Ce travail doctoral introduit le nouveau concept de capital mode appliqué aux marques de luxe. Défini comme la valeur ajoutée de la mode aux marques, ce nouvel outil a été fondé sur quatre études empiriques, deux qualitatives et deux quantitatives. Les résultats ont permis de (1) définir le concept en sept dimensions, (2) d’identifier le rôle du besoin de conformité, de différenciation des consommateurs, et l’implication dans les vêtements comme étant des antécédents du capital mode, (3) de mettre en avant les variables modératrices du modèle que sont les besoins des conformité et de différenciation du consommateur, ainsi que le capital marque, et enfin (4) d’exprimer ses conséquences relationnelles et comportementales au travers de l’engagement, du bouche-à-oreille, de la volonté de payer un prix premium et de l’intention de ré-achat / This doctoral work introduces the new concept of fashion equity applied to luxury brands. Defined as the added value of fashion to brands, this new tool was developed based on four empirical studies, two qualitative and two quantitative. The results allowed to (1) define the concept along with seven dimensions, (2) identify as antecedents, consumers conformity and differentiation needs, as well as clothing involvement (3) highlight the moderating variables of the model as consumer conformity, differentiation needs and brand equity, and finally (4) express the relational and behavioral consequences of the concept through commitment, word of mouth, willingness to pay a premium price and intention to re-purchase

Les lits funéraires de l’époque romaine sont issus d’une tradition ancienne dont les origines, au-delà des Grecs, remontent aux périodes historiques les plus reculées, en Égypte et au Proche-Orient. Depuis le XIXe siècle, les fouilles ont livré de nombreux vestiges chronologiquement situés pour la plupart entre le IIe s. av. et le IIe s. ap. J.-C. ; ils font écho à ceux découverts en contextes domestiques, certes moins nombreux, mais dont l’étude autorise des comparaisons intéressantes et une meilleure compréhension du sujet. La grande variété des modèles répertoriés m’a donc conduit à l’élaboration d’une typologie détaillée, incluant les formes les plus anciennes jusqu’à celles de la période romaine. Les publications consultées ont fait évoluer de manière significative notre connaissance des lits ornés de bronze et ceux rehaussés de décorations en os sculpté. En revanche, les attestations de lits en ivoire demeurent extrêmement rares, que ce soit en Italie ou dans l’ensemble du monde romain. La découverte à Cumes des restes de trois exemplaires, dont les décorations étaient sculptées en ce matériau précieux, constitue par conséquent un témoignage essentiel et de premier ordre. Les fragments étaient mélangés aux ossements des défunts et contenus dans des urnes, elles-mêmes déposées au sein d’importants mausolées. La remarquable qualité de facture et la grande finesse d’exécution, bien visibles sur certaines pièces conservées malgré la destruction engendrée par la crémation, ainsi que les thèmes iconographiques mis en scène, attestent des intentions ostentatoires des propriétaires, soucieux de montrer aux vivants leur statut social, leur richesse et leur vertu. La mise en contexte de ces trois lits et leur étude approfondie, au regard des occurrences connues, a permis pour chacun d’entre eux d’aboutir à une proposition de restitution graphique, préambule indispensable à une analyse iconographique et iconologique. Les résultats obtenus, mis en regard des mausolées dans lesquels ils furent découverts, ont conduit à une compréhension plus précise de la place prépondérante qu’occupaient ces lits dans le cérémonial des funérailles. / The funerary beds of the Roman period come from an ancient tradition, whose origins, beyond the Greeks, can be traced to the earliest historical periods, in Egypt and in the Near East. Since the 19th century, excavations have produced many vestiges, most of them dating back to between the 2nd C. BC up to the 2nd C. AD ; they echo pieces found in domestic contexts which, though less numerous, allow interesting comparisons and a better understanding of the topic. The large variety of the identified models led me to develop a detailed typology of these forms, from the most ancient ones up to those of the Roman period. The consulted publications significantly changed our knowledge of the beds adorned with bronze as well as those adorned with bone carvings. By contrast, instances of ivory beds are extremely rare, whether it be in Italy or in the whole Roman world. Thus, the discovery at Cumae of the vestiges of three ivory beds, adorned with this precious material, serves as essential and unique testimony. The fragments were mixed with the bones of the deceased and placed in urns, themselves located in important mausoleums. Their remarkable quality and meticulous workmanship, clearly visible upon some pieces, which survived the destruction caused by the cremation, as well as the iconographic staged patterns, testify to the conspicuous intentions of their owners, anxious to show their social status, their wealth and their virtues to the living. The contextualization and close study of these three beds, along with a comparison with the known examples, led for each of them to an attempt at a graphic restoration, as a prerequisite for an iconographical and iconological analysis. The achieved results, correlated with the mausoleums where they were found, led to a much more precise understanding of those beds and of the prominent position they enjoyed at the funeral ceremony.

L’objet de la présente recherche est d’examiner l’impact des attributs durables, tant environnementaux que sociaux, sur la qualité perçue des produits de luxe. Pour atteindre cet objectif, nous avons adopté une approche qui articule deux démarches complémentaires, l’une qualitative auprès des professionnels et consommateurs Parisiens, l’autre quantitative, nous avons mobilisé un modèle expérimental factoriel between-subject, réalisée en France et l’Arabie Saoudite. Le principal résultat de notre étude quantitative est que mentionner l'information durable sur un produit de luxe a un impact négatif sur la qualité perçue. En effet, les consommateurs saoudiens perçoivent un produit de luxe comme étant de qualité inférieure lorsqu’il comporte une information durable. A l’inverse les consommateurs français se montrent indifférents. Plus précisément, nos résultats montrent que c’est plutôt l’information sociale qui présente un effet significatif sur la qualité perçue. L’information environnementale semble avoir un effet neutre. Enfin, nos résultats indiquent que l’effet de l’information sociale sur la qualité perçue est modéré par le goût des consommateurs pour le luxe, l'image RSE et le pays d'origine des consommateurs. / The purpose of this research is to examine the effect of sustainable attributes on the perceived quality of luxury products. To get to our goal, a complementary approach using both qualitative and quantitative studies has been adopted. In the qualitative method, two studies with professionals and consumers are conducted. For the quantitative method, we employed an experimental between-subject factorial design realized in France and Saudi Arabia. The key finding of our quantitative study is that mentioning sustainable information has a negative impact on the perceived quality of luxury products. However, while no significant effect is observed in the case of French respondents, Saudi consumers perceive a product to be of lower quality when sustainable information is presented compared to the absence of this information. More particularly, social information impacts strongly and negatively the perceived quality in contrary with environmental information which has no effect. This effect is moderated by the degree of liking of luxury, the CSR image, and consumers’ country of origin.

La plupart des études portant sur le bijou au XIXe siècle privilégient l’aspect stylistique et formel. La question des usages est, quant à elle, le plus souvent éludée et les rares considérations d’ordre social ou sociétal, lorsqu’elles sont abordées, demeurent anecdotiques. Or, le bijou joue un rôle social déterminant, notamment dans l’expression de la fortune mais aussi dans le processus d’identification et d’appartenance à un groupe. À cet égard, les périodiques de mode constituent un support d’étude des plus précieux. Ils nous renseignent sur l’usage très codifié que les femmes appartenant à l’élite faisaient de leurs bijoux, et implicitement sur la place et le rôle qui étaient assignés à ces dernières dans la société du XIXe siècle. Le périodique de mode constitue par ailleurs une source très intéressante pour contextualiser la création du bijou, qui devient dès lors un miroir des événements. Le bijou apparaît comme le reflet d’influences diverses, à la fois du point de vue technique, du choix des matériaux employés, du style adopté, des formes ou encore par la symbolique des décors travaillés. Grâce aux descriptions de bijoux contenues dans les chroniques de mode ainsi qu’aux gravures qui les accompagnent, nous retracerons une histoire des formes en discriminant les grandes tendances récurrentes entre 1820 et 1870 avant d’aborder celles qui caractérisent une période en particulier. Nous exploiterons aussi les mentions publicitaires afin d’examiner les relations qu’entretiennent les différents acteurs participant à la fabrication et au commerce des bijoux avec les phénomènes de mode. / Most studies regarding 19th-century jewellery favour the study of its stylistic and formal aspects. As for its uses, they are most often eluded and the rare social and societal considerations, when they are tackled, remain anecdotal. Yet, jewellery plays a determining social role, especially in the expression of wealth but also in the process of identification and of belonging to a group. For this, fashion periodicals constitute a most precious support for study. They tell us about the very codified use women from the elite made of their jewellery, and implicitly of the place and role that was assigned to them in 19th century society. The fashion periodical is also a very interesting source to contextualise the jewel creation, which thus becomes a mirror of events. Jewellery appears as a reflection of various influences, all at once from the technical point of view, the choice of materials, the chosen style, the form or the symbolism of the worked designs. Through the descriptions of jewellery contained in fashion chronicles and engravings that accompany them, we shall retrace a history of forms by categorising the great trends recurring between 1820 and 1870 before dealing with those characterising one particular era. We shall also use advertisement notices in order to examine the relationships linking the different actors that participate in the making and marketing of jewellery with the fashion phenomena.

L'invention de l'imagerie médicéenne a accompagné la campagne politique initiée par Cosimo I, investi duc de Florence en 1537, puis duc de Sienne en 1559, et grand-duc de Toscane en 1570, pour établir une autorité dynastique à la tête d'un principat créé en 1530 par Charles Quint et enraciner un pouvoir autocratique pour ses héritiers. Les arts du textile, de l'ornement et de la joaillerie sont aux fondements de cette image du pouvoir médicéen. Dans un contexte économique et culturel où Florence était considérée, sur la scène internationale, comme un des principaux foyers de l'artisanat du luxe et de la création artistique, les Medici utilisèrent cette renommée à leur avantage. Ils se firent représenter en ambassadeurs de la culture florentine pour faire reconnaître leur identité et promouvoir leur légitimité auprès de la société de cour européenne. Simultanément, ils prirent des mesures financières et législatives en faveur de la modernisation industrielle de leur État, du déploiement européen du marché textile régional et de la fondation d'un centre international de l'artisanat d'exception. Le portrait du costume définit la représentation d'une esthétique originale, en lien avec ce contexte singulier, qui fut instrumentalisée pour afficher une image à la hauteur de telles ambitions. Grâce à cette vitrine du luxe florentin, traduite avec une plasticité minutieuse et une authenticité sidérante, les portraits témoignent d'une stratégie des apparences orchestrée pour répondre à un double objectif : ériger Florence en joyau de l'art de la Renaissance et exalter le prestige royal conquis par les grands-ducs de Toscane. / The creation of the Medicean portraiture has supported the political campaign started by Cosimo I, invested duke of Florence in 1537, then duke of Siena in 1559, and Grand Duke of Tuscany in 1570, to establish a dynastic authority on a princely state created by Charles V and to ensure the continued existence of an autocracy for his heirs. The arts of textile, ornament and jewellery are the pillars of this image of power. In an economic and cultural context where Florence was regarded as one of the major centers of luxury and artistic creation, the Medici used this world-renowned culture to their advantage. They became its ambassadors in order to have their identity recognized and to promote their legitimacy in the eyes of the European courtly society. At the same lime, they took financial and legislative measures to help the industrial modernization of their State, the European expansion of the Tuscan textile market and the foundation of an international and unparalleled center of the arts and crafts. The portrait du costume defines the representation of an original aesthetics, in connection with this singular context, which was mounted to realize such ambitions. With the exhibition of Florentine luxury, depicted with meticulous materiality and stunning authenticity, the portraits bear witness to a strategy of appearances staged to fulfill a double objective: enhance Florence as a jewel of Renaissance art and exalt the royal prestige conquered by the Grand Dukes of Tuscany.

Ma thèse a pour objet l’étude des couleurs du mobilier d’apparat en bronze dans le monde gréco-romain, produit entre le IIe s. av. n. è. et le IIe s. de n. è. en Méditerranée. Elle place au cœur de sa démarche historique la caractérisation des couleurs, leur analyse technique et l’étude de leurs valeurs symboliques, associées à des contextes de production et de réception précis. Redonner en effet aux couleurs toute leur place dans l’ameublement de luxe en bronze, en conduire l’étude typologique, iconographique et technique, les replacer dans leur contexte de réception permet de comprendre non seulement l’impact visuel recherché par le maître de maison, mais aussi et surtout leurs valeurs spécifiques dans l’élaboration du discours des élites à destination de leurs semblables et des autres classes de la société. Pour identifier et comprendre cette polychromie, une démarche interdisciplinaire combinant des méthodologies archéologiques, archéométriques et sociologiques a été appliquée. 538 pièces de mobilier en bronze à décors polychromes sont ainsi recensées et réparties dans diverses catégories. Ces multiples données sont réunies et mises en relation grâce à la création et l’utilisation d’une base de données relationnelle nommée « Iris ». La convergence de ces méthodes et de ces angles d’attaque du matériel étudié vise à un seul but : apprécier la valeur des couleurs et des autres traitements de surface de ces objets de luxe d’inspiration grecque dans le processus général d’acculturation des populations et provinces romaines au modèle gréco-romain, un modèle défini par Paul Veyne comme propre à un Empire où « la culture y était hellénique et le pouvoir était romain ». / My thesis aims to study the colours of bronze ceremonial furniture produced by the Greco-Roman world between the 2nd century BCE and the 2nd century CE in the Mediterranean. The main objective is to characterize of colours, their technical properties, and symbolic values associated with specific production and reception contexts.Consequently, by using archaeological contexts, techno-typological and iconographic studies, the objective of this research is to characterize the specificity and originality of the use and visual impact of bronze in the elaboration of the discourse of the Greco-Roman elite, owner of this ostentatious furniture; this discourse is also aimed at this elite as other classes of Roman society.My thesis explores as much the history of techniques as that of arts and mentalities. It combines archaeological, archaeometric, and sociological methodologies for an interdisciplinary approach. 538 pieces of bronze furniture with polychrome decorations are identified and divided into different categories. Furthermore, these multiple data are also collected and linked through the creation and use of a relational database named “Iris”.The convergence of these methods has a single purpose: to appreciate the significance of colours and to investigate other surface treatments on Greek inspired luxury furnishings. The gradual acculturation of “the Greek world” as a result of Roman expansion is evident in a study of this furniture, its colours, and other treatments using the same historical perspective as defined by Paul Veyne as: an Empire where “la culture y était hellénique et le pouvoir était romain”.

Cette thèse s'intéresse à la constitution de la qualité des produits de luxe. Elle réalise une revue de la littérature sur le luxe et revient sur les traitements de la question de la qualité dans la sociologie économique contemporaine. A travers six chapitres empiriques, elle considère de façon longitudinale le travail des parfums et des vins (de Bourgogne) : elle suit un développement de parfum de marque dans un grand groupe de marketing ; elle décrit un parfumeur de niche, les Éditions de Parfums Frédéric Malle ; elle revient sur le travail des matières premières naturelles de la parfumerie fine à travers l'exemple du Laboratoire Monique Rémy à Grasse ; elle décrit le travail de la qualité des vins chez un négociant spécialisé dans les vins fins ; elle observe le travail de la vigne et du vin dans un grand domaine, le Domaine Leflaive ; elle revient sur l'histoire et la réussite contemporaine du Domaine de la Romanée-Conti. Par l'écheveau des modalités de qualification des produits de luxe qu'elle fait apparaître, la thèse éloigne de tout automatisme comme de toute réduction le rapport qu'il y a entre luxe et qualité. Puis en ressaisissant et en mettant en perspective ce qui se donne à voir dans son terrain, elle élabore une théorie du travail du précieux comme mode original de qualification et d'individualisation des produits.

Ce travail s'interroge à propos du rôle du concept de " l'expérience de la marque " dans la perception de l'image des marques de luxe auprès d'une cible jeune grand public. Pour ce faire, il mobilise trois domaines majeurs dans le marketing : l'expérience, le luxe et l'image de marque. L'approche expérientielle, peu exploitée dans le domaine du luxe, s'avère concluante. Les résultats permettent de dégager une typologie de l'image spécifique à la marque de luxe démontrant ainsi l'insuffisance des typologies existantes. Ils permettent également de proposer un cadre pour l'expérience de la marque spécifique à la marque de luxe. Ils soulignent par ailleurs le rôle des expériences vécues auprès de la marque comme source majeure d'associations et donc d'imagerie. Sur le plan managérial, cette étude propose une meilleure compréhension de la perception de l'image des marques de luxe auprès de la cible, susceptible d'orienter les stratégies d'entreprises.

Les entreprises de l'industrie du luxe sont aujourd'hui soumises à une pression constante de la part des marchés pour développer et produire une plus grande variété de nouveaux produits dans des délais toujours plus courts. Néanmoins, cela doit se réaliser en répondant tout à la fois aux critères fondamentaux de l'industrie tels que concevoir l'unique, réaliser l'extravagance et rendre le produit à son plus haut niveau de qualité. L'amélioration des processus de développement de produits par les paradigmes du lean et de l'agilité connus sous le terme "leagility" peut apporter des réponses à ces défis. Poursuivis conjointement, les objectifs du lean et de l'agilité se focalisent d'une part sur l'élimination des gaspillages tout en créant un flux continu sur la chaîne de valeur et d'autre part, se concentrent sur une réponse proactive face à la demande des marchés. Cependant, considérant la multiplicité de techniques et d'outils leagiles, il n'est pas simple pour une organisation de sélectionner les initiatives de transformation les plus performantes ainsi que les activités à réaliser afin de répondre efficacement aux besoins d'amélioration spécifique relatifs aux objectifs stratégiques de l'entreprise. Définir, déployer et piloter un plan de transformation cohérent par rapport à la vision de l'organisation et considérant son niveau de maturité d'adoption des bonnes pratiques en développement de produits requièrent une rigueur et une implication soutenue des membres de l'organisation ainsi qu'une vision claire des objectifs à atteindre lesquels s'illustreront par des résultats tangibles et mesurables. Reconnaissant cette difficulté industrielle, cette thèse propose une méthodologie de transformation leagile en développement de produits permettant de conduire la transformation d'une organisation sur tout son cycle de vie allant de l'initialisation de la vision jusqu'au pilotage des initiatives d'amélioration leagiles de manière incrémentale. En d'autres termes, l'approche soutient les utilisateurs et les guide dans la conduite d'un diagnostic de maturité, dans la sélection des leviers d'amélioration appropriés, dans le choix des outils et des techniques d'amélioration associés ainsi que dans la construction et dans le déploiement d'un plan d'intervention reposant sur une séquence détaillée d'activités prenant en compte les bonnes pratiques de la conduite du changement.

L'épanouissement économique des manufactures de céramiques françaises tout au long du XIXe siècle et au début du XXe siècle est propice à la revalorisation des valeurs industrielles au sein des arts décoratifs. Les industriels s’appliquent à fournir des produits de qualité à moindre coût, à toutes les classes, grâce aux améliorations techniques et à l'abaissement des coûts des techniques décoratives. À partir des années 1860, les productions japonisantes participant à ce phénomène se diffusent dans les intérieurs bourgeois et entrent dans un cadre plus général : celui des productions céramiques reproduites à grande échelle, mises en œuvre par des fabriques à Paris et en province tout au long de la période concernée, y compris durant l'entre deux-guerres. En privilégiant dans un même mouvement collectif tel style, telle forme et tel décor, les différents milieux fournissaient aux fabricants et aux créateurs de modèles une direction à suivre dans la production du japonisme en céramique. Les artistes industriels ont dès lors cherché à surmonter la fracture entre art d'élite et goût populaire. Ces nouveaux objets peu coûteux devaient correspondre à des critères esthétiques et pratiques très hétérogènes. La stratégie commerciale des manufactures de céramiques et des centres de distribution a de fait été façonnée en conséquence. Le bibelot en céramique, facilement manipulable, illustre par ailleurs les représentations d’un pays imaginé et appréhendé de manière collective grâce aux expositions, au cinéma, au théâtre et à la littérature. Ces images contribuent à l’émergence d’une culture populaire urbaine dont le caractère commercial est assumé ; en ce sens, cette céramique fait partie de l’univers du « kitsch » en tant que communication de masse utilisée par la classe moyenne. / The economic growth of manufacturing earthenware and porcelain in the province triggered a flourishing industrial standard in the decorative arts. The Beautiful and Industry are the two new values inseparable, celebrated by the production of French ceramics until the end of the first half of the twentieth century. Manufacturers want to provide quality products at lower costs to all classes. Improvements in ceramic materials and technical casting, as well as lowering the cost of decorative techniques, have encouraged the opening up the hierarchy of decorative arts. These new technical processes took part in the improvement of living conditions of the bourgeoisie and smaller classes. Japanese style productions were large-scale diffused in bourgeois interiors since 1860’s. These works fall into a broader context: the large-scale pottery production, implemented by factories in Paris and the provinces throughout the period, including during the interwar period. Industrialization brings to market products that must seek the attention of all classes. These inexpensive items had to correspond to aesthetic and practical heterogeneous criterion. By focusing on the same style as collective motion, such as shape and decoration, the different environments provided producers a direction to follow in models making. Business strategy of manufacturing has been designed accordingly. The ceramics “curio”, easy to handle, illustrates the representations of an imagined and apprehended country in a collective way thanks to exhibitions, movies, plays and literature. These representations contribute to the emergence of an urban popular culture whose commercial character is clearly assumed. This ceramics is part of the universe of “kitsch” as mass communications used by the middle class.