La fin du Moyen Âge est le théâtre de l'apparition et de la diffusion d'images singulières : celles d'hommes et de femmes intégralement couverts de poils. Attribut de l'homme sauvage, mais également de personnages ensauvagés et notamment d'ermites et de saints, le corps velu fait figure de véritable motif iconographique aux deux derniers siècles du Moyen Âge. Cette thèse, s'appuyant sur la méthode de l'analyse sérielle et s'inscrivant dans les problématiques de l'anthropologie historique, propose l'étude du motif à travers un corpus de 940 images. Il s'agit de comprendre à travers une collection représentative de sources (tendant à l'exhaustivité), comment le corps velu, à priori laid et bestial, est associé à la fin de la période à un ensemble de personnages tout à fait positifs, voire admirables. Une première partie, organisée autour du rapport entre texte et image, cherche à définir clairement les rapports entre l'iconographie du motif et les représentations littéraires et carnavalesques de l'homme sauvage. La question des emprunts mutuels entre la culture courtoise et la culture dite " folklorique " sous-tend ce premier temps de l'analyse. Y sont également abordées les pratiques médiévales de la pilosité et la place occupée par le poil et la nudité dans l'art de cette période. Dans une seconde partie sont étudiés les éléments constitutifs de " l'être sauvage ". La relation entre le corps velu, le bestial et le démoniaque est abordée à travers l'iconographie d'Ésaü, de Merlin et d'Ursus, le roi mythique des Belges. La réflexion sur le rapport entre l'homme, la bête et l'espace sauvage est ensuite déplacée dans le champ des représentations de l'Orient, et dans celui de l'érotique courtoise faisant du sauvage une antithèse du chevalier. En dernier lieu, la troisième partie s'intéresse à la conception dynamique de la sauvagerie à travers le concept " d'ensauvagement ". L'analyse de la villosité comme conséquence du recours à la forêt permet de comparer l'iconographie de l'homme sauvage et celle des ermites et des pénitentes velus. L'excès de poil, davantage qu'un attribut bestial et dégradant, y apparaît alors très largement comme une manifestation du merveilleux ou du miraculeux. Parce qu'il n'altère pas le corps humain, il fait tour à tour figure de défaut d'humanité (laideur, animalité) ou de surplus héroïque (force, détachement du corps ou résistance à la souffrance). En conclusion, ce travail met en valeur le rôle de l'aristocratie dans la promotion de la figure de l'homme sauvage, qui constitue un moyen pour cette dernière d'affirmer son contrôle symbolique sur l'espace forestier. Le succès du personnage, également porté par le renouveau de l'érémitisme, entretien un rapport étroit avec celui d'autres figures comme les ermites velus, emblématiques du recours à la forêt et du renoncement au monde. Ces derniers trouvent une traduction iconographique particulière à travers les images de Marie-Madeleine, dont la diffusion dans l'espace germanique s'explique en partie par l'influence de la mystique rhénane.

Recherche consacrée au développement du régionalisme en tant qu'idéologie esthétique dans les arts du feu français durant la première moitié du XXe siècle. Ce travail a pour but de caractériser l'existence d'un courant régionaliste dans la céramique et d'en montrer les développements ainsi que les limites.

L'objet se place en opposition. Il est une ponctuation déroutante, un point de diffraction dans notre monde. Il induit un éclatement du réel entre plusieurs alternatives.L'apparition de l'objet constituerait un "entre-deux" : un point singulier dédoublant notre monde entre plusieurs lignes de fuites possibles. Cet entre-deux est un embranchement où émergent des lignes tangentes et insoupçonnées au quotidien. L'objet s'inscrit dans un processus interférant extrayant l'ordinaire de son ordinarité, le propulsant vers sa singularité.Au cours de notre thèse, nous cherchons à répondre à cette question: Comment l'objet et le design font-ils du quotidien un événement ? Nous interrogeons les modalités de ce passage de la banalité à l'événementialité du réel.Entre-deux, le design n'impose pas une réalité totalement autre, il propose des chemins un peu décalés, des itinéraires "bis" à notre monde. Des procédures rhizomiques sont initiatrices de percées entre ce réel-ci et des versions inédites. Le design constitue une zone schizophrène : une localité de bascule vers une variante inattendue du réel, mais envisageable de lui-même. Les entre-deux, creusés par le designer sont des accès à des mondes possibles, la révélation d'un envers utopique de ce monde-ci. Le design et l'objet ont pour dessein de dévoiler ce qu'on ne saurait voir autrement. Ils discutent les frontières du réel. Ils projettent d'explorer des prolongations éventuelles, d'ouvrir des perspectives nouvelles à notre monde commun. Ils font apparaître un mi-lieu prospectif au sein duquel des alternatives permettraient d'engager un débat, et d'opérer des choix sur le monde dans lequel nous souhaitons vivre.

Cette thèse propose une réflexion sur la représentation de la figure humaine au-delà de la " ressemblance cadavérique " présumée par Maurice Blanchot. Nous interrogeons les appels à figurer la figure humaine dans diverses formulations et configurations iconoplastiques, par les moyens associés de la peinture et de la photographie, à partir d'un corpus de postures plastiques contemporaines. Comment la figure humaine se donne-t-elle à figurer pour déborder la seule figuration ? Il est aussi question de reconvocation puisque les œuvres étudiées procèdent de reprises, transferts, reconductions, revenances.Les êtres blanchis peints par Jean Marc Cerino, les portraits flous et dérobés de Gerhard Richter, un ensemble d'autoportraits photographiques assourdis de Jacques Damez, les Faces grimaçantes et les Masques Mortuaires rehaussés d'Arnulf Rainer, les défunts dévoilés et photographiés en gros plan par Andres Serrano et les faces surfacées peintes par Anthony Vérot ouvrent des analyses poïétiques et esthétiques qui nous amènent à distinguer deux voies de l'effacement : l'affaiblissement et tout autant la surenchère. Visibilités défectives ou exacerbées ? Deux pôles se succèdent et articulent la tension dialectique de la donation et du retrait : " figures affaiblies " / " figures excessives ". Figurer c'est opérer par distanciation, retrait, passage, dissimulation, déplacement. Ce travail de recherche relève des rapports de force qui travaillent les figures résistantes à leurs oblitérations mais aussi à toutes tentatives de dévoilement. Ces détours étudiés signalent les infigurables qui se désistent : le visage, l'être, l'autre, soi-même, la mort.

L'étude intitulée Salvador Dali et la photographie: portraits du surréalisme (1927-/942) montre comment l'image photographique se situe chez l'artiste au carrefour entre théorie et pratique, entre création et vie quotidienne. Elle propose de réévaluer la place du médium dans l'élaboration et la pratique de la théorie surréaliste en décrivant comment ce projet de libération de l'homme est utilisé pour exacerber l'individualisme. Dans un premier temps, Dali utilise l'image photographique comme une instance médiatrice qui lui permet de contrôler ses pulsions et de définir précisément les objets. Elle alimente ensuite son activité paranoïaque-critique et favorise son exploitation du concept de comestibilité. Elle assure enfin la réification de l'artiste et la diffusion de son image théâtralisée dans la presse. Les photographies, au service de la construction de l'identité comme de l'art de Dali, acquièrent ainsi une valeur, concrète ou métaphorique, de portraits.

Si l'amorce d'une recherche engage son auteur dans un cheminement dont il ne connaît pas vraiment l'issue, le place d'emblée face à des inconnus et à des possibles, il faut bien se rendre à l'évidence : la fin du travail -annonçant peut-être le début d'un autre - nécessite un retour sur la pensée qui s'est déroulée selon une temporalité qui semble alors nous échapper. La durée d'une telle entreprise ne parvient pas à se cristalliser en un point dont on pourrait faire le tour. Le cheminement de pensée qui s'est donc déplié selon le cadre spatial et temporel imparti, selon la répartition des pages et la structure d'un ouvrage qui pourrait bien apparaître comme un autre type de carnet, doit être repris et reconduit selon d'autres stratégies. Conclure reviendrait, en effet, à extraire d'un matériau donné -ici l'écriture d'un texte- les points de capitons où la pensée se condense. Travail proche du dégagement du bloc en sculpture, travail encore de découvrement mais aussi et surtout travail de synthèse et d'ouverture. Précipitation d'un chemin de pensée sur ce qui définit ses limites, le tracé de son parcours, son bornage, ses jalons tout comme ses traverses.Cet acheminement vers l'écriture aura donc pris pour origine une situation de pratique plastique définie par deux instances d'appréhension du réel, deux modes d'existence de l'œuvre, le dessin d'une part, la sculpture de l'autre. Telle était la place attribuée aux termes posés dès l'origine de ce projet de recherche sur la sculpture et le dessin. Mais, à ce point conclusif de l'ouvrage, pourquoi ne pas intervertir les termes par lesquels s'est énoncée, dans un premier temps, cette thèse ? Nous pourrions ici avancer une position bien différente : la sculpture puis le dessin. Il paraît en effet artificiel de vouloir donner la primauté à l'un des deux médiums tant ils fonctionnent ensemble. Configuration qui diffère donc de celle annoncée en exergue de ce travail, puisque la réflexion menée sur l'articulation de ces deux " objets de pensée " peut nous amener à formuler une première remarque : les deux médiums ne sont pas à prendre dans leur successivité mais bien dans leur entrelacement réciproque. Ce qui ne signifie pas que le dessin se confonde avec la sculpture. L'inverse n'est pas moins vrai. C'est à leur conjonction et à leur croisée que se situe donc le cœur de la recherche et c'est là, sans doute, qu'est le point de bascule permettant de relancer l'expérience poïétique de l'un à l'autre. Ici est le nœud du problème, son site. La circularité, et donc une récupération perpétuelle du dessin dans la sculpture et de la sculpture par le dessin, travaille notre œuvre plastique en profondeur, elle en serait le soubassement. La sculpture relance le dessin qui à son tour relance la sculpture...

L’œuvre d'Andy Warhol a été évaluée dans le contexte culturel du Pop Art en fonction de certains thèmes : condition de l'image médiatique, héritage duchampien, paradoxes du modernisme, statut de la marchandise, unicité de l’œuvre d'art... Ce faisant, la culture propre de Warhol, déterminée par son rapport à la religion chrétienne, a été largement ignorée. Ces essais interrogent l'articulation d'une culture et d'une pensée religieuses à une pratique et à des motifs modernes à partir d'un changement de paradigme et de perspective. Il fallait vérifier comment ces sources chrétiennes se manifestent dans le détail et en évaluer les conséquences sur l'interprétation. Les questions de l'incarnation et de l'individuation, telles qu'il les traite dans ses portraits, ne sont pas envisageables sans une réflexion sur son rapport à la religion chrétienne. Plus généralement, ce point de vue fait ressortir le rapport complexe de Warhol à la modernité. / The work of Andy Warhol has been evaluated in the context of Pop Art, and scholarship favored a number of themes: the condition of the mass media image, Marcel Duchamp's legacy, the paradoxes of modernism, the status of commodities, the notion of originality of the artwork... So that his specific culture, established in a stringent relationship to Christian religion, has regularly been largely ignored. This dissertation envisions the articulation of a religious culture and thinking to modern praxis and topics. Thus, a change of paradigm and perspective is required. It became necessary to substantiate how the Christian inspiration reveals itself in the work and modify its interpretation. The issues of incarnation and individuation, as Warhol handles them in his series of commissioned portraits, can't be understood without an extended examination of his relationship to Christian theology. More generally, this standpoint does stress Warhol's complex attitude towards modernism.

Dans l’ensemble des recherches consacrées au vêtement, la mode enfantine française reste peu étudiée. Pourtant le vestiaire enfantin occidental du 18e siècle à nos jours, est abondamment présent dans les collections des musées de mode, d’ethnologie ou d’arts décoratifs. En partant de l’étude de ces fonds majoritairement inexploités et en les croisant avec des archives de la confection et des témoignages d’usagers, notre thèse analyse la relation de l’enfant à son vêtement. S’il possède des capacités à parler, à manipuler et à vouloir, l’enfant quand il nait n’est pas imprégné des usages qui fondent nos vies en société. L’éducation de l’enfant consiste, dans un rapport de dépendance constant à l’adulte, à socialiser le petit d’homme pour le faire entrer dans l’histoire. En prenant en compte la capacité du vêtement à habiller les identités et à investir le porteur d’un statut particulier, notre étude l’envisage comme un outil essentiel d’imprégnation dans les mains de l’adulte. Parallèlement, système technique manipulable, ensemble de sensations, objet d’envies et de fantasmes, le vêtement est utilisé par l’enfant à sa manière. Afin de sortir d’un regard purement adulte, nous avons cherché à déconstruire ce processus de socialisation en analysant l’appropriation du vêtement par l’enfant. Ainsi, croisée avec des données historiques, sociologiques ou ethnologiques, l’étude des vêtements d’enfant issus des collections muséales française apporte un autre éclairage à l’histoire de l’enfant et montre l’apport de la culture. / Despite the abundance of children’s clothes in the collections of French Fashion, Applied Arts and Folk Museums, Children’s Fashion is not a major topic in Fashion History. Crossing a corpus of artefacts with ethnographical, historical and sociological testimonies and archives from the Fashion Industry, this research intends to analyse the relationship between the child and its clothing. Despite its abilities to talk, manipulate and desire, the child is not imbued by the habits defining social beings. Therefore, in a constant interdependence with the adult, the child’s education consists in its socialisation to bring him into history. Through the analysis of the capacity of Fashion to dress the identities, this research approaches clothing as an education tool in the hands of the adults. In parallel, as a technical handling kit, a set of sensations and an object of desire, clothing is an adoptable system by the child who dresses up itself as it wants. In order to avoid an adult focus, this study looks also at the deconstruction of this socialisation process by analysing the appropriation of fashion by children. Finally, this study of children’s clothing provides another approach to Childhood History and shows the essential contribution of the study of the Material Culture to a Childhood Sociology, source of knowledge of the mechanisms of our society.

Principal centre d’imprimerie du XVIe siècle, rassemblant les auteurs et les forces artistiques du royaume, Paris offre un échantillon parfait pour l’étude de l’illustration à la Renaissance. De 1530 à 1580, la typographie parisienne intègre des influences issues des éditions humanistes italiennes et des particularités artistiques de l’école de Fontainebleau. La participation des peintres à la préparation des illustrations est un fait clairement établi : les noms des dessinateurs sont parfois cités sur les pages de titre et dans le texte des éditions. Cependant, les modalités de leur collaboration avec les différents métiers du livre restent à préciser. Soumis à la commande des éditeurs et au contrôle des auteurs, contraints par la technique de l’élaboration du livre imprimé, les illustrateurs étaient amenés à s’adaptent à ce nouveau médium. Par ailleurs, la diffusion massive des images imprimées a, elle-même, bouleversé les pratiques artistiques. Associant l’étude des œuvres et la recherche des témoignages d’archives, cette étude se retrouve à l’intersection de l’histoire de l’art et de l’histoire du livre. Cette approche croisée permet de déterminer plus précisément la place des peintres dans le monde du livre imprimé parisien et d’analyser en détail leurs réseaux professionnels. La reconstitution des corpus d’illustrations permet l’étude plus précise d’un certain nombre d’artistes particulièrement actifs dans ce domaine, tels que Jean Cousin père, Baptiste Pellerin, Geoffroy Ballain et Charles Jourdain. / Paris presents a prefect example for the study of the book illustration as the main center of printing in the 16th century and where the prolific authors and the artistic forces of the Kingdom concentrated. From 1530 to 1580, Parisian typography integrated the influence of Italian humanist editions and the artistic particularities of the Fontainebleau school. The participation of painters in the preparation of illustrations is a well-known fact: we can sometimes find their names on the title pages and in the texts of books. However, the terms of their collaboration with other book printing trades are still to be clarified. Dependent on book publishers’ command, subjected to the authors’ control and limited by the book printing techniques, the illustrators had to adjust to this new medium. Besides, the massive diffusion of printed images profoundly changed artistic practices. Combining the study of artworks and archives, this research is at the junction of art history and book history. This complex approach highlights the place of painters in the world of the Parisian book printing and allows an analysis of their professional networks. The reconstruction of illustrations corpuses enables the study of the career of some Parisian artists who were particularly active in this field, such as Jean Cousin the Elder, Baptiste Pellerin, Geoffroy Ballain and Charles Jourdain.

Cette thèse porte sur l’étude des sanctuaires antiques arméniens depuis la période hellénistique jusqu'à la période chrétienne, qui marque le changement de religion et l’abandon progressif des temples païens. Ce travail est basé sur l’étude des sources historiques et sur les données de fouilles archéologiques. Il s’agit de savoir où se trouvaient les temples païens en Grande Arménie. En corollaire, différentes interrogations sont venues progressivement s’ajouter à cette première question. Il fallait, une fois ces temples identifiés, les étudier en les classant par catégorie et par type afin de comprendre leur statut dans la société païenne. Enfin, leur disparition pose la question de leur destinée et engage à étudier plus généralement la destruction des sites païens lors de la christianisation de l’Arménie. / This thesis deals with the study of ancient Armenian sanctuaries from the Hellenistic to the Christian period, which marks the change of religion and the gradual abandonment of pagan temples. This work is based on the study of historical sources and data from archaeological excavations. The question is knowing where the pagan temples stood in Great Armenia. As a corollary, various questions have gradually been added to this first one. Once these temples had been identified, they have to be studied by classifying them by category and type in order to understand their status in the pagan society. Finally, their disappearance raises the question of their destiny and commits to study more generally the destruction of the pagan sites during the Christianization of Armenia.