La présente étude propose une analyse historique de la légende urbaine des snuff movies. En premier lieu, elle se penche sur l’émergence de cette rumeur dans le paysage médiatique américain des années 70 tout en focalisant sur certains objets filmiques l’ayant crédibilisée, principalement les stag et les mondo movies. Ce mémoire analyse par la suite l’influence majeure de deux événements sur l’implantation de la légende urbaine dans l’imaginaire collectif, soit l’assassinat de Sharon Tate et la circulation du film de Zapruder. Après avoir étudié la persistance de la rumeur, cet essai focalise sur la promotion et l’exploitation de Snuff (1976) en plus de proposer une analyse de ce long métrage. Ensuite, il se penche sur deux types de représentations du snuff dans le cinéma de fiction ainsi que leurs impacts sur l’authentification de la légende urbaine. Il est d’abord question des mises en scène du snuff dans le cinéma populaire qui s’inspirent de la rumeur pour ensuite l’actualiser. Sont ensuite étudiées les représentations du snuff à titre de faux documents, soit ces œuvres qui tentent par divers procédés de se faire passer pour de véritables films clandestins et, de ce fait, authentifient l’objet auquel ils se réfèrent. Puisque cette étude analyse l’évolution médiatique de la légende urbaine, elle se conclut sur son déplacement du cinéma vers Internet et de sa nouvelle crédibilisation grâce aux vidéos macabres, à la pornographie juvénile et au récent cas Magnotta. / The following study proposes a historical analysis of the urban legend of snuff movies. First, it examines the emergence of this rumor in the American media landscape of the 1970s, while focusing on the cinematic objects having reinforced its credibility, mainly stag and mondo movies. This memoir subsequently analyzes the major influence two events had towards implementing this urban legend into the collective imaginary, namely the assassination of Sharon Tate and the circulation of the Zapruder film. After studying the persistence of the rumor, this essay focuses on the promotion and exploitation of Snuff (1976), offering, in addition, an analysis of this feature film. Following this, this essay addresses two types of snuff representation in fiction film, as well as their impact on the authentication of the urban legend. First, there is the issue of the staging of snuff in popular cinema, taking inspiration from the rumor in order to update it in return. Secondly, is studied the representations of snuff as fake documents, namely the works attempting, through various processes, to pass for genuinely illegal films, thus authenticating the objects they are a reference to. Because this study analyzes the evolution of the media surrounding the urban legend, it concludes on its displacement from the cinema to the Internet, and the new credibility allowed by macabre videos, child pornography and the recent Magnotta case.

Faute de droits d'auteurs pour les captures d'écrans, mon document ne contient pas d'images. Si vous voudriez consulter ma thèse avec les images, veuillez me contacter. / Cette thèse de doctorat propose une analyse des temporalités narratives dans les séries télévisées récentes Life on Mars (BBC, 2006-2007), Flashforward (ABC, 2009-2010) et Damages (FX/Audience Network, 2007-2012). L’argument général part de la supposition que les nouvelles technologies télévisuelles ont rendu possible de nouveaux standards esthétiques ainsi que des expériences temporelles originales. Il sera montré par la suite que ces nouvelles qualités esthétiques et expérientielles de la fiction télévisuelle relèvent d’une nouvelle pertinence politique et éthique du temps. Cet argument sera déployé en quatre étapes. La thèse se penche d’abord sur ce que j’appelle les technics de la télévision, c’est-à-dire le complexe de technologies et de techniques, afin d’élaborer comment cet ensemble a pu activer de nouveaux modes d’expérimenter la télévision. Suivant la philosophie de Gilles Deleuze et de Félix Guattari ainsi que les théories des médias de Matthew Fuller, Thomas Lamarre et Jussi Parikka, ce complexe sera conçu comme une machine abstraite que j’appelle la machine sérielle. Ensuite, l’argument puise dans des théories de la perception et des approches non figuratives de l’art afin de mieux cerner les nouvelles qualités d’expérience esthétique dans la fiction sérielle télévisée. Pour ce faire, je développe le concept de figure de temps définie comme la forme abstraite, immédiatement ressentie, du mouvement temporel effectué par un récit. Il sera montré, en troisième lieu, que ces mouvements figuraux mettent en jeu l’orientation vers l’avenir et la préemption. Tous les récits du corpus anticipent leur propre fin et prennent forme en fonction de cette fin prédite, ce pourquoi ils seront appelés récits préemptifs où l’avenir pose un problème affectif plutôt qu’épistémologique. Je montre que, dans ces séries, la boucle passant par l’avenir est immédiatement ontogénétique dans la mesure où elle crée la réalité dans le présent en suscitant l’incertitude et la peur. Enfin, la thèse soutien qu’une telle politique affective fait partie de ce que Gilles Deleuze appelle les « sociétés de contrôle » qui opèrent une modulation continue des conditions de vie de l’individu. En suivant les écrits de Deleuze sur les sociétés de contrôle et sur l’Éthique de Spinoza, je suggère que les exigences d’un tel environnement modulant sont éthiques (plutôt que morales). Seront ensuite décortiquées les complexes de techniques, appelés procédures suivant les artistes-philosophes Madeline Gins et Arakawa, qui soutiennent une éthique pour survivre la société de contrôle dans la série Damages. / This thesis examines complex narrative temporalities in the recent television series Life on Mars (BBC, 2006-2007), Flashforward (ABC, 2009-2010), and Damages (FX/Audience Network, 2007-2012). The general argument proposes that the renewed technics of television have enabled innovative aesthetic standards and temporal experiences in serial TV fiction. It is subsequently shown that these new aesthetic and experiential qualities of TV fiction are correlative to an increased political and ethical relevance of time. This overall argument is laid out in four major steps. The project first addresses the technics of recent television to show how new technologies have enabled new techniques of experiencing television. Drawing on the philosophy of Gilles Deleuze and Félix Guattari as well as the media theories of Matthew Fuller, Thomas Lamarre, and Jussi Parikka, the complex and productive linkages between technology and techniques will be theorized as an abstract machine which I call the serial machine. The argument then draws on theories of perception and nonrepresentational approaches to art in order to analyze the new qualities of aesthetic experience in serial TV fiction. For this purpose, I develop the central concept of the figure of time understood as the directly felt abstract shape effectuated by a narrative’s movement through time. It will be seen, in a third step, that the figural movements discussed in this thesis concern questions of future-orientation and preemption. All of the narratives in this project anticipate their own ending and take form with respect to this foretold future. They are therefore conceptualized as “preemptive narratives,” in which the future poses an affective rather than epistemological problem. I will show that, in the serial narratives under discussion, the preemptive loop through the future is immediately ontogenetic in that it creates a reality in the present by inducing uncertainty and fear of the future. Finally, the thesis proposes that such affective politics are an element of what Gilles Deleuze calls control societies, in which conditions of life are constantly modulated. Following his writings on control societies and Spinoza’s Ethics, it is argued that the requirements of such a modulatory environment are ethical in nature (rather than moral). Drawing on the work by artists-philosophers Madeline Gins and Arakawa, I elaborate the techniques of attention which sustain an ethics for surviving the control society in the TV series Damages.

Cette étude a pour principal objectif d’examiner l’usage de la caméra à l’épaule dans les films de fiction Faces de John Cassavetes et La Vie nouvelle de Philippe Grandrieux. Loin d’associer la caméra portée à la vision subjective d’un personnage, ces cinéastes semblent plutôt inscrire la caméra et son tremblé comme un tiers autonome qui entre néanmoins dans la zone fictionnelle. Par la position similaire qu’ils attribuent à la caméra et par l’importance qu’ils accordent à l’improvisation au tournage, ces deux cinéastes créent une proximité entre le personnage et la caméra, qui a un impact sur l’esthétique visuelle de leurs films. De par cette esthétique affectée, l’expérience vécue par le spectateur devant le film est intensifiée. En interrogeant le processus de création, l’esthétique de la caméra à l’épaule ainsi que la réception spectatorielle, nous verrons comment un tel transfert d’affect est rendu possible par cette tripartition. Pour faire l’analyse de ce transfert affectif, phénomène causé par ce que nous pourrons appeler la caméra catalytique, nous nous appuierons sur quelques philosophies choisies. / This study has as its main goal the examination of the use of the handheld camera in the films Faces by John Cassavetes and La vie nouvelle by Philippe Grandrieux. Far from associating the handheld camera to a character’s point of view these filmmakers seem to inscribe the camera and its shake as an autonomous third person which is part of the fictional space. By the similar position these filmmakers give to the camera and by the importance they attribute to improvisation during the shoot they create a proximity between the character and the camera which has an impact on the visual aesthetic of their films; this affected aesthetic intensifies the experience felt by the audience. By examining the process of making the film, the handheld aesthetic as well as the audience response, we will see how this transfer of affect is made possible. To analyse this affective transfer, caused by what one would call the catalytic camera, we will rely on a selection of chosen philosophies.

Cette thèse prend pour objet le nouage entre l’autoréflexivité et la mise en forme esthétique dans la poésie de Christophe Tarkos, produite dans les années 1990. Elle met en lumière les rapports entre l’élaboration d’une théorie du langage au sein de cette œuvre poétique et ses visées esthétiques totalisantes. Il s’agit d’identifier les principes générateurs de la théorie et de fournir une analyse de ses fondements qui s’ancrent dans la crise de la représentation moderne commençant dans la deuxième moitié du dix-neuvième siècle. Les motifs de la crise revisités par Tarkos inscrivent sa poésie dans une historicité, et notre thèse tente d’interpréter cette actualisation dans une œuvre qui donne forme au monde et à la mémoire individuelle. L’hypothèse qui chapeaute notre étude est que la théorie du langage favorise l’intelligibilité de l’œuvre totalisante en lui offrant un support réflexif. Notre thèse, qui privilégie une méthode fondée sur l’analyse des textes, se divise en trois parties. La première propose une recension de la réception critique de l’œuvre, dont nous retraçons les grandes lignes d’interprétation, de Christian Prigent à Jean-Michel Espitallier. Tout en plaçant Tarkos dans le champ poétique français, cette étape nous permet de positionner notre recherche par rapport à certains lieux communs de la critique. La deuxième partie vise à étudier la théorie du langage de Tarkos à partir de ses manifestes principaux (Le Signe =, Manifeste chou, Ma langue est poétique et La poésie est une intelligence) qui révèlent plusieurs principes, pouvoirs et limites de la langue et de la poésie. Afin de montrer la spécificité du concept de la « pâte-mot » de Tarkos, nous l’étudions dans un dialogue avec la figure de la « pâte » langagière chez la poète française Danielle Collobert. La troisième partie propose une étude de la volonté et de l’esthétique totalisantes dans l’œuvre de Tarkos, qui cherche à donner forme au réel. En effet, la poésie répond à l’excès du réel par diverses stratégies. Tout en voulant représenter son caractère débordant par une énonciation logorrhéique ou en usant de procédés comme celui de la répétition, elle cherche à le maîtriser dans des formes textuelles stables comme des fragments de prose « carrés » (Carrés, Caisses), dans des listes énumératives (Anachronisme) ou dans des réseaux d’images. La volonté totalisante chez Tarkos semble également prendre origine dans un sentiment d’urgence qui concerne, en dernière instance, une bataille contre la finitude. / This dissertation takes as its object the tie between self-reflexivity and aesthetic form in the poetry of Christophe Tarkos, produced in the 1990s. It highlights the relationship between the development of a theory of language within his poetic oeuvre and aims to illustrate its “totalizing” aesthetics. “Theory” is understood as the combination of reflections, meditations and concepts about language and poetry. This thesis endeavors to identify the generating principles in his poetic oeuvre, which are inscribed within the crisis of representation often seen as originating in the mid- nineteenth century. By revisiting this crisis of representation, Tarkos’s poetry can been seen as being located in a historicity. My thesis attempts to interpret this revisiting process through an analysis of a poetic form that gives shape to the world and to individual memory. My assumption is that the theory of language facilitates the intelligibility of his poetry because it provides a reflexive medium. My thesis, which favors a method based on textual analysis, is divided into three parts. The first provides a review of the critical reception of the work, in which I track major lines of interpretation, ranging from Christian Prigent to Jean-Michel Espitallier. Placing Tarkos within the French poetic field allows me to position my research within the commonplace of criticism. The second part investigates the theory of language in his manifestos (Le Signe =, Manifeste chou, Ma langue est poétique et La poésie est une intelligence) that reveal several principles, powers and limits of language and poetry. In order to demonstrate the specificity of the concept of « pâte- mot » (a dough of words) developed by Tarkos, I compare it to the poet Danielle Collobert’s figurative representation of « dough », as « paste ». The third part offers a study of the will and “totalizing” aesthetic present in the work of Tarkos, which seeks to shape the real. Indeed, poetry answers to the excess of the real by various strategies. While wanting to represent his brimming nature through a language akin to logorrhea or by using methods such as repetition, it also seeks to control it in stable textual forms such as « squared » fragments of prose (Carrés, Caisses), in enumerative lists (Anachronisme) or in networks of figures. Tarkos’s willingness to “totalize” also seems to be rooted in a sense of urgency concerning, ultimately, a battle against finitude.

Si les principes d’utilisabilité guident la conception de solutions de design interactif pour s’assurer que celles-ci soient « utilisables », quels principes guident la conception d’objets interactifs pour s’assurer que l’expérience subjective de l’usager (UX) soit adéquate et mémorable? Que manque-t-il au cadre de l‘UX pour expliquer, comprendre, et anticiper en tant que designer une expérience mémorable (‘an experience’; Dewey, 1934)? La question centrale est issue d’une double problématique : (1) le cadre théorique de l’UX est incomplet, et (2) les processus et capacités des designers ne sont pas considérés et utilisés à leur pleine capacité en conception UX. Pour répondre à cette question, nous proposons de compléter les modèles de l’UX avec la notion d’expérience autotélique qui appartient principalement à deux cadres théoriques ayant bien cerné l’expérience subjective, soit l’expérience optimale (ou Flow) de Csikszentmihalyi (1988) et l’expérience esthétique selon Schaeffer (2001). L’autotélie est une dimension interne du Flow alors qu’elle couvre toute l’expérience esthétique. L’autotélie est une expérience d’éveil au moment même de l’interaction. Cette prise de conscience est accompagnée d’une imperceptible tension de vouloir faire durer ce moment pour faire durer le plaisir qu’il génère. Trois études exploratoires ont été faites, s’appuyant sur une analyse faite à partir d’un cadre théorique en trois parties : le Flow, les signes d’activité non verbale (les gestes physiques) et verbale (le discours) ont été évalués pour voir comment ceux-ci s’associent. Nos résultats tendent à prouver que les processus spatiaux jouent un rôle de premier plan dans l’expérience autotélique et par conséquent dans une UX optimale. De plus, ils suggèrent que les expériences pragmatique et autotélique sont ancrées dans un seul et même contenu, et que leur différence tient au type d’attention que le participant porte sur l’interaction, l’attention ordinaire ou de type autotélique. Ces résultats nous ont menés à proposer un modèle pour la conception UX. L’élément nouveau, resté jusqu’alors inaperçu, consiste à s’assurer que l’interface (au sens large) appelle une attitude réceptive à l’inattendu, pour qu’une information puisse déclencher les processus spatiaux, offrant une opportunité de passer de l’attention ordinaire à l’attention autotélique. Le nouveau modèle ouvre la porte à une meilleure valorisation des habiletés et processus du designer au sein de l’équipe multidisciplinaire en conception UX. / If usability guides the formal organisation of interactive systems as it pertains to being usable, useful and efficient, what principle(s) guide(s) the formal organisation of interactive systems when it comes to give form to the subjective dimension of the user experience? This question came from two perceived gaps in our understanding of UX: (1) the UX theoretical framework appears incomplete to this day. Going beyond experiencing, what is at play during Dewey’s an experience? (2) The process and abilities of designers are underused in the current theoretical and practical UX framework; what would provide a more designerly approach? We propose that the autotelic experience could bridge these gaps and be the UX counterpart to usability. The autotelic experience is an internal dimension at the heart of the optimal experience—Flow—(Csikszentmihalyi, 1975) and covering the whole of the aesthetic experience (Schaeffer, 2000). The autotelic experience is a shift in awareness occurring during the interaction. This awareness is accompanied by an imperceptible tension of wanting to make this moment last in order to continue enjoying the pleasure it generates (a circular motivation to stay in the interaction for the sake of the interaction itself) (Schaeffer, 2000). Our results suggest the key to the autotelic experience sits with visuospatial reasoning or more specifically to right hemisphere (RH) activation. Three exploratory studies were conducted, using a three-part theoretical framework where Flow, signs of nonverbal / spatial activity (physical gestures) and of verbal activity (discourse) were assessed for their various associations. The main contribution of this research is a model of autotelic experience made of three interlocking elements (high positive pressure, low mental demand and an openness to unexpected events) contextualised by either an active or a receptive engagement on the part of the user. One of the findings is that the pragmatic experience and the autotelic experience (which we have associated to Dewey’s an experience, 1934), are based on one and the same content, the only difference is the shift in attention on the participant’s part. All the elements of the model are known, but one, to design the experience in a way to keep the user open to the unexpected. This one element supports the occurrence of the shift from ordinary to autotelic attention. The new model opens the door to a better appreciation of designers’ skills and processes within multidisciplinary team in UX design.

Tout en voulant inclure la fiction télévisuelle brésilienne parmi les fictions de qualité, cette recherche analyse l’émergence et l’évolution du concept de qualité dans le panorama télévisuel brésilien. Examinant l’histoire de la télédramaturgie au Brésil, depuis les téléthéâtres jusqu’aux microséries réalisées par Luiz Fernando Carvalho, en particulier la microsérie Capitu (2008), nous suggérons que la production fictionnelle brésilienne a atteint un niveau de qualité sophistiquée et avant-gardiste qui illustre une alternative au style préconisé par la formule des séries télévisées américaines qui se regroupent sous l’étiquette de la Quality TV. De plus, le raffinement de la microsérie contribue à la légitimation de la valeur artistique de la télévision à partir de caractéristiques télévisuelles, contrairement à la production fictionnelle américaine dont l’esthétique plutôt cinématographique finit par discréditer davantage le petit écran. Finalement, nous souhaitons démontrer l’importance des innovations esthétiques que cette microsérie a apportées au sein d’une sphère médiatique qui semble se diriger progressivement et rapidement vers l’uniformisation du langage télévisuel et de son contenu. / This research seeks to analyse the rise and the evolution of the concept of quality within the Brazilian context, to include Brazilian television fiction amongst quality television products. Covering the history of Brazilian television dramas from tele-theatres to the microseries directed by Luiz Fernando Carvalho, and in particular the serie Capitu (2008), we suggest that the fictional production in Brazil has reached a very sophisticated and forward-thinking quality level, illustrating an alternative to the aesthetics of American TV series, also known as Quality TV. Furthermore, the sophistication of this microseries contributes to legitimize the artistic value of television by taking into consideration its own formal characteristics, which are different from American fictional production whose cinematographic style ends up discrediting the qualities of the small screen. At last, we would like to demonstrate the importance of Capitu’s aesthetic innovations within a media-sphere which seems to evolve gradually and quickly towards a standardisation of the televisual language and its content. / Desejando incluir a ficção televisiva brasileira no rol das ficções de qualidade, esta dissertação analisa o aparecimento e a evolução do conceito de qualidade no panorama televisivo brasileiro. Percorrendo a história da teledramaturgia no Brasil, desde os teleteatros até as microsséries dirigidas por Luiz Fernando Carvalho, em particular a obra Capitu, sugerimos que a produção ficcional brasileira tenha alcançado um nível de qualidade muito sofisticado e de vanguarda que ilustra uma alternativa à estética das séries americanas contemporâneas que se reagrupam sob o rótulo da Quality TV. Ademais, o refinamento de Capitu contribui com a legitimação do valor artístico da televisão que é, por sua vez, confirmado pelas características próprias ao meio televisivo, opondo-se à ficção serial americana, cuja estética cinematográfica acaba por acentuar o descrédito da televisão. Por fim, gostaríamos de salientar a importância das inovações propostas por esta ficção em uma esfera midiática que parece caminhar progressiva e rapidamente em direção à uniformização da linguagem televisiva e de seu conteúdo.

La présente thèse rend compte de la dimension affective de la communication. Pour ce faire, l’expérience est d’abord considérée comme durée qualitative (Henri Bergson). Donc, l’expérience est mouvement. Point de départ : le mouvement comme caractéristique intrinsèque du corps qui, ainsi compris, devient un point de passage. Qu’est-ce qui le traverse? Des événements. Il se constitue par ce passage même, ce qui fait de lui un devenir-corps. Ici, toute expérience est acte de communication à son stade le plus pur. Qui est-ce qui communique? L’expérience est une occasion d’actualisation du virtuel. Il s’agit de l’actualisation d’une force virtuelle – que A. N. Whitehead appelle la forme subjective. Le sens du message est l’événement lui-même, c’est-à-dire ce qui émerge dans l’expérience (Gilles Deleuze). Non pas l’expérience subjective d’un sujet préconstitué, mais l’expérience pure, telle que définie par William James : une relationalité. Ce qui s’actualise est une tonalité affective (Whitehead), vécue comme qualité esthétique. Quels sont les facteurs constitutifs du sens? Élargissons la traditionnelle dualité sujet-objet à un complexe relationnel : nous pouvons ainsi percevoir des acteurs affectifs, perceptifs, humains et technologiques, dans un agencement qui se concrétise comme relationalité émergente. Tout événement est situé. Par conséquent, l’émergence du sens devient acte de co-création dans lequel participent les multiples facteurs qui conditionnent l’événement. Cette vision sort d’un anthropocentrisme pour concevoir l’événement lui-même comme sujet de ses propres expériences (Whitehead). De sorte que, tout comme chaque acte de communication, l’expérience des médias est aussi événement vécu. Ce dernier est incorporé par les dimensions du devenir-corps – la conscience-affective et la conscience-réflexive. Celles-ci sont si intimement interreliées qu’elles deviennent mutuellement inclusives dans l’expérience et totalement actives dans l’actualisation du sens. / The present thesis contributes to the understanding of the affective dimension of communication. Experience is first considered as a qualitative duration, and thus as movement (Henri Bergson). The point of departing is movement as an intrinsic characteristic of the body. Thus understood, the body becomes a point of passage. What is it that passes through the body? Events. The body is constituted by this passage itself, which makes it into a becoming-body. Here, every experience is an act of communication in its purest state. Experience is an occasion for the actualisation of the virtual. It consists in the actualisation of a virtual force - which A. N. Whitehead calls the subjective form. The sense of the message is the event itself: that which emerges in the experience (Gilles Deleuze). Not the subjective experience of a preconstituted subject, but pure experience, as defined by William James: a relationality. That which actualises itself is an affective tonality (Whitehead), felt as an aesthetic quality. What are the constitutive factors of sense? The traditional duality subject-object must be enlarged into a relational complex: we can thus perceive affective, perceptive, human and technological actors in an assemblage that realizes itself as an emerging relationality. Every event is situated. Consequently, the emergence of sense becomes an act of co-creation in which the multiple factors conditioning the event participate. Who communicates? This act of co-creation communicates itself. This vision departs from an anthropocentrism to conceive the event itself as the subject of its own experiences (Whitehead). As much as every act of communication is a lived event, so too is every media experience. Event is embodied by the dimensions of the becoming-body – affective-consciousness and reflexive-consciousness. These are so intimately interconnected that they become mutually inclusive in experience and totally active in the actualisation of sense.

L’objectif de cette thèse est de réfléchir aux enjeux d’une histoire du jeu de stratégie en temps réel (STR). Il s’agit de mieux comprendre les contextes dans lesquels le genre prend sens pour historiciser son émergence et sa période classique. Cette thèse cherche à documenter, d’une part, la cristallisation du STR en tant qu’objet ayant une forme relativement stable et en tant que corpus précis et identifié et, d’autre part, l’émergence des formes de jouabilité classiques des STR. La première partie est consacrée à décrire l’objet de cette recherche, pour mieux comprendre la complexité du terme « stratégie » et de la catégorisation « jeu de stratégie ». La seconde partie met en place la réflexion épistémologique en montrant comment on peut tenir compte de la jouabilité dans un travail historien. Elle définit le concept de paradigme de jouabilité en tant que formation discursive pour regrouper différents énoncés actionnels en une unité logique qui n’est pas nécessairement l’équivalent du genre. La troisième partie cartographie l’émergence du genre entre les wargames des années 1970 et les jeux en multijoueur de la décennie suivante. Deux paradigmes de jouabilité se distinguent pour former le STR classique : le paradigme de décryptage et le paradigme de prévision. La quatrième partie explique et contextualise le STR classique en montrant qu’il comporte ces deux paradigmes de jouabilité dans deux modes de jeu qui offrent des expériences fondamentalement différentes l’une de l’autre. / This thesis is a reflection on the stakes of a history of the real-time strategy (RTS) genre. The goal is to understand contexts in which RTS makes sense to historicize its emergence and its classical period. It seeks to document, on the one hand, the crystallization of RTS as an object having a relatively stable form and as a precise and identified corpus and, on the other hand, the emergence of classical RTS gameplay figures. The first part of this thesis describes the object of this research in order to understand the complexity of the words “strategy” and “strategy games.” The second part puts in place the epistemological thinking by showing how gameplay can be taken into account in a history of video games. It defines the gameplay paradigm concept as a discursive formation to regroup actional statements as a logical unit that is not necessarily equivalent to a genre. The third part maps the emergence of the genre from wargames in the 1970s to multiplayer games of the following decade. Two gameplay paradigms are distinguished and will form the classical RTS: the paradigm of decryption and the paradigm of prediction. The last part explains the role of classical RTS by showing how these two paradigms coexist as two different game modes that offer fundamentally different gameplay experiences.

Ce mémoire de recherche-création est accompagné du court métrage «Tala». Pour visionner en ligne : vimeo.com/ondemand/talapierphilippechevigny / Ce mémoire de recherche-création cherche à repérer trois figures de mise en scène dans le cinéma des frères Dardenne (la caméra portée à l'épaule, le cadrage restreint, le plan- séquence) et d’identifier en quoi celles-ci sont génératrices d’une tension transnarrative qui garde le spectateur en haleine, lui procure des affects, l'engage dans la narration, le choque ou le bouleverse : bref, lui fait vivre une expérience intense. Par une analyse de la scène d’ouverture de «Rosetta», nous décrirons comment la caméra mobile portée à l’épaule exprime l’affolement du personnage éponyme tout en proposant un pôle d’identification spectatoriel inédit. «Le Fils» sera ensuite étudié afin de cerner comment les frères Dardenne emploient le cadre comme un cache afin de générer une tension narrative dans une logique de réticence informationnelle. L’usage du plan-séquence, que nous suggérons d’interpréter comme une sorte de réalité virtuelle permettant de faire l’expérience de la solidarité sociale, fera également l’objet d’une analyse à partir de son usage dans «Deux jours une nuit». En guise de conclusion, nous verrons comment nous nous sommes inspirés de ces trois figures de mise en scène dans Tala, le court-métrage de fiction qui accompagne ce mémoire. / This research & creation thesis aims to identify three components of the Dardenne brothers' directing style (over-the-shoulder camera, tight framing and long take) and try to describe how they generate a transnarrative tension that captivates the audience, immerses it in the story, shock it or move it : in other words, these components make the viewer go through an intense experience. We will analyze the opening scene of "Rosetta" to describe how the over- the-shoulder camera visually translates the character's emotions whilst suggesting a new type of spectatorial identification. "Le Fils" will then be analyzed, hoping to demonstrate how the Dardennes' use of tight framing creates mystery and suspense by discarding narrative information. Finally, "Deux jours une nuit" will allow us to examine the brothers' use of the long take, which we choose to read as a type of virtual reality that allows the viewer to experience social solidarity. As a conclusion, we will explain how these three directing components have been recuperated in "Tala", the short fiction film that makes up the creation part of this thesis.

Le présent mémoire propose de croiser les démarches de deux auteures et artistes contemporaines, Sophie Calle et Miranda July, dont les quatre œuvres à l’étude – Douleur exquise (2003), Aveugles (2011), Rachel, Monique (2012) de Calle et Il vous choisit (2013) de July – se fondent sur des expériences en amont de l’écriture qui mobilisent le corps même des auteures, les engagent dans une action concrète et, bien souvent, dans des interactions avec autrui. Cet art de la contrainte, cet art action qui devient le sédiment de leurs écrits s’inscrit dans la filiation hypothétique des théories du philosophe pragmatique John Dewey et de celles de l’artiste Allan Kaprow – l’un des premiers à réfléchir l’art de la performance. L’écriture intermédiale qu’elles pratiquent – ce jeu de relations entre différents médias au sein même de l’œuvre – permet à la fois de réactiver la valeur performative de l’expérience qui a impulsé la création littéraire et d’embrayer une expérience de lecture qui devient elle-même performative. Exemplaires d’une esthétique relationnelle, polyphoniques dans les voix qui s’expriment, les quatre ouvrages du corpus donnent à sentir le bruissement d’une communauté. Il s’agit d’une littérature interdisciplinaire et intersubjective, mais surtout performative dans son questionnement incessant sur le pouvoir de l’art pour transformer la vie. / This master’s thesis proposes to establish a dialogue between the practices of two contemporary writers and artists, Sophie Calle and Miranda July. The four studied pieces of work – Calle’s Douleur exquise (2003), Aveugles (2011) and Rachel, Monique (2012) and July’s Il vous choisit (2013) – are based on concrete experiences occurring beforehand, prior to the act of writing itself. Those experiences mobilize the body of the writers engaging them in a real action and often in interactions with other people. This form of action art becomes the foundations of their writing and could be linked to the theories of pragmatic philosopher John Dewey and artist Allan Kaprow – one of the first to develop a reflexion on performance art. The intermedial writing that Calle and July practice as a game of relations between different medias in the same work allows both artists to revive the performative value of the experience. It impulses the writing and initiates a reading experience which itself becomes performative. Exemplary of a relational aesthetic, polyphonic in the voices that are expressed, the studied body of work reveals glimpses of community to feel and experiment. It is a literature that is interdisciplinary and intersubjective but primarily performative in its constant questioning of art’s capacity to transform life.