L’ancrage universitaire de la tradition des ateliers d’écriture est souvent ignoré en France, alors qu’il est clairement établi pour les Etats-Unis. Les histoires des pratiques créatives d’écriture littéraire s’écrivent donc de manière différente, en mettant en jeu des conceptions de la littérature que cette étude cherche à comparer. La considération des sphères linguistiques et la question des dynamiques internationales d’expansion des pratiques exigent l’examen particulier des cursus québécois. Comment peut-on caractériser ces différentes formations ? Quelles représentations de l’auteur, du processus rédactionnel, de la créativité ou de l’œuvre véhiculent-elles ? Quelles forces de tension et de mutations se dessinent-elles ? Sur les plans diachronique et synchronique, et en étayant l’enquête bibliographique de questionnaires systématiques et recueil de données sur le terrain, la comparaison envisagera ses repères épistémologiques et l’état actuel des ressources, que les traductions des citations cherchent à rendre accessibles aux francophones. / The university grounding of the tradition of writing workshops is often ignored in France while it is clearly established in the United States. The stories of the creative practices of literary writing are thus handled differently and bring into play different views of literature which this study seeks to compare. The issue of the linguistic areas and the question of the process of the international extension of those practices particularly require to consider the Quebec courses. How can these different training courses be characterized? Which representations of the author, of the writing process, of creativity or of the work do they convey? Which tension and change currents emerge? On the diachronic and synchronic levels and by backing up the bibliographical survey with systematic questionnaires and collections of in-the-field data, the comparison will contemplate its own epistemological landmarks and the current state of resources which the translations intend to make accessible to French speakers.

L’œuvre d’André Frénaud (1907-1993) se ressent profondément des convulsions de l’histoire contemporaine – essor des régimes totalitaires en Europe, Seconde Guerre mondiale, découverte des camps de la mort –, qui paraissent remettre en cause la possibilité même d’une signification de l’histoire et de l’action humaine. La pensée anthropologique exprimée dans les poèmes défend la capacité de l’homme à discerner et à faire le bien, sans rien ignorer de ses pulsions mauvaises ni de son manque à être. Les poèmes déploient une pensée du sujet originale, nourrie de philosophie heideggérienne, de mystique et surtout de l’analyse avec André Green et de la lecture de Dostoïevski : les tréfonds du moi abritent un grouillement de pulsions antagonistes. Frénaud, après Kojève, place l’homme et l’Histoire sous le signe de la négativité. L’éthique frénaldienne maintient conjointement la conscience de « notre inhabileté fatale » et la nécessité d’agir. L’existence de Frénaud atteste la même exigence : ainsi s’expliquent le ton des poèmes engagés, qui causa de vifs débats avec Aragon et Guillevic, et son attitude dans la cité, mêlée d’engagement et de retrait, comme au Comité national des écrivains (CNE) ou à la Comunità Europea degli scrittori (COMES), aux côtés de Sartre, Ponge et Tardieu. Enfin, les poèmes mettent en question les frontières et l’unité de la condition humaine. Un anthropomorphisme généralisé et une veine épique et mythique originale assurent l’unité du questionnement. Mais la condition humaine n’a pas la cohérence du concept : elle s’offre à la méditation du lecteur sous la forme d’une multitude de figures singulières qui invitent à un véritable exercice spirituel. / André Frénaud’s anthropology is profoundly impregnated with the upheavals of modern history, from the rise of totalitarian régimes throughout Europe to WWII and the discovery of death camps, all of which seem to question the remote possiblity of giving any meaning to History and human action. The anthropological thought expressed in his poems defends man’s ability to identify what is good and act accordingly, without ever overlooking any of his bad drives or his failure to truly be. His poems display an original conception of the self, inspired by Heidegger’s philosophy, mysticism, and above all by psychoanalysis with André Green and the reading of Dostoyevsky. Indeed, the depths of the self are teeming with antagonistic drives. After Kojeve, Frénaud places mankind and History under the sign of negativity. Frénaud’s ethics support both the awareness of « our fatal inability » and the need to act. Frénaud’s life proves the same dedication, and the tone of his committed poems – which caused heated debates with Aragon and Guillevic – can thus be explained, as well as his public presence, a mix of commitment and reserve, e.g. at the Comité national des Écrivains (CNE) or at Comunità Europea degli scrittori (COMES) with Sartre, Ponge, and Tardieu. Finally, his poems question the limits and unity of the human condition, while a pervasive anthropomorphism and an original streak, both epic and mythical, hold the questioning together. The human condition, however, is not as coherent as the concept. It becomes available to the reader’s meditation in the form of a multitude of characters which lead one to a spiritual exercise.

Né d’une réaction à la sécularisation apportée par la Révolution française, le « renouveau catholique » ou la « renaissance catholique » est un mouvement d’artistes et d’intellectuels catholiques particulièrement actif entre 1885 et 1935. Dans la droite ligne du catholicisme intransigeant dont il procède, il entend œuvrer à remplacer la société moderne par une société chrétienne, en rendant à Dieu sa place dans l’art et la pensée. De sa conversion en 1886 jusqu’à son abandon de la littérature pour l’exégèse au cours des années trente, Claudel, catholique intransigeant et écrivain, appartient à ce mouvement. Pourtant, il s’en tient à distance, ne collaborant que de façon irrégulière et précaire à ses différentes initiatives et ne nouant que d’incertaines ou de mauvaises relations avec la plupart des autres écrivains catholiques. Comment le comprendre ? Il faut voir que, loin de lui être particulière, la situation est emblématique de l’histoire du mouvement : la répression antimoderniste qui a provoqué la naissance de l’écrivain catholique et orienté l’action littéraire catholique vers la défense de l’Église, trace aussi les limites à ne pas dépasser. Or la tentative d’art chrétien, désireuse de montrer la présence du surnaturel dans le monde des hommes, apparaît bien souvent comme un naturalisme, c’est-à-dire une réduction du surnaturel à l’humain. C’est ce naturalisme que Claudel reproche à la plupart des membres du renouveau, pourtant engagés comme lui dans le même projet de réconcilier le monde moderne avec le catholicisme. / Appeared in reaction to post-revolutionary secularization, the Catholic Revival is a French movement uniting catholic artists and intellectuals, particularly active between 1885 and 1935. Rooted in intransigent Catholicism, it aims at replacing modern society with a Christian one, in which God would be given back his place in art and mind. From his conversion in 1886, until he abandoned literature for biblical exegesis during the thirties, Claudel, as a writer and intransigent Catholic, belongs to that movement. He nevertheless remains on the fringe of it, participating only occasionally for limited works to its several initiatives. He builds only uncertain or bad relations with most of the other Catholic writers. How can we understand this? Far from being Claudel’s particularity, this situation symbolizes the history of the Catholic Revival, which was simultaneously guided and controlled by anti-modernism repression. Yet the attempt of a Christian art, eager to show the presence of the supernatural in men’s world, often appears as a form of naturalism, in others words as a reduction of supernatural to human stage. Claudel reproaches the most part of the Revival members for this naturalism, even if they are involved, just as he is, in the common project of reconciliation between Catholicism and modern world.

Cette thèse a pour but d’étudier l’écriture du journal chez Annie Ernaux à partir de sept textes diaristiques : Journal du dehors, « Je ne suis pas sortie de ma nuit », La Vie extérieure, Se perdre, le « photojournal » d’Écrire la vie, L’Atelier noir et Regarde les lumières mon amour. Ces journaux se différencient par leur forme et par leur fond : journal intime, journal externe, journal d’écriture et photojournal. Ils entretiennent également des liens avec les textes littéraires de leur auteur. Nous nous sommes intéressé tout d’abord à leur poétique, en partant du cadre théorique de la forme journalière pour analyser leur transcription du temps, leur structure fragmentaire et la figure de la diariste. Puis nous avons étudié le rôle triple joué par la pratique diaristique chez l’auteur : le besoin de conserver une trace du vécu et du fait social, l’aide psychologique au quotidien et la découverte de soi. En dernier lieu, nous avons analysé les résonances des journaux dans les différents textes de notre corpus, les liens les unissant aux extraits intimes parus dans des revues littéraires, de même que les rapports entre journaux et récits, tant par leurs thématiques que par leur conception et le recours à la photographie. Notre étude montre ainsi toute l’importance jouée par le journal dans la vie et le travail littéraire d’Annie Ernaux. La forme diaristique lui est en effet indispensable pour retracer son existence, garantir sa vérité et accompagner ses projets d’écriture. / This thesis aims to study the diary writing of Annie Ernaux from seven diaristic texts: Journal du dehors, “Je ne suis pas sortie de ma nuit”, La Vie extérieure, Se perdre, “photojournal” in Écrire la vie, L’Atelier noir and Regarde les lumières mon amour. These diaries are differentiated by their forms and their contents: intimate diary, impersonal diary, literary diary, and photojournal. They also have links with the literary works of their author. We were interested first of all in their poetics, based on the theoretical framework of diary form in order to analyze their time transcription, their fragmentary structure and the diarist’s figure. Then we studied the triple role played by her diaristic practice: the need to keep a record of personal experience and social facts, the psychological assistance in daily life and the self-discovery. Finally, we analyzed the resonances in the texts of our corpus, their links with diary fragments published in literary journals, as well as the relationship between diaries and literary works, in their themes, their conception and the use of photography. Thus our study shows the diary’s importance in the life and the literary work of Annie Ernaux. The diaristic form is essential for her to trace her existence, guarantee her verity and accompany her writing projects.

C’est à l’écart de tous et de tout que s’est toujours tenu Marcel Moreau, écrivain aux chairs habitées d’un corps verbal. Son œuvre en témoigne par sa monstrueuse densité: plus d’une soixantaine de livres en cinquante années. L’objet de cette thèse sera de définir sa poétique du corps tout en prenant en compte ses refus du classifiable et la mise en place d’une mythologie intime le dépassant. Engageant directement le lecteur, son écriture l’insère dans une relation tragique au dehors et au-dedans de lui-même, rendu à un réel libéré de toute passivité. Une approche biographique s’impose donc en ce qu’elle implique étymologiquement le vivant dans l’écriture. Aussi, si son utilisation de la langue française s’ancre profondément dans son organisme, elle forme une voix de l’Étrangeté disloquant toute idée de frontière – littéraire, géographique, générique, ou physique. Le langage devient réappropriation du pulsionnel, réhabilitation de ce qui est perçu comme irrationnel. Rendre leur force aux mots invite à inverser les perspectives et à réaliser que c’est la perception de l’étrange, le concevoir autre, qui ouvre à ce que l’on est, à la complexité panique du monde. Les instincts éclairés, c’est-à-dire acceptés en tant qu’origine des tremblements de la chair et de la pensée, relèvent plus d’une cruelle lucidité face aux chaos de la nature et de soi, que d’un simple amas incontrôlable et mauvais. Lorsque la parole renoue avec sa violence, qui est puissance fondatrice, elle nous renvoie aux structures mythiques engendrant nos littératures, mais aussi à la place de l’écrivain, de la parole poétique faisant lien et liane avec nos représentations du vivant au sein de la communauté. / Marcel Moreau has always stood aside from the dominant thought of his age. He is incarnated and possessed by words, what he calls his “verbal body”. His work indeed shows a monstrous density: more than sixty books in fifty years. This thesis will attempt to define the poetics of the body while taking into consideration the building up of an intimate mythology that goes beyond himself, and beyond his rejection of any label. His writing directly engages the reader and integrates him in a tragic relation with his inner and outer self, sending him back into a reanimated passivity reality. A biographical approach is necessary because the Living is etymologically implied in the act of Writing. Thus, if the way he uses French is deeply embedded in his own organism, it creates a “voice of Strangeness” that dislocates the mere idea of frontiers – in literature, geography, genres, or even biology. Impulses finally express themselves through this poetical language, along with what is considered irrational. Words are living things whose strength can utterly change our cognitive structures. In Marcel Moreau’s mind, one is able to open up to what he is and to the panicked complexity of the world surrounding him thanks to his perception of strangeness and otherness. The writer aims at enlightening his instincts, as they are the origin of trembling flesh and trembling thought, even though they carry a charge of cruel lucidity within them. When speech bonds with its original violence, it brings us back to the mythical structures that created our literatures, but also to the condition of the writer and to the poetical language that binds our community together with its multiplicities.

L'œuvre d’Amelia Rosselli entend se dessiner, au sein de la poésie lyrique italienne, comme expérience de subversion du processus de sublimation et de stylisation du corps féminin. A travers la traduction et l’analyse de poèmes choisis contenus dans les recueil Cantilena (1953), La Libellula (1958) et Variazioni belliche (1964), nous avons conduit une tentative d’exégèse critique des textes. L’analyse des poèmes se poursuit à travers une pratique dialogique avec le texte poétique, à partir d'un positionnement critique à l’intérieur du comparatisme féministe.En partant de l'idée pétrarquiste d'élimination et de suppression du corps des femmes nous avons démontré comment la tentative d’apaiser la portée potentiellement dangereuse de l’affection amoureuse a donné lieu au déni de la sensualité. Le langage de la douleur transfigurée se traduit dans une poétique du « dispositif sursensuel », un processus semblable à celui que Gilles Deleuze avait repéré dans la personnalité littéraire de Sacher-Masoch. Le processus de subversion qu’on vient d’évoquer est accompagné du bouleversement des rôles traditionnels au sein du canon poétique européen. Ces déconstructions conduiraient à un rejet du corps organique et au même temps à la révélation d’une subjectivité excentrique. La révision des modèles littéraires du canon passe également par le réécriture d'un ensemble de figures féminines du répertoire mythique et littéraire au sein de l’antiquité gréco-romaine, lesquelles, prélevées de l’imaginaire patriarcal, sont réinterprétées et à nouveau poétisées au sein d'un Sujet poétique qui cherche à faire parler la voix d’une poète femme. / Amelia Rosselli’s work took shape, within Italian lyric poetry, as an experience of subversion of the process of sublimation and of stylisation of the female body. Through the translation and the analysis of the content of poems chosen from the collections Cantilena (1953), La Libellula (1958) and Variazioni belliche (1964), I conducted a critical exegesis of the texts. I performed an analysis according to suggestions of a dialogical practice with the poetical text and with a female subjectivity often hidden, anchored to my critical investment inside feminist comparatism. From petrarchist idea of deletion and “suppression” of women’s body – deletion, of which Pasolini talked already in relation to the genesis of Italian poetry and its characterisation of the lyrical canon – I analysed how the attempt to ease the impact potentially dangerous of love affection has caused the denial of sensuality. The language of camouflaged sorrow is then established as a deliberated choice included in some poetics where it is not the statement that reveals, but the poetical word, which in its cryptic canonical measure, is able to make resonate beyond declarations. We can observe the deployment of a “sursensual device”, similar process to what Gilles Deleuze perceived in Sacher-Masoch's literary personality. The process of subversion does not seem a reconstitution of identity roles, but rather a deconstruction of the traditional model. The starting point for the analysis of those deconstructions is based on the hypothesis that the non-functionality of the desiring organisms (desiring subject and desired object) will lead to a reject of the organic and at the same time to a revelation of an eccentric subjectivity. The revision of the literary model of the canon lies in the hypothesis that a set of female figures of the mythical and literary repertoire in Greco-Roman antiquity are placed in the imaginary practice of Amelia Rosselli's poetical writing, with a view to incorporate the nature of the characters born and conceived inside and by the patriarchal imaginary and to form the body of a subject that aims at making them speak through the voice of a female poet.

Pour Christine de Pizan, l’écriture et l’interprétation échappent irrémédiablement au vrai ; elles dépendent du vraisemblable et de l’opinion. Comment mener alors le lecteur vers le sens que l’auteur conçoit comme véritable ? Cette étude explore le lien unissant dans les œuvres narratives de Christine l’interprétation, le genre et la forme, comprise comme disposition, comme agencement intellectuel et matériel de la narration. Les manuscrits supervisés par Christine fondent les interprétations, enrichies par l’analyse des manuscrits non originaux et des éditions antérieures au XIXe siècle. De 1400 à 1408, les sept dits, les livres en prose et la Mutacion de fortune illustrent chez Christine deux modèles distincts d’enseignement narratif. Les dits transmettent une leçon implicite : les persona subjectives de l’auteur et du narrateur ne pouvant y servir de garant moral, c’est la disposition qui porte la signification. Le sens naît des concordances, des discordances et des ambiguïtés internes à la forme. Dans les livres en prose, l’auteur caractérise son propos en bien ou en mal, voix narrative et disposition explicitant des sens convergents. Dans ces deux modèles pourtant, l’écriture est toujours un mouvement de résolution : rêvant à dépasser la permanence du doute, elle élabore des procédés narratifs qui orientent a maxima l’interprétation. Le personnage d’auteur, propre à l’identification, devient lui-même une place interprétative proposée au lecteur depuis laquelle reconstruire par empathie une signification perpétuellement réactualisable. / For Christine de Pizan, writing and interpretation do not depend on truth but on plausibility and opinion. Considering this, how can the author lead the reader to the meaning he considers as truth? This study explores the connection between interpretation, genre and form in the narrative works of Christine de Pizan – form being understood as a disposition, as the intellectual and material layout of the narration. Manuscripts supervised by Christine form the basis of our study, enriched by later manuscripts and early editions printed before the 19th century. From 1400 to 1408, the seven dits, the prose livres and the Mutacion de fortune reflect two different models of narrative meaning. The dits give an implicit lesson. The author and the narrator’s persona are too subjective to be answerable for the moral sense; the meaning is transmitted by the book’s disposition. Interpretations arise from coherency, incoherencies and ambiguities lying in the text. In the prose livres, the subject is presented as good or evil by the author; narrator and disposition explicitly convey the same meaning. Both models can be characterized as a resolving dynamics: aspiring to go past doubt, the writing contains narrative procedures that frame the interpretation as much as possible. The author’s character itself is constructed to prompt the reader’s empathy and identification; it constitutes a place from which to update a universal meaning.

Cette thèse a pour objectif d’analyser Les enfants du capitaine Grant (1868) et Un capitaine de quinze ans (1878) de Jules Verne à l’aide de la théorie de l’initiation littéraire proposée par Simone Vierne, afin de comprendre les rouages du processus initiatique en fonction du lectorat ciblé. Un chapitre théorique, intitulé Théorie de l’initiation littéraire, propose une définition détaillée du concept d’initiation, autant dans son sens anthropologique que littéraire. Ce chapitre offre aussi une réflexion sur les effets de la violence dans la littérature pour la jeunesse – violence que Jules Verne, comme plusieurs autres auteurs et chercheurs – juge salutaire. Les deux chapitres suivants sont consacrés à l’analyse du contenu initiatique des Enfants du capitaine Grant et d’Un capitaine de quinze ans. Ces romans font pour la première fois l’objet d’une étude comparative approfondie qui s’attache à l’initiation sous ses trois principaux aspects : 1) les personnages, 2) les épreuves initiatiques, 3) la violence et la peur. En effet, ces deux romans à portée initiatique présentent plusieurs ressemblances au niveau des personnages, des univers diégétiques et de l’intrigue, mais on remarque néanmoins qu’Un capitaine de quinze ans, qui présente un novice adolescent, comporte des scènes beaucoup plus effrayantes et violentes que Les enfants du capitaine Grant, roman qui met en scène un héros enfant. Par la violence des épreuves et la variation de certaines données initiatiques, les deux romans s’adressent vraisemblablement à deux publics qui se distingueraient nettement dans l’esprit de Jules Verne : les enfants et les adolescents.

La critique littéraire représente une part non négligeable de l’œuvre de Constantin Chatzopoulos (Agrinion 1868 - Brindisi 1920). Comparée aux autres genres littéraires, auxquels il a sacrifié (poésie, prose, traduction, essais politiques), elle demeure jusqu’à nos jours le volet le moins connu de son œuvre. La première démarche indispensable afin de proposer une étude de son œuvre critique la plus complète possible, était de réunir l’ensemble de ses articles, parallèlement à ceux qui déjà étaient connus. Tel est l’objectif de la première partie de ce travail qui fait le point de la recherche. La seconde partie, théorique, suit la critique littéraire de Chatzopoulos dans le cadre des deux périodes de son développement : a) l’influence symboliste et nietzschéenne (1898-1902) et b) l’influence sociologique et marxiste (1907-1916). Sont présentés, pour ces deux phases, les revues littéraires qui ont accueilli les textes de l’écrivain. Chatzopoulos représente un chapitre important de l’histoire de la pensée critique grecque, car son œuvre rend compte des courants esthétiques et idéologiques de son époque auxquels elle est intimement liée. Dans la Grèce des débuts du siècle passé, il fut le premier à introduire les principes sociologiques et marxistes dans l’approche d’une œuvre littéraire. / Literary criticism represents an interesting part of the Constantinos Chatzopoulos’ (Agrinion 1968 - Prindisi 1920) writing creation. Until our days it remains the least known compared to other literature types, which he served (poetry, prose, translation, political essay). A condition for a fuller study of his work as a critic was the collection of his articles, in addition to those which were already known. Hence this is the aim of all the elements which compose the first research part of our thesis. The second, theoretical part of the thesis monitors the Chatzopoulos’ literary criticism works within the pale of the two phases it occurs: a) the symbolistic - nietzscheic (1898-1902) and sociological - marxist (1907-1916). In both stages the presentation of the literary publications in which works by the author appeared is preceded. Chatzopoulos represents an important asset in the history of the Greek critical thinking, because his work was associated with aesthetic and ideological movements of his time. In Greece of the early past century, he is the first to introduce the sociological and Marxist values into the approach of literary work.

Les études sur la réception des Liaisons dangereuses de Laclos sont abondantes, mais elles portent le plus souvent sur un petit nombre d’œuvres et très peu examinent l’ensemble des diverses écritures créées sous l’influence de Laclos et de son roman. Circonscrite aux imitations romanesques et dramatiques, ainsi qu’aux adaptations théâtrales et cinématographiques, cette thèse analyse une quarantaine de romans, une vingtaine d’œuvres théâtrales et neufs films, tous inspirés à des degrés divers du roman de Laclos. Cette étude a visé moins à démontrer son statut de chef-d’œuvre qu’à analyser sa valeur et son rayonnement au travers des œuvres considérées, à examiner leur rapport et à en discerner la manière particulière dont elles le perçoivent. L’exemple de Laclos démontre qu’un auteur est tributaire de la tradition littéraire. Il a su parfaitement associer les apports littéraires de son temps et l’héritage de l’époque précédente auquel son roman fait écho par des références et des allusions implicites ou explicites. À son tour, Laclos joue le rôle de référent dans les œuvres postérieures. Son roman est sans doute l’une des rares œuvres littéraires dont la réception riche et de longue date permet d’appréhender l’évolution selon l’époque et selon le genre. Les auteurs s’inspirent de son roman et leurs œuvres constituent un espace d’interprétation et de recréation alors que Laclos leur doit la reconnaissance de son œuvre. Le deuxième volume comprend entre autres la liste des représentations des Liaisons dangereuses et de Quartett de Heiner Müller et les extraits des critiques journalistiques, la transcription du film de Charles Brabant et la traduction du film coréen Scandale. / Studies on the reception of Laclos’ novel “Dangerous Liaisons” are numerous but they mostly focus on a small number of works and very few have a look at all the writings created under the influence of Laclos and his novel. Limited to romantic and dramatic imitations as well as to film and theatrical adaptations, this thesis analyses around forty novels, twenty plays and nine films all more or less inspired by Laclos’ novel. The first aim of this study is not to demonstrate its masterpiece status but to analyze its value and its influence through those adaptations, to examine their connections and to discern the peculiar way they comprehend it. The example of Laclos demonstrates that an author depends on the literary tradition. He was able to perfectly combine the contributions of his days and the legacy of the previous times to which his novel echoes through references and explicit or implicit allusions. In his turn, Laclos plays the role of referent in the works that came after him. His novel is probably one of the very few literary works the rich and long-time reception of which allows comprehending the evolution according to the time and the genre. Authors draw their inspiration from his novel and their works constitute an area of interpretation and new creation while Laclos owes them the recognition of his work. The second volume includes, among other things, the list of the performances of the Liaisons Dangereuses and of Quartett by Heiner Müller as well as excerpts of journalistic critics, the transcription of Charles Brabant’s film and the translation of the South Korean film Untold scandal.