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L’hypothèse d’une esthétique du cynisme dans le théâtre contemporain s’appuie sur un constat empirique : au sein d’un théâtre qui s’autoproclame bien souvent politique, sans néanmoins se revendiquer d’une quelconque idéologie, la scène contemporaine européenne voit se développer, depuis la fin des années quatre-vingt, bon nombre de textes et de spectacles qui, par l’intermédiaire des personnages qu’ils mettent en scène ou des situations qu’ils présentent, expriment un point de vue cynique sur le monde. Dans un mouvement global caractérisé par le regain d’intérêt des auteurs envers des thématiques tirées du réel, ce cynisme affleurant dans les œuvres semble traduire un désintérêt des individus pour le politique, une indifférence du sujet pour le devenir du collectif. En prenant en considération la double acception du terme « cynisme », qui fait à la fois référence au mouvement de philosophie grecque dont la postérité a retenu Diogène de Sinope pour représentant et au comportement d’un individu sans scrupules, prêt à tout pour parvenir à ses fins, y compris à s’affranchir de la morale et des conventions, ce travail croise approches dramaturgique, historique, philosophique et sociologique pour explorer les différentes ramifications du cynisme dans le théâtre contemporain, ainsi que ses caractéristiques principales. Tantôt preuves d’un esprit – inconsciemment, parfois – conservateur, tantôt signes d’une vivacité subversive intacte, les éléments constituant l’esthétique du cynisme forment une galaxie éparse, imprimant insidieusement sa marque dans le théâtre européen contemporain. / The hypothesis of an aesthetics of cynicism in contemporary theatre is based on an empirical observation: while theatre often proclaims itself as political, without claiming any ideology, a lot of contemporary European texts and performances since the end of the eighties express a cynical point of view on the world through the characters that they stage or the situations that they present. Appearing in the midst of a more general movement characterized by the renewed interest of authors towards themes drawn from reality, the cynicism that surfaces in the artworks seems to reflect people’s waning interest in political matters, and the subject’s indifference towards the future of the community.Taking into consideration the dual meaning of the term "cynicism", which refers both to the Greek philosophy movement, of which Diogenes of Sinope has been retained as representative, and to the behaviour of an unscrupulous person who would do anything to achieve their purposes, including breaking free from morality and conventions, this thesis intersects dramaturgical, historical, philosophical, and sociological approaches to explore the different ramifications of cynicism in contemporary theatre, as well as its main features. Sometimes the manifestation of a – possibly unconsciously – conservative spirit, sometimes the signs of an untouched subversive vivacity, the elements constituting the aesthetics of cynicism form a sparse galaxy, insidiously imprinting its mark onto contemporary European theatre.

Cet ouvrage est basé sur l’analyse les quatre premiers romans de l’écrivain brésilien Machado de Assis (1839-1908) – Ressurreição (1872), A mão e a luva (1874), Helena (1876) et Iaiá Garcia (1978) – avec l’intention de comprendre la relation de ces livres avec le mouvement romantique brésilien. Bien qu’ils aient été écrits à une époque où le romantisme au Brésil touchait à sa fin, ces livres ont été considérés par les critiques du début du XXe siècle comme étant des romans romantiques étant donné la récurrence d’éléments narratifs qui ont structuré ce mouvement lequel a vu le jour au Brésil en 1836. Pourtant, bien que la présence de tels éléments dans l’œuvre de la jeunesse de Machado de Assis puisse être constatée, ils n’obéissent pas la démarche technique de ce mouvement littéraire. Il est donc nécessaire de discuter dans quelle mesure et sous quelle forme ces éléments sont présents dans les premiers romans de l’écrivain. Pour cela, la discussion sur le processus de création du mouvement romantique brésilien, directement lié à l’affirmation d’une identité nationale propre à l’Empire brésilien (1822-1889), représente un thème clé pour comprendre l’importance de la couleur locale, et plus particulièrement du paysage brésilien, dans le noyau esthétique du mouvement romantique dans ce pays. À partir des grandes lignes de ces éléments structurants du romantisme brésilien, l’analyse des premiers romans de Machado de Assis met au jour une révision critique de la tradition romantique par l’auteur, dans son projet de développer une littérature originale, créative, indépendante et universelle. / This work analyzes the first four novels of the Brazilian writer Machado de Assis (1839-1908) – Ressurreição (1872), A mão e a luva (1874), Helena (1876), and Iaiá Garcia (1978) – aiming to understand the link between these books and the Brazilian romantic movement. Although the novels were written at a time when Romanticism in Brazil was coming to an end, they were classified by critics of the early 20th century as romantic works because they contained recurrent narrative elements based on that movement which began in Brazil in 1836. Nevertheless, although such elements can be observed in the early work of Machado de Assis, they do not meet the technical procedure of the overall romanticist literary movement. It is thus necessary to discuss the extent to which these elements are deployed in the writer's initial novels. In order to do that, this work analyzes the process of creation of the Brazilian romantic movement, which is directly associated with the Empire of Brazil (1822-1889). This is important to understand the role of the local color, and more specifically of the Brazilian landscape, in the aesthetic basis of the Brazilian romanticism. From the outline of this basic structure of Brazilian romanticism, the analysis of the early novels of Machado de Assis shows that the author critically reviewed the romantic tradition to develop an original, creative, independent and universal literature. / Este trabalho analisa os quatro primeiros romances do escritor brasileiro Machado de Assis (1839-1908) – Ressurreição (1872), A mão e a luva (1874), Helena (1876) e Iaiá Garcia (1978) – com a intenção de compreender a relação destes livros com o movimento romântico brasileiro. Apesar de terem sido escritos na época em que o romantismo no Brasil chegava ao seu fim, esses livros foram classificados pela crítica do início do século XX como obras românticas dada a recorrência de elementos narrativos aparentados a este movimento que, no Brasil, teve início em 1836. No entanto, ainda que se possa observar a presença de tais elementos nas obras de juventude de Machado de Assis, eles não obedecem ao proceder técnico desse movimento literário. Então, cumpre-se discutir em que medida e de que maneira esses elementos estão presentes nos romances iniciais do escritor. Para tanto, a discussão sobre o processo de criação do movimento romântico brasileiro, diretamente associado à afirmação da identidade nacional e do Império brasileiro (1822-1889), consiste numa questão relevante a fim de se compreender a importância da cor local, e mais especificamente da paisagem brasileira, no cerne estético do romantismo nacional. A partir do delineamento desse elemento estrutural do romantismo no Brasil, a análise dos primeiros romances de Machado de Assis permite constatar de fato o seu intuito de revisitar de forma crítica a tradição romântica no intento de desenvolver uma literatura original, criativa, independente e universal.

Im letzten Novellenzyklus Kellers wird vielerlei unterschwellige Kritik an Gesellschaftszuständen im deutschsprachigen Raum und an typischen zeitgenössischen Vertretern diverser Gesellschaftsschichten zu einem großen Teil über die Ironie transportiert. Vorkommen des ironischen Sprechens werden verknüpft mit Momenten narrativer Ironie und erscheinen eng an das Typusmotiv des Sonderlings geknüpft, das im „Sinngedicht“ wiederholt eingesetzt wird. Die Untersuchung orientiert sich daher insbesondere an den männlichen Vertretern der narrativ inszenierten Gesellschaftsordnung, deren Ironisierung oft erst bei näherer Hinsicht ins Auge fällt. Nachdem Preisendanz Kellers Dichtkunst nachvollziehbar mit dem bürgerlichen Humor identifiziert, ergibt sich dennoch an vielen Stellen der Sinngedichtforschung die Wahrnehmung einer Ironie, deren genauere Untersuchung bisher jedoch ausgeblieben ist. So versteht sich die vorliegende Arbeit als eine Vertiefung der Einordnung des Keller-Werkes in die Kategorie des bürgerlichen Humors. Thematisch erfolgt, neben der Konzentration auf die angesprochene Gesellschaftskritik, die Analyse ironischer Sequenzen auf dem Gebiet des Geschlechterdiskurses, mit dem sich ebenfalls Amrein, Bischof und Rácz in jüngerer Zeit auseinandergesetzt haben. Da ironische Elemente eine nicht unerhebliche Rolle in Figurendialogen – insbesondere auf der Ebene der Rahmenhandlung zwischen den beiden Hauptfiguren Reinhart und Lucie – zu spielen scheinen, kommen bei der Untersuchung verbalironischer Einheiten auch linguistische Theorien zum Einsatz. Hier orientiert sich die Vorgehensweise an Preukschat, der in seiner Monografie zum ‚Akt des Ironisierens’ (2007) eine dezidierte Untersuchung auch literarischer Werke mit sprachwissenschaftlichen Mitteln fordert. Auf diese Weise ist das Zusammenspiel von verbaler und epischer Ironie nachzuzeichnen, das als besonderes Dichtungsverfahren des Novellenzyklus aufgefasst werden kann. / In Keller’s last novella cycle, social conditions in the German-speaking world and stereotypical representatives of various social levels from that time are subliminally criticized through the far-ranging use of irony. Examples of ironic speech are coupled with moments of narrative irony and appear to be closely connected to the character motif of the Eccentric, which occurs repeatedly in “Sinngedicht”. Therefore, this analysis focuses especially on the male representatives of the narratively orchestrated social order, whose ironic treatment is often only noticeable upon closer examination. Taking into account Preisendanz’s understandable juxtaposition of Keller’s poetry with bourgeois humor, poetic analysis nevertheless leaves an impression of irony, a precise analysis of which has wanted until now. Thus, this work is a broadening of the classification of Keller’s work in the category of bourgeois humor. Additionally to the focus on the aforementioned social critique, there follows the topical analysis of ironic sequences on the subject of gender relations, which Amrein, Bischof, and Rácz have also recently examined. Since ironic elements seem to play a not unsubstantial role in character dialogues – especially at the level of the framing story between the two main characters, Reinhart and Lucie – linguistic theory is also used in the analysis of verbally ironic units. This follows the approach of Preukschat, who used linguistic methods to provide a clear examination of literary works in his monograph ‘Akt des Ironisierens’ (2007). In this way, the interplay between verbal and epic irony, which can be understood as a specific poetical device of this novella cycle, can be traced.

La pratique des interprètes de Berlioz qui créèrent Benvenuto Cellini, La Damnation de Faust et Béatrice et Bénédict gagne à être mieux connue : ils observaient d’autres traditions que les nôtres, et saisir leurs usages et leur contexte artistique offre un autre regard sur les œuvres. La présente thèse examine le cadre de travail de ces artistes, c’est-à-dire leurs formations, leurs carrières, le déroulement des répétitions d’une œuvre et les corps de métier convoqués, mais aussi les écoles de jeu, de chant, et les étapes de préparation d’un rôle. Ces artistes seront aussi présentés, en particulier ceux qui jouèrent dans les scènes comiques des œuvres concernées. Les derniers chapitres, qui explorent la manière dont les œuvres du corpus furent interprétées sur les scènes de l’Opéra et du théâtre de Bade, ainsi qu’à l’Opéra-Comique et au théâtre de Weimar, mêlent l’ensemble de ces sources et croisent aspect scéniques et musicaux. / The practices of the performers who first produced Berlioz’s Benvenuto Cellini, La Damnation de Faust and Béatrice et Bénédict deserves to be better known: they followed other traditions than ours, and to understand their habits, practices and artistic context offers another way of conceiving these musical works. The present thesis considers the framework in which these artists worked, that is to say their training, their careers, the progress of the rehearsal of an opera and the trades involved, as well as the schools of acting, of singing, and the preparation of a role. The individual artists will also be introduced, in particular those who played in the comic scenes of the concerned works. The last chapters, which explore the way in which the corpus’ works were performed on the stage of the Paris Opera and the theater of Bade, as well as at the Paris Opera-Comic and the theater of Weimar, mix all these sources and documents and combine musical and scenic elements.

José Rodrigues Miguéis [1901-1980] quitte le Portugal en 1935 et, malgré quelques tentatives de retour, il passera la plus grande partie de sa vie aux États-Unis. Cet exil, en grande partie dû à ses activités politiques contre le régime salazariste, va marquer profondément son œuvre fictionnelle. En effet, si, d’un côté, les préoccupations éthiques du militant imprègnent fortement des récits qui obéissent souvent à une stratégie littéraire globale à visée pédagogique où l’ironie classique et satirique est un instrument privilégié, de l’autre, l’écrivain fait régulièrement preuve d’une attitude critique envers soi et envers le réel et met régulièrement en scène ses doutes et ses questionnements à travers une autre ironie, romantique et moderne, qui se traduit par l’utilisation de techniques littéraires signalant un rapport réflexif à la création. Le paradoxe constitutif de toute ironie – dire simultanément l’adhésion et la mise à distance – est ainsi exacerbé par la présence de ces deux ironies contradictoires, souvent dans la même œuvre. L’objectif de ce travail est de montrer que la particularité de la fiction migueisienne réside dans cette cohabitation doublement ironique : une fiction vue comme une aire de jeu caractérisée par l’ambiguïté, où l’écrivain joue avec les conventions littéraire, avec les genres, avec les instances personnage-narrateur-auteur qu’il tend à confondre, et, surtout, avec la dimension autobiographique, prépondérante. L’ironie classique et l’ironie romantique et moderne apparaissent alors comme les deux faces littéraires d’un même drame identitaire, celui d’un écrivain exilé qui se veut et qui est, avant tout, portugais. / José Rodrigues Miguéis [1901-1980] leaves Portugal in 1935 and, despite several attempts to come back, he spends most of his life in the United States. This exile, mostly due to his political activities against the Salazar regime, will deeply influence his fictional work. Indeed, on the one hand, his ethical concerns as an activist strongly riddle his narratives which very often obey a global literary strategy with an educational intention where classical and satirical irony is a tool of choice. On the other hand, he regularly shows a critical attitude towards the self and towards the real and often stages his doubts and questionings through another irony, romantic and modern, using literary techniques pointing out a reflexive relationship to creation. The paradox constituting any irony – to say at the same time adhesion and detachment – is thus exacerbated by the presence of those two contradictory ironies, often in the same work. This study aims to prove that the particular nature of the Migueisian fiction lies in the simultaneous presence of those two ironies: a fiction considered as a playground characterized by ambiguity, where the writer plays with the conventions of literature, with genres, with the character-narrator-author categories that he tends to mix up all together and, above all, with the autobiographical dimension, which really plays a predominant role. The classical irony and the romantic and modern one then reveal themselves as the two literary faces of the same identitary drama, that of an exiled writer who wishes to be and is, above all, Portuguese.

Texte remanié de: Thèse de doctorat--Littérature générale et comparée--Paris 3, 1996. Titre de soutenance : Utopie littéraire et ironie dans l'oeuvre d'Italo Calvino et quelques textes de Jorge Luis Borges et Raymond Queneau. / Bibliogr. p. 231-239.

À cause de son langage symbolique et de l’absence d’une trame narrative bien dessinée, l’Apocalypse de Jean constitue un gros défi pour l’exégèse, d’autant plus que ce livre réutilise un important matériel vétérotestamentaire mais sans jamais faire de citations explicites. La présente recherche se propose de traiter le chapitre 19 comme une unité littéraire significative à l’intérieur de ce livre complexe, même s’il ne montre ni un récit suivi ni une parfaite cohérence sur le plan narratif, présentant même des discordances avec d’autres parties du livre. Par contre, sur le plan théologique, un discours cohérent et significatif s’en dégage lorsqu’on joint à l’analyse narrative une analyse structurelle. La combinaison de ces deux méthodes synchroniques permet d’exposer des parallélismes frappants et de décrire une intrigue qui traite de l’accomplissement inéluctable de la justice divine, symbolisée par le contraste entre deux grands banquets, l’un festif et l’autre macabre. Enfin, cette recherche préserve le caractère évocateur des symboles et préconise une lecture ironique pour certains passages. / Due to its constant use of symbolism within a loose narrative framework, John’s Revelation poses a formidable exegetic challenge. Moreover, this book reuses a large amount of Old Testament material while never quoting from the OT. This M.A. thesis posits that Rev 19 is a significant literary unit encased in the larger context of the complex Book of Revelation, although its narrative frame is not closely argued, even displaying some contradictions with other parts of the book. However, on a theological level, a coherent, consistent message can be unveiled, when adding a structural analysis to the narrative analysis. The combination of these two synchronic approaches highlights some striking parallels and describes a plot that talks about the certain achievement of God’s justice, symbolized by the contrast of two feasts, one joyous and the other gruesome. Finally, this research leaves intact the evocative nature of the symbols and advocates an ironic reading of some passages.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Ce mémoire en création littéraire se compose de deux parties. La première, un roman intitulé « Dieu reconnaîtra les seins », suit les aventures de Caroline, jeune femme dans la trentaine qui, ayant subi une ablation des seins, voit sa vie basculer alors qu'elle tente de trouver une solution médico-esthétique à sa situation. Le ton enjoué du roman permet d'aborder l'aspect tragique de la vie de Caroline de façon légère. Il permet également, sous forme d'humour ironique, absurde ou même noir, de soulever des thèmes universels tels que l'amour, la solitude, le désespoir, la pauvreté et la mort. Ainsi porté, le récit évolue vers une vision tant impitoyable que bienveillante de l'humain qui, à travers les événements à la fois médiocres et grandioses de la vie de Caroline, trouve sa place dans un univers pourtant hostile. La deuxième partie du mémoire se consacre à l'étude de l'humour dans « Au bonheur des ogres » de Daniel Pennac, et plus particulièrement, à l'humour inséré entre parenthèses. Pennac utilise abondamment ce procédé humoristique, créant ainsi un récit polyphonique où plusieurs niveaux narratifs entrent en dialogue. Trois types d'humour présents dans les parenthèses sont analysés, à savoir l'humour noir, l'humour absurde et l'ironie. Cet essai fait donc écho au roman en ce qu'il se penche sur l'humour et l'ironie comme procédés littéraires. / This thesis in creative writing is composed of two parts. The first one, a novel entitled Dieu reconnaîtra les “seins”, follows the adventures of a young woman in her thirties named Caroline who, having had her breasts surgically removed, sees her life plunge into chaos as she tries to find a cosmetic and medical solution to her situation. The light tone of the novel allows for an humorous look at the tragic cirucumstances Caroline finds herself in. Following the trials and tribulations of her life, the story touches on such universal themes as love, loneliness, hopelessness, poverty and death, and evolves toward a vision of humanity that is both merciless and benevolent. The second part of the thesis is an study of humour in Daniel Pennac's Au bonheur des ogres, and more specifically, the use of parentheses as a humoristic device. Pennac frequently uses parentheses as a way to create humour, thus building a polyphonic narrative in which various levels of discourse communicate with each other. Three types of humour are present within parentheses: black humour, absurdist humour and irony. As such, the essay echoes the novel in that it looks at humour and irony in literature.