Le sujet de notre thèse porte sur la représentation des personnages féminins dans les enluminures décorant les manuscrits du roman en prose de Lancelot du Lac, appartenant au cycle littéraire arthurien du Lancelot-Graal, réalisés entre le second quart du XIIIe siècle et la fin du XVe siècle. Ce roman courtois de chevalerie, qui connaît un grand succès aux XIIIe-XVe siècles, contient un nombre et une variété remarquables de personnages féminins. L’objectif est d’étudier comment l’ambivalence ou l’ambiguïté qui caractérisent la plupart, pour ne pas dire l’ensemble, de ces personnages – à cause, entre autres, de leurs liens évidents ou latents avec un Autre monde merveilleux et d’une nature féminine pensée globalement de manière équivoque au Moyen Âge – se manifestent dans les images. Pour cela, nous procédons à une analyse à la fois iconographique, stylistique et comparative des enluminures ornant vingt-neuf manuscrits du Lancelot du Lac. Nous nous intéressons aussi à la représentation de figures féminines dans d’autres œuvres d’art et littéraires médiévales, pour la mettre en regard avec celle du Lancelot. L’interprétation picturale du roman, opérant la transition entre le personnage littéraire et la figure iconographique, les relations complexes qui se nouent entre les catégories ontologiques (humain/féerique ; féminin/masculin...) dans la conception de ces derniers, sont au cœur de notre travail. Les représentations révèlent une image complexe, mouvante et contrastée de la femme et du féminin marqués par l’altérité, où les éléments issus du texte interfèrent avec la créativité et la culture visuelle des enlumineurs. Elles nous conduisent, de fait, à aller au-delà des stéréotypes imposés notamment par l'Église, au-delà des réalités sociales et historiques, pour améliorer nos connaissances sur l'imaginaire qui se développe autour du genre féminin à l'époque médiévale. / The subject of our thesis concerns the representation of female characters in the illuminations decorating the manuscripts of the prose romance of Lancelot du Lac, which belongs to the Arthurian literary cycle of the Lancelot-Grail, produced between the second quarter of the 13th century and the end of the 15th century. This courtly chivalric romance, which was a great success in the 13th-15th centuries, contains a lot of female characters of a remarkable variety. The objective is to study how ambivalence and ambiguity that characterize most, if not all, of these characters - because of, among other things, their obvious or latent links with a marvellous Otherworld and a feminine nature thought generally equivocally in the Middle Ages - are shown in the pictures. For it, we proceed to an iconographic, stylistic and comparative analysis of the illuminations in twenty-nine manuscripts of the Lancelot du Lac. We are also interested in the representation of female figures in other artistic and literary works of the Middle Ages, to compare it with that of the Lancelot. The pictorial interpretation of the text, making the transition between the literary character and the iconographic figure, the complex relationships between ontological categories (the human/the fairy ; the feminine/ the masculine) in the conception of these, are at the heart of our work. The representations reveal a complex, unstable and contrasting image of the woman and the feminine marked by alterity, where the elements of the text interfere with the creativity and the visual culture of illuminators. In Fact, they lead us to go beyond the stereotypes imposed mainly by the Church, beyond the social and historical realities, to improve our knowledge about the imagination that is developed around the female gender in medieval times.

L’expression artistique témoigne d’un imaginaire universel, partagé par toutes les cultures, et traduit les valeurs fondamentales. S’il y a une dimension universelle, l’art est aussi un langage qui envoie aux spécificités propres à chaque culture. Dans le contexte de l’enseignement du français langue étrangère (FLE) en Chine, force est de constater le peu d’intérêt manifesté à l’égard de la culture en général, et encore moins aux arts plastiques en particulier. C’est à partir de ce constat que nous formulons le projet à la base de cette thèse qui consiste à introduire un enseignement artistique au sein de la classe de FLE en Chine. Les objectifs de cette recherche sont les suivants : dégager une réflexion à partir de la dimension humaniste véhiculée par l’histoire de l’art en Europe ; repenser la pédagogie de l’apprentissage du FLE en s’appuyant sur la dimension esthétique des cultures chinoise et occidentale ; enfin, formuler concrètement un projet d’enseignement où les arts plastiques viennent enrichir les représentations culturelles des apprenants.Ce travail comprend deux parties: la première partie a pour but de contextualiser l’enseignement du FLE en Chine dans une perspective historique. De l’éducation traditionnelle confucéenne et taoïste à l’avènement de l’humanisme qui rayonne sur toute l’Europe depuis le XVIe siècle, notre propos est de mettre en exergue la valorisation d’un enseignement du FLE en Chine grâce à la formation des jeunes apprenants aux savoirs cognitifs et émotionnels issus de l’histoire de l’art. La deuxième partie met en forme une méthode d’analyse fondée sur des corpus d’oeuvres d’art classés par thème. De l’art traditionnel à l’art contemporain, de l’art chinois à l’art occidental, nous plaçons les arts plastiques à la croisée des cultures orientale et occidentale afin d’établir des comparaisons favorables au développement des compétences esthétique, interculturelle et transculturelle chez les apprenants chinois.Ainsi, cette recherche met en oeuvre les approches interculturelles qui enrichissent l’enseignement du FLE en Chine. Elle s’inscrit dans une perspective humaniste qui semble dominer désormais les réformes éducatives que la Chine entreprend depuis quelques années pour accompagner le mouvement de mutation irréversible. / Arts express an imaginary universe, shared by all cultures and translate the core values of their fundamental values. If there is a universal dimension of artistic expression, the art is also a language that refers to the specific characteristics of each culture. In the context of teaching French as a foreign language (FFL) in China, there is a clear lack of interest in culture in general, and even less to the visual arts in particular. It is from this observation that we ground the base of this thesis which is meant to introduce an art education in the classroom of FFL in China. The objectives of this research are the following: firstly, make a clear reflection over the humanistic dimension through the history of art in Europe; secondly, rethink a FFL teaching method, based on the aesthetic dimension of Chinese and western culture; thirdly, formulate a concrete education project where arts could enrich the cultural representations of learners.This work consists of two parts: the first part is to contextualize the teaching of FFL in China from a historical perspective. From the Confucian and Taoist traditional education to the European humanism since the sixteenth century, our intention is to highlight the value of FFL education in China by training young learners with cognitive and emotional knowledge from the history of art. The second part deals to apply our analysis to the corpus of art works, selected by theme. From traditional art to contemporary art, from Chinese art to Western art, we put the arts on the crossroads of Eastern and Western cultures so as to establish the favorable comparisons and to develop the aesthetic, intercultural and transcultural skills of Chinese learners.Thus, this research adopts intercultural approaches to enrich the teaching of FFL in China. It is from a humanistic perspective that such irreversible change prevails nowadays in the educational reforms in China in recent years.

This thesis deals with Fabian Puléř, an illuminator who lived in the 2nd half of 16th century in Prague, and about his workshop in the Old Town. The main theme is the graduals and their fragments, which were made in his shop or are believed to be made there (the Metropolitan St. Vitus Temple Gradual, the Gradual of Čáslav, the Gradual of Žlutice, three illuminations from the collection of National Gallery in Prague, the two-part St. Valentine's Gradual from the Old Town, the fragments of Kaňkovský Gradual, the Gradual of Louny owned by Jan Táborský of Klokotská Hora, the Gradual of Český Brod), their description and cataloguization. Apart of critically rewieving the literation on the subject to this day, my thesis follows the life of Fabian Puléř regarding archival sources and also influences and impulses behind his work. It also contains crucial chapter about iconography of utraqistic musical manuscripts and about the litterateur brotherhoods, who ordered these hymnic books.

A la fois lieu commun du raisonnement et cliché discursif - selon la distinction opérée par Remy de Gourmont pour qui le lieu commun renvoie à la banalité de l'Idée, tandis que le cliché représente la matérialité même de la phrase -, l'antienne de l'influence du Roman de la Rose sur les arts figurés au Moyen Âge est devenue l'une de ces nombreuses redondances argumentatives sustentant régulièrement la rhétorique en histoire de l'art. Partie de ce constat inflationniste et du désir de vérifier le bien-fondé d'une hypothèse iconographique reliant le Roman de la Rose à la tenture de la Dame à la Licorne, cette enquête a essayé de mettre en exergue le danger des lieux communs de l'interprétation en histoire de l'art, et plus particulièrement de ceux faisant un usage inconsidéré du texte de Guillaume de Lorris et Jean de Meung. / Both discursive cliché and commonplace reasoning – according to the distinction made by Remy de Gourmot for whom the commonplace refers to the banality of the Idea while the cliché is the very materiality of the sentence – the anthem of the Roman de la Rose's influence on figurative arts in the Middle Ages became one of those many redundancies regulary invoked in argumentative rhetoric. Provoked by this observation and by the desire to check the relevance of an iconographic hypothesis linking the Roman de la Rose to the tapestry of the Lady and the Unicorn, this investigation has tried to highlight the danger of the interpretation commonplaces in Art History, especially those making a reckless use of Guillaume de Lorris and Jean de Meung's poem.

Les fouilles archéologiques portant sur la période des XIe – XVIe siècles menées en Provence livrent de très nombreux accessoires métalliques du costume et de la parure de corps. Ce sont des éléments de fixation prenant la forme d’épingles, d’agrafes, de boutons, des constituants de la ceinture – boucle, chape, mordant, appliques –, mais aussi des ornements que l’on ajoute à celle-ci ou à même les étoffes, tels les grelots, ou bien encore des parures de corps – bracelets, bagues et colliers –, des objets de dévotion personnelle comme les enseignes de pèlerinage. L’étude archéologique et typo-chronologique de ces objets a permis d’organiser le mobilier et conduit dans de nombreux cas à l’obtention de datations typologiques. Elle a également rendu possible la caractérisation d’évolutions dans l’ornementation des accessoires métalliques, dans la manière de fixer les pièces vestimentaires ou d’orner le corps. Les accessoires métalliques du costume présentent des variations morphologiques, de décoration, de fonctionnalité, de matériau ou de techniques de fabrication caractéristiques d’évolutions dans les usages, de phénomènes de mode, de la construction du paraître, d’une hiérarchie de l’apparence. Il est donc nécessaire d’aller au-delà de la seule analyse archéologique et de faire appel aux sources textuelles et à l’iconographie pour approfondir ces aspects et ouvrir sur la valeur économique ou symbolique de ces objets. La production de ces objets métalliques requiert des compétences techniques plus ou moins profondes que des analyses de composition par la méthode PIXE, sur une sélection d’artefacts, mettent en perspective. / Archaeological excavations conducted in Provence and concerning the period of the XIth - XVIth centuries deliver very numerous metallic accessories of costume and adornment of the body. These are (1) fastening elements in the form of pins, staples, buttons, (2) constituents of the belt : buckle, chape, belt ends, mounts, (3) ornaments added on the belt or directly onto the fabrics, such as bells, (4) finery : bracelets, rings and necklaces, (5) personal devotional objects such as pilgrim signs. The archaeological and typo-chronological study of the objects has allowed to classify the accessories and has lead in many cases to typological dating. It has also made possible the characterization of changes in the ornamentation of metal accessories and in the way of fixing items of clothing or adorning the body. The metal accessories of the costume present variations in their aspect, decoration, functionality, material or manufacturing techniques which reflect changes in the customs, fashion phenomena, the making of appearances, a hierarchy of the looks. It is therefore necessary to move beyond the mere archaeological analysis and to call for textual sources and iconography to thoroughly study these aspects and broaden the outlook to the economic or symbolic value of these objects. The production of these metal objects requires technical skills, more or less profound, that compositional analyzes by the PIXE technique, on a selection of artifacts, put into perspective.

La tête végétalisée est un témoin privilégié de la culture visuelle des Romains. Innovation de l’époque tardo-républicaine et proto-impériale, elle n’en demeure pas moins l’héritière du traitement formel de figures telles que la Rankenfrau et le Rankengott et d’un symbolisme végétal séculaire. Elle évoque une nature naissante ou renaissante qui ne possède pas encore les frontières du cosmos ordonné, et fonctionne comme une épithète iconographique permettant de mettre en évidence un aspect particulier d’un personnage, tel le dieu Oceanus. L’étude des spécificités culturelles et des traditions iconographiques des différentes régions de l’Empire romain, couplée à la mise en série et à l’analyse contextualisée des documents, permet de mettre en évidence les formes de diffusion, de réception et d’appropriation de ce thème ornemental, de sa naissance à son assimilation par le monde chrétien. A côté de tendances relativement homogènes communes à l’Empire, se dessinent quelques courants particuliers, comme l’enrichissement nord-africain de la forme océanique, le renouveau oriental de la bordure à rinceau peuplé héritée de la tradition picturalisante hellénistique, ou « l’humanisation du végétal » gallo-germanique. Entre traditions et innovations, la tête végétalisée du monde romain développe des spécificités iconographiques pérennes qui lui confèrent une signification inhérente à toute forme d’hybridité végétale, tout en permettant à différentes visions du monde de s’exprimer en elle sans se dissoudre. / The foliate head is a privileged witness of the Roman visual culture. This innovation of the tardorepublican and proto-imperial period is the heiress of the formal processing of figures such as the Rankenfrau and the Rankengott and of a secular vegetal symbolism. It evokes a rising or returning nature which doesn’tpossess the borders of the orderly cosmos, and works as an iconographic attribute which highlights a particular aspect of a character, such as the god Oceanus. The study of the cultural specificities and the iconographic traditions of the various regions of the Roman Empire, combined with the serial approach and the in-contextanalysis of the documents, allows to highlight the various forms of diffusion, reception and appropriation of this decorative theme, from its birth to its assimilation by the Christian world. Next to relatively homogeneous trendscommon to the Empire, some particular tendencies take shape, such as the North African enrichment of the oceanic shape, the oriental revival of the border with peopled scroll inherited from the Hellenistic naturalistic tradition, or the Gallo-Germanic « humanisation of the plant ». Between traditions and innovations, the foliated head of the Roman world develops long-lasting iconographic specificities which confer it a meaning inherent to any shape of foliate hybridity, although it allows various views of the world to be expressed in it without being dissolved.

La thèse propose d’éclairer les trajectoires et les œuvres d’artistes survivants des camps nazis, français ou installés en France après la guerre, leur tentative de transmettre l’expérience de la déportation et du génocide ou au contraire leur volonté de fuir ces thématiques, les langages plastiques et l’iconographie empruntés, les déclencheurs mémoriels et les éventuelles mutations des choix de chacun pour témoigner, représenter, remémorer durant cinquante ans. Quelques rares artistes ont eu l’opportunité de créer in situ : nous étudions également les motivations, les conditions de création et les spécificités de ces dessins des camps. Après 1945, entre mémoire, révolte et résilience, les artistes de ce corpus, déportés pour faits de résistance ou au titre des persécutions et de la mise en œuvre de la solution finale, ont dû mener une lutte intérieure contre les douloureuses réminiscences des camps et parfois un combat militant pour diffuser leur message face aux offensives antisémites et négationnistes. La complexité de la transfiguration en termes plastiques du traumatisme a suscité doutes et réflexions : transmettre sans trahir, témoigner sans renoncer à l’art. Les peintres, sculpteurs et graveurs de ce corpus n’ont en en effet jamais cessé de se définir prioritairement comme des artistes : l’essence et la portée universelle de la création, ainsi que les références tutélaires de l’histoire de l’art ont épaulé les artistes dans ce processus cathartique. Si les cadavres, corps anonymes et suppliciés, peuplent l’univers visuel de l’après-guerre, les artistes rescapés convoquent les disparus et réinsufflent chair et individualité aux êtres aimés, figurés souffrants, combattants ou tendres, mais dignes et debout. Notre objet d’étude se concentre également sur les modalités et les formes évolutives de la rencontre entre ces œuvres liées à la mémoire de la déportation et la France, de l’après-guerre aux commémorations du cinquantième anniversaire de la libération des camps : la diffusion auprès du public français à l’occasion d’expositions individuelles, collectives ou de salons ; la communication autour de ces problématiques dans les catalogues, les cartons d’expositions et les publications ; la réception des œuvres à travers la presse, les acquisitions publiques et les décorations honorifiques, ainsi que l’accueil spécifique des associations de déportés et de la communauté juive avec notamment la création du premier Musée d’art juif français. / The thesis attempts to shed light on French artists and artists who lived in France after the war after surviving the Nazi camps, and the life they lead after the camps and their work. It also looks at their efforts to pass on their experience of the deportation and the genocide, or on the other hand their desire to flee the themes, esthetic language and the iconography used. The triggers to the memory and the eventual mutation of choices by each person to be witness, to represent, to recollect during fifty years will also be addressed. A few rare artists had the opportunity to create in situ: we will also study the motivation, the conditions of creation and the particularities of the drawings in the camps. After 1945, between memory, revolt and resilience, the artists of this group, deported for their activities in the resistance or due to persecution and the installation of the final solution, had to lead an interior struggle against the painful reminiscences of the camps and sometimes an activist’s fight to spread their message in opposition to anti-Semite attacks and Holocaust deniers. The complexity of the transfiguration in terms of visual representations of trauma brought up doubts and reflections: transmitting without betraying, witnessing without giving up art. The painters, sculptors and engravers of this group have never really stopped defining themselves mainly as artists: the essence and the universal scope of creation, as well as the custodians of art history having placed this cathartic process on the shoulders of the artists. If the corpses, the anonymous and tortured bodies, inhabit the visual universe after the war, the artists that escaped, summoned those that disappeared and gave flesh and individuality to loved ones, represented as suffering, fighting or tender, but dignified and standing. The study also concentrates on the terms and changing forms of the reception in France of the works linked to the memory of the deportation, post-war to the fiftieth anniversary of the liberation of the camps: the distribution to the French public via individual or group exhibitions and art fairs ; the promotion concerning these issues in the literature about the exhibitions and the artists ; the press reactions, the public acquisitions and the public decorations, including the specific reception by the associations of those deported and the Jewish community especially with the creation of the French Jewish art museum.

Développée à partir d’un corpus documentaire de plus de 200 représentations iconographiques réparties entre le IXe et le XVe siècle, cette thèse s’appuie aussi sur des sources musicales en latin et des éléments pris dans la littérature profane médiévale en langues vernaculaires. Ce travail de recherche est réuni et organisé dans une base de données qui s’articule à la thèse tout au long de l’argumentation. La description de ce corpus et de la création de cet outil forme la première partie de cette thèse. Une deuxième partie, consacrée à l’étude organologique physique des instruments, vise à proposer un discours objectif sur la nature de l’instrument et de ses éléments constitutifs : formes, cordes, chevilles, chevalets, modes de jeux, tenues etc. Cette partie se termine par un exercice de reconstitution organologique. Une troisième partie étudie l’image sociale et symbolique des instruments en essayant d’englober l’ensemble des discours associés aux cithares planche autour de la notion de translatio propre à la littérature médiévale, que l’on nommera alors translatio musicae. L’ensemble du travail réalisé permettra de former en conclusion une proposition de classification instrumentale propre aux cithares planche médiévales, qui pourra être éventuellement adaptée à l’étude d’autres instruments de musique. / Developed from a corpus of over 200 iconographical sources divided between the 9th and the 15th century, this thesis also draws on Latin sources in and musical elements taken from the medieval secular literature written in vernacular languages. This research is compiled and organized inside a database articulated to the thesis throughout the argument. The description of this documentary corpus and the creation of this specific tool are given in the first part of this dissertation. A second part, devoted to the study of physical characteristics of these instruments, aims to provide an objective discourse on the nature of the instrument and its components: forms, strings, pins, holding manners, playing modes, etc. This part ends with an instrumental reconstitution exercise. A third part examines the social image and symbolic image of the instruments trying to encompass all speech – both literary and visual – related to the board zithers around the medieval notion of translatio, which will be in this particular case called translatio musicae. This work will conclude with a proposition of a specific organological classification for medieval board zithers, which might possibly be adapted to the study of other musical instruments.

Oggetto della tesi è lo studio dell’esegesi paleocristiana dei “racconti” contenuti nel libro di Daniele, in una prospettiva pludisciplinare che esamina le testimonianze provenienti dall’iconografia e dalla letteratura. Il lavoro prende in considerazione la documentazione dalle origini della produzione figurativa (fine II sec) alla cosiddetta “svolta costantiniana”, includendo materiali provenienti da tutti i contesti geografici dei primi cristianesimi. L’elaborato si articola in tre sezioni che ricostruiscono le principali tradizioni ermeneutiche della ricezione “tipologica”, “allegorica” e “letteraria” del testo biblico, sottolineando in particolare il ruolo che i “racconti” ebbero nella formazione della teologia del martirio antico. L’analisi assume un metodo storico-critico particolarmente attento all’integrazione e al raffronto fra tipologie documentarie distinte, che testimoniano la varietà e l’eterogeneità dell’interpretazione biblica applicata presso le primitive comunità cristiane. L’inclusione della fonte figurativa muove dal presupposto della sua rivalutazione: più che “biblia pauperum”, l’iconografia delle origini, prodotta in ambito liturgico, testimonia una tradizione indipendente e originale della ricezione dei “racconti”. Da questo punto di vista, la complessa interpretazione del libro di Daniele fornisce un valido paradigma per comprendere, in senso più ampio, i meccanismi che determinano la formazione del pensiero cristiano antico. / The subject of the present work is the study of the paleochristian exegesis of the “tales” included in the Book of Daniel, in a pluridisciplinary perspective which examines the evidences coming from both iconography and literature. The work takes into account the documentation from the origins of iconography (end of the II century), to the so-called “Constantinian period”, including materials coming from every geographic context of ancient Christianity. The research is divided in three sections, according to the principal hermeneutic traditions of the “typological”, “allegoric” and “literary” reception of the biblical text, mainly highlighting the role assumed by the “tales” in the formation of the ancient martyrdom theology. The analysis assumes an historical-critical method, mainly focusing on the comparison between two different documentary categories, which attest the variety and the heterogeneity of the biblical interpretation activated in the first communities. The inclusion of the figurative source derives from its revaluation: more than “biblia pauperum”, the ancient iconography, produced in the context of liturgy, expresses an independent and original tradition of the “tales” reception. Under this point of view, the complex interpretation of the Book of Daniel offers a good paradigm to understand, in a wider sense, the processes determining the formation of paleochristian thought.

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