ciência e arte sem validade. A atividade científica e a atividade artística podem se harmonizar, ainda que preservando suas diferenças constitutivas, porquanto ambas se formam com o concurso do devaneio criador, capacidade de superar e de ampliar a realidade, bem como, possibilidade de criar o radicalmente novo. Assim, mediante a leitura da obra filosófica de Bachelard, os escritos epistemológicos e os escritos da poética, compreendemos como a imaginação criadora sustém quer a atividade do homem diurno quer a do homem noturno, um único e mesmo homem que pensa enquanto devaneia e devaneia enquanto pensa.

L'art actuel est fait, pour partie, de mobilités et de formes si diverses, que d'après certains critiques et commissaires, tels que Jean-Hubert Martin ou Bao Dong, la sensation d'exotisme existe encore. On peut d'ailleurs s'étonner, qu'à l'heure de la globalisation, elle soit toujours aussi vivace. Elle l'est effectivement ; mais elle est aussi distincte de ce sentiment particulier qui offrait aux voyageurs occidentaux du XVIII et XIX èmes siècles, l'assurance de leur supériorité. Victor Segalen a, en effet, donné à l'exotisme une autre définition, chargée, celle-là, de valeurs esthétiques et éthiques. Par exotisme, il ne s'agissait donc plus de qualifier une chose, une région ou encore un être, mais d'envisager une expérience profonde de la différence perçue comme étant irréductible. Quant au monde de l'art, il s'est laissé pénétrer d'exotismes et a produit une multitude d'oeuvres, provoquant, à leur manière, des débordements de différentes natures. Il s'agira dans cette recherche d'en analyser les caractéristiques et les enjeux, en prenant pour prétexte l'étude des constituants plastiques d'un tableau peint. Le jeu des analogies entre les espaces – réels ou représentés – permettra ainsi de dégager, dans le détail, certains aspects d'une géo-esthétique, et de manière plus générale, de rendre manifeste le fait qu'il n'y a pas un, mais des mondes de l'art. / Art today is partly made of mobilities and forms so diverse that according to art critics and curators such as J. H Martin or Bao Dang, the feeling of exoticism still exists. Besides one may be surprised that in the age of globalization that feeling is so vivid . Indeed it is,but it is also different from that particular feeling that gave the European travellers of the eighteenth and nineteenth centuries the certainty that they were superior to the other people. Indeed V. Segalen gave exoticism another definition laden with aesthetic and ethical values.Through exoticism it was no longer a question of describing a thing, a region or even a human being but of considering a profound experience of the difference viewed as being resolutely different.As for the world of Art, it let itself be filled by exoticism and it has produced a vast number of masterpieces, creating in their own way diversions of all kinds. The purpose of my research will then be to analyze the characteristics and what is at stakes in exoticism, under the pretence of studying the plastic constituents of a painting.The game of analogies between the spaces- either realistic or as they are represented- will allow to single out in detail some aspects of a geo- aesthetics and more generally to make it obvious that there is not ONE world of Art but several.

L'oeuvre plastique et l'oeuvre écrit d'Otto Freundlich (1878-1943) sont traversés par une grande thématique : celle d'une volonté de renouvellement de l'esthétique dans une quête de vérité, au coeur de laquelle se situe le rapport perceptif de l'être humain à la nature. Pour Otto Freundlich, qui adopte dans le champ de l'art une position d'artiste plasticien et d'artiste philosophe, ce renouvellement s'opère non seulement par l'intervention de l'artiste mais aussi par la perception visuelle des oeuvres. L'apparente hétérogénéité de son parcours artistique est donc sous-Tendue par une grande cohérence que cette thèse examine à travers une analyse d'une part diachronique des oeuvres plastique et écrit dans leur ensemble, d'autre part en rendant compte dans un même temps et de manière synchronique des modifications qui les affectent et de leurs modalités. Pour ce faire, cette recherche s'appuie sur le travail fondamental lié à la monographie d'artiste : l'étude précise des sources originales écrites principalement en gothique allemand, l'apport de sources inédites, l'analyse des oeuvres et du contexte de leur genèse, au sein du réseau international qu'Otto Freundlich tisse avec les acteurs du champ culturel présents en Allemagne et en France. Cette approche permet non seulement de corriger certaines données historiques mais aussi d'apporter des éléments nouveaux dans l'étude iconographique, iconologique et conceptuelle des oeuvres, isolément comme globalement. / A main thematic pervades Otto Freundlich's works of plastic art and writings : the will to renew the aesthetic in a quest for truth, in the center of which is the perceptive relation of the human being to nature. Otto Freundlich positions himself in the art field as a visual and a philosopher artist. To his mind, this renewal occurs not only through the intervention of the artist, but also by visual perception of works. The apparent heterogeneity of his artistic journey is underpinned by a strong coherence. This thesis examines his works of art andwritings diachronically as a whole, on one hand, and the changes and causes of their emergence synchronically, on the other. This research is founded on the methodology used for artist's monograph: a detailed study of the original sources written mainly in Gothic German, the contribution of unpublished sources, the analysis of works and of the context of their genesis within the international network Otto Freundlich weaves with the art field actors living in Germany and in France. This approach not only enables to correct some historical data, but also provides fresh elements in the iconographical, iconological and conceptualinterpretations of his works, separately and taken as a whole as well.

Submitted by Geandra Rodrigues (geandrar@gmail.com) on 2018-01-11T13:10:22Z No. of bitstreams: 1 rafaelramospereira.pdf: 1845037 bytes, checksum: 2c0c8afa358452bfc18278974d440e52 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2018-01-23T13:35:08Z (GMT) No. of bitstreams: 1 rafaelramospereira.pdf: 1845037 bytes, checksum: 2c0c8afa358452bfc18278974d440e52 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-01-23T13:35:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 rafaelramospereira.pdf: 1845037 bytes, checksum: 2c0c8afa358452bfc18278974d440e52 (MD5) Previous issue date: 2017-09-27 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O estudo sobre os processos de alegorização e afirmação do eu a partir de uma poética do abjeto e de uma estética/ética do marginal na escrita do romancista, poeta e dramaturgo francês Jean Genet (1910 – 1986) é o foco principal deste trabalho. Esse estudo pretende analisar as estratégias narrativas e o projeto literário da obra Journal du voleur [Diário de um ladrão], publicada em 1949, que ambicionava estabelecer a figura marginal de Genet, criar uma espécie de mito de si mesmo. Com o objetivo de contribuir para a compreensão da idiossincrática ordem moral e da criação da persona do escritor, propomos uma reflexão sobre o narrador genetiano e os aspectos de sua narrativa. Confrontamos o pensamento de alguns teóricos sobre a inscrição incerta de seus textos na categoria das escritas de si, para compreendermos melhor seu projeto literário e de que modo sua obra pode ser lida. Para analisarmos os processos de alegorização e a produção de sentidos na narrativa genetiana, mobilizamos, principalmente, as reflexões de Walter Benjamin. A partir dos conceitos de abjeção, de Julia Kristeva, e de profanação, de Giorgio Agamben, tentamos mostrar como os valores do abjeto se constroem e se perpetuam pela escrita de Genet, contribuindo para a construção tanto de uma estética/ética marginal, quanto da própria imagem do autor. Por último, analisamos como Genet articula o seu texto e o seu êxtase enquanto mártir e ator de sua trajetória marginal, fazendo uso de uma linguagem com pendor barroquista. / L'étude des processus d'allégorisation et d'affirmation de soi dans une poétique de l'abjection et d'une esthétique / éthique marginale dans l'écriture du romancier, poète et dramaturge Jean Genet (1910-1986) est le but principal de ce travail. Cette étude vise à analyser les stratégies narratives et le projet littéraire de l’oeuvre Journal du voleur, publiée en 1949, destinée à établir la figure marginale de Genet, et à créer une sorte de mythe de soi. Afin de contribuer à la compréhension de l'ordre moral idiosyncrasique et de la création de la persona l'écrivain, nous proposons une réflexion sur le narrateur et les aspects de son récit. Nous faisons appel à la pensée de certains théoriciens sur l'inscription incertaine de ses textes dans la catégorie des écritures de soi, pour mieux comprendre le projet littéraire de l´auteur et les possibilités de lecture qu´offrent ses textes. Pour analyser les processus d'allégorisation et de production des sens dans le récit genétien, nous nous concentrons principalement sur les réflexions de Walter Benjamin. A partir du concept d´abjection (Julia Kristeva) et de celui de profanation (Giorgio Agamben) nous essayons de montrer comment les valeurs de l'abject sont construites et perpétuées dans l'écriture de Genet, afin d'aider à la construction à la fois d'une éthique/esthétique marginale, et de l’image de l'auteur. Enfin, nous analysons la façon dont Genet articule son texte / extase en tant que martyr et acteur de sa trajectoire d'auto-flagello-fiction, à travers certaines figures du baroque.

Made available in DSpace on 2017-07-10T18:26:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Alexandre Augusto Bellei.pdf: 710329 bytes, checksum: d314819c6e25af613a4a700cd683e338 (MD5) Previous issue date: 2007-06-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / On examine l oeuvre du jeune Nietzsche, spécialement La naissance de la tragédie, à la recherche de la compréhension de ses fondements critiques en relation à la pensée occidentale, marquée, fondamentalement, par l influx du platonisme. Pour la collecte de données, on utilise la recherche dans les oeuvres de la jeunesse nietzschienne et aussi dans les oeuvres de Richard Wagner, Arthur Schopenhauer et Platon. On indique comme résultats principaux : a) les influences de Schopenhauer et Wagner dans la théorie esthétique de Nietzsche, basée sur les impulsions apolliniennes e dionysiaques des arts; b) la théorisation esthétique de Nietzsche comme consolation métaphysique de la vie; c) la relation antipodique entre la métaphysique esthétique de Nietzsche et la critique des arts selon Platon; d) le platonisme, vu à partir de la survalorisation de la pensée logico-scientifique, au détriment des expériences émotives de l art; e) la relativisation de la vérité dans l esthétique nietzschienne / Investiga a obra filosófica do jovem Nietzsche, especialmente O nascimento da tragédia, na busca da compreensão de seus fundamentos críticos em relação ao pensamento ocidental, marcado, fundamentalmente, pelo influxo do platonismo. Para a coleta de dados, utiliza-se pesquisa nas obras da juventude nietzschiana como também nas obras de Richard Wagner, Arthur Schopenhauer e Platão. Aponta como principais resultados: a) as influências de Schopenhauer e Wagner na teoria estética de Nietzsche, baseada nos impulsos apolíneo e dionisíaco das artes; b) a teorização estética de Nietzsche enquanto consolo metafísico para a vida; c) a relação antipódica entre a metafísica estética de Nietzsche e a crítica das artes segundo Platão; d) o platonismo, visto a partir da sobrevalorização do pensamento lógico-científico, em detrimento das vivências emotivas da arte; c) a relativização da verdade dentro da estética nietzschiana

Cette thèse a pour objectif de mettre en évidence et d'analyser les thématiques pirandelliennes dans le théâtre de Jean Genet. Á cet effet, elle propose une redéfinition du pirandellisme, qui était sujet à de nombreuses controverses depuis sa première définition d'inspiration philosophique par le critique italien Adriano Tilgher en 1923. La nouvelle définition du pirandellisme proposée ici est construite à partir de cinq caractéristiques principales: le dualisme entre la vie et la forme, l'humorisme pirandellien, la suprématie de l'œuvre d'art sur la vie, l'impossibilité d'être un soi unifié et la métathéâtralité. Cette nouvelle modélisation dramaturgique du pirandellisme sert à analyser les pièces métathéâtrales de Pirandello et l'ensemble du théâtre de Genet dans le but d'appréhender l'historicité des textes, leur ancrage - et parfois absence d'ancrage - par rapport à leurs contextes de production et les liens qu'ils tissent entre eux. L'un des plans théoriques pris pour analyser l'influence de la dramaturgie et de l'esthétique de Pirandello sur le théâtre de Genet est de nature historique, portant précisément sur l'histoire du théâtre et des formes scéniques en Italie et en France au XXe siècle. Ce travail est étroitement lié à la question de l'auteur et à celle de l'influence. Outre le pirandellisme, la déconstruction du réalisme, le renoncement au mimétisme psychologique ou gestuel, aux effets d'illusion, la mise en espace d'un nouvel univers fictionnel et l'abondance des textes divers et didascalies qui dessinent et préconisent la mise en scène avec une précision méticuleuses sont autant de caractéristiques qui réunissent ces deux auteurs. / This thesis highlights and analyzes the Pirandellian themes in Jean Genet's plays. It proposes a redefinition of Pirandellism, which was the subject of much controversy from the time of its first definition, of philosophical inspiration, by the Italian critic Adriano Tilgher, in 1923. The new definition put forward here is based on five main characteristics: dualism between life and form; Pirandellian humourism; the supremacy of the art work over life; the impossibility of being a unified self; and metatheatricality. This new dramaturgical modelling of Pirandellism serves to analyze Pirandello's metatheatrical plays and all of Genet's theatre, with a view to understanding the historicity of the texts, that is, their anchorage – and sometimes absence thereof – in relation to their contexts of production and the relationships they weave between them. One of the theoretical frames of reference taken to analyze the influence of Pirandello's dramatic art and aesthetics on Genet's theatre is historical and precisely relevant to the history of theatre and scenic forms in 20th century Italy and France. This work is closely linked to the question of the author and of influence. Apart from Pirandellism, the deconstruction of realism, the giving up of psychological or gestural imitation and of the effects of illusion, the spatial framing of a new fictional world, and the abundance of varied texts and forms of stage direction that outline and recommend staging with meticulous precision are all characteristics common to these two authors.