This thesis focuses on the topic of stencil painting in Central Europe. Based on the review of literature the current state of research is described and the technology is placed in the broader context of the decorative techniques used in the Middle Ages. Attention is paid to the history, process of making of the templates, method of their printing, the typology of used designs, the question of performing artists or craftsmen and wide possibilities of its application for the panel or mural paintings. The main focus of the thesis is the use of stencil painting and its specifics in the case of use for the polychrome of flat wooden ceilings and mobiliary in the churches interiors. The motifs used for their decoration are examined with regard to iconography, considered is also the possibility of the existence of overall iconographic program. The second part of the thesis consists of a catalogue with locations, where the stencil paintings have been used for decoration of flat ceilings or mobiliary in Czech, Slovak and Polish Republic. Keywords medieval art, stencil painting, ornament, Central Europe, wooden flat ceilings, mobiliary, polychrome, iconography

Ce travail propose une approche novatrice de l’étude des sculptures préhispaniques de l’Altiplano. En nous concentrant sur les pièces de la culture Pucara, c’est toute la vision du monde andin que nous revisitons. Après avoir énuméré les travaux antérieurs et les lacunes qui perdurent, nous procédons à une redéfinition complète du phénomène Pucara. Pour cela, nous utilisons la grande quantité de pièces inédites que nous avons pu inventorier au cours de nos voyages de recherche dans la région. De même, nous réalisons une étude comparative plus globale comprenant l’ensemble des styles affiliés Yaya-Mama, Tiahuanaco ou encore Khonkho Wankane. De la sorte, c’est tout le panorama culturel de cette région des Andes que nous revisitons. Il en découle une description précise des critères d’attributions stylistiques propres à chaque culture, ainsi que l’élaboration de normes de création strictes. Mais dans le même temps, nous mettons en évidence la continuité culturelle qui existe entre les différents phénomènes. Nous aboutissons à une chronologie relative des sculptures Pucara et de l’ensemble du bassin du lac Titicaca, tout en démontrant l’existence de phases de transition. Ces éléments rompent radicalement avec la théorie en place énonçant une disparition soudaine de la culture Pucara. Fort de cette nouvelle vision, nous proposons une lecture symbolique de l’iconographie présente sur ces vestiges. Par cette analyse en profondeur, nous extirpons le phénomène Pucara de son isolement. En fin de compte, nous illustrons comment les sculptures Pucara expriment une tradition pan-andine tout en conservant une forte identité régionale. / This thesis introduces an innovative approach for the Altiplano’s sculptures study of the pre-hispanic times. Focusing on the lithic elements produced by the Pucara culture, our conception of the Andean world is revisited. After the reminder of anterior works and lacks that remain, a complete redefinition of the Pucara phenomenon is given. For that, we use the important quantity of unpublished elements, recorded during our research journeys in this region. In the same way, a more global comparative study is realized, including the whole affiliated styles: Yaya-Mama, Tiahuanaco and also Khonkho Wankane. Thus, we revisit all the cultural overview of this Andean region. Following, we make a precise description of the stylistic criteria specifics to each culture, as well as the elaboration of strict creation standards. However, at the same time, the cultural continuity existing in each phenomenon is highlighted. We come up to a relative chronology of the Pucara sculptures and for the entire Lake Titicaca basin, while demonstrating the existence of transition phases. These elements break radically with the current theory that states a sudden disappearance of the Pucara culture. With this new vision, we propose a symbolical reading of the iconography shown on these artifacts. By our profound analysis, the Pucara phenomenon is taken out of its isolation. In fact, we illustrate how the Pucara sculptures express a pan Andean tradition while keeping a strong regional identity.

Si l’iconographie de l’Arbre sec ou arbre sans feuilles de la Légende du bois de la Croix a marqué le Moyen Age, paradoxalement, elle a peu attiré l’attention des historiens de l’art des XXe et XXIe siècles. Afin de combler cette lacune, nous proposons de développer ce thème dans notre thèse de doctorat. Nous montrons l’aspect formel que les images donnent à cet arbre, l’évolution de sa morphologie au fil des siècles, sa période d’apparition, celle de sa disparition, ainsi que le symbolisme qui lui est attaché, un symbolisme puissant, en relation avec la recherche du Salut. Les images qui illustrent un épisode crucial de la Légende du bois de la Croix — la vision de Seth, le fils d’Adam et Eve, avec l’arbre dénudé au centre du Paradis terrestre — constituent le pivot de notre recherche. Viennent se greffer d’autres images de l’Arbre sec, que nous appelons des « variantes » : la représentation de l’Arbre sec de la légende est transposée dans des contextes extra légendaires, tels ceux des romans d’Alexandre le Grand et du Lancelot-Graal, tel celui de la Divine Comédie, ceux du Devisement du monde de Marco Polo et des Voyages de Jean de Mandeville, ou encore du Pèlerinage de l’âme de Guillaume de Digulleville. L’Arbre sec est aussi dans le tableau de Petrus Christus, la Vierge à l’Arbre sec. Les images montrent l’Arbre sec dans un lieu intemporel, ou au Paradis, ou un lieu qui s’apparente au Paradis. Ce végétal est accompagné de la figure du Christ ou de personnages ou d’animaux le symbolisant. Dans tous les cas, le symbolisme fort et multiple de cet arbre sacré est conservé. L’Arbre sec est tout à la fois un rappel de l’arbre de la connaissance du bien et du mal, une évocation de l’arbre de la Croix et de l’arbre de vie. / The iconography of the Dry Tree or leafless tree is present through out the Middle Ages, but paradoxally, its study has only attracted few historians of art of the XXth and XXIst centuries. To compensate for this, we choose to devote our thesis to an extensive study of this tree. We examine the formal aspect given to the Dry Tree depicted in the images, the evolution of its physical form through the centuries, the period when it first appears and when it disappears, as well as the symbolism it carries, a powerful signification related to the quest for Salvation. The core of our research is the images that depict a crucial episod in the Legend of the wood of the Cross — Seth’s vision of the leafless tree of the Earthly Paradise. Other images of the Dry Tree, which we call « variations », are also examined : the theme of the Dry Tree taken from the Legend is transposed in extra-legendary contexts such as in the romances of Alexander the Great and the Lancelot-Graal, the Divine Comedy, the Million by Marco Polo and the Voyages by Jean de Mandeville, as well as the Pilgrimage of the soul by Guillaume de Digulleville. The Dry Tree is also depicted in Our Lady of the Dry Tree by Petrus Christus. The images show the Dry Tree in Paradise or in a place which symbolises Paradise, with Christ in the Dry tree, or figures or animals as symbols of Christ. The powerful and multiple symbolism is present : the Dry Tree is a reference to the tree of the knowledge, to the tree of the Cross and to the tree of life. Therefore, it is no surprise that the images show man in his quest for the Dry Tree, ie in the quest for God.

Le motif du palmier, qui apparaît dès la fin du IVe millénaire av. J.-C. en Égypte et en Mésopotamie, connaît une très large diffusion dans la Méditerranée antique, durant les second et premier millénaires av. J.-C. Il s’inscrit dans la tradition artistique, culturelle et religieuse d’un grand nombre de régions : le Levant, l’île de Chypre, la Grèce, la Méditerranée occidentale. Bâtie sur ce champ d’étude, géographiquement et chronologiquement très large, cette thèse examine la répartition du motif résultant de contacts et d’échanges entre les différentes civilisations et met en lumière l’élaboration d’une iconographie spécifique, propre à chacune d’entre elles. Certains développements symboliques – tels l’aspect cultuel du palmier et le rapprochement ou l’assimilation de l’arbre avec l’être humain, et plus particulièrement avec la femme –, apparaissent récurrents et permettent d’examiner la question de la continuité, ou non, du motif dans les différents groupes d’images étudiées et la façon dont la vision de l’arbre se manifeste dans chacune des civilisations. / The pattern of the palm-tree, which appears as soon as the end of the IVth millennium BC in both Egypt and Mesopotamia, experiences a vast diffusion across the Ancient Mediterranean world during the IInd and Ist millennium BC. Its style situates it in the artistic, cultural, and religious tradition of a large number of regions: the Levant, Cyprus island, Ancient Greece, and the Western Mediterranean. This thesis, built on wide geographical and chronological fields of study, investigates the geographical distribution of the pattern arising from contacts and exchanges between various civilizations and highlights how a specific iconography, proper to each civilization, has been elaborated. Some symbolic developments, such as the religious aspect of the palm-tree and the connection or assimilation of the tree to humans, in particular to women, appear recurrent and allow one to address the question of the continuity of the pattern in various picture samples and the way the view of the tree manifests itself in each of these civilizations.

Les liens entre le saint, son disciple ou son compagnon s’observent dans l’iconographie par la mise en scène d’une relation privilégiée. Fondée sur l’analyse d’un corpus d’œuvres produites entre le XIe et la fin du XVe siècle, majoritairement en France et en Italie, l’étude a la volonté de déterminer comment se sont exprimés les liens dans la filiation et la parenté spirituelle, construite autour d’une relation unissant les saints (grands saints de la chrétienté comme ceux honorés localement), à leurs disciples ou compagnons privilégiés. Depuis la naissance de la relation jusqu’à son aboutissement, elle détermine les fonctions respectives des personnages à la lumière de leur élection, de leurs actions et de leurs comportements. L’analyse s’interroge également sur la finalité du « discipulat » ou du compagnonnage et sur la représentation de la dimension affective entre les personnages. Rappelant le modèle christique et apostolique, la représentation de la relation est un thème distinct, dont l’analyse révèle l’importance d’un genre de parenté spirituelle souvent oublié. / The links between the saint, his disciple or his companion can be observed in the iconography by the representation of a privileged relation. Based on the analysis of a corpus of works produced between the 11th and the end of the 15th century, mainly produced in France and Italy, the study will determine how the links in the filiation and the spiritual relationship (built on a relation uniting Major saints of the Christendom, as to those honored locally, to their privileged disciples or companions) were expressed. Since the origin of the relation until outcome, the analysis determines the respective functions of the characters through the lens of their election, their actions and their behavior. The analysis also wonders about the purpose of the disciple-or companionship and about the representation of the emotional dimension between protagonists. Reminding the Christ and apostolic model, the representation of the relation is a different theme, which reveals the importance of a spiritual relationship often forgotten.

Cette thèse se propose d’étudier l’expression du mouvement dans la peinture grecque ancienne, ici la peinture de vases, source très riche concernant l’univers visuel des Grecs de l’antiquité, et plus particulièrement le lien qui unit les émotions aux mouvements corporels. Les théories anciennes à propos de la représentation figurée sont unanimes : l’objet de la peinture est l’être humain et le peintre, dès les mythes qui relatent la création de la peinture et plus généralement des arts plastiques (sculpture et modelage), se doit de représenter le vivant sous tous ses aspects, extérieur comme intérieur; autrement dit, le corps humain apparaît comme le moyen le plus efficace pour exprimer et transmettre les émotions qui l’animent, par les mouvements ou les attitudes que le corps adopte ou encore les expressions faciales. Ce constat s’applique à l’expression des états émotionnels intenses ou altérés comme par exemple : les modifications qu’entraînent la consommation de vin, une action divine comme la possession par un dieu ou encore l’imminence de la mort. Il faut, pour mieux comprendre ces phénomènes, se tourner vers la conception ancienne de l’âme (θυμός et/ou ψυχή), qui dès l’époque homérique est conçue comme le siège des sentiments mais aussi comme un souffle qui entre et sort du corps. C’est une notion primordiale pour saisir la nature des mouvements qui animent les personnages figurés en proie à l’ivresse, sous le joug d’une possession divine ou sur le point de mourir : dans chacun de ces cas, l’âme est sollicitée d’une manière ou d’une autre, soit que ses liens avec le corps se trouvent relâchés ou qu’elle quitte temporairement ou définitivement le corps. Il apparaît que l’expression de ces états particuliers, dans l’imagerie grecque ancienne, n’ignore pas de tels concepts que ce soit à propos du but fixé à l’art ou sur la relation que l’âme entretient avec le corps : les mouvements corporels expriment clairement un état qui sort de l’ordinaire par l’orientation des corps, les gestes, les actions et les expressions faciales et ne semblent pas se borner à la figuration d’une simple réaction physiologique. Il s’agira également d’établir un lien entre les images anciennes et les théories modernes développées à propos de la figuration des mouvements dans l’art : le but étant de montrer que les peintres de vases privilégiaient bien plus l’expressivité, dans le but d’illustrer un concept, une idée, plutôt que de rendre compte d’une parfaite réalité / This thesis proposes to study the expression and depiction of movement in ancient Greek painting, specifically vase painting. While illustrating the very rich and unique source of the visual world of ancient Greece, the emphasis is kept on the link which unites the emotions to the body movements, gesture or posture. Theories about ancient pictorial representations are unanimous on the subject of painting the human figure. From the myths concerning the creation of painting and visual arts (sculpture & modeling), the artist must portray and illustrate the living in all aspects, external and internal. Using the human figure and representation of the anatomy, appears to be the most effective way to convey the emotions and feelings that animate the body through the depiction of gesture, posture or facial expression. This portrayal applies to the expression of intense emotion or altered state of being such as: the over consumption of wine, being possessed by a god (divine action) or the imminence of death. For a better understanding of the portrayal of this phenomenon, it is necessary to turn to the origin of the ancient Greek idea of the soul (θυμός or/and ψυχή). From the Homeric age this concept can be understood as the basis of sentiment and emotion and can be seen as natural as a breath which enters and exits the body. This notion is of key importance, to understand the origin of movement that brings to life the characters depicted in the images, whether consumed by drunkenness, under the yoke of divine possession or about to die. In each case, the soul is solicited, in one way or another, whether in its temporary or permanent separation or dissociative state from the body. Whether the aim is set out in art or in the relationship that the soul maintains with the body, Ancient Greek imagery does not ignore such concepts as the expression of these intense emotional and altered states whatsoever. Bodily movements clearly articulate an out of the ordinary state by the orientation of the body, gestures, actions and facial expressions and does not seem to be limited to the representation of only a physiological reaction. A link will be established between ancient images and modern theories developed on the subject of representation of movement in art. The objective: To demonstrate that the artists who adorned ancient vases favored the illustration of a concept or an idea, by imagination and expressivity, above the reporting of a perfect reality

Au lendemain de la Deuxième Guerre mondiale, la Sarre fait l’objet d’un traitement spécifique par les vainqueurs. Détachée de la Zone d’Occupation française, elle devient fin 1947 un territoire organisé de manière autonome et économiquement rattaché à la France. Dix ans plus tard, la Sarre réintègre l’Allemagne. Durant cette première décennie d’après-guerre, la perception de la France évolue. Au gré des années et des formations politiques, la France présente le visage du libérateur ou de l’envahisseur, du partenaire ou de l’adversaire, du protecteur ou de l’exploiteur, devenant le lieu d’un conflit de représentations qui se manifestera de façon patente lors de la campagne du référendum sarrois de 1955 portant sur l’avenir du territoire. C’est l’objet de la présente étude. Afin de préciser l’image de la France en Sarre entre 1945 et 1956, nous emprunterons deux voies : nous analyserons d’une part les représentations véhiculées par la France, aidée du pouvoir sarrois, pour favoriser la réalisation de ses desseins politiques et d’autre part les représentations dissidentes diffusées par les partisans du retour à l’Allemagne pour mettre fin au régime spécial en vigueur depuis la fin de la guerre. Considérant que les images visuelles contribuent largement à forger les images mentales, nous proposons une analyse des représentations iconographiques présentes dans les moyens de communication de masse d’alors, presse et affiches essentiellement, qui ont circulé en Sarre entre l’entrée des troupes françaises à Sarrebruck et la fin de la période de l’autonomie. / In the wake of World War II, the Saar was subjected to a specific treatment from the victors. Separated from the French zone of occupation, the territory is managed in autonomy and is economically tied with France from the end of 1947. Ten years later, the Saar returns to Germany. During this first post-war decade, perception of France changes. With the years passing by and depending on the local political forces, official or dissidents ones, France embodies both the face of the liberator and the invader, the partner and the enemy, the protector and the exploiter. France’s image turns into a conflict of representations, which will affect the campaign of the 1955 referendum. This is the main subject of this thesis. In order to determine the way France was depicted in the Saar between 1945 and 1956, we will establish two directions: we will analyse on one hand the depictions France carried out, with the help of the powers in place in the Saar, to subserve its political ambitions. On the other hand, we will study the dissident depictions published by those in favour of a return to Germany to end the special regime that had been in place since the end of the war. Taking into consideration that visual images nourish mental images, we will study iconographic depictions used in the communications means of the time, press and posters essentially, that circulated in the Saar between the arrival of the French troops in Sarrebruck and the end of this period of autonomy.

Pendant près de cinq siècles, Rome ne cessa de tenter de maintenir sous influence l'Arménie face aux ambitions parthes puis sassanides, en raison de la position stratégique de ce royaume. Cette thèse se concentre sur les relations entretenues par Rome depuis la deditio de Tigrane II en 65 av. J.-C., et jusqu'en 224 ap. J.‑C., date de l'arrivée des Sassanides. Généralement, les études de ces relations ne se limitent qu'à donner la vision événementielle de la question. Cette thèse remet en contexte les relations diplomatiques entre Rome et l'Arménie ainsi que les interactions qui en découlent en prenant en considération d'autres sources jusqu'alors peu étudiées. Dans ce but, une analyse thématique, divisée en trois parties, a été réalisée. La première partie analyse la représentation de l’Arménie transmise par Rome par l’étude de son image monétaire et sa représentation dans la sculpture. La seconde remet en contexte les relations diplomatiques, vues précédemment à travers le prisme idéologique des monnaies, pour comprendre les tactiques romaines visant à intégrer et maintenir le royaume d'Arménie dans la sphère romaine. Enfin, la troisième partie se concentre sur la présence romaine dans le royaume d'Arménie en étudiant la répartition des troupes romaines et les interactions culturelles et linguistiques qui en découlent. / For almost five centuries, the Roman Empire tried to keep Armenia under its influence against the ambitions of the Parthians and Sassanians, due to the strategical location of this kingdom. This thesis reviews the relationship of the Roman Empire with Armenia from the deditio of Tigrane II in 65 BC until the arrival of Sassanians in AD 224. Typically, such studies are only based on factual events. In this thesis however, the diplomatic relationship between Rome and Armenia and the resulting interactions are put into context by also taking into account other sources, which have rarely been studied until now. Therefore, a thematic analysis was performed, which is divided in three parts. The first part deals with the depiction of the Armenian Kingdom that Rome conveyed by analysing its monetary iconography and its representation in the sculptures. The diplomatic relationships, beforehand seen through the ideological prism conveyed by the coins, are put into context in the second part. This allows to understand the tactics used to integrate and keep the Armenian Kingdom in the Roman sphere of influence. The third and last part concentrates on the Roman presence in the Armenian Kingdom by studying the distribution of Roman troops and the resulting cultural and linguistic interactions.

I denna studie analyseras bilder i svenska religionsläroböcker för högstadiet. Syftet med denna studie är att granska och analysera hur ikoniska och anikoniska gudabilder inom hinduismen lyfts fram genom bilder i olika läroböcker sedan läroplanen (Lgr11) infördes. Analysen avser att undersöka om bilderna representerar ett inhemskt perspektiv (det vill säga hinduisk ikonografi) eller exempelvis ett orientalistiskt perspektiv. Resultaten jämförs sedan med hur styrdokumentens skrivningar uttrycker att ikoniska och anikoniska gudabilder inom hinduismen ska lyftas i religionsundervisning. Studien innefattar semiotiska bildanalyser och analys av tillhörande texter samt analys av styrdokument. Resultaten visar att bilderna i läroböckerna står i relation till ett inhemskt perspektiv, men att tillhörande texter och förklaringar till stor del står i relation till orientalistiska perspektiv. Resultaten visar att bilderna överensstämmer med styrdokumentens skrivningar men att det ändå är en brist i information och fakta. Det kan påverka elevernas förmåga att förstå hinduismen utifrån ett inhemskt perspektiv och istället fortsätta influeras av det orientalistiska perspektivet. / Images in swedish schoolbooks for religions studies in secondary school will be analysed in this essay. The purpose of the essay is to review and analyse how iconic and aniconic images of gods within hinduism are presented in images from textbooks that are produced since the new swedish policy documents (Lgr11) were introduced. The intent with the analyse is to find if the images represent a domestic perspective (hindu iconography) or an oriental perspective. The results from that will then be compared to how the swedish school policies about religion education present that iconic and aniconic images of gods within hinduism should be mediated in religious studies. The essay includes semiotic analyses of the images and analyse of the belonging texts, also an analyse of the policy documents. The results shows that the images in the schoolbooks meet the hindu iconography, while the text and explanations that comes with the images have an oriental perspective. The result also shows that the images meet the school documents guidelines but there is a lack of information and facts. This may affect the students ability to properly understand what hindusim is from a domestic perspective and will instead continue the be influenced with an oriental perspective.

A representação do milagre no cinema é um problema. O seu caráter descontínuo solicita do(a) realizador(a) uma tomada de posição: esconder as marcas das operações fílmicas, camuflando-as em prol de uma transparência, ou explicitar sem disfarces os artifícios empregados. Supõe-se que o milagre no cinema seja mais bem resolvido quando se apresenta frontalmente, expondo as suas fraturas através da exacerbação do meio fílmico. A hipótese acima, de natureza axiológica, será verificada na análise de filmes que tematizam três milagres dos Evangelhos: Anunciação, Cura do cego e Ressurreição. Cada milagre será articulado a um diferente problema de representação. Na primeira parte da tese, estudaremos a Anunciação no cinema à luz dos motivos plásticos herdados de sua vasta iconografia. Na segunda parte, dedicada à Cura do cego, analisaremos as operações empregadas na representação do milagre a partir das questões que se colocam pela figuração da imagem religiosa. Na terceira parte da tese, por fim, a Ressurreição: veremos as estratégias de encenação adotadas em função da crença do espectador na representação. / The representation of the miracle in films is a problem. Its discontinuous aspect demands from the director to take a position: to hide the traces from the filmic operations, dissimulating them for transparency purpose, or to underline the effects employed. In this thesis we will argue that the miracle is better represented when it shows itself frontally, exposing its disruptions in the explicitness of the filmic means. In order to verify the axiological hypothesis above, we will analyze several films that stage three miracles of the Gospels: Annunciation, Healing of the blind and Resurrection. Each of them will be articulated to a different representational problem. In the first part of the thesis, we will study the Annunciation in films according to the motifs inherited from its vast iconography. In the second part, dedicated to the Healing of the blind, we will analyze the filmic operations employed and the questions posed by the figuration of the religious image. In the third part of the thesis, finally, the Resurrection: we will see the strategies of staging adopted according to the belief of the spectator in the representation.