Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Cette thèse est un travail historiographique qui découle d'une étude des textes consacrés à la peinture vénitienne, publiés en français entre 1800 et 1914. Tout en considérant ces documents dans leur diversité (ouvrages savants ou de vulgarisation, récits de voyages), il s'agit de les replacer dans un contexte de formation de l'histoire de l'art comme champ autonome de connaissances. Car du fait de son statut encore incertain au XIXe siècle, la discipline se nourrit d'une littérature variée, et jette dans le même temps les fondements d'un savoir institutionnalisé. La notion d'école de peinture apparaît comme une catégorie de ce savoir et permet de concevoir la peinture vénitienne comme un phénomène singulier et cohérent. Envisagée pour son coloris, cette école est perçue comme le lieu d'une sensualité qui nie les exigences d'une doctrine héritée du classicisme. Les historiens de l'art du XIXe siècle mettent en place un appareil argumentatif et rhétorique visant à donner à leur discours une légitimité scientifique. Dès la moitié du siècle, l'usage d'une méthode scientiste permet d'expliquer la peinture vénitienne par des justifications sociales, climatiques ou raciales. Au sein du raisonnement qui démontre la nature anticlassique de l'école vénitienne, il convient aussi de considérer les arguments fournis par l'Orientalisme et par l'histoire de l'art flamand et hollandais, qui par un rapprochement avec Venise, éloignent encore sa peinture du modèle classique. Mais il importe par ailleurs de relever les ouvertures du discours qui infléchissent cette pensée dominante. La confrontation de la peinture vénitienne avec les nouvelles formes d'art contemporain - Romantisme, Impressionnisme, Symbolisme - permet d'en faire un lieu d'identification pour la modernité picturale. Enfin, les revendications identitaires qui parcourent une Italie en quête d'indépendance et une France hostile à la Prusse après la guerre de 1870, participent autour de 1900 à caractériser l'école vénitienne comme un lieu d'ancrage d'une identité classique, latine et/ou chrétienne résistant à la menace germanique.

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Pierre II Mignard naquit en Avignon, terre partagée entre papauté et royauté, dans une famille d’artistes. Il fit d’abord son apprentissage de dessinateur, de copiste et de peintre auprès de son père Nicolas, avant de suivre à Paris son oncle Pierre Mignard (dit le Romain). Ce fut dans la capitale que Pierre II fit évoluer son art pictural et architectural. Il partit dans le sud de la France puis en Italie pour lever les beaux monuments antiques avant de revenir en France. Enrichi de ce qu’il avait vu et fait, il devint, en 1671, membre fondateur et Professeur de l’Académie Royale d’Architecture, l’élevant à un art sans fioriture, avec ses propres codes, des lignes pures, simples et modernes. Après plusieurs années dans la capitale, il repartit dans sa ville natale. En Avignon, il fut un architecte et un peintre très prisé, un ingénieur, cartographe, expert,médiateur passionné par son travail. Dernier artiste de génie, il laissa dans cette ville son empreinte moulée d’un art nouveau. Il fit de son style une référence et de son expérience un art. Il bâtit de riches et magnifiques demeures bourgeoises, encore visibles aujourd’hui. Cette architecture épurée plaisait à ses contemporains notables et religieux qui le considéraient comme un créateur de génie. Couronné de gloire par des titres prestigieux tel qu’Architecte du Roi ou Chevalier de l’Ordre du Christ, il fut copié par les artistes de son temps et notamment par son filleul Pierre Thibault, l’architecte Jean Baptiste Franque ou encore le peintre Joseph Péru. Trois siècles plus tard, grâce au talent de Pierre II Mignard, le coeur de la ville d’Avignon, cerné par ses remparts ressemble à un joyau dans son écrin. / Pierre II Mignard born in Avignon, a land divided between papacy and kingdom, in an artist’s family. He was formed to the drawing and the painting in his father’s studio, before he followed his uncle, Pierre Mignard (as the Roman) in Paris. It was in the capital that Pierre II upgraded his pictorial and architectural art. He went to the south of France and in Italia to draw the most beautiful antic monument after to come back in France. Enriched by all he saw and he did, he became, in 1671, a founder member and Professor of the Royal Academy of Architecture, raising it to an art without embellishment, with its owncodes, pure simple and modern lines. After several years in the capital, he came back to his natal city. In Avignon, he was a very appreciated architect and painter, a civil engineer, cartographer, expert, mediator fascinated by its work. Last genius artist, he gave to the city his stamp mould on a new art. He did to his style a reference, and to his experience an art. He built big and gorgeous residence, still visible nowadays. This refined architecture was liked by his notable and religious contemporaries who considered him like a genius creative. Wreathed with glory by prestigious title like Architect of the King or Christ’s Knight, he was reproduced and imitated by artists and notably by his godson Pierre Thibault, the architectJean-Baptiste Franque or the painter Joseph Péru. Three century later, thanks to Pierre II Mignard’s talent, Avignon’s city’s heart, surrounded by its walls look like jewel in his case.

Notre recherche doctorale porte sur l’étude approfondie, systématique et comparative de l’Exultet de Fondi (Ms. lat. 710), un rouleau liturgique en parchemin, conservé à la Bibliothèque Nationale de Paris, au sujet duquel la littérature scientifique est relativement pauvre en apports significatifs. Cet Exultet a été longtemps considéré comme un « produit périphérique », nous avons donc cherché à démontrer sa réalisation au sein du scriptorium du Mont Cassin et nous sommes abouti à la conclusion que ce volumen a vraisemblablement été commandé par l’évêque de Fondi Benedictus, au début du XIIe siècle. Les caractéristiques matérielles de ce manuscrit en confirment l’excellente facture et permettent de formuler d’importantes observations sur les modus operandi de sa réalisation, commun à d’autres Exultet et codices réalisés au Mont Cassin. L’analyse attentive de l’écriture bénéventaine du Mont Cassin ordonnée et calligraphique, a permis de déterminer l’origine du scribe et de parvenir à une comparaison instructive avec les manuscrits réalises au Mont Cassin sous l’abbé Oderisius et avec vingt-cinq autres codices réalisés dans la première moitié du XIIe siècle, dont on a visionné les microfilms. Les résultats de cette analyse ont permis de considérer l’Exultet de Fondi comme un maillon fondamental dans l’évolution de la bénéventaine entre sa période de maturité et sa décadence. La transcription de la notation ancienne, selon une partition moderne, a rendu possible, à titre expérimental, l’enregistrement du chant liturgique, en respectant l’unicité musicale et textuelle de cet Exultet. L’Initialornamentik et l’appareil décoratif du rouleau permettent de l’attribuer au scriptorium du Mont Cassin. À travers les treize miniatures, le microcosme de la Longobardia Minor reprend vie, le monde byzantin borde et influence les terres de l’Italie méridionale, dans un melting-pot de peuples en une osmose continue. Et si les miniaturistes sont encore fascinés par les fastes de l’âge d’or à l’époque de l’abbé Desiderius, ils s’expriment avec liberté, en mélangeant la tradition autochtone avec des iconographies d’origine orientale et septentrionale. Enfin, l’approche quasi archéologique du manuscrit m’a donné la possibilité de réfléchir d’une manière plus générale sur la phénoménologie des Exultet de l’Italie méridionale et d’apporter un nouveau point de vue à la description de ces rares témoignages, en dépassant le topos de la pure valeur catéchétique des images. / Doctorat en Histoire, histoire de l'art et archéologie / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Né dans le premier quart du XVIIe siècle, Jacques Courtois, jeune Franc-Comtois, franchit les Alpes pour s’installer en Italie. Abandonnant une patrie durablement ruinée où il ne pourra jamais espérer revenir s’établir, ce fils de peintre parvint néanmoins à perpétuer la tradition familiale. Actif principalement à Rome, où il décéda en 1676, l’artiste eut une carrière de près de quarante ans, presque exclusivement italienne. Si Courtois bénéficia de son vivant, puis tout au long du XVIIIe siècle, d’une grande renommée, lui dont Bernin aurait affirmé à plusieurs reprises qu’aucun autre peintre contemporain ne parvenait à exprimer aussi bien la terreur des combats, fut ensuite progressivement oublié. Il en fut de même pour son oeuvre, si bien qu’aujourd’hui ils sont tous deux méconnus, ou pour le moins mal perçus. Au fil des siècles, l’histoire de Jacques Courtois s’est progressivement effacée. De minces notices biographiques, parfois légendaires, se sont imposées et de son oeuvre n’a plus été retenue que la peinture de bataille. Paysages et peinture d’histoire furent peu à peu oubliés. Ainsi, d’un travail riche et varié, ne perdure plus guère que l’image d’une monoproduction uniforme. Cette thèse a pour but de faire redécouvrir le personnage et son travail, en proposant la toute première monographie dédiée à l’artiste. Celle-ci consiste en une biographie critique, une analyse et un premier catalogue raisonné de l’oeuvre peint / Born in the first quarter of the 17th century in the Franche-Comté region, Jacques Courtois crossed the Alps to settle in Italy. At the time he was a young man, he left behind a ruined country where he could never hope to live and practise his art. Yet this painter's son managed to perpetuate the family tradition. He worked mainly in Rome, where he died in 1676 after analmost exclusively Italian career spanning nearly 40 years. While Courtois enjoyed great fame during his lifetime and throughout the 18th century, with Bernini apparently declaring onseveral occasions that no other contemporary painter could express the horror of combat sofaithfully, he was gradually forgotten. The same can be said of his work, so much so that today the man and his oeuvre remain a mystery and are even ill-perceived. Over the centuries, the story of Jacques Courtois has gradually faded. A few scattered biographical notes, some based on legend, have gained currency and his work is remembered essentially for his battle scenes. His landscapes and religious paintings have been forgotten little by little. Thus, a rich and varied body of work is now viewed as a uniform production. This thesis aims to reveal the man and his work in a new light by proposing the first monograph dedicated to the artist. It consists in a critical biography, an analysis of his art and the catalogue of his paintings

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Les pratiques artistiques, notamment depuis l'époque des Grandes Découvertes, ont été en liaison étroite avec les avancées scientifiques et technologiques. Les richesses naturelles qui s'offraient aux explorateurs furent l'origine d'une tradition des représentations naturalistes, sans cesse renouvelée par la description de nouvelles espèces animales et végétales. Or, au XXIe siècle, l'humanité est contemporaine d'une baisse sans précédent de la diversité biologique mondiale, dont elle est l'observatrice mais aussi la responsable. La biodiversité est une notion qui prend actuellement toute son importance dans un contexte d'inquiétude face aux problèmes environnementaux en éveillant des volontés écologiques, notamment dans les milieux artistiques. Cette recherche propose deux visions complémentaires : celle qui suppose que la diversité biologique porte en elle une manifestation artistique, et celle qui évoque une forme d'art dont la source est la biodiversité. L'ensemble de ces investigations est soutenu et alimenté par une pratique de plasticien naturaliste développée depuis une dizaine d'années. Des illustrations botaniques aux représentations multimédia, des descriptions zoologiques aux démarches conceptuelles de l'art écologique, des cabinets de curiosité aux créations biotechnologiques, les liens entre les pratiques passées et contemporaine sont la source d'une étude hybride, entre arts plastiques et sciences du vivant.

Cette recherche a pour point de départ l'expérience pratique de l'atelier et propose une étude de la notion de répétition telle qu'elle émerge de différentes poétiques artistiques contemporaines.Des notions distinctes associées à la répétition sont évoquées par les travaux et la démarche spécifique des artistes, dans une recherche qui se construit de manière réflexive, au cours d'un va-et-vient entre l'oeuvre, la façon dont elle est élaborée, la perception qu'elle suscite et les textes consacrés à la poétique de chaque artiste.L'identification d'un univers particulièrement vaste, révélé par la répétition et retrouvé dans différentes démarches, dans différents moments, a orienté cette recherche vers la construction d'une structure bien articulée, et a concentré l'étude sur la poétique de quatre artistes : Mira Schendel, Richard Long, Eva Hesse et Nelson Félix