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A partir du concept « philosophie tragique », nous proposons une approche de l’ensemble de la philosophie de Rosset, qui a jusqu’ici peu été étudiée en France. Nous envisageons le rapport, dans son œuvre, entre philosophie tragique et esthétique à partir de ses analyses d’œuvres d’art dramaturgiques, littéraires et musicales. Pour ce faire, nous analysons le terme même de tragique, la fortune du drame antique et l’usage que propose Nietzsche de la tragédie pour déterminer la ligne philosophique propre à Rosset. Nous proposons ainsi une cartographie de l’ensemble de son œuvre pour analyser les nouvelles tactiques qu’il met en œuvre pour renouveler l’approche du tragique, et par là, pour évaluer la manière de philosopher singulière qu’il met en œuvre. Analysant dans ses premiers travaux le tragique à travers une analyse de l’événement tragique et de son expérience individuelle, Rosset élargit son champ de réflexion pour faire du tragique l’objet d’une philosophie du réel. Ce tournant dans son œuvre nous amène à penser le tragique non comme une question circonstancielle ou réservée à l’analyse dramaturgique ou esthétique mais comme le programme d’une nouvelle philosophie, qui conteste l’idée de nature, et propose une nouvelle philosophie du réel. En précisant cette philosophie comme « logique du pire », « anti-nature » et philosophie du hasard, nous confrontons ainsi ses ouvrages de la maturité avec son premier geste philosophique, qui détermine la philosophie comme tragique. Cela nous amène à distinguer le tragique de l’absurde et du pessimisme, en insistant sur le rapport paradoxal à la joie qu’il comporte, qui détermine le tragique comme une philosophie de l’approbation. Le rôle que tiennent la littérature et la musique est alors évalué à la lumière de cette nouvelle rencontre, que Rosset nous propose, entre une esthétique de l’artifice et une éthique de l’approbation tragique. Nous espérons ainsi contribuer à l’ouverture en France d’une réception de la philosophie de Clément Rosset. / Starting from the concept of “tragic philosophy”, we offer a complete analysis of the complete philosophy of Rosset, up to now little studied in France. We contemplate the link in his work between tragic philosophy and the arts, based on his analysis of works of dramatic art, literature and music. In doing this, we analyse even the term ‘tragic’ itself, the fortune of ancient drama and the usage of tragedy proposed by Nietzsche, in order to establish the philosophical approach that belongs to Rosset. We thus present a mapping of the whole of his works in order to analyse the new tactics that he puts to work in order to re-invent the approach to tragic, and in this manner, evaluate the singular manner of the philosopher that he puts to work. Analysing in his earliest works on tragic by means of the tragic event and his personnel experience, Rosset then enlarges his field of reflexion to make tragic the object of the philosophy of reality. This twist in his work brings us to think not of the tragic as a circumstantial question or the reserve of the dramatical or artistic analysis but as the plan for a new philosophy, which contests the idea of nature, and offers a new philosophy of reality. By clarifying this philosophy as the « logic of the worst », « anti-nature » and the philosophy of chance, we thus consider his works with the maturity of his first philosophical gesture that sets out the philosophy as tragic. This method in his work leads us to distinguish the absurd tragic from that of pessimism, whilst insisting on the paradoxical link of the joy that it brings, that determines the tragic as a philosophy of approval. The role played by literature and music is thus evaluated in the light of this new encounter that Rosset proposes to us, between an art of the subtle and the ethics of tragic approval. We hope in this manner to contribute to opening France up to the philosophy of Clément Rosset. / Esta tesis tiene como objetivo comprender y precisar los términos a partir de los cuales Clément Rosset retoma y reelabora el termino filosofía trágica. Para hacerlo, hemos hecho una travesía que abarca el conjunto de su obra, para así hacer visibles los diferentes estratos que conforman este concepto. En primer lugar, la filosofía trágica de la que Rosset nos habla en sus libros de juventud aparece a une escala humana: él se interroga sobre el acontecimiento trágico y la relación del humano con ese tipo de situaciones. El describe, por tanto, el sujeto trágico que se sorprende cada vez que esas situaciones aparecen. Su elaboración no solamente su nutre y está ligada definitivamente a Nietzsche, sino también a las tragedias antiguas y modernas, reforzando así el lazo entre estética y filosofía. En segundo lugar, Rosset extiende su visión de lo trágico al mundo. Así él nos invita a pensar en la actividad misma de la materia, lo cual implica que no solamente el individuo es trágico sino el mundo en su totalidad. En este momento de la reflexión es necesario precisar que Rosset no comprende lo trágico como el “hecho lamentable”, sino que su visión es mucho mas compleja, puesto él debe entenderse como el “indeterminismo” que acompaña cada acto de nuestra vida y la actividad del mundo en su conjunto. Así una filosofía trágica se dedica a pensar ese ingrediente crucial, el “indeterminismo”, de donde surgen todos los determinismos que vemos y habitamos constantemente: los acontecimientos y los seres (animados e inanimados). En tercer lugar, si Rosset instaura una nueva concepción de lo trágico, ella va permitirle, algunos años más tarde, conducir su reflexión hacia lo “real”. Es así que la palabra “trágico” se diluye, pero no su sentido, el “indeterminismo”, el cual se incrusta en el centro mismo de sus reflexiones sobre lo real. Vemos así como Rosset desliza su pensamiento hacia una filosofía de lo real que por tanto es completamente equiparable a la filosofía trágica de sus primeros libros. Eso no significa que la reflexión de Rosset permanezca estática, todo lo contrario, ella es muy activa - pero guardando una profunda coherencia -, puesto que se dedica a reformular el problema de lo real, esta vez a partir del “indeterminismo”, que aparecerá como la verdadera “naturaleza” de lo real. Finalmente si la filosofía de Rosset se dedica pensar lo real, su solo objetivo es proponernos una reconciliación con lo inmediato, con el empirismo de las cosas que nos rodean. De esta manera su filosofía es una celebración de lo real, la cual también podría leerse como una celebración del “indeterminismo”. Para garantizar mejor nuestra cohabitación con lo real, Rosset la refuerza a través de un campo de sensaciones provenientes de la música y la literatura. Es así que una filosofía de lo real, puede mejor comprenderse por las sensaciones que nos producen estas manifestaciones estéticas. De esta manera Rosset conserva el lazo entre filosofía y estética que habíamos descubierto al comienzo de su reflexión sobre lo trágico.

Cette thèse de doctorat examine comment la mobilité peut devenir la base d’un processus de création dans le champ de l’image en mouvement. Je propose un cadre de travail dans lequel l’ouverture d’esprit caractéristique de la mobilité volontaire est associée à une ouverture du langage artistique. En tant qu’ensemble de déplacements physiques et mentaux entre différentes géographies et entre différentes cultures, langues et traditions, la mobilité peut déterminer à la fois une expérience personnelle et une production artistique directement liées à l’improvisation et au hasard. Cette forme de pensée nomade, ouverte à l’improvisation, à l’imprévisibilité et au risque affecte aussi les formes des œuvres, également ouvertes à divers modes d’exposition et différentes interprétations. L’étude nous révèle comment les frontières géopolitiques et artistiques se stimulent et s’affectent mutuellement et dialectiquement. Elle nous incite à réfléchir sur la question de la mobilité en même temps qu’elle participe à l’élargissement des frontières de l’image en mouvement. Autour des notions de mobilité et de création en contexte, j’examine dans cette recherche basée sur ma pratique et celle d’autres artistes quels sont les enjeux des différentes étapes du travail, depuis la conception jusqu’à la présentation finale des œuvres, qu’il s’agisse de films, de vidéos et d’installations. En articulant les dispositifs de création et de diffusion dans le but de combiner simultanément le processus de réalisation de l’œuvre et l’expérience du déplacement, une esthétique particulière émerge, basée sur la mobilité et l’expérience directe du monde. / This doctoral dissertation examines how mobility can become the basis for creative process in the field of moving image. I propose a framework where the open-mindedness characteristic of voluntary mobility is associated with an openness of artistic language. As a set of physical and psychic displacements among different geographies as well as among different cultures, languages and traditions, mobility can shape both personal experience and artistic production directly related to improvisation and chance. This nomadic form of thinking, open to improvisation, unpredictability and risk, also affects the forms of artworks that are in turn open to several ways of display as well as different interpretations. This study reveals how geopolitical and artistic borders stimulate and affect each other reciprocally and dialectically. It encourages us to reflect on the issue of mobility while simultaneously participating in the expansion of the moving image’s boundaries. Through a practice-based research around notions of mobility and creation in context, I examine embedded elements of different stages of film, video and installation production, using personal artworks and a body of references. By articulating certain devices for creation and display in order to simultaneously combine the process of the artwork’s production with the experience of the displacement, a particular aesthetic emerges, based on mobility and a direct experience of the world. / Esta tese de doutorado examina como a mobilidade pode se tornar a base para um processo criativo no campo da imagem em movimento. Eu proponho um contexto de trabalho em que a abertura de espírito característica da mobilidade voluntária é associada a uma abertura da linguagem artística. Como um conjunto de deslocamentos físicos e mentais entre diferentes geografias, bem como entre diferentes culturas, línguas e tradições, a mobilidade pode determinar tanto uma experiência pessoal quanto uma produção artística diretamente relacionadas à improvisação e ao acaso. Esta forma de pensar nômade, aberta à improvisação, à imprevisibilidade e ao risco também afeta as formas das obras, igualmente abertas a vários modos de exposição e diferentes interpretações. O estudo revela como as fronteiras geopolíticas e artísticas se estimulam e se afetam reciprocamente e dialeticamente. Ele nos encoraja a refletir sobre a questão da mobilidade, ao mesmo tempo em que colabora para expandir os limites da imagem em movimento. Em torno das noções de mobilidade et de criação em contexto, nessa pesquisa prático-teórica, eu examino quais são os elementos incorporados nas diferentes fases de produção de filmes, vídeos e instalações a partir de obras pessoais e de um conjunto de referências. Ao articular os dispositivos criação e de difusão com o objetivo de combinar simultaneamente o processo de realização da obra e a experiência do deslocamento, uma estética particular emerge, baseada na mobilidade e na experiência direta do mundo.

Dans une situation d’important développement économique porté par les efforts de plusieurs générations au cours des années qui ont suivi la politique de la réforme et de l’ouverture en Chine, l’éducation esthétique s’inscrit à nouveau dans la politique éducative chinoise, après avoir été supprimée par Mao en 1958. De ce fait, l’éducation artistique, que la conception chinoise distingue de l’éducation artistique proprement dite, a connu également un développement d’ampleur. De nos jours, l’éducation artistique retient de plus en plus l’attention du gouvernement chinois, en raison de ses effets dans le processus de l’édificationet de la modernisation socialiste, ainsi que dans le renforcement de l’influence de la Chine dans le monde. A travers les analyses des politiques éducatives et des textes officiels, notre recherche consiste à dégager les rôles et les fonctions de l’éducation artistique dans la Chine contemporaine et à chercher à comprendre les raisons pour lesquelles le gouvernementchinois met l’accent sur ce type d’éducation. Ce travail nous conduit à dégager et à analyser les principaux facteurs qui influencent et expliquent son développement en Chine. / In a situation of important economic development carried by the efforts of several generations during the years which followed the reform policy and the opening in China, the esthetic education joins again in the Chinese education policy, having been eliminated by Mao in 1958. Therefore, the arts education, which the Chinese conception distinguishes from the esthetic education itself, also knew a development of scale. Nowadays, the arts education holds more and more the attention of the Chinese government, because of its effects in the process of the construction and the socialist modernization, as well as in the strengthening of the influence of China in the world. Through the analyses of education policies and official texts, our search consists in clearing the roles and the functions of the arts education in contemporary China and in trying to understand reasons why the Chinese government puts the accent on this educational type. This work leads us to clear and to analyze the main factors which influence and explain its development in China.

La spécificité de l’œuvre d’André du Bouchet se tient dans un lien extrêmement étroit avec les arts plastiques et les artistes. Son écriture engage la poésie, à l’égal de la peinture, dans la compréhension de l’énigme de la visibilité, en inventant sa propre mise en espace. La page est traitée comme une surface où le fait d’agencer des termes selon des orientations spécifiques octroie au support le bénéfice de l’énergie exercée par cette spatialisation des éléments, en plus de la tension déployée par les entrelacs du sens. Trois axes sont ainsi successivement abordés : le Tracé, la Vision, et le Support. Chacune des opérations lexicales comme syntaxiques procèdent du souci de désenclaver les notions qui viennent clore le sens et de porter l’accent sur la mobilité. Ainsi, André du Bouchet entend approcher les procédés que les peintres mettent en œuvre pour rendre compte, et de leur vision du monde, et de cette échappée du réel à laquelle ils se confrontent. S’interrogeant sur le regard porté sur le monde, puis retournant la question sur la façon dont le monde vient au regard, il façonne cette « langue sans parler…..aveuglément peinture » qui fait entrevoir une réalité inédite. Sa conception d’une épaisseur du support s’appuie sur une pensée en volume qui substitue aux coordonnées spatio-temporelles de la géométrie de l’espace des qualités intensives liées à une appréhension kinesthésique du monde. Il fonde une énergétique de l’espace et engage, ce faisant, une conception de la place de l’homme dans le monde entendue comme déplacement, emportement incessant. / The specificity of André du Bouchet's work lies in its intimate connection with the fine arts and artists. His writing commits poetry - the way painting does - to understanding the riddle of invisibility by inventing its own spatial disposition. The page of a book is treated like a surface which disposing terms together according to specific orientations gives the medium the energy exerted by that spatialisation of elements, on top of a tension displayed by the interweaving of word meaning. Three lines of research are thus treated in succession : Layout, Vision and Medium. Each lexical and syntactic operation aims at opening up the notions which give a limit to meaning, and to emphasise mobility. in this manner, André du Bouchet, intends to come close to the techniques that painters apply in order to express their vision of the worl, but also the escape from reality which they confront themselves to. Pondering on the way we look at the world and then - conversely - on the way the world appears to the eye, he shapes that "speechless language ... dazzlingly painting" which gives a glimpse of an unfamiliar reality. His thinking in terms of volume explains his conception of a multi-layer medium ; its substitutes the space-time coordinates of space geometry for intensive qualities linked to a kinaesthetic apprehension of the world. He brings into being a form of energetics of space and thus introduces a conception of man's place in the world as movement and constant flow.

Cette thèse s’attache à montrer le rôle important qu’a joué la figure de sainte Cécile au XIXe siècle dans l’imaginaire musical européen. La première partie de ce travail est consacrée à l’historiographie de sainte Cécile, du Ve siècle au XIXe siècle, et à l’inscription de la figure dans l’espace culturel européen. Différents media ont contribué à faire de la patricienne romaine légendaire une sainte patronne reconnue et célèbre dont, au premier chef, le tableau de Raphaël, L’Extase de sainte Cécile. Cette œuvre du patrimoine artistique européen fait l’objet d’une véritable fascination auprès des écrivains, des musiciens et des peintres de la première moitié du XIXe siècle et ce travail tente d’en comprendre les raisons. Dans un deuxième temps, cette thèse montre que la figure de sainte Cécile est une figure trope, une allégorie vive, utilisée par de nombreux écrivains pour construire un discours sur la musique, sur l’art et sur le rapport entre les arts. Il y a véritablement des moments sainte Cécile au XIXe siècle qui conduisent à recharger la figure d’un souffle vivant ; elle s’impose alors, non plus comme une figure de rémanence, mais bien comme la possibilité de penser une transcendance et de construire un discours esthétique. Le troisième axe de cette recherche s’inscrit dans une perspective d’études de genres. Héritière de plusieurs types de traditions de représentations féminines, sainte Cécile apparaît comme un outil analogique riche de présupposés idéologiques sur la représentation de la femme et en particulier de la femme musicienne. Représentantes d’un Éternel féminin fantasmé, les femmes musiciennes comparées à sainte Cécile sont les garantes d’une mémoire idéologique qui enferme la femme musicienne dans un champ très restreint de la pratique musicale. / This thesis aims to show the important role played by the figure of Saint Cecilia in the European musical psyche in the 19th century. The first part of this work is devoted to the historiography of Saint Cecilia, from the fifth century to the 19th century, and to the inclusion of the figure in the European cultural space. Various media have contributed to make this legendary Roman patrician a celebrated and famous patron saint but, first and foremost, is the picture of Raphael, The Ecstasy of St. Cecilia. During the first half of the 19th century this artistic European heritage artwork is the subject of a true fascination for the writers, musicians and painters. This thesis tries to understand the reasons why. In the second phase, this thesis shows that the figure of Saint Cecilia is a trope figure, a vivid allegory, used by many writers to construct a discourse on music, art and the relationship between the arts. During the 19th century there were several strong phases of focus on Saint Cecilia, each leading to recharge the figure with a vivid breath. She then imposes herself, no longer as a figure of persistence only, but rather as the possibility of thinking about transcendence and of constructing an aesthetic discourse. The third axis of this research focuses on gender studies. Heiress to several types of feminine representations, Saint Cecilia appears as an analogical tool, rich in ideological presuppositions on the representation of women and women musicians. Representation of an eternal feminine fantasy, the female musicians associated to Saint Cecilia are the guarantors of an ideological memory which encloses the female musician in a very restricted area of the musical practice.

Les fictions franco-vietnamiennes, qui ont relevé le défi de dépasser le carcan folklorique, offrent un point de vue original sur les concepts de femmes, d’histoire et d’exil dans des contextes de dominations politique et sociale différents. Néanmoins, ces fictions mettent en place des stratégies de résistance très proches. Parmi toutes les questions soulevées par les représentations qu’élaborent ces œuvres, celle de la résistance a été retenue car elle est particulièrement riche et révélatrice de la complexité de leur identité littéraire. Comment s’écrit la résistance dans les œuvres franco-vietnamiennes ? À quoi résistent-elles ? Quels sont les enjeux de cette résistance ? L’étude se focalise sur les fictions de quatre écrivaines franco-vietnamiennes contemporaines, Linda Lê, Kim Lefèvre, Ly Thu Ho et Anna Moï. Ces écrivaines offrent des pistes de réponses à ces questions, en mettant en évidence trois dominations qui se croisent et s’articulent entre elles : la résistance à la domination masculine, à l’histoire surplombante et à la glorification d’une identité nationale figée. Le cadre d’analyse choisi est celui des resistance studies.Cette méthode permet d’engager une description systématique des figures de résistance présentes dans les récits de fiction. Le champ d’investigation pose tout d’abord le problème des représentations de la place des Vietnamiennes, tiraillées entre la société patriarcale teintée de confucianisme et la société française moderne. Elle implique également l’examen des modalités déployées dans les œuvres du corpus pour déjouer les pièges d’une écriture de l’histoire du Vietnam qui accorderait peu de place aux voix subalternes : aux Vietnamiens et en particulier aux femmes. Finalement, à travers l’analyse de l’exil comme forme masquée d’insoumission, nous interrogerons la façon dont le sujet femme-postcoloniale s’approprie les apports exogènes sans renoncer à son éthique et son identité particulières. / Having successfully taken up the challenge of going beyond the limits of folklore, French-Vietnamese fiction offers an original point of view on the ideas of women, history and exile. These elements are staged in different contexts of social and political domination, but they nevertheless set up very similar strategies of resistance. This is why, among all the issues raised by the representations framed by these works, that of resistance was chosen, since it is so rich and revealing of the complexity of their literary identity. How is resistance described in French-Vietnamese works? What is being resisted against? What is at stake in this resistance?This study is focused on the works of four French-Vietnamese contemporary writers: Linda Lê, Kim Lefèvre, Ly Thu Ho and Anna Moï. These female writers provide answers to the questions above by highlighting three correlated and intertwined dominations: resistance to male domination, to overarching history, and to the glorification of a frozen national identity. The framework of the analysis is that of resistance studies.This approach enables a systematic description of the resistance figures encountered in these fictional works. The field of investigation first reveals the issue of the representation of Vietnamese women, torn between a Confucean and patriarchal society and that of modern France. It also implies the study of the means developed in these works to avoid the traps of a writing of Vietnamese history that allows little space to subaltern voices of the Vietnamese, and of women in particular. Finally, through the analysis of exile as a hidden form of insubordination, we will question the way in which French-Vietnamese narrative gives initiative to the postcolonial woman subject and enables her to appropriate contributions from outside without denying her ethics
and her identity.

Jorge Semprun, survivant de Buchenwald, entend « faire [du] témoignage un espace de création ». L’inventivité formelle du roman lui permet d’exprimer la vérité de l’expérience vécue, en créant un espace textuel réflexif où auteur et lecteur, l’un mis en scène dans l’acte d’écriture, l’autre appelé à prendre conscience de son rapport actif à la constitution du sens du récit, se rencontrent dans la relation éthique du témoignage. Mon travail concerne les caractéristiques formelles de ce roman de l’histoire, pour expliciter sa relation au discours politique en particulier, et mettre en relief l’autonomie esthétique du roman, sur laquelle repose la spécificité du rapport littéraire à l’histoire. Semprun met en place cette esthétique au moyen de multiples innovations narratives et d’une conception du récit comme performance, où le Dire est distinct du Dit (Levinas) : cette dimension performative du récit est décrite dans cette étude au moyen d’une approche phénoménologique de la lecture, centrée sur les dynamiques interprétative et imaginaire mises en œuvre par le sujet lisant. Le contraste entre esthétique narrative et discours idéologique définit non seulement les stratégies d’écriture de Semprun, mais également le rôle attribué au lecteur : ce dernier, prenant conscience des motivations et procédés rhétoriques de l’auteur, qui multiplient explicitement les trajectoires interprétatives au sein du texte, réalise que l’enjeu du témoignage réside dans l’acte de lecture, une lecture engagée, participative et en perpétuel renouvellement / Jorge Semprun, survivor of Buchenwald, intends to « make testimony a space of creation ». The formal inventiveness of the novel allows him to express the truth of his experience, by creating a reflexive textual space in which the author is presented in the act of writing, and the reader is called to realize his/her active part in the constitution of narrative meanings. Author and reader thus collaborate on establishing the ethical relationship of testimony. My dissertation examines the formal characteristics of this novel of history, to describe its relationship to political discourse in particular, and to highlight the aesthetic autonomy of the novel, which defines the specificity of literature’s approach of history. Semprun develops this aesthetics through multiple narrative innovations and a conception of narration as performance, where Saying is distinct from the Said (Levinas) : this performative dimension of the narration is described in this work through a phenomenological notion of reading, centered on the interpretative and imaginary activities brought into play by the reading subject. The contrast between narrative aesthetics and ideological discourse does not only define Semprun’s writing strategies, but also the function attributed to the reader in these texts. Becoming aware of the author’s motivations and rhetorical processes, which explicitly multiply interpretative trajectories within the text, the reader realizes that the stakes of testimony reside in the act of reading, a reading that is engaged, participative, and perpetually renewed.