Dans ce travail, nous analysons les contes d’Emilia Pardo Bazán parus dans le journal, d’obédience monarchique, Blanco y Negro entre 1895 et 1910. Femme de Lettres très féconde, elle n’en demeure pas moins une journaliste très engagée dans un siècle finissant et en pleine mutation. Ainsi, nous étudions ses activités journalistiques et littéraires en relation avec ses engagements socio- politiques et décortiquons sa collaboration avec le journal. Nous examinons aussi comment son statut de femme journaliste influence son œuvre littéraire. L’interférence entre les deux modes d’écriture est analysée à partir de l’édition de texte et de la structuration du récit. Nous déterminons les relations entre les deux discours étant donné qu’ils s’abreuvent des deux modalités d’écriture. / In this essay, we have analysed the tales of Emilia Pardo Bazán published in the newspaper, of monarchical obedience, Blanco y Negro between 1895 and 1910. A very fertile woman of letters, she is nonetheless a journalist very committed to a century ending and changing. Thus, we have studied her journalistic and literary activities in relation to her socio-political commitments and let's dissect her collaboration with the newspaper. We have also examined how her status as a female journalist has influenced her literary work. The interference between the two writing modes is analysed from the text editing and structuring of the story. We have determined the relationship between the two discourses as they have drunk from both writing methods.

Cette thèse entreprend de lire l'œuvre d'Émile Zola au regard d'une poétique de la révélation psychophysiologique. Elle tente de saisir la structure, scientifique et imaginaire, des rapports analogiques et métaphoriques du corps et de l'esprit, qui s'élabore autour de la problématique de l'aveu. L'établissement de correspondances entre le physique et le psychique, entre le musculaire et l'émotionnel, entre l'osseux et le penchant, entre le tressaillement et la passion, entre la saillie et le talent signale l'intérêt boulimique des sciences de l'homme au XIXe siècle pour le parallélisme, la séméiologie et la taxinomie. Il manifeste surtout l'idée d'un langage métaphorique révélateur de l'intériorité de l'individu. Émile Zola n'échappe pas à cet attrait pour les fonctions éloquentes et indicatives du corps qui anime son époque. La vérité en régime naturaliste est produite par le corps, car sur lui et en lui se lisent les phénomènes de la psyché, qui sont successivement conscients et inconscients. Cette étude s'intéresse donc aux mises en scène des discours de vérité et des « paradigmes indiciaires » (Ginzburg) du corps dans l'œuvre zolienne à la lumière des rituels d'aveux élaborés par la psychiatrie et la religion durant le XIXe siècle. Le roman naturaliste, influencé par les sciences médicales, s'attarde aux détails lisibles de l'anatomie dont il offre une riche symptomatologie. Il insiste aussi, en complément du langage corporel, sur l'énonciation d'une intériorité cachée qui trouve son aboutissement dans les processus d'aveux. L'enjeu de cette thèse est de développer un raisonnement sur le fonctionnement, dans l'œuvre d'Émile Zola, de la révélation d'une vérité intime du sujet, qui s'articule sur un outillage mental et des techniques scientifiques contemporains à l'écrivain afin de questionner son projet littéraire fondé sur un « tout-dire ». Construit sur l'histoire des savoirs et des idées (la psychiatrie, la médecine clinique, les institutions religieuse et judiciaire), et sous l'angle de la « sémiologie historique » (Courtine), qui étudie, d'un point de vue médical, les signes de l'expressivité corporelle, ce travail de recherche compare, dans un premier temps, les rites religieux et psychiatriques dans la thérapeutique des consciences (confession, traitement moral, hypnose) pour saisir leur réappropriation et leur investissement romanesques dans l'œuvre zolienne. L'analyse des « cures » psychologiques rêvant une discipline des sens qui ordonne la sexualité féminine montre qu'elles conduisent dans le récit naturaliste à une débauche de l'âme plutôt qu'à un redressage du corps. Cette étude commente ensuite les techniques de mesure morphologique qui explorent l'intériorité et la subjectivité des individus déviants. L'examen des phénomènes psychophysiologiques dans le roman expose l'importance de la motricité automatique dans les processus de révélation. L'activité spontanée du physique et de la psyché signale l'inexprimable, l'inconnu et l'indicible du personnage. Dans ces conditions, Zola fonde une anthropologie de la non-conscience dans laquelle les pulsions et les appétits prennent le pas sur le vouloir des personnages. Finalement, l'analyse de l'intégration du modèle de la confession dans la critique médico-littéraire de l'œuvre artistique dévoile que l'aveu se transforme, dans le document clinique, en récit de cas (ou vice-versa) et que le style fait signe au regard de la révélation qu'il apporte sur la personnalité de l'auteur. Devenue une confession médicale, l'œuvre est passée au tamis de la vérité et au crible du dicible. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Émile Zola, Aveu, Corps, Psyché, Confession, Thérapeutique de l'âme, Psychiatrie, Médecine, Littérature.

Thèse de doctorat : LITTERATURE FRANCAISE : Metz : 2000. / 2000METZ001L. 678 ref.

Comment les romanciers naturalistes ont-ils raconté le suicide? Quel est le traitement qu’ils ont réservé à ce thème officiellement honni, étant par trop lié aux chimères sentimentales des écrivains de la génération précédente? Loin de faire l’objet d’une condamnation unanime pour romantisme excessif, la mort volontaire essaime partout dans le roman naturaliste, impose sa présence énigmatique et ses valeurs tant polémiques que polysémiques, déploie – sur ce terreau austère qu’est l’écriture expérimentale – sa portée symbolique et heuristique sous la fascination qu’éprouvent ces romanciers devant les grands mystères sublimes et mortifères. Si la conjoncture épistémologique de l’époque fait du suicide une question avant tout médicale, la littérature naturaliste elle-même puise son originalité et ses fondements théoriques dans les sciences de la nature, en particulier la médecine; néanmoins, la mort volontaire se charge, chez les romanciers de cette veine, d’un capital philosophique qui, en tant que savoir et discours extrinsèques au récit, demande à être interrogé avec minutie. Aussi, à partir d’un bassin de douze romans parus entre 1857 et 1898 sous la plume de Gustave Flaubert, Edmond et Jules de Goncourt, Émile Zola, Alphonse Daudet, Guy de Maupassant et Édouard Rod, nous retenons huit problématiques principales, orientées suivant deux axes de réflexion : natures et philosophies du suicide. Tout au long sont sondées les portées spéculative et littéraire de la mort volontaire dans ces œuvres. / How did the French Naturalist novelists portray suicide? How did they deal with the romantic overtones of self-murder, a theme so strongly linked to the sentimental outbursts voiced by the previous generation of writers? Far from being banned for excessive romanticism suicide, albeit the object of openly expressed disdain by Naturalists, spreads its fiery black wings over much of the theoretically barren land that is the body of realistic novels complying – overtly or unwittingly – with the principles of Le Roman expérimental. The flaming, menacing, and enigmatic shadow thus cast over an intently objective and scientific literature is surprisingly apt at developing both polemic and polysemous fruits, and as it turns out sheds new light under the frightened but eager scrutiny of these novelists who found themselves fascinated by its great mystery, both sublime and deadly. If the state of knowledge at the time made suicide a problem essentially pertaining to medical and natural science, Naturalist literature itself was intent on synchronizing its depictions with the data, approach, and lexicon presented in scientific treatises. Yet suicide in these novelists’ fictions is loaded with a distinct philosophical sense which demands to be studied closely. Twelve Naturalist novels centered around self-murder, covering a forty-year period (1857-1898), stemming from Flaubert, Goncourt, Zola, Daudet, Maupassant, and Rod, serve as main ground for our investigation of eight chief interrogations, following two main orientations: we first review the diverse natures of suicide, then its many philosophies. Throughout are contemplated the literary and speculative reach of voluntary death.

Nous partons du constat que l’actuelle urgence écologique (réchauffement climatique, crise de la biodiversité, pollutions) constitue notre condition historique durable. Causée par des activités économiques et sociales identifiables, elle engage la pérennité de multiples espèces vivantes et met en question l’avenir de notre espèce. Cette thèse de philosophie interroge le concept d’espèce humaine, saisi sous l’angle de la naturalité évolutive et écologique, pour prendre acte de la fin de sa version pré-darwinienne sans rouvrir la route au biologisme racialiste et aux délires hiérarchiques criminels que ce dernier a accompagnés. L’enjeu théorique est d’élaborer une ontologie de l’espèce humaine, qui ne cède pas aux mystifications naturalisantes, mais fournisse des repères pour affronter l’urgence écologique. Cette ontologie se forge avec Hans Jonas et Robert Antelme, deux auteurs marqués par l’expérience du nazisme, qui aident à formuler un monisme dialectique non réductionniste, dont puisse dériver une éthique de la vie dans le monde, de la reconnaissance et de la solidarité élargies. La conviction qui guide ce travail est que l’urgence écologique est politique en ce que s’y joue la projection de destins collectifs. Contre la tentation de sauver l’espèce humaine (ou certaines de ses portions) via des « augmentations » biotechnologiques prétendant la faire passer au-delà de la catastrophe ou au-delà d’elle-même, tout en esquivant notre responsabilité présente, nous soutenons que la considération des « limites planétaires », où se diffractent spectre de la mort et désir de pouvoir, appelle un travail sur les conditions d’habitabilité humaine et non-humaine de ce monde, dans lequel l’expérience démocratique trouve matière à se renouveler sans céder à la panique. / The starting point of my study is the observation that the current ecological emergency (global warming, biodiversity crisis, pollution) shapes our long-term historical condition. The ecological emergency, which results from identifiable economic and social activities, threatens the continued sustainability of a wide range of species and places the future of our species in jeopardy. My dissertation in philosophy consequently explores the concept of human species, which I address from the point of view of its evolving and ecological naturality. In so doing, I intend to take note of the end of a pre-Darwinian definition, and at the same time I refuse to pave the way for any racialist biologism and for the criminal hierarchies it brought about. What is at stake here for theoretical research is the elaboration of an ontology of human species, which will not give in to any deceptive naturalizing doctrine and will provide us with landmarks to face the ecological emergency. This ontology builds upon two authors, Hans Jonas and Robert Antelme, who endured the experience of Nazism. Their works are central to elaborate a non-reductionist dialectical monism, which can generate an ethics of our life in the world and an ethics of greater recognition and extended solidarity. I argue that the ecological emergency is political in so far as it is the future of collective destinies which is at stake. My approach dismisses the urge to save the human species – or parts of it - by resorting to biotechnological enhancements which would supposedly help our species to step beyond the catastrophe or even beyond “humanity” while shirking our responsibility here and now. I accordingly claim that deeper consideration of planetary boundaries - as well as the spectre of death and the desire for power they imply - calls for a work on the conditions in which humans and non-humans can properly inhabit the world and the democratic experience can be renewed without giving way to panic.

La « critique de la langue » chez Fritz Mauthner (1849-1923), qui se décline comme critique de la presse et de la culture, critique littéraire, critique de la philosophie et des sciences, est une critique, par son style et son écriture, des modes intellectuelles et des idéologies codées par les usages de langue de son époque. Notre travail replace l’ensemble des écrits de Mauthner dans leur contexte d’apparition, le Berlin de la fin du XIXe siècle, et documente l’implication de Mauthner dans le mouvement de la modernité littéraire, autour de la Freie Bühne de Berlin. Ces écrits invitent à interroger les paradoxes constitutifs de la Modernité, et l’articulation entre les notions de crise et de critique qui traversent le champ littéraire, scientifique et philosophique. Il s’agit donc de mettre en évidence une stratégie d’écriture qui, dans le contexte de la spécialisation et de la vulgarisation des savoirs modernes et de leurs terminologies, revêt une dimension polémique et politique. Cette stratégie sert une critique immanente à la langue, qui procède par imitation et détournement des mots-clef, des effets de discours et des formes d’expression de la pensée dominante. Nous montrons enfin de quelle manière cette écriture, avec son recours à des figures ou quasi-figures du discours impropre, exemplifie et alimente une conception métaphorique, contextuelle et dialogique de la langue, approche sémantique visant à exclure les notions d’identité et de propriété et les jugements de valeurs d’une réflexion historique sur la langue et la culture. / This dissertation shows that Fritz Mauthner’s (1849-1923) famous “critique of language” should be understood as a unique mode and style of attack on the literary cultures and ideological codes of his time, characterized by the development of print media. His work was unique because, through his critiques of literary, journalistic, and scholarly writings, Mauthner developed a powerful form of immanent critique of language that engaged typical forms of thought in that period as it was embedded within the topoi of late nineteenth century Berlin practices of writing. By adopting and repeating the period’s chauvinistic and anti-Semitic clichés he exposed – through modes of irony and parody – their failures and anti-modernistic images. By contextualising all of Mauthner’s late nineteenth century writings, in particular his critical approaches to modern literature, this work reconstructs Mauthner’s unmasking of modernity’s constitutive paradoxes through the links that he revealed between literary, scholarly, and philosophical modernity.

L’objectif de la présente étude est de démontrer comment Zola, dans L’Assommoir considère l’alcool et comment le naturalisme est un outil pour faire la leçon sans esthétique, ou plutôt en ayant développé une esthétique nouvelle, dure et brute. Nous avons également essayé d’analyser en quoi l’esthétique de l’alcool épouse ou nuance le message moralisateur de l’auteur dans cette oeuvre. Nous avons mis en relief les relations de cause à effet entre l’alcoolisme et la médiocrité humaine. L’idée directrice est que si la médiocrité peut toucher tous les hommes, quelle que soit leur classe sociale, elle touche plus souvent et plus durement la classe ouvrière, les laissés pour compte, en les conduisant ou en s’ajoutant en plus à la détresse sociale, financière, et la faim. Nous avons ainsi constaté en quoi l’alcoolisme est le principal facteur déclencheur et accélérateur de cette médiocrité, qu’elle brise les rêves et enchaine à la misère. / The purpose of this study is to demonstrate how Zola in L’Assommoir considers alcohol and how naturalism is a tool to lecture without aesthetics, or rather develops a new aesthetic, hard and brutal. We have also tried to analyse how the aesthetics of alcohol marries or nuances the moralizing message of the author in this work. We have highlighted the cause and effect relationship between alcohol and human mediocrity. The guiding line is that if mediocrity can affect all men, it affects the working class more often and harder, leaving them in or adding to a state of social and financial distress, even hunger. We have seen that alcoholism is the main trigger and accelerator of this mediocrity, that it breaks dreams and binds to misery.

Célèbres et reconnus mais peu discutés, les films réalisés par Erich von Stroheim, entre 1919 et 1929 à Hollywood, occupent une place problématique dans l’histoire et la théorie du cinéma. Les discours contradictoires ou paradoxaux qu’ils ont inspirés animent cette recherche. Œuvre à la fois mutilée, reconstruite ou ruinée, elle est indissociable d’une expérience du temps. La versatilité des mondes et les métamorphoses de l’intrigue qu’elle propose, malgré un régime narratif évident, invitent à reconsidérer les catégories de l’histoire du cinéma muet américain. Interrogeant la représentation de l’histoire, ces films donnent à penser l’événement de la Première Guerre mondiale comme un point aveugle, et livrent une historicité composite. Au sein des pratiques du cinéma muet hollywoodien, les films de Stroheim se distinguent par l’invention d’un montage en accolade produisant une continuité qui incite à envisager la question de la durée. Ces films s’écartent de ce qu’à la même époque instaure le naturalisme américain par-delà les modèles littéraires. Pour analyser ce cinéma dans sa complexité, sera examiné l’être stroheimien selon les devenirs qui le font changer dans la durée, différemment de son appréhension dans le temps chronologique. De sorte que leurs devenirs se mesurent relativement aux êtres cédant à l’entropie ou au contraire demeurant des invariants. Selon cette configuration générale, Stroheim crée les conditions d’une expérimentation distincte de celle du naturalisme traditionnel. / The films directed by Erich von Stroheim in Hollywood between 1919 and 1929, though little discussed, are famous and renowned, but they still remain an issue in both film history and film theory. Contradictions and paradoxes that characterize the discourses on these films drive this research. The works of Erich von Stroheim were in turns butchered, reconstructed, destroyed. Our aim is to show that it entails strongly an experience of time. Despite their obvious narrative plots, these films suggest a changeability of worlds and a metamorphosis of plot that lead us to review the standard approaches of American silent film history. While they question the representation of history, these films make the event of World War I appear as a blind spot, and reveal heterogeneous modes of historicity. Within the experiences of Hollywood silent films, the works of Erich von Stroheim are characterized by the creation of a bracket montage (montage en accolade), producing a continuity that invites us to consider the issue of duration. Beyond literary models, these films differ from what is established by American naturalism at the time. In order to make way for their complexity, we will study the Stroheim-being according to what it becomes and changes itself in duration, which is not what we could understand of it in chronological time. So what becomes of it is estimated with regard to its yielding to entropy, or, on the contrary, its remaining invariably the same. In accordance with this general configuration, Stroheim creates conditions that experiments a new way for naturalism.

« Pour arriver, voyez-vous, il n’y a que le théâtre… ». C’est ce conseil, adressé par Janin aux frères Goncourt en décembre 1851, qui oriente rapidement ces jeunes écrivains vers le chemin épineux du théâtre et de la mise en scène. Le Journal des Goncourt raconte durant quarante-cinq ans la relation tumultueuse des écrivains d’Henriette Maréchal avec la scène. Néanmoins, l’œuvre dramatique d’Edmond et de Jules de Goncourt est très peu étudiée et attire rarement les éditeurs. En témoigne l’absence de toute édition moderne de cette œuvre. Ce travail propose une édition électronique de quatre pièces écrites par les Goncourt : deux pièces originales signées par les deux frères : Henriette Maréchal (1865) et La Patrie en Danger (1889) et deux adaptations de romans réalisées par Edmond de Goncourt : Germinie Lacerteux (1888) et Manette Salomon (1896). Il s’agit à la fois d’une édition critique enrichie par des notes et des fiches thématiques, lexicales et biographiques, d’un espace interactif où les chercheurs pourraient à la fois puiser des ressources relatives à l’expérience dramatique des frères Goncourt et compléter les notes et textes annexés à cette édition, et enfin d’une illustration de l’apport des nouvelles technologies à l’édition et à l’étude des textes littéraires. La recherche témoigne d’une expérience d’exploration assistée par ordinateur d’un corpus littéraire et d’une réflexion sur la particularité et les limites d’une telle expérience. / « To succeed there is only drama ... » This is how Janin advice the Goncourt brothers in December 1851, which quickly directs these young writers to the tricky path of theater and drama. The Journal des Goncourt tells for forty-five years the tumultuous relation of the writers of Henriette Maréchal with the stage. However, the drama of Edmond and Jules de Goncourt is little studied and rarely attracts editors. The absence of any modern edition of their work is a proof to that. This work suggests an electronic version of four plays written by the Goncourt: two original works signed by the broth-ers themselves: Henriette Maréchal (1865) and La Patrie en Danger (1889) and two ad-aptations of novels by Edmond de Goncourt: Germinie Lacerteux (1888) and Manette Salomon (1896).It is both a critical edition enriched by notes and fact sheets, lexical and bio-graphical. That is an interactive space where researchers could both draw resources for the dramatic experience of the Goncourt brothers and complete texts and notes attached to this issue, and finally an illustration of the contribution of new technologies to the edition and study of literary texts. It is a computer-based research of a literary corpus and a reflection on the particularity and the limits of such an experiment.

Tels que l’historiographie de l’art les a enregistrées, l’œuvre de Paul Rebeyrolle et sa carrière (1945-2005) posent question au-delà de cette définition stricte, base factuelle d’une hypothétique notice d’encyclopédie : qu’est-ce qu’un peintre français des IVe et Ve républiques ? Paul Rebeyrolle est connu pour être méconnu, reconnu, toujours, comme un excellent peintre, loué par certains comme l’un des plus importants de la période, en France, mais demeure réduit à la portion congrue de l’histoire de l’art contemporain français, lorsque celle-ci juge bon de le mentionner. Il a pourtant bénéficié d’un succès précoce, dans les années 1950, dans le sillage d’un Bernard Lorjou ou, surtout, d’un Bernard Buffet, avant de subir un désaveu équivalent. Un marchand aussi important qu’Aimé Maeght et des préfaciers aussi renommés que J.-P. Sartre ou M. Foucault n’y auront rien changé. En cela, il est exemplaire de tout un pan de l’art français qui, avec la Ve république et sa politique culturelle, semble avoir été déclassé pour un certain nombre de raisons qu’il reste encore à évaluer : différends esthétiques, mésententes plastiques, dénis hérités de la querelle des abstraits et des figuratifs, non-dits liés à la question de l’engagement politique de l’artiste, imprécisions ou partis-pris critiques et légèreté des commentaires journalistiques friands de poncifs... Autant de malentendus qui ont contribué à brouiller la juste appréciation de son œuvre et l’ont tenu éloigné d’une véritable reconnaissance institutionnelle. / The way they’ve been retained by Art historiography, Paul Rebeyrolle’s work and his carreer (1945-2005) appear to be problematic beyond this strict definition, factual basis for an hypothetical encyclopedia entry : what defines a French painter under the 4th and 5th republics ? Paul Rebeyrolle is well-knowed for being under-estimated, always acknowledged as a great painter, sometimes even praised as one of the most important painters of that period, in France, but still limited to the smallest share of the French history of contemporary art, when this one finds it appropriate to mention it.Yet he benefited of an early success, during the 50’s, in the wake of painters such as Bernard Lorjou and especially Bernard Buffet, before enduring a similar disavowal. An art dealer as important as Aimé Maeght and preface writers as renowned as Jean-Paul Sartre or Michel Foucault didn’t make any difference. Thus, he appears to be paradigmatic of an entire part of French art which, under the 5th republic and its cultural policy, seems to have been downgraded for a certain number of reasons that still needs to be evaluated : aesthetic disagreements, plastic discords, denial inherited from the abstract and figurative painters’ quarrel, unsaid things about the artist’s political commitment, art critics’ vagueness and preconceived opinions, journalistic frivolity fond of clichés... As many misunderstandings that led to interfere with a fair appraisal regarding his work and prevented him from ever getting a real institutional recognition.