Dans le cadre de la célébration du nouveau millénaire, la National Gallery de Londres a organisé l'exposition Encounters: New Art from Old (14 juin - 17 septembre 2000). La formule consistait à inviter vingt-cinq artistes contemporains à choisir une œuvre de la collection permanente du musée et à s'en inspirer afin d'en créer une nouvelle. Certaines des œuvres produites pour l’occasion ont été exposées près de leurs sources dans les salles historiques de la collection du musée. Ce mémoire examine comment la formule de cette exposition et son accrochage anachronique agissent de façon directe sur la temporalité de la collection historique en invitant à sa réactualisation, et à la mise en valeur de la création. Il situe cette formule dans le cadre d’un regain d’intérêt pour les collections, décortique la sélection des artistes par le musée et la sélection des œuvres de la collection par les artistes. Il propose aussi une classification des modalités par lesquelles ceux-ci ré-interprètent la tradition. Enfin, en s’appuyant sur la théorie de la réception, ce mémoire considère les réponses générées par l’exposition : celles des artistes aux œuvres de leurs prédécesseurs, celles des critiques et celles du public. / As part of the celebration of the new millennium, the National Gallery of London organized the exhibition Encounters: New Art from Old (June 14 to September 17, 2000). The concept was to invite twenty-five eminent contemporary artists to choose a painting from the permanent collection of the museum in order to create a new artwork. Some of the works produced for the occasion were displayed near the works that inspired them in the historic galleries of the museum. This dissertation examines how the anachronistic hanging of the works of art helped Encounters in shedding new light on the permanent collection of the museum and in showcasing the contemporary artists' interpretations. The dissertation seeks to situate Encounters in the context of a new interest in museum collections, to reflect on its selection of artists as well as on the selection of works chosen by the artists. It then proceeds to classify the new creations in four modalities of intervention and in conclusion addresses the reception generated by the exhibition: that embodied by the new works created and those of the press and the public.

Cette thèse met en avant, d’une part, les bouleversements qui parcourent le secteur cinématographique en Afrique du Sud depuis 1994 : volontés d’autonomie esthétique et économique, recherches de voix authentiques, formation d’une nouvelle famille de cinéastes.D’autre part, cette recherche révèle le rôle de l’État Sud-Africain dans la définition de la fonction du cinéma au sein de la démocratie contemporaine : Organes spécialisés de l’État, politiques publiques, idéologies, relations avec les professionnels du secteur. / This thesis highlights on one hand, changes that run through the film industry in South Africa since 1994 : wills of aesthetic autonomy and economic, research of authentic voices, growth of a new family of filmmakers. Moreover, this research reveals the role of government in the South African definition of the function of cinema in the contemporary democracy: specialized organs of the State, public policies, ideologies, relationships with industry professionals.

Cette thèse a pour objectif de suggérer des lignes directrices pour observer les rencontres entre des arts, des matières et des techniques artistiques distincts et caractériser les passages possibles entre le sonore et le visuel. Dans un premier temps, nous étudierons les différences entre les arts et les manières de les organiser dans des systèmes classificatoires. Ensuite, nous nous tournerons vers l’étude de la notion de ressemblance entre les arts et de l’esthétique comparée et nous présenterons quelques liens et interactions entre les phénomènes musicaux et visuels. Les ressemblances seront exposées plus loin à travers leurs traits spécifiques, que nous appellerons « similitudes ». À partir de ces dernières, présentées sous les noms de sympathie, d’émulation, d’analogie et de convenientia, nous proposerons des façons d’observer des rencontres entre le sonore et le visuel. De la sympathie provient la notion de résonance, qui se fonde dans la liberté du récepteur d’établir des correspondances entre des paires d’œuvres d’art distinctes. Les reflets trouvent leur fondement dans les similitudes émulation et analogie, et s’adressent à des œuvres dont les créateurs ont tenté d’appliquer dans leur propre art des éléments provenant d’un autre art. Dans le troisième, consacré aux confluences, nous inclurons des œuvres qui contiennent dans leur structure propre des matières sonores et visuelles. À l’origine des confluences se trouve la convenientia, similitude qui traite de la coexistence des éléments hétérogènes. Picasso, Stravinsky, Ligeti, Rothko, Dutilleux et Klee sont parmi les artistes qui illustrent les résonances, reflets et confluences de cette recherche. / The main objective of this thesis is to suggest guidelines in observing meetings between arts, materials and separate art techniques and to characterize some of the possible passages and interactions between the sonorous and visual. First we talk about the differences between the arts and the ways to organize them into classification systems. Then we turn to the study of the concept of resemblance between the art forms, introduced in Comparative Aesthetics and present some links and intersections between the musical and visual phenomena. Their similarities will be exposed, later, through specific traits, which we call “similitudes”. From these latter, presented by the names: sympathy, emulation, analogy and convenientia, we propose ways of observing encounters between the sonorous and visual. From sympathy comes the notion of resonance, which is based on the liberty of the receiver to establish correspondences between pairs of distinct art works. The reflections address the art works whose artists sought to apply in their own art, elements coming from another art and find their bases in the similitudes of emulation and analogy. Finally, the confluences. In this third group are included the art works that contain, in their own structure, sonorous and visual materials. At the origin of the confluences is the convenientia, similitude that deals with the coexistence between heterogeneous elements. Picasso, Stravinsky, Ligeti, Rothko, Dutilleux and Klee are the artists whose works illustrate the resonances, reflections e confluences of our research. / Esta tese tem como principal objetivo sugerir diretrizes para se observar encontrosentre artes, matérias e técnicas artísticas distintas e caracterizar algumas das passagenspossíveis e interações entre o sonoro e o visual. Primeiramente, discorremos sobre asdiferenças entre as artes e as maneiras de organiza-las em sistemas classificatórios. Emseguida, nos voltamos ao estudo da noção de semelhança das mesmas, à Estética Comparadae apresentamos algumas elos e interseções entre os fenômenos musicais e visuais. Assemelhanças são expostas, mais à frente, através de traços específicos, aos quais chamamos de“similitudes”, de acordo com o entendimento de Michel Foucault. A partir dessas últimas,apresentadas pelos nomes de simpatia, emulação, analogia e convenientia, propomosmaneiras de se observar encontros entre o sonoro e o visual. Da simpatia provém a noçãoressonância, que se baseia na liberdade do receptor de estabelecer correspondências entrepares de obras de arte distintas e fertilizar mutuamente seus entendimentos. Os reflexos seendereçam às obras cujos artistas procuraram aplicar em sua própria arte elementos provindosde uma outra arte e encontram suas bases nas similitudes de emulação e analogia. Finalmente,as confluências. Neste terceiro grupo incluem-se obras que contém em sua própria estruturamatérias sonoras e visuais. Na origem das confluências está a convenientia, similitude quetrata da coexistência entre elementos heterogêneos. Pablo Picasso, Igor Stravinsky, GyörgyLigeti, Mark Rothko, Henri Dutilleux, Paul Klee, Alban Berg e Serguei Eisenstein são osartistas cujas obras ilustraram as ressonâncias, reflexos e confluências de nossa pesquisa.

Cette étude s'attache au statut des ruines dans la photographie de guerre et en dresse l'inventaire de leurs aspects esthétiques. Le cas de la ville de Beyrouth, défigurée par les bombardements pendant la guerre civile (1975-1990), est à bien des égards exemplaire puisqu'elle a fait l'objet d'une commande photographique confiée à des photographes prestigieux, en 1991, qui avaient pour mission de conserver la mémoire d'un immense champ de ruines. Cette commande photographique est donc, pour cette raison, au centre de notre recherche. Pour saisir pleinement les enjeux des choix effectués par les photographes au cours de cette commande, il était nécessaire dans un premier temps, d'analyser la mise en place de la constitution d'une esthétique des ruines dans l'histoire de la photographie de guerre de 1853 à 1945, à travers des exemples célèbres sur les champs de bataille. Dans un deuxième temps, il était important de considérer les motivations et les objectifs de chacun des photographes dans le contexte de la commande, en les mettant en résonance avec d'autres expériences photographiques menées à Beyrouth pendant et après le conflit, mais aussi en filiation avec les cas étudiés dans la première partie. La troisième partie de cette thèse constitue un compendium des aspects esthétiques dans le traitement photographique des ruines de guerre à Beyrouth qui permet d'affirmer aujourd'hui que, la ruine de guerre est un genre à part entière en photographie. / The present study explores the status of ruins in war photography and draws up the inventory of their aesthetic features. Disfigured by bombing and shelling during the civil war (1975-1990), the city of Beirut is in many respects an examplary case since it was the subject of a photographic commission entrusted to prestigious photographers in 1991, the mission of which was to preserve the memory of an immense field of ruins. For this very reason, this photographic commission is at the core of our research project. Firstly, in order to understand fully what was at stake in the choices made by the photographers within the framework of this commission, we had to analyze how the aesthetics of ruins has been elaborated in the history of war photography from 1853 to 1945, using famous examples from battlefields. Secondly, it was important to consider the motivations and objectives of each of the photographers within the context of the commission. For this purpose we made these elements echo other photographic experiences conducted in Beirut during and after the conflict, then we related them to the cases studied in the first part. The third part of the present thesis forms a compendium of aesthetic aspects in the photographic vision of war ruins in Beirut that makes it possible to assert that war ruins form a fully fledged genre in photography.

La deuxième moitié du XXè siècle a vu l'explosion de l'ordre des appareils et de leur milieu, la technologie. L'art n'est pas resté à l'abri de cette invasion, et les œuvres ont, elles aussi, commencé de s'appareiller. Ces œuvres appareillées sont dynamiques, indéterminées, interactives, algorithmiques, instables. Nous chercherons ici à suivre cette irruption technologique dans les différents régimes artistiques : au moment de la création de l'œuvre, dans son existence objectale et au moment de sa réception esthétique. Se dessinera alors, peut-être, une forme spécifique à ce que pourrait être un « art technologique ». L'analyse finie, les lignes de fracture posées – la question décisive pourra alors être posée, à défaut d'être tranchée : l'art survit-il à sa collusion avec la technologie ? / During the second half of the 20th century, the world of devices and their technological ground have tremendously spread. Art, also, has been impacted by this invasion, and some artworks have become equipped-artworks. Those specific artworks are : unstable, dynamic, algorithmic, unseen, interactive. We will try here to follow this technological invasion in the three different places of the artistic regime : how the artist creates his piece of work, how this object appears and exists, and how the spectator receives it. Thus, might appear a new form for a genuine « technological art »… Finally, we will be able to ask the core question and to tackle the main issue : are art and technology compatible ?

Vernon Lee est une femme de lettres d'origine britannique, dont l'œuvre éclectique est située dans le contexte historique et socio-culturel de l'Angleterre victorienne de la fin-de-siècle dite «décadente» (1880-1914). La problématique de cette thèse est axée autour de deux fils conducteurs : d'une part, le regard que Vernon Lee porte sur la société de son époque, et d'autre part, son intérêt pour les récentes découvertes dans le domaine des Sciences humaines. Les années 1890 représentent une ère de transition entre le Romantisme et le Modernisme. On peut donc parler d'héritage romantique en ce qui concerne l'inspiration et l'imaginaire des écrivains victoriens de la fin du XIXème siècle. La littérature de la Décadence privilégie les thèmes mythiques, en particulier le mythe de la Femme fatale. L'esthétisme et l'éthique sont au cœur de l'œuvre de Vernon Lee. Écrivain et témoin de son époque, elle utilise son écriture pour défendre la condition féminine. C'est avant tout une écriture avant-gardiste, orientée vers le Modernisme. En effet, les récentes découvertes scientifiques (notamment la linguistique, la psychologie et la psychanalyse) influencent son écriture, lui permettant d'accéder au mieux à l'intériorité de ses personnages. / The 1890s are considered as a period of transition between Romanticism and Modernism. Therefore, we can refer to a romantic legacy of the fin-de-siècle Victorian writers' inspirition and imaginative universe. The Literature of the Decadence favours mythic themes, especially the myth of the "Femme fatale". Estheticism and ethics are the main concerns of Vernon Lee's work. As a writer and a witness of her time, she makes the most of her writing in order to stand up for the woman's emancipation. It is an avangardist writing, which is steered towards Modernism. Besides, she is influenced by the recent discoveries in the field of Social Sciences.

Le Traité des Neuf Preux et des Neuf Preuses, composé entre 1460 et 1468 par Sébastien Mamerot pour son seigneur Louis de Laval, nous est parvenu dans un exemplaire unique, richement enluminé (ÖNB, cod. 2577-2578). Ce travail vise à fournir une étude de ce texte inédit ainsi qu’une édition partielle. Le motif des Neuf Preux et des Neuf Preuses se développe dans la littérature et les arts figuratifs à partir d'un passage des Vœux du paon de Jacques de Longuyon. Suite au succès des œuvres de Boccace et de la thématique des hommes et femmes illustres, naissent trois compilations, organisées sur le principe de la collection de biographies et exclusivement consacrées aux Neuf Preux. Le texte de Sébastien Mamerot est le premier de ces trois textes, plus ou moins contemporains, mais indépendants. Par ailleurs, il est le seul à accorder une place aux Preuses. Alors que le motif est souvent réduit à l'évocation d'une liste de noms, ces textes constituent de vastes compilations historiques retraçant la généalogie et les hauts faits des neuf héros et héroïnes. Véritables livres-bibliothèques, puisqu'ils comportent une biographie de plusieurs des figures de prédilection du Moyen Âge, ces textes nous permettent d'avoir un certain regard sur les œuvres des siècles précédents et leur faveur au XVe s., nous fournissant un véritable guide des lectures historiques de l'époque. Le Traité des Neuf Preux et des Neuf Preuses se trouve au carrefour d'influences culturelles et littéraires diverses : la volonté de mettre par écrit et de redonner chair à ces listes de personnages bien connus en écrivant leurs vies incarne la sensibilité de l'époque aux liens entre renommée, écriture et mémoire. / Le Traité des Neuf Preux et des Neuf Preuses, written between 1460 and 1468 by Sébastien Mamerot for his lord Louis de Laval, has survived in only one manuscript, richly illuminated. The purpose of this thesis is to provide a commentary of this text as well as a partial critical edition. The topos of the Nine Worthies and Nine Worthy Women spread through literature and the figurative arts from the Vœux du paon by Jacques de Longuyon. Following the success of Boccaccio's works and that of the Famous Men and Women theme, three compilations devoted to the Worthies were written, organised as collections of biographies. Sébastien Mamerot's text is the first of these three works that, although more or less contemporary, are nonetheless independent from each other. Moreover his is the only one to deal with the Nine Worthy Women. Whereas the topos of the Nine Worthies is often reduced to a list of names, these texts consist of vast historical compilations telling the genealogy and high deeds of the heroes and heroines. Each book is like a small library in so far as it contains biographies of some of the favourite figures of the Middle Ages; through them we can have an outlook on the reception in the XVth century of the works from the previous centuries which enables us to establish a guide of the favourite historical books read at the time. Le Traité des Neuf Preux et des Neuf Preuses is at the crossroads of different cultural and literary influences: filling in those well-known names by telling their lives embodies the late medieval sensibility to the links existing between fame, writing and memory.

La littérature est une source d’où jaillissent les flots intarissables du paradoxe ; c’est dans cet entrelacement de dichotomies que nous nous sommes immergées pour percevoir l’unité sous-jacente derrière l’oxymore que constitue le titre de notre thèse : « une poétique de l’abjection dans la littérature gothique américaine postmoderne. » Si nous nous sommes tournées vers Stephen King, Peter Straub et Chuck Palahniuk et avons mis l’accent sur trois de leurs œuvres précises, notre démonstration se veut être transposable à l’ensemble de leurs écrits. Nous nous sommes interrogées sur la nature de l’abjection et sur sa prééminence dans une société américaine portant le sceau du puritanisme. Marqués par le Romantisme et le Gothique anglais, nos auteurs ont su donner aux thématiques caractérisant ces mouvements une voie nouvelle. Situer nos œuvres dans la lignée du gothique postmoderne nous permet d’osciller sur le paradigme de l’excès et de l’incomplétude, de la déconstruction et de l’unité. Le thème de la fragmentation apparaît comme l’un des fils d’Ariane permettant aux auteurs de tisser autour des lecteurs leur toile arachnéenne. Ce démantèlement qui affecte à la fois la dimension narrative et thématique des récits contribue à leur effet patchwork et subversif, nous liant à notre problématique postmoderne. Les paradoxes engendrés par nos récits leur donnent leur force et expliquent leur fascination sur le public. Nos pérégrinations menant à l’ouverture des différentes portes de l’interprétation révèlent que l’abjection devient source d’une nouvelle esthétique. Le laid peut véhiculer de la beauté et du sublime. L’harmonie qui existe dans le monde de la déchéance qui nous est dépeint explique l’emprise hypnotique de la littérature de l’abjection sur le lecteur. Source de poétique, celle-ci procure un plaisir de la lecture quasi jouissif pour ceux qui se laissent transporter par la magie créatrice de nos auteurs. / Literature is a stream from which gush forth the inexhausting flows of paradoxes; we have immersed ourselves in this entertwining of dichotomies to perceive the underlying unity behind the oxymoron constituting the title of our thesis: “a poetics of the abjection in American postmodern gothic literature.” If we have chosen Stephen King, Peter Straub and Chuck Palahniuk and have focused on three specific novels, our demonstration intends to be transposed to the whole range of their works. We wondered about the nature of abjection and its pre-eminence in an American society bearing the seal of Puritanism. Marked by Romanticism and the English gothic, our authors have been able to convey to the themes characterizing those movements a new direction. Setting our novels in the wake of postmodern gothic is a way for us to oscillate on the paradigm of excess and incompleteness, deconstruction and unity. The theme of fragmentation appears as one of Ariadne’s clues allowing the authors to weave their gossamery web around the readers. This dismantling which both affects the narrative and thematic dimension of the novels contributes to the patchwork and subversive effect engendered, linking us to our postmodern problematic. The paradoxes engendered by our novels give them their strength and account for their fascination on the audience. Our peregrinations leading to the opening of the various interpretative doors reveal that abjection becomes the source of a new aesthetics. Ugliness can convey beauty and sublime. The harmony which exists in the world of discrepancy depicted to us explains the hypnotic ascendancy of the literature of abjection on the reader. Source of poetry, it brings about a pleasure of reading verging on climax for those who let themselves be carried away by the creative magic of our authors.

Parmi les réalisateurs, producteurs et acteurs de Bombay, Raj Kapoor (1924-1988) est certainement l’un des plus célèbres et des plus originaux, qu’il s’agisse de son œuvre ou de sa personnalité. Sa vaste filmographie qui rassemble quelques-uns des plus beaux mélodrames du cinéma populaire hindi reste méconnue en France. Proches du peuple, ces mélodrames révèlent un phénomène présent dans différentes situations et sous différents aspects : le sentiment d’incompréhension.Ce travail de recherche, inspiré par la lecture de Peter Brooks et Stanley Cavell sur le mélodrame, se donne pour but de montrer que les mélodrames de Kapoor sont porteurs d’un concept particulier qui les unit et les définit comme un genre cinématographique propre que nous appellerons « mélodrame de l’incompréhension ». Le sentiment de ne pas comprendre ou d’être « mal compris » qui hante ces mélodrames se cristallise non seulement à partir des enjeux esthétiques, historiques, politiques et culturels mais aussi des événements personnels.S’appuyant sur l’esthétique du mélodrame, Kapoor multiplie la présence métaphorique du héros aveugle qui pointe la difficulté ou l’impossibilité de communiquer et fait grief à la société de ne pas le comprendre. Inscrivant sa souffrance dans un contexte plus large, le mélodrame kapoorien dépasse les frontières du drame intimiste pour s’élever au niveau du peuple, voire de la nation, selon certains auteurs. Pour amplifier le phénomène d’incompréhension, le mélodrame utilise le malentendu, la méprise, l’ignorance, la confusion, l’illusion, etc. au point que ces difficultés de communication paraissent très clairement représenter des éléments structurels marqués par la réflexion de Kapoor sur l’incompréhension, teintée de mélancolie et de tristesse. / Among Bombay’s directors, producers and actors, Raj Kapoor (1924-1988) is certainly one of the best known and most original both for his work and for his personality. His vast filmography which constitutes a collection of some of the most beautiful melodramas of Hindi popular cinema remains virtually unknown in France. Close to the people, these melodramas reveal a theme which is universally present, illustrated in a variety of situations and different lights. It is the phenomenon of incomprehension.The present work, inspired by a reading of Peter Brooks and Stanley Cavell on the subject of melodrama, aims to show that Kapoor’s melodramas treat this specific theme which unites them and allows them to be defined as a distinct cinematic genre here termed "melodrama of incomprehension." The feeling of inability to understand or of being misunderstood which haunts these melodramas is gleaned not only from aesthetic, historical, political and cultural subjects but also from personal experience.Drawing on the aesthetics of melodrama, Kapoor multiplies the metaphorical presence of the blind hero illustrating the overwhelming difficulty of communication, and blames society for a lack of understanding. Extending the resulting suffering to a wider context, Kapoor’s melodrama transcends the bounds of individual drama, reaching out to the level of the people as a whole, indeed to the entire nation according to some authors. To amplify the phenomenon of incomprehension, his melodrama uses misunderstanding, scorn, ignorance, confusion, illusion, and more. Kapoor does this to a point at which these difficulties of communication clearly represent identifiable structural elements in his portrayal of incomprehension imbued with melancholy and sadness.

Ce travail de recherche met en lumière l’itinéraire de Patricio Guzmán, documentariste chilien actif depuis les années 1960. À l’aide d’une approche pluridisciplinaire expérimentale, nous interrogeons les rapports dynamiques entre cinéma documentaire, histoire et mémoires par le biais de la biographie d’un artiste qui devient, progressivement, un médiateur transnational entre le Chili et le monde. Le plan chronologique débute par l’étude de l’adolescence artistique du réalisateur chilien, entre les années 1950 et la fin de l’année 1972, cœur de l’époque de l’Unité Populaire de Salvador Allende. Ensuite, nous nous intéressons aux années 1970, lorsque Patricio Guzmán part en exil après l’arrivée au pouvoir de la dictature de Pinochet. Il crée patiemment la trilogie de La batalla de Chile au sein de la Cuba révolutionnaire, alors que le drame chilien suscite des solidarités multiples à l’échelle internationale. Dans un troisième temps, nous retraçons l’itinéraire de l’exilé chilien dans les années 1980 et 1990, entre Espagne et voyages/aventures créatives, principalement en collaboration avec la Télévision nationale espagnole. L’obstination chilienne demeure, malgré l’éloignement : elle est nourrie par l’expérience d’autres horizons. Enfin, nous consacrons la dernière partie au cinéma documentaire de Patricio Guzmán post-dictature, marqué par des engagements mémoriels exigeants, ainsi que des bouleversements de sa méthode de création. Le réalisateur confirme son statut de référence du documentaire mondial, ainsi que la puissance de ses réseaux transnationaux. Ce travail conjugue contextualisations historiques et analyses des films (et de leurs possibilités d’existence).Les approches historiques et esthétiques permettent d’analyser tous les volets de l’existence d’une œuvre d’art, en nourrissant les sciences humaines d’une analyse macro qui interroge les échelles spatiales et historiques (du local au global). En utilisant également l’analyse esthétique comme révélateur du langage artistique pour discerner l’engagement d’un dépositaire de la création, on cherche à comprendre les chemins d’une œuvre d’art, à travers le temps et l’espace, avec une attention particulière portée aux diffusions et réceptions des films, au Chili comme ailleurs. Ce travail de thèse s’intéresse aux interactions dynamiques entre différentes thématiques qui façonne l’existence du cinéaste chilien (qui a cela en commun avec d’autres artistes à l’existence transnationale) : l’art et ses rapports au monde (engagements, mémoires, exil), la complexité du langage audiovisuel (toujours en mouvement, renouvelé par les transformations socioculturelles ainsi que l’évolution des techniques et supports), l’attrait pour un didactisme, une pédagogie guidée par le désir de partager, de se faire le témoin de l’histoire (passée et présente), etc. / This research work brings to light the itinerary of Patricio Guzmán, Chilean documentary filmmaker active since the sixties. With the help of an experimental and multidisciplinary approach, we are questioning the dynamic relationships between cinema, history and memories through the biography of an artist who becomes, gradually, a transnational mediator between Chile and the world. The chronological plan starts by studying the Chilean director’s artistic adolescence, between the fifties and the end of 1972, heart of the time of Salvador Allende’s Popular Unity. Then, we are interested in the seventies, when Patricio Guzmán leaves in exile after the coming of Pinochet’s dictatorship to power. Patiently, he creates The battle of Chile’s trilogy, in the revolutionary Cuba, while the Chilean tragedy generates multiples kinds of solidarities at the international level. In a third step, we retrace the Chilean exile’s itinerary in the eighties and nineties, between Spain and adventures of creative travels, mainly in collaboration with the Spanish National Television. The Chilean obstinacy stays, despites geographical distance : she’s nurtured by others horizon’s experiences. Lastly, we spend the last part of this research focusing on the post-dictatorship’s Patricio Guzmán’s cinema, marked by discerning memorialization’s commitments, as well as turmoil of his creation method. The director confirms his status of documentary’s global reference, as well as the power of his transnationals networks. This research work combines historical contextualization and movie’s analysis (besides of their existence’s possibilities). / Esta investigación se enfoca sobre el itinerario de Patricio Guzmán, documentalista chileno activo desde los años 1960. Con ayuda de un método pluridisciplinario experimental, interrogamos las relaciones dinámicas que unen cine, historia y memorias, por medio de la biografía de un artista que llega a ser, poco a poco, un mediador transnacional entre Chile y el mundo. El plan cronológico empieza por el estudio de su adolescencia artística, entre los años cincuenta y el fin de 1972, corazón del periodo de la Unidad Popular de Salvador Allende. Luego, nos enfocamos sobre los años 1970, cuando Patricio Guzmán entra en el exilio, después de la llegada al poder de la dictadura militar de Pinochet. Él crea, con paciencia, la trilogía de La batalla de Chile, dentro de la Cuba revolucionaria, mientras que el drama chileno genere múltiples solidaridades al nivel internacional. En un tercer momento, volvemos sobre el itinerario del exiliado chileno durante los años 1980 y 90, entre España y viajes/aventuras creativas, principalmente en colaboración con la Televisión Nacional Española. La obstinación chilena se queda, a pesar del alejamiento : es alimentada por la experiencia de otros horizontes. Finalmente, dedicamos la última parte al cine pos-dictadura de Patricio Guzmán, caracterizado por compromisos memoriales exigentes, así como algunos trastornos en su método de creación. El cineasta confirma así su estatuto de referencia del cine documental mundial, así como la potencia de sus redes transnacionales. Este trabajo de investigación combina contextualizaciones históricas y análisis de las películas (y sus posibilidades de existencia).