Submitted by Rejane Coelho (rejanecoelho@ufpa.br) on 2019-01-31T20:33:35Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Tese _VidaNuaDalcidio.pdf: 999658 bytes, checksum: 04f48e5724bd3d2f23fa13f224efed1d (MD5) / Approved for entry into archive by Rejane Coelho (rejanecoelho@ufpa.br) on 2019-01-31T20:34:22Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Tese _VidaNuaDalcidio.pdf: 999658 bytes, checksum: 04f48e5724bd3d2f23fa13f224efed1d (MD5) / Made available in DSpace on 2019-01-31T20:34:22Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Tese _VidaNuaDalcidio.pdf: 999658 bytes, checksum: 04f48e5724bd3d2f23fa13f224efed1d (MD5) Previous issue date: 2017-02-17 / Le projet esthétique et éthique de l'écrivain brésilien Dalcídio Jurandir est dédié à la construction d'une image décadente et grotesque révélant dans l’Amazonie une crise de l'existence humaine, socioculturel et politique. Ainsi, l'auteur donne un aperçu des problèmes sociaux et humanitaires qui transforment l'Amazonie dans un cours de survie. En dialogue avec la théorie de l'état d'Exception et le concept de la vie nue, d’après le philosophe Giorgio Agamben, les romans de Dalcídio Jurandir renforcent l'idée que l'état d'Exception, à savoir, l'absence de l'Etat et de leur système juridique est un pratique inhérente à la structure politique occidentale, y compris les gouvernements démocratiques. Le récit littéraire de Dalcídio Jurandir, donc, par une remise en cause des progrès nous montre que la vie nue se trouve au-délà des régimes d'Exception car elle fait partie de la catastrophe et de la barbarie de la vie quotidienne dans la société contemporaine. / UNAMA-Universidade da Amazônia / O projeto estético e ético do escritor brasileiro Dalcídio Jurandir se dedica em construir uma imagem decadente e grotesca da Amazônia reveladora de uma crise da existência humana, sociocultural e política. Deste modo, o escritor oferece um panorama de problemas sociais e humanitários que transformam a Amazônia em um campo de sobrevivência. Em diálogo com a teoria do estado de Exceção e com o conceito de vida nua, do filósofo Giorgio Agamben, os romances de Dalcídio Jurandir fortalecem a ideia de que o estado de Exceção, ou seja, a ausência do Estado e da ordem jurídica é uma prática inerente à estrutura política do ocidente, inclusive dos governos democráticos. A narrativa literária dalcidiana, portanto, atravessando um questionamento sobre o progresso nos demonstra que a vida nua está presente para além dos regimes de Exceção, pois ela se encontra presente nas catástrofes e barbáries camufladas no cotidiano da sociedade contemporânea.

pesquisa propõe uma reflexão sobre o grotesco como operador e mediador fundamental da cena teatral, visando ao encontro de uma \"arquitetura\" do grotesco nas imagens do corpo do ator. A análise parte da observação de duas experiências poético-estéticas distintas no tempo e no espaço, que parecem exemplares no tocante à discussão sobre o grotesco e ao trabalho de composição cênica através da dança: o Butô de Tatsumi Hijikata (1929-1986) e parte da produção teórica e artística (das décadas de 1910 e de 1930, respectivamente) do encenador russo V. E. Meyerhold (1875-1940). A transposição das questões observadas sobre o tema do grotesco para o âmbito da criação e construção da cena, nas duas experiências artísticas abordadas, foi orientada por uma pergunta-chave: Pode a dança ser uma espécie de arquitetura corporal do grotesco cênico, ou seja, através das imagens do corpo que dança, podemos observar a operação grotesca na encenação? / This research presents a reflection about the grotesque as an operator and a vital intercessor of the dramatic scene, aiming at a grotesque \'architecture\' in the images of the actor\'s body. The analysis is based in two poetic-esthetic experiences distinguished on time and in space, that appear to be examples concerning the discussion about the grotesque and the labor of the stage composition through the dance: the Butoh of Tatsumi Hijikata (1929-1986) and the theoretical and artistic production (particularly in the decade of 1910 and 1930) of the russian V. E. Meyerhold (1875-1940). The transposition of the remarked issues about the grotesque to the field of creation and scene construction, in both artistic approached experiences, had been guided by a central question: could dance be a sort of corporal architecture of the grotesque scenery, in other words, through the images of the dancing bodies, could we observe the grotesque operation on stage?

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:45:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Nahina de Almeida Rosa Barbosa.pdf: 4546645 bytes, checksum: 5947eac026f0083b3e264f55dd40e6aa (MD5) Previous issue date: 2012-08-13 / This thesis aims to examine the update that the myth of Orpheus has suffered in the movie "Coraline" an adaptation of the British Neil Gaiman s novel "Coraline" (2003) , through a comparative and dialogic analysis, based on Bakhtin s concepts of dialogism, carnivalization and grotesque, between the original myth and its degradation in the film work. The proposal of a dialogic study between the myth of Orpheus and the movie happens not only because of the dessacralization that the myth has suffered, but also for the common theme of the katabasis, since Coraline and Orpheu made it to rescue something that was taken from them, whether it was the loved one or the recognition of the family and own values. After this analysis, based on Mircea Eliade s, Pierre Brunel s and João Batista de Brito s studies, the double was shown as an increase that the myth has suffered on this update and the reason why there was the manifestation of the double in this work was elucidated. / A presente dissertação tem como objetivo examinar a atualização que o mito de Orfeu sofreu no filme Coraline e o Mundo Secreto uma adaptação do romance Coraline (2003), do britânico Neil Gaiman -, por meio da análise comparativa e dialógica, de acordo com os conceitos bakhtinianos de dialogismo, carnavalização e grotesco, entre o mito original e o seu rebaixamento na obra fílmica. A proposta de um estudo dialógico entre o mito de Orfeu e o filme ocorre não somente pela dessacralização que o mito sofreu, mas também pela presença, em comum, do tema da catábase, já que Coraline e Orfeu a realizaram para resgatarem algo que lhes foi tomado, seja a amada ou o reconhecimento de valores próprios e familiares. A partir desta análise, baseada nos estudos de Mircea Eliade, Pierre Brunel e João Batista de Brito, elencou-se o duplo como um acréscimo que o mito sofreu nessa atualização e elucidou-se a razão pela qual houve a manifestação do duplo nesta obra.

Resumo: Os elementos estruturais da narrativa do escritor português António Lobo Antunes tornam-se peças de um quebra-cabeça manipulado pelo autor, que, ao sinalizar para os escombros do contexto histórico reafirma os destroços da forma narrativa. Nesse processo se misturam os discursos jornalístico, político e religioso às vozes dos narradores e das personagens, dando origem a um instigante jogo polifônico. Com os romances Os Cus de Judas (1979), Fado Alexandrino (1983) e Exortação aos Crocodilos (1999), representativos de uma escrita que burla o discurso do autoritarismo, desautorizando-o e desautomatizando-o, enveredamos pelos meandros do grotesco e da ironia para expor os fragmentos de espaços marcados pelos acontecimentos de antes, durante e depois da Revolução dos Cravos e os fragmentos das guerras travadas, também, no interior das personagens. / Abstract: Structural elements of the Portuguese writer António Lobo Antunes' narratives are pieces of a puzzle manipulated by an author who tends to turn relative the ruins of historical context and reassert the wrecks of the narrative form. In this process, historical, political and religious speeches mix to the voices of narrators and characters, raising an enticing polyphonic game in which we intend to interact. With the South of Nowhere (1979), Fado Alexandrino (1983) and Exhortation to the Crocodiles (1999), we will go through meanders of irony, parody and grotesque to expose fragments of signed spaces through past events, throughout and after the Carnation Revolution and the wars engaged, also within characters - a space of writing that fools the authoritarianism speech, discrediting it and ending the automatic speech. / Orientador: Sônia Helena de Oliveira Raymundo Piteri / Coorientador: Ana Paula dos Duarte Arnaut / Banca: Lilian Jacoto / Banca: Márcia Valéria Zamboni Gobbi / Banca: Maria Heloísa Martins Dias / Doutor

A presente dissertação se dedica a refletir sobre o corpo e o grotesco na arte e na comunicação contemporâneas. O objetivo do estudo foi investigar o grotesco na cena da dança contemporânea com o intuito de compreender como se dá a relação entre o modo de apreensão do grotesco na atualidade e o modo como ele se apresenta cenicamente. Assim, procurou-se investigar que representações da cultura contemporânea podem estar associadas às manifestações do fenômeno grotesco; como a mídia e o consumo de massa participam na disseminação desta estética; e como o corpo cênico na dança se aproxima/reflete estas representações presentes no cotidiano. O fenômeno grotesco, objeto de estudo desta pesquisa, foi investigado em duas companhias de dança: a Lia Rodrigues Companhia de Danças (RJ) e o Grupo Cena 11 de Dança (SC), onde foram observados o tratamento artístico e os dispositivos utilizados para construção do efeito corpo-grotesco nos espetáculos e o posicionamento dos artistas com o uso da estética grotesca nas obras. O embasamento teórico do estudo investiu na compreensão do fenômeno grotesco nos âmbitos histórico, estético/artístico e social e sua contextualização na contemporaneidade. Partiu-se do entendimento de que o corpo é mídia primária, "espaço" de comunicação e de linguagem e a dança cênica é um fenômeno urbano, que espelha as transformações representacionais do início deste século XXI. As abordagens teóricas de Mikhail Bakhtin sobre o realismo grotesco; de Wolfgang Kayser, sobre o grotesco romântico e os estudos de Muniz Sodré e Raquel Paiva, sobre o grotesco na comunicação contemporânea fundamentaram as discussões. Foi relevante refletir sobre as mudanças de paradigmas sociais que vêm se desenhando na atualidade, sobretudo com a influência do desenvolvimento tecnológico e midiático sobre as corporeidades e os processos de subjetivação. As qualidades fluidas e polifônicas associadas à contemporaneidade nortearam o entendimento desses novos paradigmas estéticos do corpo - atribuídos como corporeidades móveis contemporâneas - e, serviram para denominar/compreender como "grotesco líquido" a presença múltipla e volátil dos fenômenos grotescos na atualidade. / This dissertation is dedicated to reflecting on the body and the grotesque in the contemporary art and communication. The aim of this study was to investigate the grotesque in contemporary dance scene in order to understand the relationship between the way of apprehension of the grotesque nowadays and how it is presented scenically. This way, we sought to investigate representations of contemporary culture that may be associated with manifestations of the grotesque phenomenon; how the media and mass consumption take part in the dissemination of this aesthetic; and how, in the dance, the scenic body approaches/reflects these representations present in everyday life. The grotesque phenomenon, object of this research, was investigated in two dance companies: Lia Rodrigues Companhia de Danças (RJ) and Grupo Cena11 de Dança (SC), where we observed the artistic treatment and equipment used for the construction effect on body-grotesque during the performances and the point of view of the artists using the grotesque aesthetic in their works. The theoretical grounds of this study invested in understanding the grotesque phenomenon in historical fields, aesthetic/artistic and social and its contextualization in contemporaneity. This started from the understanding that the body is primary media, "space" of communication and language, and the scenic dance is an urban phenomenon that mirrors the representational transformations from the beginning of the 21st century. The theoretical approaches of Mikhail Bakhtin on the grotesque realism; Wolfgang Kayser, on the romantic grotesque and the studies of Muniz Sodré and Raquel Paiva, on the grotesque in contemporary communication grounded the discussions. It was important to reflect on the changing of social paradigms that have been molding themselves nowadays, especially with the influence of technological development and media on corporeality and subjectivity processes. The fluid and polyphonic qualities associated with contemporaneity, guided the understanding of these new aesthetic paradigms of the body - assigned as contemporary mobile corporealities - and served to denominate/understand as "liquid grotesque" the multiple and volatile presence of the grotesque phenomena today.

A presente dissertação se dedica a refletir sobre o corpo e o grotesco na arte e na comunicação contemporâneas. O objetivo do estudo foi investigar o grotesco na cena da dança contemporânea com o intuito de compreender como se dá a relação entre o modo de apreensão do grotesco na atualidade e o modo como ele se apresenta cenicamente. Assim, procurou-se investigar que representações da cultura contemporânea podem estar associadas às manifestações do fenômeno grotesco; como a mídia e o consumo de massa participam na disseminação desta estética; e como o corpo cênico na dança se aproxima/reflete estas representações presentes no cotidiano. O fenômeno grotesco, objeto de estudo desta pesquisa, foi investigado em duas companhias de dança: a Lia Rodrigues Companhia de Danças (RJ) e o Grupo Cena 11 de Dança (SC), onde foram observados o tratamento artístico e os dispositivos utilizados para construção do efeito corpo-grotesco nos espetáculos e o posicionamento dos artistas com o uso da estética grotesca nas obras. O embasamento teórico do estudo investiu na compreensão do fenômeno grotesco nos âmbitos histórico, estético/artístico e social e sua contextualização na contemporaneidade. Partiu-se do entendimento de que o corpo é mídia primária, "espaço" de comunicação e de linguagem e a dança cênica é um fenômeno urbano, que espelha as transformações representacionais do início deste século XXI. As abordagens teóricas de Mikhail Bakhtin sobre o realismo grotesco; de Wolfgang Kayser, sobre o grotesco romântico e os estudos de Muniz Sodré e Raquel Paiva, sobre o grotesco na comunicação contemporânea fundamentaram as discussões. Foi relevante refletir sobre as mudanças de paradigmas sociais que vêm se desenhando na atualidade, sobretudo com a influência do desenvolvimento tecnológico e midiático sobre as corporeidades e os processos de subjetivação. As qualidades fluidas e polifônicas associadas à contemporaneidade nortearam o entendimento desses novos paradigmas estéticos do corpo - atribuídos como corporeidades móveis contemporâneas - e, serviram para denominar/compreender como "grotesco líquido" a presença múltipla e volátil dos fenômenos grotescos na atualidade. / This dissertation is dedicated to reflecting on the body and the grotesque in the contemporary art and communication. The aim of this study was to investigate the grotesque in contemporary dance scene in order to understand the relationship between the way of apprehension of the grotesque nowadays and how it is presented scenically. This way, we sought to investigate representations of contemporary culture that may be associated with manifestations of the grotesque phenomenon; how the media and mass consumption take part in the dissemination of this aesthetic; and how, in the dance, the scenic body approaches/reflects these representations present in everyday life. The grotesque phenomenon, object of this research, was investigated in two dance companies: Lia Rodrigues Companhia de Danças (RJ) and Grupo Cena11 de Dança (SC), where we observed the artistic treatment and equipment used for the construction effect on body-grotesque during the performances and the point of view of the artists using the grotesque aesthetic in their works. The theoretical grounds of this study invested in understanding the grotesque phenomenon in historical fields, aesthetic/artistic and social and its contextualization in contemporaneity. This started from the understanding that the body is primary media, "space" of communication and language, and the scenic dance is an urban phenomenon that mirrors the representational transformations from the beginning of the 21st century. The theoretical approaches of Mikhail Bakhtin on the grotesque realism; Wolfgang Kayser, on the romantic grotesque and the studies of Muniz Sodré and Raquel Paiva, on the grotesque in contemporary communication grounded the discussions. It was important to reflect on the changing of social paradigms that have been molding themselves nowadays, especially with the influence of technological development and media on corporeality and subjectivity processes. The fluid and polyphonic qualities associated with contemporaneity, guided the understanding of these new aesthetic paradigms of the body - assigned as contemporary mobile corporealities - and served to denominate/understand as "liquid grotesque" the multiple and volatile presence of the grotesque phenomena today.

This thesis aims to point out the social and psychological constructions of Antonio Carlos Viana‘s characters in Cine Privê collection of short stories (2009), based on the madness and eroticism. Connected to this issue, we are concerned to investigate how the grotesque body is described by the narrator‘s ironic memory, which builds silent characters set in situations of social exclusion, contextualized in decaying spaces. As theoretical and methodological elements, we start from reflections that endorse the relations of power, madness, the grotesque, eroticism and sexuality according to the perspective of Michel Foucault, Gaston Bachelard, Wolfgang Kayser and George Bataille. This research is divided in three chapters: the first one is about the theoretical part which addresses the issues of authorship, discourse and power; the second chapter, talks about the perspective from a narrator-child, presents the analysis of selected short stories through the view of madness and of the grotesque such as: "Santana Quemo-Quemo", "Quando meu pai voltou", "Minha avó Inocência" and "Nós, a maré e o morto ". Finally, the third one discusses in detail the issue of grotesque, sexuality and eroticism in the following short stories: "Cine Privê, "Angeline", "Esperanza", "Dia de parir cabrito", "Eliazar Eliazar" and "Moonlight Serenade". Thus, we intend to discuss in what ways the sexual saturation of Antonio Carlos Viana‘s characters occurs facing a disciplinative and excluding social context, as discourse is via of exclusion, as body and space are taken by repulsive aspects. / Esta dissertação tem como objetivo abordar as construções sociais e psicológicas dos personagens de Antônio Carlos Viana, na coletânea de contos Cine Privê (2009), tomando como base a problemática da loucura e do erotismo. Aliada a essas temáticas, temos a preocupação de investigar a forma como o corpo grotesco é descrito pela memória irônica do narrador, que constrói personagens silenciosos ambientados em situações de exclusão social, contextualizadas em espaços decadentes. Como subsídios teórico-metodológicos, partimos de reflexões que referendam as relações de poder, da loucura, do grotesco, do erotismo, e da sexualidade, conforme as perspectivas de Michel Foucault, Gaston Bachelard, Wolfgang Kayser e George Bataille. Didaticamente, dividimos esta pesquisa em três capítulos: o primeiro constitui-se na parte teórica que aborda as questões sobre autoria, discurso e poder; o segundo capítulo, sob a ótica do narrador-menino, apresenta as análises dos contos selecionados pelo prisma da loucura e do grotesco: "Santana Quemo-Quemo", "Quando meu pai voltou", "Minha avó Inocência" e "Nós, a maré e o morto"; o terceiro aborda, de forma detalhada, a questão do grotesco, da sexualidade e erotismo nos contos "Cine Privê", "Angeline", "Esperanza", "Dia de parir cabrito", "Eliazar Eliazar" e "Moonlight Serenade". Com isso, pretendemos problematizar de que maneira ocorre a saturação sexual dos personagens de Antônio Carlos Viana diante de um contexto social disciplinador e excludente, quando o discurso é via de exclusão e o corpo, e espaço, são tomados por aspectos repulsivos.

Submitted by Neusa Fagundes (neusa.fagundes@unioeste.br) on 2017-09-13T18:14:41Z No. of bitstreams: 1 Cleiser_Langaro2017.pdf: 2991209 bytes, checksum: ea58d65714563fe04dbc692b538a125e (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-13T18:14:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Cleiser_Langaro2017.pdf: 2991209 bytes, checksum: ea58d65714563fe04dbc692b538a125e (MD5) Previous issue date: 2017-03-30 / This paper is an outcome of the comparison between the works "Gargantua and Pantagruel" (2009), written by François Rabelais in the transition from the Middle Ages to Renaissance, and the works "Sucupira, ame-a ou deixe-a: venturas e desventuras de Zeca Diabo e sua gente na terra de Odorico, o bem amado" (1982), O berço do herói (1990) and Saramandaia (1976-2013), written by twentieth century Brazilian writer and playwright Dias Gomes. The dialog proposed from style and a comic vision of the world guided a comparative analysis of the esthetic projections in the works. A reflection about the esthetics of grotesque realism, the creature-esque, its variations and about the cultural aspect of Rabelais-ish, mocking and witty kind of humor established the dialogue with Dias Gomes' current-day productions, starting from the themes, situations, characters and images that translate the popular comic culture. Dias Gomes approached and re-signified -- in his comic and satirical works -- subjects and style aspects found in Gargantua and Pantagruel. Studies point out to these writers' interest in interfering with the readers' worldview and in generating or boosting reflections that walk the opposite way of the hegemonic powers and the official political and religious regime -- not to mention the rules of aesthetics. Farce and the mocking and witty humor, as well as the creature-centered realism, the low body material, everyday talk topics and language used in the family are phenomena that bring characters, themes and situations narrated by the Brazilian playwright closer to the works of Rabelais. The style of Rabelais echoes in the productions of Dias Gomes. / O presente estudo resultou do cotejamento entre as obras Gargântua e Pantagruel (2009), de François Rabelais, escrita no período de transição da Idade Média para o Renascimento e as obras Sucupira, ame-a ou deixe-a: venturas e desventuras de Zeca Diabo e sua gente na terra de Odorico, o bem amado (1982), O Berço do Herói (1990) e Saramandaia (1976-2013), de Dias Gomes, escritor e dramaturgo brasileiro do século XX. O diálogo proposto a partir do estilo e da visão cômica do mundo norteou a análise comparativa das elaborações estéticas nas obras. A reflexão sobre a estética do realismo grotesco, criatural, suas variações e sobre o lastro cultural do riso rabelaisiano, carnavalesco e ambivalente, estabeleceu o diálogo com as produções contemporâneas de Dias Gomes a partir dos temas, situações, personagens e imagens que traduzem a cultura cômica popular. Dias Gomes abordou e ressignificou, em suas obras cômicas e satíricas, temas e aspectos estilísticos presentes em Gargântua e Pantagruel. Os estudos constataram o interesse dos escritores em interferir na cosmovisão do leitor, cada qual em sua temporalidade, e gerar ou impulsionar reflexões na contramão da ordem hegemônica e do regime político/religioso oficial, bem como das normas estéticas. A farsa e o riso carnavalesco e ambivalente, o realismo grotesco, o realismo criatural, o baixo material corporal, os temas da praça pública e a linguagem familiar constituem-se como fenômenos que aproximam personagens, temas e situações narradas pelo dramaturgo brasileiro à obra de Rabelais. O estilo de Rabelais ecoa nas produções de Dias Gomes.

Este trabalho se propõe a analisar dez canções do espetáculo musical Ópera do malandro, de Chico Buarque, a partir da investigação das formas da paródia, do grotesco e da alegoria. A análise será feita através do estudo dos fonogramas do álbum duplo homônimo, lançado no ano de 1979, com as canções das montagens carioca (1978) e paulista (1979) da peça; e a partir do livro, lançado em setembro de 1978, com a dramaturgia e partituras da montagem carioca. A partir do recurso da paródia, o primeiro capítulo analisa as canções Tango do covil, O casamento dos pequenos burgueses, Teresinha e Ai se eles me pegam agora, com vistas na vasta rede de intertextualidades da peça. O segundo capítulo, a partir da investigação do grotesco, analisa as canções Geni e o Zepelim e Se eu fosse o teu patrão, apoiado em passagens da dramaturgia e de trechos de outras canções. Por fim, o terceiro capítulo analisa a passagem da caricatura grotesca para a forma alegórica, através do estudo das canções O malandro, O malandro n.2, Homenagem ao malandro e a Ópera do \"epílogo ditoso\". O estudo das formas das dez canções selecionadas neste trabalho, somado ao estudo de trechos da dramaturgia, procura desenhar as linhas de força da Ópera do malandro, sua potencialidade crítica e possíveis fragilidades. A partir de um gran finale farsesco, a narrativa da ópera mostra alegoricamente a trajetória político-econômica brasileira no século XX. / This study aims to analyze ten songs from the musical spectacle Ópera do malandro, Chico Buarque, from the investigation of the parody, the grotesque and allegorical forms. The analysis will be done through the study of the homonym double album phonograms, launched in 1979, with the songs from Rio (1978) and São Paulo (1979) stagings of the play; and from the book, released in September 1978, with the dramaturgy and music from the Rio performance. From parody forms, the first chapter analyzes the songs Tango do covil, O casamento dos pequenos burgueses, Teresinha and Ai, se eles me pegam agora, studing the vast intertextuality network of the play. The second chapter, from a research of the form grotesque, analyzes the songs Geni e o Zepelim and Se eu fosse o teu patrão, supported by passages of dramaturgy and excerpts of other songs. Finally, the third chapter analyzes the passage of grotesque caricature to the allegorical form, through the study of the songs O malandro, O malandro n. 2, Homenagem ao malandro and Ópera do epílogo ditoso. The study of the forms of the ten selected songsin this work, added to the study of the dramaturgy, aims to draw the lines of force of the Ópera do malandro, his critical potential and possibles fragilities. From a farce gran finale, the opera narrative shows allegorically the brazilian political and economic history in the twentieth century.

[pt] Peter Eisenman intempestivamente advertiu que a doutrina modernista da relação entre forma e função não fez mais do que fazer perdurar um discurso inalterado há 500 anos. Para reparar tal equívoco ele preconiza romper com a função como principio fundador e considerar a representação uma falsa autoridade que sugere algum tipo de relação verdadeira entre o objeto arquitetônico e o que ele significa. À vista disso, Eisenman investiga a ideia de presença e a representação da presença, como repressores de novos significados e decreta a imprescindibilidade do reconhecimento completo da metafísica: a ideia de presença e a presença da ausência. Para alcançar esse deslocamento Eisenman elabora uma arquitetura outra produzida como texto no lugar de uma arquitetura como imagem, que intenciona romper com a dialética metafísica e seus pares de oposição através de uma exploração do entre. O texto nunca permite um único significado. Para suscitar tamanha ambivalência Eisenman vai recorrer a dois termos: O Arabesco e o Grotesco, evocando com essas duas palavras todo um sistema de conceitos e metodologias que conduziram sincronicamente o seu trabalho e o seu pensamento. Essa dissertação pretende demonstrar o potencial notável que viabilizou o arabesco e o grotesco se tornarem texto, rompimento de oposições e hieraquia de valores, esvaziamento de signos, turvarmento de fronteiras e sistemas classificatórios convencionais e, principalmente, explorar a poética. Validando, assim, que eles são o próprio deslocamento da metafísica arquitetônica. / [en] Peter Eisenman has untimely warned that the modernist doctrine of the relation between form and function has only lasted a speech unchanged 500 years ago. To repair this misconception it is necessary to break with function as the founding principle and to regard representation as a false authority that suggests a kind of true and exact relationship between the architectural object and what it means. In doing so, Eisenman investigates the idea of presence and the representation of presence, as repressors of other interpretations and new meanings, and decrees the indispensability of the complete recognition of metaphysics: the idea of presence and the presence of absence. To achieve this displacement Eisenman elaborates an other architecture produced as a text rather than an architecture as an image, which intends to break with metaphysical dialectics and its opposition peers through an exploration of the between. The text never allows a single meaning. To arouse such ambivalence Eisenman will use two terms: The Arabesque and the Grotesque, evoking with these two words a whole system of concepts and methodologies that synchronously conducted his work and his thinking. This dissertation intends to demonstrate the extraordinary potential that allowed the arabesque and the grotesque to become text, breaking of oppositions and hierarchy of values, emptying of signs, blurring of boundaries and conventional classificatory systems and, above all, exploring the poetic. Validating, therefore, that they are the very displacement of architectural metaphysics.