El propósito de esta tesis es explorar la ciencia ficción en la literatura y el cine. Su hipótesis central se localiza en la posibilidad de estudiar a la ciencia ficción como un género en ambos medios de expresión. Esto requiere, por necesidad, la investigación de la historia de la ciencia ficción en el cine y la literatura, así como el análisis y la confrontación de los siguientes asuntos: las diversas teorías surgidas alrededor del concepto de género; las diferencias entre los géneros literarios y cinematográficos; las diferencias entre la ciencia ficción y otros géneros limítrofes, tales como lo fantástico, lo maravilloso y el realismo; la exploración de los estudios teóricos más importantes dedicados explícita y específicamente a la ciencia ficción; las diversas definiciones de la ciencia ficción; las más relevantes características de este género. Además de la hipótesis central mencionada arriba, que comprende y dirige todo el trabajo, cada capítulo de esta tesis posee su propia hipótesis independiente, interconectada con las del resto de capítulos y que se relaciona con y amplía la hipótesis central. A lo largo de la tesis se mencionan y examinan una amplia variedad de textos literarios y cinematográficos, y los capítulos teóricos incluyen, cada uno de ellos, un texto que es sujeto a un escrutinio detallado. En suma, se postula a la ciencia ficción como un género literario y cinematográfico que puede ser provechosamente estudiado desde una perspectiva que lo contemple como género, como modo y como fórmula, así como un género capaz de fagocitar a otros géneros con los que entra en contacto y que conserva sus características dominantes en cualquier forma y medio que se presente.Palabras clave: Ciencia ficción; teoría de los géneros; género literario y cinematográfico / This thesis proposes to explore science fiction in both literature and film. Its central hypothesis is located in the possibility of studying science fiction as a genre in both modes of expression. This necessarily requires the investigation of the history of science fiction in both film and literature, as well as the analysis and confrontation of the following issues: the various theories arising from the concept of genre itself; the differences between film genres and literary genres; the differences and similarities between science fiction and contiguous genres, such as the fantastic, the marvellous, and realism; the most important theoretical studies dedicated explicitly and specifically to science fiction; the various definitions of science fiction; the most relevant characteristics of this genre. Apart from the central hypothesis mentioned above, which acts as the framework for the whole work, each chapter of this thesis has its own independent hypothesis, which is interconnected to those of the rest of the chapters, and which relates to and amplifies the core hypothesis. This thesis examines a wide variety of cinematic and literary texts, and each theoretical chapter includes a case study, in which a text is subject to close scrutiny. In sum, this thesis postulates that science fiction is a literary and film genre that can be studied most fruitfully as a genre, a mode and a formula; it is, moreover, a genre that tends to absorb others contiguous to it and retains its salient characteristics in whatever form or medium of presentation.Key words:Science fiction; genre theory; literary and film genre

La tesis doctoral es un estudio de la obra literaria de novelistas contemporáneas británicas pertenecientes a la diáspora africana, caribeña y asiática que emigró al Reino Unido en la segunda mitad del siglo XX. El corpus literario bajo análisis engloba las siguientes autoras y obras: Andrea Levy, Small Island (2005), Monica Ali, Brick Lane (2001), Zadie Smith, White Teeth (2000), Diana Evans, 26ª (2006) y Jackie Kay, Trumpet (1999). La tesis analiza la representación y codificación espacial en la obra de dichas autoras partiendo de los postulados teóricos que consideran el espacio como constructo social que esconde implicaciones de clase, raza y género (Lefebvre, 2005, Soja 1996, Massey, 1996, 2005). La tesis estudia el espacio en los tres niveles en los que se encuentra operativa la relación cuerpo-identidad-espacio (Keith and Pile, 1993). Estos tres niveles son, por un lado, el espacio individual de cuerpo, por otro, la familia y la comunidad y, por último la sociedad. El estudio de estas obras literarias da cuenta de la necesidad de negociar nuevas formas de entender la identidad y la realidad espacial británica, a la vez que pone de manifiesto su carácter multicultural.

Esta tesis se inscribe en el marco de la crítica literaria latinoamericana. Analiza, identifica y caracteriza en la obra ensayística y narrativa de R. H. Moreno-Durán y de Fernando Cruz Kronfly, dos escritores representativos de las últimas décadas del siglo XX en Colombia, las estrategias narrativas y los procedimientos de escritura a través de los cuales se hace visible, se procesa y se constituye la noción de comunidad, entendida como una categoría que refiere a múltiples modos en que los sujetos se relacionan los unos con los otros y con los cuales se problematizan categorías históricas como identidad, nación, Estado y sujeto. La particularidad de la obra de estos escritores ha sido identificada a partir de tres modos de figuración de la comunidad: la comunidad del desencanto, la comunidad melancólica y la comunidad de lo íntimo. Con esto, la tesis propone contribuir al conocimiento de la literatura colombiana de fin de siglo XX y caracterizarla dentro del contexto literario latinoamericano.

El objetivo del presente estudio es analizar los rasgos de personalidad de los protagonistas de dos novelas infantiles. El corpus de la investigación está formado por las narraciones Zoro y De las Alas Caracolí, del autor colombiano Jairo Aníbal Niño. Las narraciones se desarrollan en ámbitos con aparente armonía, en los cuales, no obstante, los protagonistas infantiles tienen que enfrentarse a personajes codiciosos y violentos. La hipótesis que sustentamos es que todos los niños de los relatos son bondadosos, pero en cuanto a otros rasgos de personalidad, se manifiesta cierta diferencia entre personajes femeninos y masculinos. Los relatos tienen una orientación al argumento, según el cual los personajes son descritos principalmente por sus acciones. Para revelar los rasgos de personalidad expresados implícitamente en los textos, se analiza las narraciones de una manera estructural, con el estudio del discurso, el espacio y de los actantes según el modelo actancial propuesto por A. J. Greimas. Asimismo, se investiga el género, así como ciertos aspectos relacionados con la creación del personaje que son de especial significado en la literatura infantil. La conclusión principal es que tanto la niña como los niños son descritos como muy bondadosos y amables. No obstante, hay diferencias en la conducta de los personajes infantiles en el corpus. De los tres protagonistas en los relatos, los dos niños juegan papeles más activos y destacados en comparación con la niña, que juega un rol más pasivo.

Dada la disparidad de la crítica sobre la valoración de Séneca trágico y de Lucano épico, la tesis se inicia verificando el status quaestionis de ambos problemas. El caso de Séneca es complejo porque sus tragedias no siempre presentan la misma línea filosófica estoica de sus tratados morales, su correspondencia o el resto de su obra, iniciándose una polémica contemporánea al autor por parte de Pomponio y Quintiliano respecto de ciertas características de su teatro apartadas del canon clásico, pero de gran alcance posterior en el teatro renacentista e isabelino (ampulosidad retórica, violencia verbal, horror material, truculencia escénica, extremosidad de sus protagonistas, atmósferas opresivas y recargadas, falta de unidad estructural, etc.), e inclusive en oposición con la doctrina estoica no rigurosamente monolítica, en la que ambos autores se conformaron. Por otro lado, la <i>Altertumwissenschaft</i> de los siglos XVIII y XIX generó con su obsesiva erudición positivista una dicotomía en la apreciación de la Antigüedad clásica con una devaluación de todo lo que Roma representaba, lo cual oscureció prejuiciosamente no sólo sus logros sino que desfiguró con gran incomprensión el teatro senequiano y la épica lucaniana. Las líneas de investigación del s. XX, inclusive germanas, sin llegar a los parámetros del proyecto ‘Black Athena’ de Martin Bernal, con mayor objetividad han tratado de examinar la tragedia y la épica de la denominada ‘edad de plata’ y encontrar la razón de ser de sus diferencias y apartamientos deliberados. Con este instrumental crítico la tesis comienza su análisis de la tragedia en Roma desde sus inicios ya que, pese a la pobreza de testimonios documentales se pueden establecer ciertos rasgos válidos también para la épica. La superación de una simple imitatio o traductio por una ínsita aemulatio, no siempre epigonal, que lleva a altísimos diálogos, ej. Virgilio-Homero o Dante-Virgilio, en los que se verifica cómo el material ofrecido por la tradición es manejado con innovación y creatividad, ahondando temas como el del poder con perspectivas ausentes en la tragedia helena y sobre la base de la propia experiencia romana. Partiendo metodológicamente de <i>El texto eminente</i> de Gadamer se analizan los pasajes de ambos autores más densos y complejos con la finalidad de mostrar las estrategias de representación enmarcadas dentro de una cosmovisión estoica que exacerban los procedimientos y las operaciones de deconstrucción y subversión de los paradigmas trágicos y épicos, presentes por ambos autores, empleando las categorías del Barroco, Expresionismo y Grotesco, consideradas constantes culturales.

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El objeto de este trabajo ha sido estudiar el motivo de la apoteosis con el fin de descubrir de qué manera se integra positivamente en la representación de las <i>Metamorfosis</i>. Se intenta trascender interpretaciones denigratorias o irónicas del motivo. El estudio consta de dos partes. En el primer capítulo de la primera parte, "La apoteosis en la estructura de las <i>Metamorfosis</i>", se demuestra con un análisis intratextual la importancia que tiene el relato de la creación del hombre como sanctius animal, considerada paradigmática, en el estudio del motivo de la apoteosis. El segundo capítulo insiste en la dimensión intertextual, recordando la influencia estructural de dos modelos poéticos de las <i>Metamorfosis</i> de Ovidio, Hesíodo y la Égloga 6 de Virgilio, para una representación que comienza en la creación del hombre y termina en la apoteosis del poeta. La introducción a la segunda parte, "Valor semántico de la apoteosis", pone el acento en tres aspectos esenciales para el estudio de la apoteosis. En primer lugar, la idea de "lectura", i.e., la trascendencia latente del motivo de la apoteosis y de la idea de estirpe a lo largo de la obra. Se propone, en segundo lugar, el concepto de "mitologización" como una forma de examinar la apropiación que hace el poeta del mito historizado y del mito con alusión augustea. Esa apropiación tendrá como fin destacar el aspecto literatio de las historias y ejercerá un papel fundamental en la construcción de una figura de poeta que, mediante la apoteosis por su obra, se eleva por sobre las figuras de filósofo y de político. Su tratamiento en este trabajo, pues, se debe al hecho de que está ligado, en último término, con el motivo de la apoteosis. Dado que el estudio tiene como punto de partida la relación entre el sanctius animal, paradigma de la creación del hombre, y la apoteosis, se ha elegido examinar detalladamente aquellas apoteosis en que aparece una alusión explícita a la parte mortal o a la parte inmortal, i.e., las de Ino y Melicertes, Hércules, Eneas, Glauco, Rómulo, Hersilia, César, Augusto y Ovidio. Se incluyen, de todas maneras, otras referencias y apoteosis relevantes. La alusión a la imagen de la <i>pars</i>, siguiendo una de las denominaciones con más trascendencia formal en la obra, remite a la creación del hombre divino <i>semine</i> y a partir de <i>semina caeli</i>, aspecto que se estudia en el primer capítulo de la primera parte y se retoma en el análisis de cada apoteosis. La conclusión del trabajo es que el motivo de la apoteosis sólo puede inteligirse a la luz del final, en el que se representa la apoteosis del poeta. Al margen de la mitologización que opera en las historias con valor histórico y augusteo, Ovidio se ha preocupado por mantener, aunque sólo sea en forma referencial, el sentido de las apoteosis con el fin de desplegar toda su significación en la apoteosis final. Inversamente, el valor completo del motivo en el cierre de la obra exige aceptar su significación a lo largo de la obra. En el final, el poeta, un poeta <i>Romanus</i> en la medida en que su obra será leída donde se extienda la <i>Romana potentia</i>, se revela como el auténtico <i>sanctius</i> animal referido en la creación.

Si bien el 80 ha sido trabajado y leído desde distintos contextos socio históricos y literarios, la continuidad y resignificación de su corpus y sus legados, deja abierto un espacio para la crítica, con una cantidad considerable de autores que han sido lateralizados, en muchos casos, por lecturas convencionales. Enrique Loncán es un autor periférico de comienzos del siglo XX al igual que Eduardo Holmberg, a punto tal que su obra <i>Olimpio Pitango de Monalia</i> recién se publicó en el año 1994. Según Arturo Cancela, "con Enrique Loncán, se cierra para siempre el ciclo de la literatura mundana comenzado por la generación del 80, en cuyos cánones se inscriben su personalidad, sus gustos y su literatura". Heredero o epígono de escritores como Mansilla en el <i>Sud América</i>, de Lucio V. López, de Eduardo Wilde y de Miguel Cané, pone en práctica su versatilidad discursiva frecuentando el periodismo, la oratoria, la política y la literatura, a la vez que se desempeña en la cátedra universitaria, el Congreso Nacional y la diplomacia. Eduardo Holmberg, por otra parte, pertenece a la saga de los escritores conocidos a medias y muchas veces, por esta misma causa, ha sido motivo de una simplificación oportunista de su significación, sujeto a una lectura rápida, proclive a juicios no del todo probados. La tesis está estructurada en dos partes y cada una tiene como eje el estudio de uno de los dos autores citados. La primera está dedicada a la obra de Enrique Loncán, particularmente <i>Palabras de la derrota</i>, <i>He dicho</i> y <i>Aldea Millonaria</i>, y la segunda aborda dos conferencias "Carlos Alberto Darwin", "Pinceladas descriptivas" y los dos últimos textos escritos por Eduardo Holmberg, <i>Lin Calel</i> (1910) y <i>Olimpio Pitango de Monalia</i>. El título de la tesis, "Permanencia y superación del 80 en dos escritores de 'entre-siglos'", adelanta sus dos hipótesis centrales: la 'permanencia' o continuidad poética e ideológica del 80 en los trabajos de Loncán, y la 'superación' del mismo período por la práctica de escritura de Eduardo Holmberg. El cruce de ambos autores y sus respectivas obras pone de relieve un doble movimiento, el regreso al pasado por parte de quien desarrolló su carrera literaria durante los primeros cuarenta años del siglo XX, y la evolución hacia el futuro de Holmberg que se desarrolló literariamente a lo largo del 80. Este doble movimiento -el retroceso hacia las fuentes por parte de Loncán y el 'progreso' rupturista de Holmberg- mantiene una relación dialéctica con la historia social y política del país en el primer caso, y una relación con la historia y con la filosofía de la historia en el segundo, sobre todo en <i>Olimpio Pitango de Monalia</i>, en la medida en que deconstruye la historiografía liberal oficial.

Este trabajo se propone analizar la tradición que los poetas argentinos de los noventa comienzan a construir desde principios de la década y, a la vez, indagar en los desplazamientos conceptuales del término en el estudio de casos concretos. El corpus que se trabaja en esta tesis corresponde a los años de emergencia y consolidación de la llamada “poesía de los noventa”, que pueden situarse entre 1988 y 2001; en estos años pueden registrarse hitos relevantes de una nueva poética. En 1988 se publican <i>Quince poemas</i> de Rafael Bielsa y Daniel García Helder y <i>Verde y blanco</i> de Martín Prieto, primeros libros de una línea que se continúa en toda la década y que se dio en llamar “objetivismo”. El 2001, por su parte, fue pensado como el momento en que se estarían resolviendo las líneas o los momentos que la crítica considera como características de la poesía de la época. De hecho, <i>Polaroid</i> de Anahí Mallol, <i>¿existe el amor a los animales?</i> de Cecilia Pavón y <i>XXX</i> de Marina Mariasch, todos publicados en el 2001, pueden considerarse como instancias de consolidación del procesamiento de los materiales provenientes del pop, o de lo que denominaremos luego como poéticas “ingenuas”. Por su parte, <i>Diesel 6002</i> (2001) de Marcelo Díaz supone un replanteo del tratamiento de lo popular si se lo lee en relación con los libros de la primera mitad de los noventa y <i>Poesía civil</i> (2001) de Sergio Raimondi trabaja con el objetivismo como material que ya puede ser transformado. Lo emergente, entonces, está consolidado en ciertos libros publicados en el 2001, así como también empiezan a visualizarse reformulaciones importantes, que hablarían de los límites de una poética.